La independencia de Cataluña y la unidad de España

20 Nov

Opinión

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Banderas catalanas y españolas en Barcelona durante el Día de la Hispanidad (12 de octubre de 2017). Fuente: http://www.laregion.es (Licencia CC).

En poco más de mes y medio la crisis catalana ha pasado de “No nos moverán” a “Todos a la cárcel” y “Alguien voló sobre el nido del cuco”. Lo que comenzó siendo un conflicto político-social de baja intensidad se ha transformado en un esperpento digno de las mejores novelas del género creado por Valle-Inclán. Porque en este último episodio del separatismo catalán se ha “deformado la realidad”, se han intensificado sus “rasgos grotescos” y el lenguaje corriente se ha “sometido a una elaboración muy personal”, según la definición del término elaborada por la Real Academia (RAE).

La realidad se ha intentado desfigurar a través de noticias falsas que circulan por las redes sociales, mediante la manipulación informativa llevada a cabo por los medios afines al separatismo y hasta con la trasnochada injerencia del espionaje ruso que ha difundido información simulada en un conflicto que a efectos prácticos ni les va ni les viene. Todo ello con un resultado tan artificial que sólo ha servido para reforzar las opiniones de los más acérrimos del “procés” y para llamar la atención de un público extranjero por lo general indiferente y poco interesado en la actualidad de la vida política española.

El punto grotesco se ha manifestado en un expresidente de la Generalitat de Catalunya vacilante, endeble y temeroso, que no duda en hacer “fórum shopping” por Europa, es decir, acogerse arteramente a la jurisdicción más favorable a sus intereses, tras su sorprendente fuga a Bruselas para evitar la cárcel en España. Además hay que sumar una presidenta del Parlamento autonómico que, como Groucho Marx, cambia de ideología (“estos son mis principios, si no le gustan tengo otros”) según cómo de cerca vislumbre las rejas de una celda carcelaria.

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Crítica de cine. El muñeco de nieve

10 Nov

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Fotograma El muñeco de nieve

Fotograma de la película “El muñeco de nieve” (Universal Pictures, 2017). Fuente: Internet.

La llegada a los cines de El muñeco de nieve ha venido precedida por una sorprendente sucesión de malas críticas, desde su director, el sueco Tomas Alfredson, hasta el autor de la novela sobre la que se basa el thriller, Jo Nesbø. Por ello, se podría pensar que existen razones ocultas para sabotear la película o incluso que todo forma parte de una extraña estrategia de márquetin para promocionarla.

Desaciertos

La impresión que genera El muñeco de nieve no es tan mala como la pintan, ni tan buena como se esperaba. Se trata de un thriller policíaco con un argumento bastante trillado (la desaparición y asesinato en serie de mujeres -siempre mujeres- con un patrón común) que se resuelve de forma irregular y que falla no tanto en la dirección como en el montaje y la estructura del guion.

Una de las víctimas de “El muñeco de nieve”

Una de las víctimas de “El muñeco de nieve” (interpretada por la actriz Chloë Sevigny). Fuente: Internet.

→Tráiler de “El muñeco de nieve” (Universal Pictures, 2017). Fuente: You Tube:

El director, Tomas Alfredson, se justifica: “La etapa del rodaje en Noruega fue demasiado corta. No logramos desarrollar toda la historia y cuando empezamos a montar descubrimos que se había perdido mucho. Es como cuando estás haciendo un gran puzle y faltan piezas, por lo que no puedes ver bien el conjunto”. (NRK)

El escritor Jo Nesbø, en principio entusiasmado con el proyecto (“cuando me di cuenta de que la visión que los productores tenían sobre la película era la misma que la mía me alegré mucho”), matizó su opinión tras las críticas recibidas (“creo que mi libro ha sido una fuente para el director, pero ahora es su historia. El muñeco de nieve es una película que no es mi historia“).

Lo cierto es que la película comenzó siendo uno de esos proyectos de Hollywood con principio cierto y un final que no se termina de vislumbrar. Martin Scorsese, productor ejecutivo de la cinta, iba a ser su director inicial en el año 2011. Finalmente, el proyecto se fue demorando hasta que cayó en manos de Alfredson en 2014.

De la historia publicada por Jo Nesbø, Alfredson y su equipo de guionistas decidieron suprimir algunas tramas (la atracción fatal entre los detectives protagonistas, por ejemplo), así como acortar excesivamente otras (que afectan a los sospechosos) y adaptar algunos detalles que no coinciden con la narración original. Todo ello contribuye a deslavazar la trama y a dificultar el seguimiento de la acción por el espectador.

Aciertos

El film cuenta con un reparto internacional de actores que compensa en buena medida los fallos narrativos. Un solvente Michael Fassbender da vida a Harry Hole, el detective encargado de resolver los asesinatos junto a su compañera, la agente Katrine Bratt (interpretada por Rebecca Ferguson). A la pareja protagonista se unen los secundarios J. K. Simmons (algo encasillado en papeles de villano tras la impactante Whiplash), las actrices independientes Charlotte Gainsbourg y Chloë Sevigny, así como un sorprendente Val Kilmer, de vuelta a la gran pantalla tras superar recientemente una grave enfermedad.

Escena protagonizada por Rebecca Ferguson y Michael Fassbender

Escena protagonizada por Rebecca Ferguson y Michael Fassbender en el papel del detective alcohólico Harry Hole. Fuente: Internet.

 

J.K. Simmons interpreta al político y empresario Arve Støp.

J.K. Simmons interpreta al político y empresario Arve Støp. Fuente: Internet.

Los guionistas logran dibujar personajes interesantes, anodinos por fuera y muy políticamente incorrectos por dentro. Algo que se va descubriendo poco a poco, según va transcurriendo el metraje. Nadie es lo que parece, excepto Harry Hole y su alter ego, el detective Gert Rafto, quienes aceptan sin complejos su problemática naturaleza.

De El muñeco de nieve también destaca su impresionante fotografía, con planos rodados en Oslo y Bergen, ciudades noruegas donde transcurre la trama. El inicio del film rodado en la Carretera del Atlántico, impacta por su belleza y su desolación, al igual que las escenas que protagoniza Val Kilmer en el hermoso pero amenazador monte Fløyen.

 Val Kilmer (el detective Gert Rafto) en el monte Fløyen

Secuencias rodadas en exteriores: El detective Gert Rafto (Val Kilmer) dispara al aire en el monte Fløyen, en Bergen. Fuente: Internet.

El muñeco de nieve es un film de suspense convencional en su planteamiento que posiblemente haya decepcionado más a los seguidores de la novela en que se inspira que a los que la descubran ahora. La película cumple su función, que es entretener, aunque la exposición de los hechos resulte algo inconexa en una adaptación cinematográfica rodada con demasiadas prisas y una excesiva expectación.

Valoración: 3,5/5 estrellas.

+ info:

Cartel publicitario de “El muñeco de nieve”.

Cartel publicitario de “El muñeco de nieve”. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

→El muñeco de nieve se estrenó en España el 12 de octubre 2017.

Es la adaptación cinematográfica de la séptima novela negra de la serie dedicada al detective Harry Hole, publicada por el escritor noruego Jo Nesbø en 2007. Las once novelas de la serie han vendido 36 millones de libros en todo el mundo.

La película, dirigida por el director sueco Tomas Alfredson, es una coproducción de EE.UU., Gran Bretaña y Suecia. En ella participa un elenco de actores internacionales: Michael Fassbender (germano-irlandés), Rebecca Ferguson (sueca), J.K. Simmons (estadounidense), Val Kilmer (estadounidense), Chloë Sevigny (estadounidense), Charlotte Gainsbourg (franco-británica), James D´Arcy (británico), Jonas Karlsson (sueco) y David Dencik (sueco-danés).

Historias de Halloween. Houdini contra Arthur Conan Doyle

31 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Houdini. Arthur Conan Doyle

El ilusionista Harry Houdini esposado durante uno de sus números y el escritor Arthur Conan Doyle (dcha., imagen de dominio público). Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El 31 de octubre de 1926, en la madrugada de Halloween, Harry Houdini, quien fuera el más célebre ilusionista de principio del siglo XX abandonaba definitivamente el mundo de los vivos.  Las circunstancias de su muerte fueron sorprendentes ya que el mejor escapista de la historia no fue capaz de huir de una muerte fortuita, no prevista y por consiguiente no ensayada, como todas sus performances. Houdini falleció por una inesperada peritonitis, sobrevenida tras una apuesta y pelea imprevista que el mago aceptó con unos jóvenes desconocidos unos días antes. Cuando falleció tenía 52 años.

Previamente Houdini había convenido con su esposa Bess que se comunicaría con ella a través de un código secreto, si es que existía vida en el más allá. Diez años después de su desaparición oficial y ante la falta de respuesta, Bess Houdini decidió abandonar la misión: “diez años es demasiado tiempo para esperar a cualquier hombre”, anunció. Los Houdini habían asestado el último golpe en su lucha personal contra el espiritismo que se había puesto tan de moda entre las clases altas de la época.

Sugestión vs. ilusionismo

Houdini había iniciado su particular cruzada contra el espiritismo tras la muerte de su madre en 1913. El mago, de origen húngaro, fue invitado por su amigo Sir Arthur Conan Doyle (el padre de Sherlock Holmes) a presenciar en Londres las populares sesiones de Tea and Table moving, en las que personalidades de la alta sociedad de Francia, Inglaterra o EE.UU. se reunían con médiums para comunicarse con sus familiares fallecidos en la Primera Guerra Mundial. Conan Doyle, a pesar de su intelectualidad y racionalismo era un hombre que había perdido a un hijo y a varios familiares más, y se había convertido en un adepto a la causa.

Harry Houdini y Conan Doyle

Harry Houdini y Arthur Conan Doyle durante el tiempo que duró su amistad. Fuente: Internet.

En 1922, Jean Leckie la segunda esposa del escritor inglés, aficionada como su marido al espiritismo, se ofreció a ejercer de médium para contactar con la querida madre de Houdini. Pero este pronto descubrió la farsa, ya que el presunto espíritu se dirigió a él en inglés cuando su progenitora solo hablaba húngaro en vida. Los Conan Doyle justificaron el desliz asegurando que los difuntos eran capaces de aprender otros idiomas.

Jean Leckie

Jean Leckie, segunda esposa de sir Arthur Conan Doyle, en 1922. Fuente: Internet.

El engaño dio paso al nacimiento de una profunda enemistad pública entre dos de las celebridades más admiradas del mundo del arte y del espectáculo de los años veinte. Mientras Conan Doyle seguía creyendo a pies juntillas en la existencia de espíritus y seres que habitaban en otra dimensión, Harry Houdini se esforzaba por demostrar de forma científica la falsedad de tales creencias. De nada sirvió que Houdini le revelara a Conan Doyle algunos de sus trucos ya que el escritor siguió pensando que las habilidades de su examigo eran de origen paranormal.

Houdini con el fantasma de Lincoln

Houdini junto al “fantasma” de Abraham Lincoln. El ilusionista demostró que la imagen de los espíritus que aparecían en fotografías se obtenía mediante la técnica de la doble exposición (Imagen de dominio público).

 

Houdini y un espíritu

Recreación de un fenómeno paranormal en la exposición “Houdini, las leyes del asombro” (Fundación Telefónica, 2017). Houdini intenta capturar a un presunto espíritu. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Houdini, un ilusionista que basaba sus trucos en la técnica, la ciencia y el entrenamiento deportivo llegó incluso a defender una enmienda ante el Congreso de EE.UU. para tipificar como delito las prácticas espiritistas que se llevaban a cabo en las tertulias de la alta sociedad de su país de adopción. Aunque la propuesta finalmente no salió adelante, el ilusionista continuó denunciando en la prensa los trucos empleados por los supuestos médiums a los que desenmascaraba. Con el tiempo, y gracias al empeño de figuras públicas como Houdini, el movimiento que se había iniciado a mediados del siglo XIX en Francia perdió fuerza y credibilidad.

Houdini escapando encadenado

Harry Houdini no tenía poderes sobrehumanos sino que practicaba de forma técnica y a conciencia cómo escapar encadenado bajo el agua, en barriles, celdas o ataúdes. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

Cartel show Houdini

Cartel anunciador de un “show” de Harry Houdini. Autora (foto): Samia Benaissa Pedriza

→A modo de homenaje, cada 31 de octubre, día de Halloween, los seguidores de Harry Houdini practican una sesión de espiritismo en la que intentan contactar con el mago desde el más allá.

A pesar de que fueron muchos los aspirantes a descifrar el código Houdini, nadie fue capaz de adivinarlo. El código estaba formado por diez palabras secretas extraídas de una carta de Arthur Conan Doyle. La esposa del ilusionista, la única persona que lo conocía, reveló finalmente su contenido: “Rosabelle, believe“. Cada letra se correspondía con un número referido a su posición en el alfabeto.

 

→La serie de ciencia ficción El ministerio del tiempo recrea en uno de sus episodios la sesión de espiritismo en la que Harry Houdini pretende comunicarse con su madre fallecida así como el engaño llevado a cabo por el matrimonio Conan Doyle. También cuenta cómo Houdini desenmascaró al español Joaquín Argamasilla, quien pretendía poseer el don de ver a través de los objetos:

Vídeo. El ministerio del tiempo. Temporada 2, capítulo 14. “Tiempo de magia”. Emitido por Televisión Española.

Exposición Brujas. Metamorfosis de Goya

18 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Maribel Verdú. El Aquelarre de Goya

La actriz Maribel Verdú participa en “El Aquelarre” de Goya gracias a la imaginación de Denise de La Rue. Autoría y Copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

 

La duquesa de Osuna

La duquesa de Osuna retratada por Francisco de Goya en 1785 (Imagen de dominio público).

En 1797, a Josefa Alonso de Pimentel, duquesa de Osuna, se le ocurrió decorar el gabinete de su casa de campo de El Capricho con una serie de cuadros sobre brujería y superstición. A finales del siglo XVIII la persecución de las brujas ya no era una costumbre propia de la Inquisición sino más bien una nueva moda surgida entre los literatos e ilustrados de la “villa y corte” de Madrid. La figura de las brujas fue satirizada por escritores y pintores de la época como el célebre Francisco de Goya y Lucientes, quien dedicó nada menos que tres series al tema: Asuntos de Brujas (por encargo de su mecenas, la duquesa de Osuna), los grabados Los Caprichos y las famosas Pinturas Negras.

Frente a la imagen de la bruja grotesca y decadente, objeto de las burlas de los intelectuales de finales del XVIII, la artista mexicana Denise de la Rue ha querido mostrar, tres siglos después, una visión luminosa del poder femenino en su serie fotográfica “Brujas”, inspirada en las seis obras de Goya que adornaron los muros del palacio de “El Capricho”. Las imágenes, de gran formato, se exponen ahora de forma temporal en otra residencia de lujo, el Palacio de Parque Florido, sede del Museo Lázaro Galdiano.

Palacio de El Capricho

Palacio “El Capricho” situado en el Parque del Capricho, en Madrid. Fuente: (Ayuntamiento de Madrid. http://www.madrid.es).

Cuatro fotografías retroiluminadas por cajas de luz destacan la presencia de las actrices españolas Maribel Verdú, Inma Cuesta, Adriana Ugarte y Bárbara Lennie. Las intérpretes Macarena García y Verónica Echegui aparecen en dos fotografías más en blanco y negro creadas a partir de tules. Todas ellas lucen vestidos de diseñadores españoles de vanguardia: Ana Locking vistió a Maribel Verdú y a Macarena García, Inma Cuesta se puso un traje de Cortana y Fernando Claro fue el responsable del estilismo de Verónica Echegui. Adriana Ugarte recurrió a Roberto Diz y Bárbara Lennie se puso dos trajes, uno de Alvarno y otro de Jorge Vázquez (en el vídeo).

Inma Cuesta. Brujas de Goya

Fotografía de la actriz Inma Cuesta, inspirada en la obra de Goya, “Las Brujas” (1797-1798). Autoría y copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Bárbara Lennie. Brujas de Goya

La actriz Bárbara Lennie sustituye en “El Hechizado por fuerza” a don Claudio, el sacerdote que creía estar embrujado en la comedia que escribió Antonio de Zamora en 1698 y en la que Goya se inspiró para pintar su cuadro homónimo. Autoría y copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Adriana Ugarte. Brujas de Goya

Adriana Ugarte es la nueva protagonista de “Vuelo de Brujas”, original pintado por Francisco de Goya. Autoría y copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Para crear su serie, De la Rue se inspiró en El Aquelarre y Las Brujas, obras de la colección permanente del Museo Lázaro Galdiano, así como en Vuelo de Brujas (o El dómine Lucas) del Museo del Prado y El Hechizado por fuerza (propiedad de la National Gallery de Londres). Las otras dos pinturas que formaron parte de la serie original pintada por Goya entre 1797 y 1798, La cocina de los brujos y El convidado de piedra (o Don Juan y el Comendador), tuvieron que ser reinterpretadas a partir de fotografías históricas ya que en la actualidad se encuentran en paradero desconocido. La serie “Asuntos de Brujas” se dispersó en 1896 y no ha vuelto a ser reunida.

Macarena García. Brujas de Goya

Macarena García en una nueva versión de “El Convidado de piedra”, pintura de Goya inspirada en la obra homónima del dramaturgo Antonio de Zamora publicada en 1700 sobre el mito de Don Juan. Autoría y copyright: Denise de la Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Verónica Echegui. Brujas de Goya

La actriz Verónica Echegui participa en la recreación de “La cocina de los brujos”, de Francisco de Goya. Autoría y copyright: Denise De La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La exposición incluye también un vídeo producido por Denise De la Rue y en el que la actriz ganadora de un Goya, Bárbara Lennie, da vida a la pintura “El aquelarre”.

Bárbara Lennie. Vídeo Brujas de Goya

Vídeo inspirado en la obra de Goya “El Aquelarre” (1797-1798), protagonizado por la actriz Bárbara Lennie. Goya se inspiró en el proceso de las Brujas de Zugarramurdi (1610), en el que se acusó a dos hermanas de asesinar a sus hijos para dar contento al diablo. Autoría y copyright: Denise de la Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

Cartel exposición Brujas de Goya

Cartel de la exposición “Brujas” en el Museo Lázaro Galdiano. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→ Exposición Brujas. Metamorfosis de Goya. Denise de La Rue. Hasta el 31 de octubre de 2017. Museo Lázaro Galdiano. C/ Serrano 122. Madrid.

→La exposición “Brujas” de Denise de La Rue es la continuación de la muestra “Ángelas”, que estuvo abierta al público hasta el 2 de abril de 2017 en la ermita de San Antonio de La Florida, lugar donde reposan los restos de Goya. De La Rue recreó cinco frescos del célebre pintor aragonés protagonizados por ángeles de sexo femenino. La artista mexicana también contó con la participación de cuatro actrices españolas y una colombiana: Michelle Jenner, Claudia Traisac, Anna Castillo, Natalia de Molina y Juana Acosta.

→Galería de fotos de la exposición “Ángelas”.

 

Juana Acosta. Angelas De La Rue

La actriz colombiana Juana Acosta posa para la exposición Ángelas” de Denise de La Rue. Fuente: Internet.

Original o copia. Radiohead vs. The Hollies

8 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Radiohead y The Hollies.

La banda de rock alternativo Radiohead (arriba) y los británicos The Hollies en los años setenta. Fuente: Internet.

Radiohead vuelve a estar de actualidad por la celebración de los veinte años de Ok Computer, su tercer álbum de estudio y con el que la banda se dio a conocer mundialmente. Antes la formación británica había editado Creep, un tema perteneciente a su disco de debut Pablo Honey, sospechosamente parecido a The air that I breathe una canción de The Hollies firmada nada menos que por Albert Hammond y  Mike Hazlewood en 1972. La publicación de Creep levantó serias dudas sobre si se trataba de una composición original, una versión o bien un plagio del tema de Hammond que The Hollies popularizaron en 1974. Hasta que la Justicia dictó sentencia.

Creep, de Radiohead (1993). Fuente: You Tube.

The air that I breathe de The Hollies (1974). Fuente: You Tube.

The air that I breathe de Albert Hammond (1972). Fuente: You Tube.

Valoración

Valorar si Creep es o no un plagio de The air that I breathe resultaría inútil teniendo en cuenta que hace años un tribunal británico de determinó que sí lo era. Las semejanzas son demasiado patentes como para negar la evidencia: la introducción del tema de Albert Hammond versionado por  The Hollies fue reflejada nota por nota en el puente de Creep. Incluso los propios Radiohead reconocen haber discutido acaloradamente en su día por editar el tema tal y como fue compuesto. Como fuera, solo podemos alegrarnos por la decisión final de publicarlo, ya que a pesar del plagio, de no hacerlo, la historia de la música se hubiera perdido un clásico de primer orden.

Obviando el respeto debido al gran Albert Hammond y a Mike Hazlewood, lo cierto es que The air that I breathe habría caído en el olvido si no hubiera sido por la famosa adaptación que Radiohead hicieron hace un cuarto de siglo. Veinticinco años después de su primera aparición como single en 1992, Creep se ha convertido ya en un clásico histórico y en un hit imprescindible para los fans de la banda.

+ info:

→Aunque Creep nunca alcanzó el número uno (su posición más alta fue el número dos del Billboard americano en el Hot Modern Rock Tracks) el tema obtuvo una enorme popularidad entre los seguidores del rock alternativo de los noventa.

En un principio la BBC se negó a radiarla por considerarla una canción depresiva. Paradójicamente, los propios Radiohead también llegaron a odiarla pero por considerarla demasiado comercial. De hecho la banda se negó a tocarla en directo hasta el año 2001. Fue escrita por el cantante de la banda, Thom Yorke, en 1992 aunque el guitarrista Jonny Greenwood también aparece en los títulos de crédito. En aquel año la canción pasó inadvertida hasta que un locutor de una radio estadounidense reparó en el tema y comenzó a difundirse por todo San Francisco.

De Creep se han hecho versiones por artistas consagrados como The Pretenders, Robbie Williams o Prince. Obtuvo el premio NME al mejor single.

The air that I breathe está incluida en el disco  de 1972 del cantautor Albert Hammond It never rains in Southern California (suyas son la música y la letra) y en el álbum Hollies que la banda del mismo nombre publicó en 1974 con la autorización de Hammond y Hazelwood. Al igual que Creep, de Radiohead, solo alcanzó el número dos en las listas de sencillos británicas y el número seis en el Billboard americano.

Cuando Albert Hammond y Mike Hazlewood se dieron cuenta de las semejanzas entre el tema que habían compuesto en la década de los setenta y el de Radiohead, iniciaron un proceso judicial para ser incluidos como coautores de Creep. La justicia finalmente les dio la razón.

Del tema de soft rock The air that I breathe se han hecho versiones por parte de Simply Red, K.D. Lang o Philip Everly.

Parecidos razonables. Sean Penn vs. Richard Fortus

25 Sep

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Sean Penn. Richard Fortus

El actor Sean Penn y el guitarrista Richard Fortus. Fuente: Internet.

Cabellera salvaje, mandíbula regia, boca fruncida y apéndice nasal poderoso. Esta podría ser la descripción de un soberano del medievo, de un boxeador de otra época o de un mafioso de la cosa nostra. Sin embargo, son los rasgos que comparten Sean Penn y Richard Fortus, dos celebridades a quienes su físico no ha condicionado en absoluto. Estudios de grabación y celuloide son los escenarios donde el actor de Hollywood y el segundo guitarrista de Guns´N´Roses han construido con éxito sus respectivas carreras artísticas.

→Sean Penn

Nombre completo: Sean Justin Penn

Fecha de nacimiento: el actor nació el 17 de agosto de 1960 en Santa Mónica (California, EE.UU.). Tiene 57 años. Penn se crio en una familia dedicada al cine y la televisión. Su padre era director de series de televisión y su madre actriz de Hollywood. Penn es el segundo de tres hermanos (el músico Michael Penn y el también actor Chris Penn, fallecido en 2006).

Profesión: actor y director de cine

Trayectoria profesional: Sean Penn debutó en la pequeña pantalla en 1974 en un papel episódico en la serie La casa de la pradera, dirigida por su padre, Leo Penn. En los años ochenta se dedicó de lleno al cine aunque no fue hasta una década después cuando comenzó a cosechar éxitos por parte de la crítica. Obtuvo su primer Oscar de Hollywood en el año 2003 por su interpretación protagónica en Mystic River y cinco años después volvió a repetir la experiencia en Milk. Desde 1991 ha dirigido cinco largometrajes y parte del documental sobre el 11-S, 11´09´01- September 11.

Vida privada: En 1985, cuando estaba en la cima de su popularidad, contrajo matrimonio con la cantante Madonna, aunque el matrimonio se rompió cuatro años después, entre acusaciones por malos tratos y presiones mediáticas. En 1996 volvió a casarse con la protagonista femenina de La Princesa Prometida, Robin Wright con la que ha tenido dos hijos. La pareja se divorció en 2010.

Sean Penn se ha señalado como activista político en favor de los derechos humanos. El actor, que se declara marxista, tampoco ha ocultado sus simpatías por los regímenes de Cuba y Venezuela. En 2015 llegó a entrevistar al “Chapo” Guzmán, narcotraficante huido de la justicia mexicana, para la revista Rolling Stone.

Está de actualidad por: el estreno en Europa de su última película como director, The Last Face, protagonizada por el actor español Javier Bardem y la expareja de Penn, Charlize Theron. El film, una historia de amor surgida entre dos cooperantes de ayuda humanitaria en Liberia y Sierra Leona, ha obtenido críticas dispares.

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→Richard Fortus

Nombre completo: Richard Fortus es su nombre completo real

Fecha de nacimiento: 17 de noviembre de 1966 (50 años). Fortus es natural de Saint Louis, Missouri (EE.UU.).

Profesión: guitarrista profesional

Trayectoria profesional: la carrera musical de Richard Fortus comenzó en 1982. A los quince años logró ser aceptado en la prestigiosa orquesta St. Louis Youth Symphony y posteriormente obtuvo una beca para proseguir sus estudios en la Universidad del Sur de Illinois. Fortus tenía claro que su especialidad iba a ser la guitarra eléctrica, aunque antes de formar su primera banda ya se había curtido en todas las especialidades (blues, jazz y rock). En la década de los ochenta formó parte de tres bandas: Pale Divine, The Psychedelic Furs y Love Spit Love. Posteriormente trabajó como músico de estudio y directo para artistas tan diversos como Ozzy Osbourne, Puff Daddy o Enrique Iglesias. También ha compuesto numerosas bandas sonoras de películas como Monster, The Fast and the Furious y Driven, además de música para videojuegos, anuncios publicitarios y programas de televisión.

Desde el año 2002 es el guitarrista rítmico de Guns´N´Roses, en la formación no original que reunió el cantante Axl Rose tras la separación de la banda en 1996. Tras la reunión de Guns´N´Roses en 2016, Richard Fortus ha mantenido su puesto en la banda.

Vida privada: Richard Fortus contrajo matrimonio en 2016 con la abogada Stephanie Howlett. Tiene dos hijas, Paisley Piper y Clover Blue, nacidas en 2005 y 2008 de su anterior matrimonio con la modelo Jennifer Teichman.

Está de actualidad por: la exitosa gira mundial que Guns´N´Roses están llevando a cabo y por el anuncio de la grabación de un nuevo disco de la banda de hard rock en más de veinte años, confirmado por Richard Fortus.

Diferencias y semejanzas

Sean Penn. Richard Fortus

El protagonista de Mystic River, Sean Penn y el guitarrista de Guns ´N´Roses, Richard Fortus (dcha.). Fuente: Internet.

Lo más cerca que Sean Penn ha estado nunca de tocar una guitarra ha sido en la película de 2011 Un lugar donde quedarse en la que interpretaba a un decadente músico cincuentón inspirado en la figura de Robert Smith, el cantante de The Cure. Nada que ver, por tanto, con las habilidades de Richard Fortus, porque el de Penn es otro tipo de talento.

Fortus y Penn comparten unos rasgos físicos potentes, pertenecen a una misma generación y han experimentado una trayectoria artística muy variada. Penn goza de la fama desde hace tres décadas mientras Richard Fortus ha estado trabajando a la sombra de distintos músicos de prestigio hasta que Axl Rose se fijó en su talento y lo incorporó a la celebérrima banda de rock Guns´N´Roses. Ahora parece ser más bien el momento de Richard Fortus, aunque no se puede descartar que Sean Penn nos vuelva pronto a sorprender con alguna película o interpretación digna de un nuevo Oscar.

La prosa del transiberiano y las pinturas de Sonia Delaunay

10 Sep

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Poema la Prosa del transiberiano

Portada, texto completo e ilustraciones del poema “La prosa del transiberiano y de la pequeña Jeanne de Francia”. Blaise Cendrars/Sonia Delaunay (1913). Imágenes de dominio público.

En 1913, el escritor Blaise Cendrars y la pintora Sonia Delaunay unieron sus fuerzas para crear el primer libro “simultáneo”, una obra híbrida escrita en verso libre bajo la forma de una balada. Un ejemplar de La prosa del transiberiano y de la pequeña Jeanne de Francia puede consultarse ahora en la exposición que el Museo Thyssen-Bornemisza ha dedicado a la artista y diseñadora de origen ruso.

El poema rememora el viaje en el tren transiberiano que Blaise Cendrars realizó cuando contaba 16 años, aunque adaptado por la imaginación del autor, que en esta versión literaria va acompañado por la “pequeña Jeanne”, una joven meretriz, desde Moscú hasta París. El poema, escrito en los primeros meses de 1913, innovó tanto por su forma (sin rima ni puntuación en algunos pasajes) como por su presentación. El texto, con una extensión de dos metros, se relaciona con las imágenes creadas por Sonia Delaunay en una edición doblada en acordeón que fue publicada por la revista de Cendrars, Les Hommes nouveaux.

Prosa del transiberiano edición acordeón

La pintura-texto “La prosa del transiberiano y de la pequeña Jeanne de Francia”. (Cendrars/Delaunay, 1913). Fuente: Internet.

Sonia Delaunay se inspiró en el ritmo irregular y entrecortado del poema, -similar al de una locomotora- para producir fragmentos desordenados de color entretejidos con la narración. Era la primera vez que poeta y pintora experimentaban con el concepto de “simultaneidad” de forma colectiva, una tendencia que, a decir verdad, carecía de auténtico sentido. El término fue empleado tanto por artistas gráficos (los futuristas, Robert y Sonia Delaunay) como por escritores (el propio Cendrars, Henry-Martin Barzun) para referirse a la modernidad en términos generales (es decir, la ruptura con todas las formas conocidas de interpretar el arte).

Cendrars y Delaunay, dos buenos amigos que había presentado el poeta Guillaume Apollinaire, trataron de explicar que su creación común representaba una forma inédita de contemplar la poesía y la pintura desde una nueva perspectiva sonora y visual. Pero, a pesar de los esfuerzos, el poema no suscitó buenas críticas.

→Fragmento del poema La prosa del transiberiano y de la pequeña Jeanne de Francia:

Le Kremlin était comme un immense gâteau tartare croustillé d’or,

Avec les grandes amandes des cathédrales, toutes blanches

Et l’or mielleux des cloches…

Un vieux moine me lisait la légende de Novgorod

J’avais soif

Et je déchiffrais des caractères cunéiformes

Puis, tout à coup, les pigeons du Saint-Esprit s’envolaient sur la place

Et mes mains s’envolaient aussi avec des bruissements d’albatros

Et ceci, c’était les dernières réminiscences

Du dernier jour

Du tout dernier voyage

Et de la mer.

→Traducción libre al castellano (Autora: Samia Benaissa Pedriza):

El Kremlin era como un inmenso pastel tártaro con crocante de oro

Con esas almendras grandes de las catedrales, tan blancas

Y el oro meloso de sus campanas…

Un monje anciano me leía la leyenda de Novgorod

Estaba sediento

Y descifraba unos caracteres cuneiformes

Cuando, de pronto, las palomas del Espíritu Santo echaron a volar sobre la plaza

Y mis manos también se izaron con el crujido de un albatros

Siendo estas, las últimas reminiscencias

Del último día

Del último y definitivo viaje

Y del mar.

→Poema completo “Prose du Transsibérien et de la petite Jeanne de France”, perteneciente al libro recopilatorio Du monde entier au coeur du monde (Blaise Cendrars, 1913):

Prose du Transsibérien (Cendrars, 1913)

Sonia Delaunay siguió trabajando en el concepto de simultaneidad, que aplicó a gran parte de sus manifestaciones artísticas, incluida la moda. Con el estallido de la revolución rusa en 1917, el matrimonio de artistas formado por Robert y Sonia Delaunay decidió instalarse en España. En Madrid, Sonia comenzó a diseñar vestidos para las mujeres de la alta burguesía con tanto éxito que terminó abriendo varias boutiques y los ingresos obtenidos por esta actividad se convirtieron en el sustento principal de la familia. Blaise Cendrars le dedicó su poema “Sur la robe elle a un corps”, inspirado en los vestidos “simultáneos” de la artista.

Contrastes simultáneos. Delaunay 1913

A la izda., “Contrastes simultáneos” (Sonia Delaunay, 1913). A la dcha., “Vestido simultáneo” (Sonia Delaunay, 1913). Fuente: Prensa Museo Thyssen-Bornemisza.

 

Vestidos simultáneos. Delaunay 1925-

A la izda., “Vestidos simultáneos (Tres mujeres, formas, colores)” pintado en 1925 por Sonia Delaunay. A la dcha., abrigo bordado diseñado para la actriz Gloria Swanson por Delaunay en 1925. La prenda está inspirada en el cuadro anterior. Fuente: Prensa Museo Thyssen-Bornemisza.

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Blaise Cendrars

El escritor Blaise Cendrars. Imagen de dominio público.

El escritor francés de origen suizo Frédéric-Louis Sauser (1887-1961), más conocido por su nombre artístico Blaise Cendrars, es popular por sus obras inspiradas en viajes reales e imaginarios, escritas tanto en verso como en prosa.

Obligado a cursar estudios de comercio por sus padres, a los 16 años huye junto a un traficante y llega hasta Rusia donde aprende el oficio de joyero. En 1912, seguro de su nueva vocación de escritor, se instala en París donde funda la revista Les Hommes Nouveaux y conoce a Robert y Sonia Delaunay.

 

Sonia Delaunay

La pintora Sonia Delaunay. Fuente: Internet.

Sonia Delaunay: su verdadero nombre era Sarah Ilínichna Stern (1885-1979) y había nacido en Ucrania, aunque se dio a conocer como la pintora y diseñadora Sonia Delaunay. Junto a su segundo marido el artista Robert Delaunay, creó el “Simultaneísmo”, una nueva corriente nacida a partir del arte abstracto de comienzos del siglo XX del que ambos fueron también importantes representantes.

→Visita virtual a la exposición “Sonia Delaunay. Arte, diseño y moda”. Museo Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado, 8. Madrid. Hasta el 15 de octubre 2017.

La última imagen de Elvis Presley con vida

16 Ago

Una imagen o mil palabras

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Última foto Elvis Presley

Elvis Presley regresa a Graceland tras una visita nocturna al dentista en la madrugada del 16 de agosto de 1977. Fuente: Internet.

Elvis Presley moría trece horas después de que su imagen fuese tomada por última vez por los fotógrafos y fans apostados a la entrada de Graceland. Eran las 00.28 de la madrugada del 16 de agosto de 1977 y el “rey del rock” volvía a su domicilio después de visitar a su dentista para colocarse una corona provisional.

Elvis había salido camino de su cita médica a las 22:30 vestido con una camiseta de la DEA (la agencia antidrogas estadounidense) y dos pistolas amarradas a la cintura. Desde que el presidente Nixon le nombrara agente especial antidroga, a petición del propio Elvis, era habitual ver al cantante parar coches por la carretera y dar sermones a sus ocupantes sobre seguridad vial y los efectos de conducir bajo los efectos de los estupefacientes. Una más de sus múltiples contradicciones y excentricidades.

A su regreso a Graceland, el templo que había construido en su honor, telefoneó a su médico de confianza, el Dr. George C. Nichopoulos, para pedirle la receta de unos sedantes. Un empleado fue a recogerlos en una farmacia abierta las 24 horas.

Los testigos cuentan que Elvis jugó un corto rato al tenis y que posteriormente prefirió tocar el piano. La última canción que cantó en su vida fue el blues de Willie Nelson, Eyes crying in the rain. El cantante estuvo hablando con su equipo para ultimar los detalles de la gira de dos semanas que iba a emprender de forma inmediata. El mismo día 16 tenía previsto tomar un vuelo a Portland donde iba a dar el primer concierto de los doce programados. Poco después Elvis se retiró a su habitación con la idea de descansar antes de su viaje. Ingirió un primer somnífero que no surtió efecto. A esta primera dosis le siguieron dos más, recetadas por el Dr. Nichopoulos.

Los problemas de Elvis Presley para conciliar el sueño eran legendarios y se remontaban a los tiempos en que cumplía el servicio militar. El insomnio le acompañó a lo largo de giras, actuaciones y vacaciones. Al no poder dormir, Presley le dijo a su novia Ginger Alden, una joven de 21 años a la que le doblaba la edad, que se iba a leer al baño. Cuando esta se despertó a las 13:30 lo encontró inconsciente, tendido boca abajo sobre el suelo y con la lengua prácticamente partida.

Los primeros auxilios que Elvis Presley recibió los prestaron los empleados de la casa. Su hija Lisa Marie, que había ido a pasar las vacaciones de verano a Graceland tras el divorcio de sus padres en 1971, pronto fue consciente de lo que estaba pasando a escasos metros de su cuarto.

Elvis Presley, Lisa Marie, Ginger Alden

Imagen de Elvis Presley junto a su hija Lisa Marie y su novia Ginger Alden tomada el 12 de agosto de 1977. Fuente: Internet.

Se hicieron sendas llamadas al Dr. Nichopoulos y a los servicios de emergencia que fueron los responsables de trasladar al cantante hasta el hospital Memphis Baptist Memorial. A las 15:30 los médicos que le atendieron certificaron su muerte por paro cardíaco.

La autopsia practicada al cuerpo de 130 kilos de Elvis Presley reveló que en su sangre circulaban los restos de 14 tipos de estupefacientes diferentes, entre ellos anfetaminas y narcóticos. Se llegó a la conclusión de que el cantante había tropezado o había intentado arrastrase unos pasos por el suelo antes de fallecer por una sobredosis de medicamentos.

La muerte del cantante se anunció a media tarde del día 16 y generó un revuelo mediático comparable al asesinato del presidente Kennedy. Al día siguiente, el mismo en que Elvis debía comenzar su gira por el sur de EE.UU., el cuerpo peinado y maquillado del cantante fue expuesto en un ataúd de bronce en Graceland. Al velatorio solo acudieron las celebridades más próximas a Presley en la última etapa de su vida: su gran amiga Ann-Margret, Sammy Davies Jr. y James Brown. El 18 de agosto el cuerpo de Elvis Presley fue enterrado en el cementerio de Forest Hill donde reposaban los restos de su querida madre. No obstante, tras un intento de robo del cuerpo del cantante ocurrido unos días después, se decidió enterrarlo en el Jardín de Meditación de Graceland, junto a su progenitora.

Portadas muerte Elvis Presley

La muerte de Elvis Presley fue portada de los principales diarios estadounidenses. Fuente: Internet.

 

Tumba de Elvis Presley en Graceland

Los restos de Elvis Presley reposan desde el 2 de octubre de 1977 en el Jardín de Meditación de Graceland, en Memphis. Autor: Daniel Schwen (Licencia CC).

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Elvis Presley en los años setenta

Elvis Presley en su última etapa como artista. Fuente: Internet.

→En 2017 se cumplen cuarenta años de la desaparición de Elvis Presley.

→ Cuando falleció, el cantante tenía 42 años. La muerte le sobrevino en un período de descanso entre actuaciones de su gira. Presley solía actuar y viajar durante dos semanas seguidas y descansar durante otras dos.

→ El 1 de agosto de 1977, dos semanas antes de su muerte, se publicó el libro Elvis: What happened?, coescrito por tres de sus guardaespaldas que habían sido despedidos recientemente. En él se narraban de forma detallada las adicciones del cantante. Presley intentó paralizar la publicación del libro, sin éxito. No era capaz de admitir que se había convertido en un adicto a las drogas y que recurría a las prescripciones médicas para justificar el consumo de altas dosis de medicamentos.

El motel del voyeur, o la crisis de credibilidad del “nuevo periodismo”

6 Ago

Lecturas de verano

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Cubierta de “El motel del voyeur”,

Cubierta de “El motel del voyeur”, del periodista Gay Talese. Editorial Alfaguara. Fuente: Internet.

Lo peor que le puede suceder a un periodista es perder la credibilidad. El asunto se agrava cuando hablamos de un grande del “nuevo periodismo” –Gay Talese-,  que ha trabajado para el New York Times y cuyo talento se basa en analizar hechos, hechos y más hechos.

La publicación del último libro de Talese, “El motel del voyeur”, ha generado una polémica sobre la ética en el uso de las fuentes periodísticas pero también ha servido para visibilizar el contraste que existe entre las nuevas y las viejas formas de hacer periodismo.

En los años sesenta existían periodistas de la competencia gozosos por encontrar fallas que resquebrajasen historias ajenas, sobre todo si estas acababan convirtiéndose en exclusivas superventas. En la actualidad, ese trabajo se lleva a cabo por razones éticas por los equipos de fast-checking de las redacciones, que vienen a realizar el mismo trabajo solo que de forma más rápida y eficaz.

Talese siempre ha defendido el periodismo activo, el ir a buscar las fuentes de información, investigar y documentarse. Y afirma que lleva sesenta años haciendo el mismo trabajo: “no se hace periodismo con Google y por email”, asegura. También lamenta que ya no existan periodistas comprometidos como Woodward y Bernstein, los reporteros del Washington Post que destaparon el caso Watergate.

Pero resulta que a Talese le ha pasado por encima la apisonadora del actual periodismo de investigación y del fast-checking a sus 84 años de edad. Y es difícil determinar la manera en que un periodista experimentado como él ha podido dejarse manipular por una fuente de información que solo cuenta medias verdades. Precisamente Talese, que siempre se ha enorgullecido de contar historias reales sobre personas.

En “El motel del voyeur” el afamado periodista describe con su peculiar estilo aséptico las experiencias como “voyeur” de Gerald Foos, propietario de un motel en Denver (EE.UU.), desde 1966 hasta 1990.

Gerald Foos

Gerald Foos en el motel que regentaba en Denver en los años sesenta. Fuente: Internet.

Según iba escribiendo el libro Talese creía realmente que las historias que iba a contar eran “un experimento sobre la realidad, diferente a lo que vemos en esa farsa que es la telerrealidad” (abc.es. 25.03.2013). Entre ellas, las prácticas sexuales de los clientes del motel y hasta el presunto asesinato de una mujer que fue estrangulada en una de las habitaciones en 1977. Hecho no registrado en los registros públicos sobre crímenes cometidos en Colorado y que Talese no fue capaz de confirmar.

El motel Manor House

El motel “Manor House” donde presuntamente ocurrieron los hechos presenciados por Gerald Foos y narrados por Gay Talese en “El motel del voyeur”. Fuente: Internet.

Tampoco comprobó Talese otros hechos que debieran haber sido documentados como que Foos no fue propietario del motel hasta el año 1969 o que lo vendió en 1980. El autor de “El motel del voyeur” declaró que el fast-checker de The New Yorker presionó a su fuente sin obtener resultados satisfactorios. Y a pesar de ello, decidieron publicar un fragmento en exclusiva. Cuando el libro salió al mercado, las antenas de la competencia se pusieron a funcionar. El contenido era demasiado sabroso (delitos de omisión del socorro, complicidad en un asesinato, violación del derecho a la intimidad) y el diario The Washington Post fue el primero en ponerse a indagar.

Nada más salir a la luz los resultados de la investigación del Washington Post, Talese tuvo que disculparse. Por haber basado su relato en una única fuente de información y en un breve ejercicio de observación participante (el periodista afirma que pasó tres días espiando huéspedes junto al dueño del motel). También por no haber sabido contrastar debidamente los datos aportados por su informante al que pagó por revelar secretos.

Gay Talese.

El periodista estadounidense Gay Talese. Autor: David Shankbone (Licencia CC).

A pesar de lo controvertido del asunto, lo que se cuenta en “El motel del voyeur” no deja de tener un valor narrativo, siempre que se no se utilice un prisma periodístico para interpretarlo. Porque de lo contrario, el resultado solo sería el fruto de un árbol podrido. Una fabulación descrita con maestría, pero sin ningún viso de credibilidad. En definitiva, una ficción literaria totalmente alejada del género que Talese encumbró hace medio siglo y que aun se conoce como “nuevo periodismo”.

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→“El motel del voyeur” comenzó siendo un artículo que Gay Talese empezó a escribir en el año 2012 utilizando información guardada en sus archivos durante décadas. Talese afirma que fue ese año cuando su fuente le autorizó a contar su historia basada en las horas que Gerald Foos, presunto propietario de un motel de Denver, pasó espiando a sus huéspedes sin que estos lo supieran.

→Las expectativas fueron tan grandes que antes de que saliese a la luz el escándalo, Steven Spielberg llegó a comprar los derechos de autor de “El motel del voyeur” para realizar una futura adaptación cinematográfica.

→Fragmento (primeras páginas) de El motel del Voyeur. Gay Talese. Ed. Alfaguara. 2017.

Primer capítulo en inglés de El motel del voyeur. Fuente: The New Yorker.

Concierto de Santiago Auserón y la Banda Sinfónica Municipal de Madrid

22 Jul

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Santiago Auserón y la Banda Sinfónica Municipal de Madrid

Santiago Auserón acompañado de la Banda Sinfónica Municipal de Madrid en el auditorio Pilar García Peña. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

“Río Negro”, “La negra Flor”, “Reina Zulú”, resulta fácil adivinar cuál es el color favorito de Santiago Auserón. Vestido de noche una vez más, el músico deconstruyó temas de todas sus etapas creativas, desde Radio Futura hasta Juan Perro. Clásicos que se pudieron disfrutar ayer en el auditorio Pilar García Peña de Madrid reinterpretados magistralmente por la Banda Sinfónica Municipal.

En esta penúltima reinvención artística, Santiago Auserón puso toda la carne en el asador de una cálida noche de verano para desgranar una ristra de temas con significado, en los que cambió el continente pero no el contenido. Temas pegados a la actualidad social (“La misteriosa”, sobre la crisis del sector pesquero, “El desterrado”, dedicado a los refugiados) compartieron espacio y tiempo con éxitos comerciales (“No más lágrimas”, “El canto del gallo”, “Fonda de Dolores”) que fueron cantados, recitados y hasta declamados en latín e italiano.

Santiago Auserón en Hortaleza

Primer tramo del concierto en el auditorio Pilar García Peña. Fuente: Internet.

Santiago Auserón interpreta “La misteriosa”

Santiago Auserón interpreta “La misteriosa”, tema del álbum de Juan Perro “Cantares de vela” (2002). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Que Santiago Auserón es todo un personaje es de sobra conocido. Sus fieles seguidores ya están acostumbrados a su personalísimo discurso y verborrea, a medio camino entre el cultismo y los ademanes más teatrales que se puedan esperar de un músico de su talla. Una personalidad que se crece en el escenario y con la calurosa respuesta de su público.

Santiago Auserón en directo.

Santiago Auserón en el escenario del auditorio Pilar García Peña”. Fuente: Internet.

El concierto en el auditorio Pilar García Peña incluyó un repertorio ecléctico e innovador, totalmente en sintonía con lo que Auserón representa en el panorama musical actual. Durante más de hora y media, blues, swing, soul y ritmos latinos fueron entremezclándose de forma hábil y sin descanso hasta completar una quincena de temas elegidos con cabeza e interpretados con corazón. Comunicativo, de buen humor, con una voz rica en matices y capaz de brillar en casi cualquier estilo musical, Auserón deslumbró a los miles de asistentes reunidos en la noche madrileña. Estuvo soberbio en “Obstinado en mi error” y dando vida a “Annabel Lee” un tema inspirado en un relato de Edgar Allan Poe que el cantante lamentó no haber escrito él mismo. “Si no existieras habría que inventarte”, le gritaban desde las gradas, a lo que el artista respondió con sorna: “No exageremos”.

Concierto de Santiago Auserón en Madrid

El público disfrutó de una ambientación elegante que en ocasiones recordaba a la de las míticas orquestas de los años cincuenta. Fuente: Internet.

Tramo final del concierto

Durante la segunda parte del concierto sonaron los temas más aclamados por los asistentes. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Lo cierto es que el experimento musical que Santiago Auserón está llevando a cabo acompañado por distintas bandas sinfónicas locales no está exento de riesgo. En la actuación de Madrid pudo comprobarse la compenetración y admiración mutua que existe entre el cantante y los músicos de la orquesta, dirigida por el carismático Rafael Sanz-Espert. Unos músicos a los que Auserón alabó y sin los cuales la adaptación de temas universalmente insertos en la memoria colectiva no hubiera resultado tan exitosa. Aunque no siempre se puede contentar a todos: “mis seguidores más roqueros no entienden el proyecto sinfónico, ni los de Juan Perro que vuelva al rock indie. La curiosidad musical, la emoción y el atractivo de las sensaciones sonoras me pueden. Si lo hiciese sólo por dinero, habría respondido a alguna de las muchísimas propuestas que ha habido de rehacer Radio Futura”, asegura Auserón (El Mundo. 21.07.2017).

 →Vídeo. Santiago Auserón interpreta “No más lágrimas” en el Auditorio Pilar García Peña de Madrid. Fuente: You Tube.

Auserón evitó abordar en profundidad la etapa de Radio Futura, a pesar de que la mayoría de los asistentes esperaba escuchar algún tema de la banda de rock que lo hizo célebre y reconocido en la década de los ochenta. Sobre una posible reunión del grupo, el cantante no la descarta, pero la ve poco probable: “la única razón que podría llevar a una reunión sería que los miembros fundadores tuviesen ganas de hacerlo y, después de la desaparición de Enrique Sierra, ya hay un elemento muy complicado” (El Mundo. 21.07.2017).

Sin nostalgia, las canciones de Radio Futura fueron salpimentando el concierto hasta llegar a los bises: “bueno, un recordatorio de antaño”, anunció justo antes del final. Posteriormente sonó de forma improvisada “El desterrado”, un sencillo del último trabajo de Juan Perro, “El viaje”, cerrando así el círculo antes de que una larga y cerrada ovación entre público y músicos pusiera fin a la esperada cita.

→Vídeo. Último tema antes de los bises: “El canto del gallo” de Radio Futura en versión sinfónica. Fuente: You Tube.

+ info:

Cartel actuación Santiago Auserón Madrid 2017

Cartel de la actuación de Santiago Auserón en Madrid. Fuente: Facebook Santiago Auserón.

→Santiago Auserón en concierto con la Banda Sinfónica Municipal de Madrid. 21 de junio de 2017. Auditorio Pilar García Peña. Madrid.

→Duración: 1:40 horas. De 21:20 a 23:00 horas. El concierto tuvo que retrasarse 20 minutos debido a las largas colas de asistentes que aun rodeaban el auditorio a las 21:00, la hora de inicio prevista. El problema se hubiera resuelto si las puertas de entrada se hubieran abierto con suficiente antelación y no a las 20.50 horas.

→Setlist: 01. Río Negro. 02. Duerme zagal. 03. Pies en el barro. 04. La misteriosa. 05. Reina Zulú. 06. El mirlo del pruno. 07. No más lágrimas. 08. Obstinado en mi error. 09. Moon River (de Henry Mancini). 10. Fonda de Dolores. 11. Annabel Lee. 12. La negra flor. 13. El canto del gallo. Bises: 14. El desterrado. 15. La mala fama.

→Galería de fotos del concierto de Santiago Auserón en el auditorio Pilar García Peña.

→Santiago Auserón está de gira por España promocionando “El viaje”, su último trabajo discográfico firmado como Juan Perro, un álbum acústico de canciones compuestas entre 1997 y 2005 y grabado únicamente con voz y guitarra. La gira, que abarcará todo el año 2017, se alterna con actuaciones estelares junto a bandas sinfónicas de distintas ciudades de la geografía española y la participación en festivales de música indie como el Sonorama, que tendrá lugar del 10 al 13 de agosto en Aranda de Duero (Burgos).

→Vídeo. “Los inadaptados”, tema perteneciente al último trabajo de Juan Perro, “El viaje”. El tema está inspirado en la película “The Misfits” (Vidas rebeldes), última película en la que participó Marilyn Monroe, dirigida por John Huston en 1961. Fuente: You Tube.