La entrevista en tiempos de coronavirus

19 May

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Entrevista celebrada por videollamada al escritor Juan José Millás en el programa “Todo es mentira” (Cuatro). Fuente: propia (captura de pantalla).

Los formatos de entrevista televisiva se han adaptado a las condiciones de confinamiento impuestas por la lucha contra el Covid-19. Las entrevistas por videollamada, mucho menos frecuentes en programas informativos en condiciones de normalidad, se han convertido en algo habitual durante el tiempo que han durado las medidas más estrictas de confinamiento de la población. Los programas informativos de todas las franjas horarias se han saturado de conexiones vía Skype, con una calidad de sonido e imagen variables, para entrevistar a expertos de distinta índole, políticos, gobernantes y miembros de la sociedad civil.

La presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, responde por videollamada a las preguntas de “La Mañana de TVE”. Fuente: propia (captura de pantalla).

María José Buzón, experta en enfermedades infecciosas atiende a distancia al programa “Espejo Público” (Antena 3). Fuente: propia (captura de pantalla).

Dos tipos de entrevista han destacado por encima de todas: la informativa y la interpretativa, adaptadas a distintos tipos de duración en función de la naturaleza del programa informativo. Aunque también los espacios de entretenimiento han adaptado los contenidos y las condiciones en que las entrevistas se han realizado en los últimos tiempos, incluyendo un número mayor de entrevistas de opinión.

Esperanza Morillo, supervisora de enfermería del hospital La Princesa, detalla en el programa “El objetivo” (La Sexta) en qué condiciones de trabajo se llevaron a cabo las labores de enfermería durante la pandemia por coronavirus. Fuente: propia (captura de pantalla).

Entrevista de opinión concedida por el actor Antonio de la Torre al programa “Liarla Pardo” (La Sexta). Fuente: propia (captura de pantalla).

La conocida “burbuja” que rodea al entrevistado en el medio televisivo es quizá el elemento que más cambios haya experimentado durante este período de excepcionalidad. El ambiente propicio para el entrevistado que se pretende crear en un plató de televisión es algo que en las entrevistas celebradas a distancia se consigue de forma natural. La artificiosidad de un plató de televisión, sobre todo si está lleno de público, no parece ser el mejor decorado para celebrar una entrevista cara a cara, ni a menudo favorece llegar a un tono de entrevista intimista y personal a partir del cual el entrevistado consiga sincerarse. Es el trabajo del entrevistador y de su equipo de colaboradores el que debe lograr que este efecto disminuya o se diluya.

Sin embargo, las entrevistas emitidas a través de conexiones Skype han permitido que el control de esa “burbuja” lo ejerza el propio entrevistado. Es este quien elige el lugar desde el que se va a emitir la entrevista (salón, despacho, rincón de su hogar o lugar de trabajo que le resulte más cómodo) y las circunstancias que lo rodean. En estos días de confinamiento se han podido ver a expertos en pandemias, enfermedades infecciosas y cargos con responsabilidad política o institucional responder a preguntas de los medios desde lugares ajenos, en muchas ocasiones, a su hábitat natural.

Incluso algunos entrevistados han aparecido en pantalla acompañados de sus mascotas, de sus familiares e incluso consumiendo sus bebidas preferidas, mientras contestaban las preguntas de un periodista en un tono predominantemente informal. Los programas satíricos y de entretenimiento son aquellos donde esta práctica se ha llevado hasta sus últimas consecuencias.

El chef José Andrés es entrevistado en directo en el programa de entretenimiento “El Hormiguero” (Antena 3) durante el período de confinamiento decretado por las autoridades españolas. Fuente: propia (captura de pantalla).

José Andrés, que en la actualidad reside en Estados Unidos, contestó a las preguntas de Pablo Motos mientras se preparaba una copa en directo. Fuente: propia (captura de pantalla).

La familiaridad del propio hogar, la ausencia de público invitado y la distancia física con un entrevistador que en ocasiones puede resultar incómodo, han propiciado la celebración de entrevistas más cortas y de peor calidad técnica, pero al mismo tiempo, más directas, sinceras y relevantes. También la excepcionalidad de la situación por Covid-19 que todos los entrevistados han sufrido por igual ha permitido generar un feedback entrevistado-entrevistador mucho más cercano y un clima de confianza mayor.

La escritora Espido Freire, acompañada de su gata, es entrevistada por Risto Mejide, conductor del programa “Todo es mentira” (Cuatro) durante la celebración del día internacional del libro. Durante la videollamada se emitieron imágenes en directo de la lectura de “El Quijote” desde el hospital de campaña de IFEMA. Fuente: propia (captura de pantalla).

Desde el punto de vista del espectador, este formato de entrevista aporta información extra que contextualiza al personaje entrevistado, tanto si se trata de una figura pública como de una fuente anónima. Conocer el lugar donde la persona se desenvuelve en su vida laboral o privada permite aproximar la realidad del entrevistado y del asunto sobre el que se opina o debate al receptor de esa información.

No parece que el formato de entrevista por videollamada vaya a generalizarse más allá del período durante el cual la movilidad de los ciudadanos quede limitada por ley. La vuelta a la normalidad devolverá a las escaletas de los programas informativos entrevistas más estructuradas, rigurosas, extensas y previsibles en su tiempo de duración, aunque posiblemente también menos francas y espontáneas.

Original o copia. INXS vs. Paloma Faith

15 Abr

Autora: Samia Benaissa Pedriza

La banda de rock australiana INXS y la cantante de soul Paloma Faith.

La banda de rock australiana INXS y la cantante de soul Paloma Faith. Fuente: Internet.

En 1988 la banda de rock australiana INXS estaba en lo más alto de su carrera tras la edición del álbum multiventas, Kick. Never tear us apart fue uno de los sencillos de aquel grandioso LP. Se trata de una balada soul, modernizada con toques de sintetizador (algo muy propio de los ochenta) hecha a medida del vocalista y líder de la banda, Michael Hutchence, autor también de la letra de la canción.

El tema les salió redondo al grupo formado hacía una década por los hermanos Farris, aunque la posición más alta que Never tear us apart llegó a alcanzar en las listas fue el número 7 en el Billboard Hot 100 (EE.UU.). El vídeo oficial, grabado en exteriores en Praga (República Checa) resultó ser uno de los mejor valorados y recordados del grupo.

Never tear us apart. INXS. Vídeo oficial (1988). Fuente: Youtube.

En el año 2012, coincidiendo con la separación oficial de INXS, cinco años después de la trágica muerte de su cantante, se lanzó al mercado una versión de Never tear us apart cantada por la británica Paloma Faith. El tema, inicialmente compuesto para una campaña publicitaria de John Lewis para televisión, se convirtió en un single de Faith debido al tirón que el tema tuvo entre el gran público.

Never tear us apart. Paloma Faith. Vídeo oficial (2012). Fuente: Youtube.

Valoración:

La versión de Paloma Faith tiene una ventaja y es que se ciñe mucho al tema original. Tanto vocal como musicalmente hablando. Faith, uno de los relevos generacionales del Reino Unido a las grandes voces históricas del soul, se emplea a fondo consiguiendo respetar la estructura y alma de la canción, solo alterada en el tono (más sesentero) y en el ritmo (ligeramente más rápido).

Pero el tema original que INXS grabaron a finales de los ochenta no tiene parangón. Tiene la dosis justa de ensoñación, garra, ritmo, emoción y sensualidad que el tema requería cuando fue grabado en 1987. Solo la versión que Joe Cocker hizo del tema en 2002 se acerca a este nivel.  Never tear us apart interpretado por Michael Hutchence y su banda le gana claramente la partida a la versión posterior de Paloma Faith, un buen tema retro en su estética y formulación, que a pesar de los esfuerzos no consigue superar al original.

+ info:

Never tear us apart fue editada el 8 de agosto de 1988 y forma parte del sexto álbum de estudio de INXS, una banda australiana fundada en 1977 en Perth (Australia). Andrew Farris, uno de los compositores habituales, la ideó inicialmente como un tema blues para piano, inspirado en el sonido retro de Fats Domino. Finalmente, el tema se transformó en una potente balada actualizada con sonido de sintetizador.

→La versión de Paloma Faith se editó el 23 de septiembre de 2012. La cantante afirmó haberse sentido honrada por poder versionar Never tear us apart, “una canción que siempre le gustó”. Su versión alcanzó el número 16 en el UK Singles (Official Charts Company) de aquel año.

→Never tear us apart sonó durante el funeral de Michael Hutchence, cuando su féretro portado por los miembros de INXS abandonó la catedral de San Andrés, en Sydney (Australia). Hutchence falleció en circunstancias poco claras el 22 de noviembre de 1997, un día antes de iniciar con su grupo una mini gira por su país natal. La causa oficial de su muerte fue suicidio por ahorcamiento.

Desde 2014, Never tear us apart es el himno no oficial del equipo de rugby australiano Port Adelaide. Sus seguidores la cantan siempre antes de la celebración de los partidos de su equipo.

Cada diez años aproximadamente, algún cantante o grupo se anima a editar alguna versión del tema original de INXS. Esta costumbre la inició el “Tigre de Gales” Tom Jones, quien junto a la cantante australiana Natalie Imbruglia, grabó una primera versión en 1999. El tema resultó ser un constructo demasiado histriónico y desvirtuado en las voces a dúo de Jones e Imbruglia. En el año 2010, el guitarrista Ben Harper lo intentó con la cantante francesa Mylène Farmer. El tema se regrabó junto a INXS con motivo del último disco de la banda, Original Sin, un recopilatorio de versiones de temas propios interpretadas por artistas invitados. El resultado fue una versión alternativa y psicodélica con letra fraseada en francés e inglés.

Otro dúo, esta vez indie, abordó el tema a petición de una emisora de radio, con un resultado bastante original. En 2013 Best Youth, una formación lusa no demasiado conocida, aceptó improvisar una versión intimista del tema de INXS, con tan solo una guitarra y un micrófono. La versión, grabada en Oporto, merece la pena ser escuchada, aunque la mejor hasta el momento es la que el gran Joe Coker interpretó en el año 2002, aderezada con influencias blues rock y su privilegiada voz.

El Covid-19 y las economías de guerra

25 Mar

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Los dirigentes del mundo ante el Covid-19. Fuente: Internet.

Cuando un tercio de la humanidad se encuentra confinada en su domicilio por la pandemia del Covid-19, los expertos de los países desarrollados hablan claramente de la posibilidad de implantar de facto y a corto plazo una economía de guerra. A muchos ciudadanos el término les sonará lejano e irreal y a otros no les dirá absolutamente nada.

Los discursos de los políticos que en estos días comparecen ante la opinión pública tienen un denominador común: la gravedad de la situación y las alusiones directas a la confrontación bélica. “Estamos en guerra” (Pedro Sánchez, presidente del gobierno español) “es una guerra y durará” (Emmanuel Macron, presidente de la república francesa), “esta es una guerra sin enemigo humano” (Angela Merkel, canciller de Alemania) y otras expresiones similares se han vuelto familiares en el vocabulario de los hombres y mujeres de Estado de todo el mundo. El objetivo es concienciar a sus respectivas poblaciones de que vienen tiempos difíciles que justificarán la toma de medidas extraordinarias y la hipotética entrada en una economía de guerra.

Lo que esto implicaría sería básicamente una transformación de los modelos productivos de los países democráticos orientados hacia la generación de bienes básicos dirigidos a asegurar el autoconsumo y el funcionamiento de los servicios esenciales. Sin embargo, el comportamiento de la sociedad internacional actual parece entrar en colisión con los fundamentos básicos de una economía de guerra tal y como se conoce, centrada en la reducción de la dependencia comercial con el exterior.

Compras compulsivas de bienes de primera necesidad en un supermercado ante la amenaza del Covid-19. Fuente: Internet.

En un mundo interconectado, donde los intercambios comerciales esenciales entre países se suceden a diario es prácticamente imposible quedar aislado sin correr el riesgo de paralizar la economía de un país. En el contexto de la crisis del Covid-19, España –uno de los países más afectados por la epidemia- se ha visto obligada a pedir ayuda a la OTAN para proveerse del material sanitario que no ha sido capaz de comprar por sí sola en los mercados internacionales. Francia e Italia también han solicitado ayudas comunitarias a la Unión Europea para hacer frente a las consecuencias de la crisis derivada de la pandemia -aunque sin llegar a activar el temido fondo de rescate (MEDE)-. Y los países de la Unión Africana se coordinan para hacer frente a un escenario complejo que amenaza con sumir al continente en una situación catastrófica, tanto a nivel humanitario como económico. Solo un puñado de países (México, Brasil, Estados Unidos) parecen ir por libre.

Un empleado desinfecta la vía pública en Italia, el país europeo más afectado por el Covid-19. Fuente: Internet.

Control de temperatura como medida de detección del coronavirus en un aeropuerto de Ghana. Fuente: Internet.

La realidad es que los países intentan hacer frente a una nueva serie de necesidades poblacionales de alta demanda, con todos aquellos recursos de que disponen. Los países integrados en organizaciones internacionales de cooperación como la Unión Europea están manifestando sus diferencias a la hora de actuar frente a la crisis sanitaria con distintos resultados.

 Seguir leyendo “El Covid-19 y las economías de guerra”.

Exposición Diego Rivera, artista universal

8 Feb

Hasta el 16 de febrero de 2020

Autora: Samia Benaissa Pedriza

La casa sobre el puente. Diego Rivera.

“La casa sobre el puente” (Diego Rivera, 1909) forma parte de las 20 obras exhibidas en la exposición de la Casa de México en Madrid. Fuente: Internet.

Diego Rivera fue algo más que un pintor de murales y el marido de Frida Kahlo. Antes de convertirse en una figura pública en el México de mediados del siglo XX, acoger en su casa a Trotsky poco antes de ser asesinado y casarse cinco veces con cuatro mujeres diferentes, hubo un tiempo diferente. Entre 1907 y 1921 produjo obras notablemente alejadas de aquellas por las que sería conocido más adelante. Quizá fuera la influencia de las vanguardias europeas a las que el pintor mexicano se rindió nada más llegar a París. O puede que Rivera solo estuviese experimentando y buscando un estilo propio.

El resultado de aquellos primeros años que pasó en Europa puede contemplarse en una pequeña muestra de pinturas expuestas en la Casa de México, en Madrid.

Paisaje postimpresionista. Diego Rivera

Paisaje postimpresionista pintado por Diego Rivera a principios del siglo XX. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

 

Montparnasse. Diego Rivera.

“Montparnasse”, barrio bohemio de París. (Diego Rivera, 1917). Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Rivera pintó un número significativo de retratos de mujeres muy diferentes entre sí. Desde el estilo impresionista, pasando por el simbolista y el expresionista hasta el cubista, finalmente acabó encontrando su lugar entre las máximas figuras de la pintura moderna mexicana.

Angelina Beloff

Retrato simbolista de Angelina Beloff, primera esposa de Diego Rivera, una pintora rusa a quien conoció en Paris. El retrato fue acabado en 1909. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

 

Lupe Marín

Retrato expresionista de Lupe Marín, segunda esposa del pintor mexicano (Diego Rivera, 1924). Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

 

Retrato de actriz

Retrato de actriz (Diego Rivera, 1948). Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

 

Mujer de rodillas. Diego Rivera

“Mujer de rodillas” (Diego Rivera, 1946). Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

 

Retrato con modelo. Diego Rivera.

Proceso de elaboración de un retrato con modelo de Diego Rivera difundido en la Casa de México, en Madrid. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

 

Diego Rivera en su estudio.

Diego Rivera en su estudio. Documental emitido en la Casa de México, en Madrid. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Tras su regreso a México, Rivera dio un cambio de rumbo artístico radical y pasó a incorporar temáticas sociales en sus obras. A partir de entonces se dedicó a perfeccionar su técnica en sus célebres murales y frescos, exhibidos en varias ciudades mexicanas y del extranjero.

Sueño de una tarde dominical en la alameda

Mural “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central” pintado en 1947 por Diego Rivera. Museo Mural Diego Rivera. México. Fuente: Internet.

 

Fresco Detroit. Diego Rivera.

“Industria de Detroit”, Muro Norte, fresco de Diego Rivera (1933). Detroit Institute of Arts. Fuente: Wikipedia. Dominio Público.

+ info:

Casa de México en Madrid

Interior de la Casa de México en Madrid. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Exposición Diego Rivera, artista universal. Casa de México en Madrid.

Dirección: c/ Alberto Aguilera, 20. Madrid.

Horario: Lunes, de 10:00 a 19:00. Martes a sábado de 10:00 a 21:00 y domingos de 10:00 a 14:00. Entrada libre.

→Hasta el 16 de febrero.

Parecidos razonables. Bob Saget vs. Stone Gossard

30 Ene

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bob Saget y Stone Gossard

El actor Bob Saget (izda.) y el guitarrista de Pearl Jam, Stone Gossard. Fuente: Internet.

¿En qué se parece un huevo a una castaña? Seguramente en nada. Es lo que se podría pensar de Bob Saget, célebre actor de la serie de los noventa Full House (Padres Forzosos) y Stone Gossard, miembro fundador de la banda de grunge más famosa de aquella década prodigiosa, Pearl Jam. Pero lo cierto es que, si rascamos un poco la superficie, encontraremos más de un punto en común entre el germen y la semilla. Y el tiempo, en este caso, es un aliado.

→Bob Saget

Nombre completo: Robert Lane Saget

Fecha de nacimiento: Bob Saget nació el 17 de mayo de 1956 en Filadelfia (EE.UU.). Tiene 63 años. El actor se crio en una familia de clase media formada por su padre, encargado de supermercado, su madre, administrativa en el sector médico, y su hermana, fallecida en 1994 a causa de una enfermedad autoinmune.

Profesión: actor profesional desde el año 1973.

Trayectoria profesional: Bob Saget comenzó a trabajar como cómico en clubes de comedia de Los Ángeles a los 17 años, aunque completara estudios de cinematografía en la Escuela de Cine de la Temple University. Su primer trabajo ante una cámara fue como cómico en un programa vespertino de la CBS en el año 1987. Pocas semanas después inició su participación en la serie de televisión que le daría fama mundial: Full House (Padres forzosos). La serie, que permaneció en antena hasta 1995, fue todo un éxito a nivel global. Desde entonces, Saget ha participado como personaje secundario en obras de teatro en Broadway, series de televisión y películas poco destacables. El actor, también prestó su voz como narrador en la serie Cómo conocí a vuestra madre (2005-2014) y ha vuelto a encarnar a Danny Tanner en la secuela de la serie que le dio a conocer, Fuller House (en antena desde 2016).

Su faceta más destacada, además de actor, es la de presentador de televisión. Durante siete años (1990-1997) presentó con gran éxito el show America´s Funniests Home Videos y, posteriormente, 1 vs. 100, en la cadena NBC. Saget, cuya primera vocación fue la dirección de cine, también ha dirigido una película para televisión (For Hope, inspirada en su hermana) y un documental (Farce of the Penguins).

Vida privada: Bob Saget preside una fundación creada en honor a su hermana, Gay Saget, fallecida de esclerodermia a principio de los años noventa. Desde entonces, el actor se dedica a recaudar fondos para investigar posibles curas para esta enfermedad.

En la actualidad, el actor está casado en segundas nupcias con la bloguera Kelly Rizzo. Saget tiene tres hijas de su primer matrimonio con Sherri Kramer, de quien se divorció en 1997.

Está de actualidad por: su nueva gira en solitario como actor de comedia (stand up comedy) en clubes y teatros de Estados Unidos.

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→Stone Gossard

Nombre completo: Stone Carpenter Gossard

Fecha de nacimiento: Gossard nació el 20 de julio de 1966 en Seattle (EE.UU.). Tiene 53 años. Vivió su infancia y adolescencia en Seattle, junto a sus dos hermanas, su padre, abogado, y su madre, una trabajadora del gobierno local de la ciudad.

Profesión: guitarrista profesional (guitarra rítmica).

Trayectoria profesional: Stone Gossard comenzó a tocar la guitarra cuando aún asistía al instituto en su ciudad natal (Seattle). Junto a otros compañeros fundó dos grupos que pronto destacarían en la escena rock local de finales de los años ochenta, Green River y Mother Love Bone. En 1990, tras la desintegración de este último grupo, Gossard reunió otra banda, Pearl Jam, en la que permanece como guitarrista y miembro fundador hasta la actualidad. Pearl Jam es una de las bandas de rock más relevantes del momento y el máximo exponente del movimiento grunge que aún permanece en activo.

Gossard, quien también toca el bajo y el melotrón, es el compositor de muchos de los éxitos de Pearl Jam, algo que no le ha impedido emprender proyectos en paralelo. En 1993 Gossard fundó otro grupo de rock, Brad, que se mantiene en activo al margen de Pearl Jam. En el año 2001 firmó un disco en solitario (Bayleaf) y durante seis años gestionó una discográfica, Loosegrove Records (1994-2000).

Vida privada: Al igual que los otros miembros de Pearl Jam, Stone Gossard es un activista concienciado con diversas causas como la protección del medioambiente, la lucha contra la pobreza o la ayuda a las personas sin hogar. A mediados de los años noventa y junto a Jeff Ament (bajista de Pearl Jam) inició una lucha contra la empresa promotora Ticketmaster por cobrar comisiones de gestión abusivas en la venta de entradas de sus conciertos. Finalmente, las peticiones de Pearl Jam no prosperaron.

Gossard está casado por segunda vez con Vivien Lm Wang. Tiene una hija, Vivian Sparks, nacida en 2007, de su primer matrimonio con Liz Weber.

Está de actualidad por: el anuncio oficial del nuevo álbum de Pearl Jam, “Gigaton,” que verá la luz el 27 de marzo de 2020, siete años después de su último trabajo.

Diferencias y semejanzas

Bob Saget y Stone Gossard

Bob Saget y Stone Gossard en la actualidad (dcha.). Fuente: Internet.

Es curioso como el tiempo puede acercar a dos individuos que, en principio, poco o nada tienen que ver entre sí. Porque en los años noventa, cuando ambos saltaron a la fama, Bob Saget y Stone Gossard no tenían apenas nada en común, a excepción de su popularidad. Ni siquiera cierto parecido físico.

Bob Saget y Stone Gossard en los noventa

Bob Saget y Stone Gossard en los años noventa. Fuente: Internet.

Sin embargo, estos dos creadores, cada uno en su respectivo ámbito de actividad, han ido evolucionando con los años -también físicamente- hacia espacios comunes. Bob Saget, sin dejar de lado su profesión de cómico, ha emprendido proyectos alternativos como la dirección audiovisual, mientras Stone Gossard ha querido explorar otros sonidos y géneros en sus proyectos musicales y empresariales. Ambos han tenido claro su deseo de compaginar su vocación primaria con otras alternativas, sin tener que renunciar a ninguna de ellas.

La participación en acciones sociales también es un denominador común. En el caso de Bob Saget propiciada por un drama familiar y en el de Stone Gossard, por su genuina empatía con las causas más nobles y su solidaridad hacia los más necesitados.

El tiempo también ha influido en la proyección pública de Bob Saget y Stone Gossard, dos figuras enormemente populares hace ya tres décadas. A día de hoy, actor y músico siguen siendo reconocidos, aunque su fama esté ahora más acotada a los seguidores de generaciones pasadas.

Cuento de Navidad. La cabaña

24 Dic

Felices fiestas desde Blogosphera

Autora: Samia Benaissa Pedriza

En el bosque

En el bosque. Fuente: Internet.

Aquel año Marie-Jeanne dispuso la mesa para siete comensales. Mientras colocaba los cubiertos podía escuchar a sus hijos menores trasteando en el piso de arriba. Su marido Charles y su hijo mayor habían ido en busca del inesperado huésped que recibirían aquella navidad. El nuevo párroco del pueblo iba a instalarse en su humilde morada hasta que finalizasen las obras de acondicionamiento de la iglesia.

Había encargado a Pierre-Jacques ir a cortar el tronco que encenderían aquella misma noche, como mandaba la tradición católica. Las cuatro velas de adviento permanecían encendidas desde hacía semanas y solo faltaba que el más joven de la familia –el pequeño Louis- hiciera el honor de prender el fuego, tras ser consagrado el tronco por el patriarca. Quizá en esta ocasión, el nuevo párroco quisiera darles también su bendición. Como cada año, conservaría las cenizas para alejar el mal de la casa y obtener buenas cosechas.

El adviento tocaba a su fin.

El adviento tocaba a su fin. Fuente: Internet.

Pronto llegarían todos y la familia se reuniría una vez más para dar las gracias al señor por todo lo logrado durante el pasado año. Debía afanarse si quería tener todo preparado a tiempo. Esperaba que Pierre-Jacques no se entretuviera demasiado en el bosque con cualquier pasatiempo. El tronco debía empezar a consumirse antes de que finalizara la noche.

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A sus catorce años, Pierre-Jacques se había convertido en un jovencito algo díscolo. Había protestado por tener que ir a buscar un “pedazo de madera hedionda” a lo más recóndito del bosque. Lo cierto es que solo tenía que cortar antes del alba un tronco de árbol que pudiera consumirse durante la nochebuena. Su madre, Marie-Jeanne se encargaría de avivar las brasas hasta la epifanía.

Mientras caminaba por el bosque, Pierre-Jacques pensaba en la apetitosa cena que su madre estaba preparando. Deseaba encontrar pronto un árbol cuyo tronco fuera suficientemente grueso y seco. La noche había caído desde que saliera de la granja familiar y el frío inclemente comenzaba a calarle los huesos. Había ido recogiendo algunos frutos de los árboles que iba encontrando. Más tarde los emplearía para alimentar a los cerdos que su padre criaba y de los que él mismo esperaba poder ocuparse algún día.

Había pasado ya la linde del río, cubierto a esa hora por un inquietante manto negro. Un paso en falso en la oscuridad dominante podía resultar fatal. La luna apenas iluminaba sus pasos y la ausencia de luz dificultaba su misión. Dejó atrás la cabaña de la anciana Arnault. La había reconocido por la luminiscente corona de muérdago que colgaba del porche. Corrían extraños rumores sobre aquella mujer enjuta y arrugada que apenas se dejaba ver por el pueblo. Había oído decir a su hermano Guillaume que la anciana practicaba la brujería. También le había advertido de que se mantuviera alejado de ella.

En el bosque reinaba la oscuridad.

En el bosque reinaba la oscuridad. Fuente: Internet.

Unos metros más allá, divisó algo que le hizo detenerse en seco. Una luminiscencia cegadora le hizo retroceder. Con el antebrazo intentó proteger sus ojos de aquella potente fuente de luz blanca. Un ruido sordo agudo atravesó sus tímpanos. El dolor que sentía era tan intenso que apenas podía procesar lo que estaba sucediendo. Hendido por la presión penetrante, vislumbró unas siluetas. Parecían acercarse. La luz se intensificó y Pierre-Jacques perdió el control de su cuerpo.

De pronto, regresó la más completa oscuridad. La espesura del bosque le rodeaba. Podía escuchar el sonido del viento y todo parecía haber vuelto a la normalidad. Decidió volver sobre sus pasos y regresar cuanto antes a su hogar. Desconocía lo que había sucedido en aquel punto del bosque hacía tan solo unos instantes. Solo sabía que no podía contar nada de lo que había experimentado si no quería que en la aldea lo tomasen por loco.

Avanzó un tramo entre la vegetación que ya no le resultaba familiar, sino salvaje y amenazante. La peculiar entrada de la morada de Madame Arnault surgió ante él. A pesar de la tenue fosforescencia, la casa no parecía habitada. – ¿Cómo era posible? ¡Caminaba en dirección contraria! ¿Se había desorientado tanto que había vuelto al punto de partida?- Pierre-Jacques retrocedió y se internó de nuevo en el bosque, en dirección al río. Avanzó aterido y asustado hasta que sus ojos localizaron un habitáculo familiar. La corona de muérdago brillaba en la lóbrega noche, inanimada en el umbral de la choza espectral de Madame Arnault. Una vez más.

La cabaña de Madame Arnault.

La cabaña de Madame Arnault. Fuente: Internet.

Pierre-Jacques se santiguó y comenzó a rezarle a todos los santos que conocía. Sin duda, aquello debía ser obra del diablo. Temía haber muerto y estar en el infierno. En su desesperación, la imagen de su padre se le apareció. “Si te pierdes en el bosque, busca el norte, hijo mío”. Pierre-Jacques cerró los ojos y corrió con todas sus fuerzas en esa dirección, completamente a ciegas.

Cuando abrió los ojos el silencio lo rodeaba de nuevo. De repente, la quietud se vio interrumpida por una resonancia ahogada. Percibió a lo lejos unas sombras. Cada vez estaban más cerca. ¡No!, gritó. ¡Otra vez, no!

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– ¡Pierre-Jacques!, ¿dónde estás? ¡Te estamos buscando!, gritó Charles d´Alembert, en la soledad de la noche. Le acompañaban su hijo mayor Guillaume y Monsieur Girault, el recién nombrado párroco de la aldea de Saint Gobain des Prés.

Las teas iluminaban la negrura de aquel bosque encantado. Los pasos de la comitiva expedicionaria eran el único sonido que el oído humano podía percibir en aquella madrugada, a excepción del viento envolvente y turbador.

Entre el boscaje, localizaron un cuerpo desfallecido, tendido en el suelo. ¡Era Pierre-Jacques! Charles d´Alembert corrió hacia su hijo. Lo sacudió y envolvió entre sus ropajes, intentando que entrase en calor. Cuando Pierre-Jacques reaccionó y vio el rostro de su padre, creyó estar delirando.

– ¡No, otra vez no!, exclamó.

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Ninguno de los allí presentes llegó nunca a conocer con exactitud qué sucedió la nochebuena de 1798 en el bosque de la pequeña aldea de Saint Gobain des Prés. El párroco, Monsieur Girault, celebró la misa del gallo la misma noche de su llegada al pueblo, agradeciéndole al señor su benevolencia y a la familia de Monsieur d´Alembert, su hospitalidad. Pierre-Jacques jamás mencionó nada que pudiera recordar los inexplicables acontecimientos que sucedieron la nochebuena del año que se perdió en el bosque.

+ info:

Tronco de navidad

Tronco de navidad. Fuente: Internet.

Antiguamente, en el sur de Francia se cortaba un tronco de árbol -preferentemente frutal- que debía consumirse entre la nochebuena y la epifanía. El tronco se decoraba con las hojas del árbol y se colocaba en la chimenea para que ardiese lentamente. Los habitantes de la casa conservaban las cenizas de un año a otro para protegerse del mal de ojo y atraer la buena suerte durante las cosechas. El cabeza de familia debía bendecir el tronco antes de que el miembro más joven lo encendiera.

En la actualidad, esta tradición ha inspirado un dulce navideño muy popular de origen francés, el tronco de navidad (o “Bûche de Noël”), elaborado a partir de un bizcocho relleno de crema y recubierto de chocolate.

Directo de Bryan Adams en Madrid

11 Dic

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bryan Adams y su banda en el concierto del WiZink Center en Madrid. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Habrá que comenzar a creer en la máxima de que “los viejos roqueros nunca mueren” si nos atenemos a la excelente forma física de Bryan Adams, sus potentes directos y una extensa carrera artística que abarca casi cuatro décadas sobre los escenarios. El célebre canadiense regaló a sus fans españoles los cinco últimos conciertos de su Shine a Light Tour antes del parón navideño. Un regalo de Reyes anticipado para muchos de los asistentes a los que el frío de la noche de Madrid no iba a arredrar lo más mínimo.

Para algunos era la primera vez que el elegido “artista de la década de los 90” visitaba su ciudad (Murcia); otros tuvieron que esperar hasta tres largos años para repetir cita (Madrid). Por eso, quizá llame la atención la sorpresa del artista ante la cálida acogida de su público: “¿Qué hacéis aquí un lunes? ¿No tenéis que levantaros a las 6:00 para ir a trabajar mañana?”, preguntaba Bryan Adams a los asistentes del concierto de Madrid. “¡Sois maravillosos!”, gritaba exultante ante una audiencia entregada desde el minuto uno.

On the road again

La nueva gira de Bryan Adams toma el nombre de su decimocuarto álbum, Shine a Light, un trabajo por el que el cantante de Ontario probablemente no recibirá un premio Grammy pero que tampoco defraudará a sus más fieles seguidores. “The last night on earth”, con el que dio comienzo el concierto en Madrid, y el single “Shine a Light” fueron las únicas aportaciones del más inmediato presente musical de Bryan Adams.

→ “Shine a Light” (2019). Fuente: YouTube.

Todo en la escenografía invitaba a conocer el nuevo trabajo, incluida una portada animada del disco (¿alguien esperaba ver a un mefistofélico Bryan Adams comerse literalmente una mosca ante 15.000 almas descarriadas?), pero lo cierto es que aquello duró poco. Enseguida comenzó un festival de grandes éxitos, salpicados por clásicos del rock and roll de los cincuenta y peticiones espontáneas del público (pocos artistas están en disposición de improvisar cualquier canción de su repertorio sin ensayar previamente).

Una parada de autobús en una calle lluviosa y desierta (reproducción del vídeo de “Shine a Light”) amenizaba la espera hacia las 21.00, hora prevista para el inicio del concierto en el WiZink Center. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

A las 21.20 Bryan Adams y su banda saltaban al escenario. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Directo de “Can´t stop this Thing We Started” en Madrid. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El clásico “Heaven” fue coreado por los 15.000 asistentes del WiZink Center. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Genio y figura

Parece mentira que aquel chaval tan rubio y energético que se diera a conocer en los maravillosos años ochenta, acabe de cumplir sesenta añazos. Por aquel entonces, tener que compartir firmamento con estrellas de la talla de Madonna, Prince o Michael Jackson puede que le restase algo de protagonismo. Pero la sucesión de éxitos cosechados en los ochenta y, sobre todo, en los años noventa, ha contribuido a consolidar una carrera estratégicamente bien llevada hasta el día de hoy.

Bryan Adams en directo en los ochenta y en la actualidad. Fuente: Internet.

Posiblemente solo Bruce Springsteen sea capaz de igualar en la actualidad las condiciones físicas y vocales de las que hace gala Bryan Adams en sus directos. Misma voz, misma energía y una capacidad innata para conectar con el público: “Hola, me llamo Bryan. Soy cantante por las noches”, le soltó hilarante y a modo de presentación al respetable. “¿Es tu novia o tu hija?”, le espetó más tarde a un asistente de las primeras filas.

No podía faltar “18 Till I Die”. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Back to You”, rock clásico en estado puro. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

→ “Go Down Rockin´”subió el nivel de decibelios del WiZink Center. Fuente: YouTube.

El público del concierto de Madrid, cuya media de edad rondaba los cuarenta años, pertenece a una generación que musicalmente se crio entre ídolos del pop y del rock. Bryan Adams era uno de ellos y Jorge Gutiérrez, un fan acérrimo, se propuso tocar con su ídolo en aquella ocasión única. Lo sorprendente es que Bryan Adams le dejara subirse al escenario y tocar con su banda ante los vítores de los asistentes. Y es que a veces, los dioses acceden a bajar del Olimpo para contentar a los mortales. Hace falta tan poco.

→Jorge Gutiérrez utilizó una pancarta para pedirle a Bryan Adams que le dejase tocar la guitarra en el escenario. El cantante accedió a su petición en “The only thing that looks good on me is you”. Fuente: YouTube.

El príncipe del pop-rock

Buena parte de las canciones que el público esperaba escuchar fueron en su día éxitos comerciales, incluidos temas de películas como Robin Hood, Príncipe de los Ladrones (1991) o Los Tres Mosqueteros (1993). “Heaven”, “Summer of ´69” o “It´s only love” (cantada en su día junto a Tina Turner, a quien Adams amagó con presentar de forma estelar –sus tomaduras de pelo a la audiencia rayaban a esas alturas el club de la comedia-) son solo una pequeña muestra.

→ “It´s only love” (sin Tina Turner, felizmente retirada en Suiza). Fuente: YouTube.

→“Summer of ´69” posiblemente sea la canción más emblemática de Bryan Adams. Fuente: YouTube.

Inevitablemente se coló alguna que otra horterada (“Have you ever really loved a woman”, perteneciente a la banda sonora de la película Don Juan de Marco, por mucho Paco de Lucía que tocase), y un fallo de afinación rápidamente corregido (en “Run to you”).

“Here I am” gana enteros en directo (fue single de la B.S.O. de la película de animación “Spirit”, 2002). Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Bryan Adams demostró que sigue siendo solvente tanto en los temas más cañeros como en los cantados a capella. Un hombre y una guitarra (y a veces una armónica) es lo único que se necesita para emocionar a un público entregado. La parte acústica del concierto fue una de las delicias del menú que precedían el postre. “Lonely nights” (un tema que Adams recordó con nostalgia haber compuesto con solo 18 años), “House arrest”, “There will be another tonight” y “When you love someone” se tocaron por expreso deseo del público.

→ “Somebody” tampoco podía faltar en el concierto de Madrid. Fuente: YouTube.

→(Every Thing I Do) I Do it for You (tema principal de la película Robin Hood, Príncipe de los Ladrones). Fuente: YouTube.

El tramo final del concierto dio paso a las grandes baladas marca de la casa (“Straigh from the heart” hizo soltar alguna lagrimilla a más de uno) y a una personalísima versión de “Whiskey in the Jar”, una canción tradicional irlandesa que popularizaron Thin Lizzy primero y posteriormente Metallica en los noventa. Es justo reconocer que la de Adams supera a las anteriores.

“Straight from the heart” se incluyó en el último tramo del concierto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

→“When you love someone”, casi puso punto y final al concierto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

All For Love, tema principal de Los Tres Mosqueteros, con el que Bryan Adams cierra todos sus conciertos. Fuente: YouTube.

Bella panorámica de Bryan Adams despidiéndose de sus fans. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

  • Fecha: 9 de diciembre de 2019
  • Lugar: WiZink Center. Madrid
  • Inicio: 21:20. Fin: 23:30
  • Duración: 2 horas y 10 minutos

Shine a Light Tour 2019-2020. Fuente: Internet.

Setlist: 1. The Last Night on Earth. 2 Can´t Stop This Thing We Started. 3. Run to You. 4. Shine a Light. 5. Heaven. 6. Go Down Rockin´. 7. It´s Only Love. 8. Cloud #9. 9. You Belong to Me (versión del clásico de 1952 de Pee Wee King, Chilton Price y Redd Stewart). 10. Have you Ever Really Loved a Woman. 11. Here I Am. 12. When You´re Gone. 13. (Every Thing I do) I Do It for You. 14. Back to You. 15. The Only Thing that Looks Good on Me is You. 16. Cuts Like a Knife. 17. 18 Till I Die. 18. House Arrest. 19. There Will Never Be Another Tonight. 20. Lonely Nights. 21. Please Forgive Me. 22. Summer of ´69. 23. Somebody. 24. I Fought the Law (versión de The Cricketts). 25. Whiskey in a Jar (canción tradicional irlandesa). 26. Straight from the Heart. 27. When You Love Someone. 28. All for Love.

→Un porcentaje del precio de las entradas de los conciertos de Bryan Adams durante la gira Shine a Light irá destinado a plantar un árbol y luchar contra la deforestación de los bosques. En la iniciativa colabora la empresa de logística DHL.

→La banda que acompaña a Bryan Adams incluye a miembros que llevan con él desde el inicio de su carrera en los años ochenta. En la actualidad, se suben cada noche al escenario: Keith Scott (guitarra), Solomon Walker (bajo), Mickey Curry (batería) y Gary Breit (teclados).

Imagen de la gira “Shine a Light” de Bryan Adams. Fuente: Internet.

Los únicos nubarrones que sobrevolaron los conciertos de Bryan Adams en España (y en el resto de países de la gira) fueron las exigencias impuestas a la prensa gráfica para fotografiar al artista. Ningún medio podía publicar fotografías que no fuesen planos medios y sin una autorización previa aprobada por correo electrónico. Tampoco se permitía modificar las imágenes una vez autorizadas. En la práctica, esto supuso que ningún medio pudo publicar ni editar imágenes del concierto tras su celebración inmediata.

Original o copia. The Beatles vs. Joe Cocker

18 Nov

Autora: Samia Benaissa Pedriza

The Beatles vestidos para la portada del Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band. A la dcha., Joe Cocker a finales de los años sesenta. Fuente: Internet.

Resulta chocante y hasta algo humillante que un desconocido cantante local haga una versión del grupo más exitoso de Gran Bretaña y supere con creces al original solo un año después de haber sido editado. El famoso grupo eran The Beatles, el ignoto vocalista, Joe Cocker, y el año, 1968.

Pocos meses después, With a Little Help from my Friends se convirtió en todo un himno blues-rock para la juventud congregada en el Festival de Woodstock durante el mágico verano de 1969. Aquella histórica cita musical significó el principio de una larga carrera para Joe Cocker que incluyó abundantes versiones originales personalizadas por el artista. The Beatles quedaron tan satisfechos con la versión de With a Little Help from my Friends que permitieron a Cocker hacer dos versiones más de sus temas: She Came in Through the Bathroom Window y Something.

→The Beatles. With a Little Help from my Friends (1967). Fuente: YouTube.

→Mismo tema interpretado por Paul McCartney y Ringo Starr en el año 2009. Fuente: YouTube.


→Joe Cocker. With a Little Help from my Friends (1968). Versión de The Beatles interpretada en el Festival de Woodstock (agosto de 1969). Fuente: YouTube.

 

Valoración

El tema que The Beatles grabaron para el álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band no deja de ser una canción ligera de pop. El grupo decidió que la cantase Ringo Starr, con los coros del resto de la banda de acompañamiento, pero nunca alcanzó altas posiciones en las listas de éxitos. La versión de Joe Cocker sí llego al número uno en la UK Singles Chart en el momento de su lanzamiento y permaneció en ella otras treinta semanas más. El tema que arregló Joe Cocker puede considerarse casi un tema nuevo, debido a la profunda transformación de su ritmo y estructura. Cocker lo convirtió en un temazo blues-rock, lento y dramático en su expresión vocal, que además resultaba espectacular cuando el británico lo interpretaba con sus espasmódicos movimientos en el escenario.

+ info:

With a Little Help from my Friends es el tema que Ringo Starr interpreta antes de la despedida en todos sus conciertos en solitario. El exbeatle tuvo problemas para cantar la nota final más alta de la canción en el momento de ser grabada en 1967. Paul McCartney tuvo que guiarle para conseguir una buena afinación.

With a Little Help from my Friends fue el último tema del álbum de The Beatles, Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band (1967) y pudo llamarse Bad Finger Boogie, su título provisional, porque John Lennon se lesionó el dedo índice derecho y la compuso al piano sin poder utilizarlo.

La autoría de la canción se atribuye a Paul McCartney y John Lennon, aunque fue McCartney quien aportó la melodía inicial.

La versión de Joe Cocker se incluyó dentro de su álbum de debut With a Little Help from my Friends (1969) y en la introducción contó con partes de guitarra tocadas por Jimmy Page, del famoso grupo de rock Led Zeppelin.

La versión de Cocker sirvió de sintonía a la popular serie de televisión Aquellos maravillosos años (The Wonder Years), emitida durante los años ochenta y noventa.

With a Little Help from my Friends ha sido versionada más de cincuenta veces por artistas de la talla de Barba Streisand, Santana, The Beach Boys, Bon Jovi, Wet Wet Wet (alcanzaron el número uno en la lista británica de singles en 1988) y Sam &Mark (lo lograron en 2004).

El origen de los grandes nombres del rock (II)

21 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El rock de los años setenta, ochenta y noventa. Fuente: Internet.

Los setenta y los ochenta fueron años diametralmente opuestos en términos musicales y muchas de las bandas que surgieron en la penúltima década de esplendor del rock bebieron de las fuentes del pasado, dando lugar al nacimiento de canciones que con el paso del tiempo se han convertido en nuevos clásicos del género.

Pero, ¿de dónde surgió la inspiración de los padres de esos temas míticos, empezando por su denominación primaria? El universo rock sigue sus propios tiempos y no siempre surge antes el huevo que la gallina, por lo que algunos de los grandes nombres del rock brotaron de las mentes de sus creadores algo después de haber comenzado a rodar por la ladera del éxito y la fama. Otros, fueron el producto de la megalomanía de sus líderes y el resto, simplemente, decidió confiar en la (buena) suerte y abrazar su destino.

Queen

Los integrantes de Queen en la década de los ochenta. Fuente: Internet.

Queen no siempre fueron Queen. En 1968, eran simplemente “Smile” y Freddy Mercury no había llegado aún a la todavía desconocida formación británica. Cuando lo hizo revolucionó todo: la música, las composiciones y hasta el nombre de la formación. En 1970 el célebre cantante de los dientes grandes propuso a sus recién estrenados compañeros de grupo cambiarse el nombre a “Queen”, un apelativo “muy real, fuerte, universal e inmediato”. A Roger Taylor, el batería y “enfant terrible” de la banda le pareció bien, aunque no tanto al guitarrista Brian May. Entre los nombres que la banda barajaba también se encontraban “Build your own Boat” (inspirado en una trilogía literaria) y “The Rich Kids”. Pero fue Mercury quien se llevó el gato al agua con su propuesta, “a pesar de ser consciente de las connotaciones gay” (Mercury dixit).

Kiss

La actual formación de Kiss. De izda. a dcha., Gene Simmons, Tommy Thayer,  Eric Singer y Paul Stanley. El batería Peter Criss falleció en 1991. Fuente: Internet.

Hubo que esperar hasta enero de 1973 para que los cuatro roqueros más extravagantes de la escena musical acordasen su famoso nombre. Por aquel entonces la formación acababa de encontrar a su cuarto miembro, el guitarrista Ace Frehley y estaba buscando como llamar (aún más) la atención del público. Fue durante un viaje en coche a Nueva York cuando a Paul Stanley (cantante) se le ocurrió la idea. Dado que Peter Criss (batería) había estado en una banda llamada “Lips”, “Kiss” parecía ser el siguiente paso más lógico. A Gene Simmons (bajo) y a Peter Criss les pareció bien y así comenzó su historia. Por cierto, la banda niega que Kiss sea el acrónimo de “Kids In Service of Satan (Chicos al servicio de Satán), un rumor que inconvenientemente hicieron circular los detractores más puritanos de la banda.

AC/DC

AC/DC en su formación más estable antes del fallecimiento de Malcom Young (guitarrista) y la retirada forzosa de Brian Johnson (cantante). Fuente: Internet.

La autoría del calificativo AC/DC no está clara porque ni los propios miembros del grupo se ponen de acuerdo. Cuando en 1973 los hermanos Young decidieron formar un grupo de rock en la Australia de los años setenta y buscarle un nombre, no lo tenían muy claro. Se dice que fue Margaret la hermana de los Young quien les dio la idea. En su máquina de coser aparecía escrito “AC/DC”, que alude a la corriente alterna/continua que alimenta a los aparatos eléctricos, algo muy en consonancia con el tipo de música que estaban creando Malcolm y Angus Young. También los hermanos han comentado que fue Sandra, su cuñada, a quien se le ocurrió el nombre en realidad. De cualquier modo, lo que no esperaban ninguno es que fuesen confundidos con una banda de bisexuales, ya que “AC/DC” hace alusión a esa condición en la jerga LGTB. El grupo negó tajantemente tener esa orientación sexual.

U2

Los irlandeses U2 en la actualidad. Fuente: Internet.

En 1976 cuatro adolescentes dublineses, compañeros de instituto, decidieron formar una banda de rock. Comenzaron llamándose Feedback y al año siguiente eran The Hype. En los inicios, solo tocaban versiones de The Beatles y The Rolling Stones pero cuando empezaron a tener cierto éxito recurrieron a Steve Averill, un cantante local quien luego se encargaría de diseñar todos los álbumes de la banda. El músico les propuso nombres como “Flying Tigers”, “The Blazers” o “U2”. Fue este último el que la banda decidió adoptar provisionalmente, ante la ausencia de algo mejor. Bono admite que buscaban diferenciarse del resto desesperadamente y la elección del nombre definitivo de la banda se les estaba resistiendo. Lo que comenzó siendo una apuesta ligera acabó convirtiéndose en un peso pesado, tanto como el avión espía norteamericano Lockheed U2 derribado en 1960 por los rusos en el contexto de la Guerra Fría que inspiró el nombre de la banda.

Bon Jovi

La formación original de la mítica banda de New Jersey, Bon Jovi, en los años ochenta. Fuente: Internet.

Bon Jovi no surgió realmente como grupo, sino que es el resultado de un contrato que Polygram firmó con John Bongiovi, un joven americano de ascendencia italiana, en el año 1983. Bongiovi aprovechó que su primo trabajaba en unos estudios de Nueva York para emplearse como conserje en el local y grabar gratis sus primeras maquetas. Cuando “Runaway” se convirtió en un éxito, la discográfica decidió contratarle inmediatamente. El grupo surgiría después y fue el propio cantante el que eligió a sus miembros: su compañero de instituto David Raschbaum (más conocido por David Bryan), Alec John Such, Tico Torres y Richie Sambora. Estaba más que claro que el nombre de la banda sería presidencialista: Bon Jovi, una adaptación del apellido de su fundador y líder, John Bongiovi.

Guns ´n´ Roses

Los cinco integrantes originales de Guns ´n´Roses en los años ochenta. Fuente: Internet.

La banda angelina es un refrito de varias bandas, así como el resultado de las idas y venidas de sus miembros entre ellas a principio de los años ochenta. Guns ´n ´Roses aúna a los integrantes de los Hollywood Rose (liderados por el cantante Axl Rose) y los L.A. Guns (liderados por el guitarrista Tracii Guns). El nombre, adoptado en 1985, es producto de una decisión democrática, facilona y sorprendente, teniendo en cuenta las desavenencias que pronto surgieron entre los miembros originales y que dieron lugar a una serie de sustituciones y purgas hasta llegar a la mítica formación de cinco miembros que alcanzó el estrellato a mediados de los ochenta: Axl Rose, Saul Hudson (Slash), Duff McKagan, Izzy Stradlin y Steven Adler. Una década después, la banda se desintegraría, quedándose Axl Rose con los derechos de uso del nombre de la formación hasta su histórica y esperada reunión en el año 2017.

Nirvana

La última formación de Nirvana en los primeros años noventa. Fuente: Internet.

En el caso de Nirvana, el nombre de la banda también obedece a una decisión personal de su líder, Kurt Cobain. Para el futuro icono del grunge, el término, procedente del sánscrito representaba bien lo que su música quería expresar: “la liberación del sufrimiento y del mundo exterior”. Además, el hecho de aludir a un sentimiento tranquilo ayudaría a significarse en el universo punk, plagado de bandas con nombres agresivos. Pero Cobain no lo debía tener tan claro en 1987 cuando fundó su grupo junto al bajista Krist Novoselic y el batería Aaron Burckhard. En los primeros meses se llamaron Fecal Matter, Skid Row (ya había otra banda de rock famosa con ese nombre actuando por el mundo), Pen Cap Chew, Bliss y Ted Ed Fred. Con la llegada en 1990 del nuevo batería Dave Grohl, la banda comenzó a funcionar definitivamente como Nirvana hasta el fallecimiento de Cobain en 1994.

Pearl Jam

La banda de Seattle, Pearl Jam, en la actualidad. Fuente: Internet.

Pearl Jam, surgió de la desintegración de una popular banda de la escena independiente de Seattle a finales de los años ochenta. En 1990, dos de los exintegrantes de Mother Love Bone fundaron un nuevo grupo al que le faltaba un cantante tan carismático como el malogrado Andrew Wood. Eddie Vedder no era tan extravertido como este, pero sí satisfizo las necesidades musicales de Jeff Ament, Stone Gossard y Mike McCready, guitarrista recién reclutado. Comenzaron a tocar como “Mookie Blaylock”, el nombre real de un jugador de baloncesto de la NBA pero su discográfica, Epi Records, les aconsejó cambiarlo para evitar problemas legales. Consideraron llamarse “Pearl”, pero no convencidos del todo siguieron buscando un nuevo nombre. Fue tras un concierto de Neil Young cuando Ament propuso la expresión “Pearl Jam”, que aludía a las sesiones de música improvisada (jams) a las que acababan de asistir.

La leyenda urbana sobre el origen de “Pearl Jam” (una mermelada a base de peyote elaborada por la abuela de Eddie Vedder) es solo una broma gastada por su cantante.

Las fake news y los ataques a la libertad de prensa

30 Sep

Revista de prensa

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Las noticias falsas suponen un riesgo para la libertad de prensa. Fuente: Internet.

→Artículo de opinión publicado en The New York Times el 23-09-2019 por A.G. Sulzberger, editor del diario:

The Growing Threat to Journalism Around the World (El periodismo en el mundo, cada vez más amenazado)

“Nuestro objetivo en The New York Times es averiguar la verdad y ayudar a la gente a entender el mundo”. Así comienza un extenso artículo de opinión publicado por A.G. Sulzberger, editor de uno de los diarios más prestigiosos y comprometidos con los principios del periodismo en el siglo XXI. Lo que Sulzberger expone no difiere en nada del concepto clásico de periodismo y podría incluso sonar algo “demodé”, si no fuera por el contexto en que se inserta.

Tras recordar los peligros reales a los que se enfrentan muchos informadores en el ejercicio legítimo de su profesión (explosión de minas, bombas, accidentes de helicóptero, secuestros, etc.), el poderoso editor llama la atención sobre otro tipo de amenaza que en los últimos tiempos se ha convertido en letal. Sulzberger se refiere a la visceralidad de las acciones ejercidas por determinados gobiernos para acallar a periodistas que intentan averiguar la verdad, aun a riesgo de comprometer seriamente sus vidas. Es el caso del periodista saudí Jamal Khashoggi, asesinado por razones políticas en 2018 o de Maksim Borodin, otro informador ruso que perdió la vida por esforzarse demasiado en desvelar lo que ocurría en Siria realmente.

Sulzberger también describe como amenaza contra la libertad de prensa un fenómeno que tampoco es nuevo pero que se ha agravado en los últimos tiempos: las mal llamadas “fake news”, o noticias falsas. La crítica es directa contra los gobernantes que se escudan en ellas para restringir el derecho a informar. Los resultados de una investigación desarrollada por el propio Sulzberger y otros colegas revela que en los últimos años más de cincuenta hombres de Estado han esgrimido este argumento para emprender medidas contra la prensa. Donald Trump, Recep Tayyip Erdogan o Nicolás Maduro, entre muchos otros gobernantes, han calificado como falsas informaciones rigurosamente verificadas por medios profesionales que simplemente se oponían a sus intereses políticos o personales.

The New York Times, como tantos otros medios, asume su responsabilidad ante errores informativos que, aseguran, se esfuerzan por corregir. Faltas que no convierten a una noticia en falsa, sino en inexacta y que poco o nada tienen que ver con las auténticas “fake news”, constructos generados por informadores no profesionales (cuando no directamente virtuales o bots) cuyo fin no es informar sino desinformar y manipular hechos reales o totalmente inventados.

+ info:

→Aunque el concepto de “fake news” es una noción discutida, puede entenderse por tal “toda aquella información fabricada y publicada deliberadamente para engañar e inducir a terceros a creer falsedades o poner en duda hechos verificables” (Red de Periodismo Ético –EJN-). Los expertos (Jonathan Albright, Claire Wardle) coinciden en vincular la elaboración de este tipo de noticias a la desinformación y el engaño intencionado en distintos grados de intensidad.

→Un grupo de estudiantes de periodismo de la universidad de Columbia emprendió una campaña para concienciar sobre el peligro de las “fake news”.  Los estudiantes llenaron un kiosco de prensa de Nueva York con portadas de periódicos que solo contenían noticias falsas.

En el año 2018, este kiosco de prensa de Nueva York publicó portadas con noticias falsas editadas por la revista Columbia Journalist Review. Los titulares fueron extraídos de sitios web que difundían este tipo de informaciones. Fuente: Internet.

 

A.G. Sulzberger, editor de The New York Times. Fuente: Internet.

→ A.G. Sulzberger propone unos consejos básicos para ayudar a los lectores a diferenciar las noticias falsas:

  • investigar el medio del que proceden las informaciones y el modo en que han sido elaboradas
  • confiar en medios que practican un periodismo profesional
  • emplear los conocimientos que aporta la información periodística para marcar una diferencia en nuestras vidas cotidianas

En definitiva, verificar el origen de la información, acudir a fuentes de información confiables y entrenar el espíritu crítico mediante la lectura de prensa profesional.