La Cultura del desacuerdo

8 Sep

Conectados

Semana del 02 al 08 de septiembre de 2019

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Los primeros ministros de Reino Unido y España respectivamente, Boris Johnson (izda.) y Pedro Sánchez. Fuentes: Foreign and Commonwealth Office y Parlamento Europeo. Licencia CC 2.0.

“Mejor solo que mal acompañado” es lo que deben estar pensando dos de los líderes políticos de la UE más aparentemente comprometidos con sus ideales. Boris Johnson y Pedro Sánchez, primeros ministros de Reino Unido y España, se han enfrentado durante los últimos meses a una situación parecida en territorio doméstico. Sin duda alguna, en términos estratégicos, aunque bien distinta en cuanto a objetivos y resultados.

Al premier británico no le ha temblado la mano a la hora de suspender el parlamento y amenazar con convocar nuevas elecciones con tal de obtener algo de tiempo (escaso ya) para intentar convencer a la Unión Europea de renegociar los términos del Brexit según sus intereses. Algo que parece improbable, teniendo en cuenta la inflexible postura oficial que desde las instituciones europeas se ha venido adoptando desde que Theresa May tirase la toalla hace menos de dos meses.

A Pedro Sánchez tampoco parece importarle un escenario de repetición de elecciones si en dos exiguas semanas no llega a un acuerdo programático con las fuerzas de la izquierda, más enrocadas que nunca en sus posiciones. Posiblemente, el líder del PSOE haya tomado buena nota de lo ocurrido recientemente en Italia, cuando la excéntrica coalición de partidos que gestionaba el gobierno se dinamitaba por los aires, por las diferencias irreconciliables entre los socios mayoritarios y los minoritarios. Un aviso a navegantes.

Estirar el tiempo parece ser la consigna a seguir ante la ausencia de acuerdo o la incapacidad para llevar a buen puerto unas negociaciones entre una multiplicidad de actores, derivada, ya sea de una situación de fragmentación del voto o del mero hecho de pertenecer a una lujosa comunidad de vecinos, como es la Unión Europea. La amenaza de un Brexit duro sobrevuela más bajo que nunca los destinos de los británicos y del resto de miembros del club europeo. También la convocatoria de unas nuevas elecciones generales en España es una posibilidad cada vez más real. Las consecuencias en ambos casos serían nefastas desde un punto de vista político y económico, además de normalizar la inestabilidad política y la parálisis institucional.

Quizás, amenazar con que viene el lobo no sea más que una maniobra más para alcanzar unos objetivos políticos determinados, aunque al estirar la cuerda demasiado se corre el riesgo de romperla. Los juristas aseguran que un mal acuerdo es mejor que un buen pleito, y un Brexit (mal) consensuado no puede ser peor que un Brexit sin acuerdo. Para ninguna de las partes enfrentadas. Del mismo modo, un acuerdo de gobierno, programático o no, no debería ser peor que una nueva celebración de elecciones y el aplazamiento sine die de un ejecutivo en funciones prácticamente inoperativo.

Los cambios en el sistema de representación parlamentaria de la mayoría de países desarrollados surgidos tras la globalización han supuesto dejar jugar la partida a un número mayor de jugadores. Competidores de distinta procedencia con los que en muchas ocasiones habrá que negociar y llegar a acuerdos. No sería admisible querer finalizar la partida por una pataleta (Brexit sin acuerdo) o simplemente por ir perdiendo la jugada (PSOE v. Podemos). Solo lo sería en caso de que algún contendiente detectase trampas entre jugadores.

En política, la línea divisoria entre las buenas y las malas prácticas suele ser tenue. Pero no lo suficiente como para que los ciudadanos no puedan verla y decidir con su voto con quien quieren jugar en la próxima partida. Los votantes solo piden a sus políticos que estén a la altura de los desafíos que se les plantean y que sean capaces de superar de una vez la indeseable cultura del desacuerdo.

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Parecidos razonables. Bono (U2), entre Robin Williams y el Conde Duque de Olivares

11 Ago

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El cantante Bono (U2) junto al retrato del Conde Duque de Olivares pintado por Diego Velázquez y el actor Robin Williams. Fuentes: Internet.

Más de tres siglos separan las vidas del cantante de U2, del actor Robin Williams y del noble español Gaspar de Guzmán. Pero es el arte y no el tiempo el que ha unido los destinos de tres hombres que, por su parecido físico, podrían pertenecer a una misma familia de descendientes, aunque con orígenes y trayectorias muy distintas.

Bono

→Nombre completo: Paul David Hewson (Bono es su nombre artístico, inspirado en el nombre de una tienda de aparatos para tratar la sordera (Bonavox) de Dublín. El apodo se lo puso un amigo por el alto volumen al que solía cantar en su primera banda, The Lipton Village).

→Fecha de nacimiento: Bono nació el 10 de mayo de 1960 en Dublín (Irlanda) en el seno de una familia de clase media compuesta por sus padres (un católico y una protestante), el pequeño Paul y su hermano mayor. La madre del cantante falleció a consecuencia de un aneurisma cuando este contaba catorce años de edad, un hecho que marcó significativamente su vida y su carrera musical.

→Profesión: cantante, músico y compositor de la banda de rock U2 desde 1976.

→Trayectoria: Bono ha formado parte de la formación original de U2 desde sus inicios. Es el cantante principal del grupo, aunque también toca la guitarra rítmica y la armónica. Con U2, Bono ha ganado veintidós premios Grammy y dos Globos de Oro.

→Vida privada: Desde 1999, Bono se ha destacado públicamente por su lucha contra la pobreza y la desigualdad económica entre países, lo que le ha valido tres nominaciones al Premio Nobel de la Paz (2003, 2005 y 2006). Está casado con su novia del instituto Alison Stewart desde 1982 y tiene cuatro hijos mayores.

→Está de actualidad por: el descubrimiento de dos canciones inéditas de U2 interpretadas en directo en agosto de 1979 en Dublín (In your hand y Concentration Cramp) y la publicación en redes sociales de una nota manuscrita por el cantante anunciando el paso de la gira The Joshua Tree 2019 por Manila. Es la primera vez que U2 tocarán en Filipinas (diciembre de 2019).

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Robin Williams

→Nombre completo:  Robin McLaurin Williams

→Fecha de nacimiento: el actor nació el 21 de julio de 1951 en la ciudad de Chicago (EE.UU.) y falleció el 11 de agosto de 2014 en su casa de California. Robin Williams formó parte de una familia económicamente solvente de cinco miembros (sus padres, un ejecutivo de la industria automovilística y una modelo, y tres hermanos varones).

→Profesión: actor profesional y actor de doblaje desde 1976.

→Trayectoria: Robin Williams inició estudios de ciencias políticas en la universidad, aunque pronto los abandonó por la interpretación. Fue alumno de la prestigiosa escuela de actores Juilliard School, en Nueva York. Su carrera alcanzó la cumbre a finales de los años ochenta y durante la década de los noventa gracias a películas como Good Morning Vietnam, El club de los poetas muertos o la popular comedia Mrs. Doubtfire. Williams ganó el Oscar al mejor actor de reparto por su interpretación de un carismático profesor universitario en El Increíble Will Hunting (1997). También obtuvo cinco Globos de Oro como actor de cine y televisión, dos premios Emmy por interpretaciones musicales y tres premios Grammy por su participación en el mejor álbum de comedia de los años 1987, 1989 y 2003.

→Vida privada: el actor admitió haber tenido problemas de adicción a las drogas y el alcohol durante sus inicios como actor y en 2006 cuando ingresó en una clínica de desintoxicación. Robin Williams estuvo casado en tres ocasiones y tuvo tres hijos. Llamó Zelda Rae a la hija nacida de su segundo matrimonio en honor al videojuego La leyenda de Zelda, del que era un acérrimo seguidor.

→Está de actualidad por: el quinto aniversario de la desaparición del actor. Robin Williams fue encontrado muerto en su domicilio en agosto de 2014, poco después de serle diagnosticada una enfermedad neurológica degenerativa. Se calificó el fallecimiento del actor como suicidio (muerte por asfixia y ahorcamiento).

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Conde Duque de Olivares

→Nombre completo: Gaspar de Guzmán y Pimentel Ribera y Velasco de Tovar

→Fecha de nacimiento: el Conde Duque de Olivares nació el 6 de enero de 1587 en Roma (Italia) y falleció el 22 de julio de 1645 en Toro (España). Fue el tercer hijo de un noble, embajador de España en el extranjero, miembro del Consejo de Estado y contador mayor de Cuentas del rey Felipe III.

→Profesión: noble y político español. Ostentó cargos en la dirección política del Reino de España en asuntos internos y relaciones exteriores.

→Trayectoria: tras fallecer sus dos hermanos mayores, Gaspar de Guzmán se vio obligado a abandonar sus estudios eclesiásticos e incorporarse junto a su padre a la corte del rey Felipe III. Heredó el título de Conde Duque de Olivares tras fallecer su progenitor en 1607. Fue valido del rey Felipe IV durante veintidós años hasta que, en 1643, una conspiración política provocó que el monarca lo desterrase a Toro y fuese juzgado por la Inquisición.

→Vida privada: el conde duque de Olivares contrajo matrimonio con su prima Inés de Zúñiga y Velasco en 1607. El autoritarismo del que hizo gala durante su vida política a menudo chocaba con su sensibilidad artística. Apoyó al pintor Diego de Velázquez a quien introdujo en la corte del rey. A cambio Velázquez le retrataría de pie y a caballo en múltiples ocasiones.

→Está de actualidad por: la celebración del 200 aniversario del Museo Nacional de El Prado, donde se encuentra expuesto el célebre retrato que pintó Velázquez del Conde Duque de Olivares subido a caballo (1636). El noble español regaló al rey Felipe IV la finca sobre la que se edificó el Casón del Buen Retiro, una de las actuales dependencias del museo, localizada junto al madrileño Parque del Retiro.

Diferencias y semejanzas

Foto. De izda. a dcha., Bono (U2), el Conde Duque de Olivares y Robin Williams. Fuentes: Internet.

Los aparentes rasgos físicos que comparten Bono y Robin Williams podrían considerarse una menudencia si se contempla una imagen del Conde Duque de Olivares de mediados del siglo XVII y se comprueba el extraordinario parecido que entre los tres parece existir.

Más allá del azar, no se puede negar que estas tres celebridades alcanzaron el éxito en sus respectivas carreras de forma duradera y reconocida, si bien en el caso del noble español, se produjo una caída en desgracia que terminó con su muerte a una edad cercana a la que tenía Robin Williams cuando ocurrió su trágico fallecimiento.

Entre Bono y el actor estadounidense surgen semejanzas no solo físicas y generacionales, sino también espirituales, teniendo en cuenta la tierra de nadie en la que se encontraba Robin Williams en materia religiosa (perteneció a la Iglesia Episcopal de EE.UU. pero se sentía al mismo tiempo protestante y simpatizaba con el judaísmo) y los vaivenes del joven Paul Hewson, quien en casa se debatía entre dos religiones y fuera de ella militaba en un grupo religioso denominado Shalom al que también pertenecían algunos de los integrantes de U2.

La entrega a las causas sociales también es un rasgo de carácter del vocalista de U2 y del desaparecido Robin Williams, quien, en vida, se involucró en las actividades de más de cincuenta asociaciones benéficas. Un tipo de actividad a la que también se dedicó el Conde Duque de Olivares, si bien en el terreno artístico, a través del mecenazgo o la donación de bienes para la explotación del patrimonio artístico español.

50 años de la llegada del hombre a la Luna

20 Jul

Efeméride: 20 de julio de 1969

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Neil Armstrong y Edwin Aldrin pisaron por primera vez la superficie de la Luna la madrugada del 21 de julio de 1969. Copyright: NASA..

En 1969 los hitos tecnológicos se sucedían en el mundo a un ritmo vertiginoso: el primer vuelo del Concorde, la primera transmisión de Arpanet (la precursora de Internet), y, sobre todo, la llegada del hombre a la luna, en plena carrera espacial entre rusos y estadounidenses. Las protestas contra la guerra de Vietnam, los asesinatos de Charles Manson o la erupción de miles de jóvenes contestatarios en el festival de Woodstock fueron la otra cara de la moneda de un país, Estados Unidos, que pugnaba por dominar el mundo desde lo más alto del firmamento.

En la madrugada del 21 de julio de aquel año, dos astronautas cuidadosamente seleccionados por la NASA pisaron por primera vez el satélite natural del planeta Tierra. Quizá llevados por la euforia del momento, pocos pensaron entonces que solo tres años después, la humanidad dejaría de interesarse por el asunto: desde 1972, ningún otro ser humano ha vuelto a pisar la superficie de la Luna (aunque sí se han lanzado varias sondas lunares).

Lanzamiento del cohete del Apolo 11 el 16 de julio de 1969, la misión encargada de pisar la superficie de la Luna por primera vez. Copyright: NASA.

Neil Armstrong y Edwin Aldrin fueron los protagonistas notorios de aquel acontecimiento histórico, pero no fueron los únicos. En la estación madrileña de Fresnedilla de la Oliva, los técnicos españoles de la Red del Espacio Profundo que controlaban la retransmisión fueron los primeros en escuchar la célebre frase (ensayada) de Armstrong al aterrizar sobre el suelo rocoso de la luna: “un pequeño paso para el hombre, pero un gran paso para la humanidad”. Los expertos también pudieron comprobar el estado de sus constantes vitales durante el alunizaje, que no estuvo exento de sorpresas, a pesar de los exhaustivos ensayos previos. Por dificultades del terreno, Armstrong y Aldrin solo tuvieron 30 segundos para alunizar, sin motores, si no querían quedarse sin combustible para el regreso. Fueron los técnicos españoles los responsables de informarles de su delicada situación.

La estación de seguimiento de Fresnedilla de la Oliva (Madrid) en 1969. Fuente: Internet.

Debido a los movimientos de rotación de la Tierra, la estación de Fresnedilla era la única del centro de comunicaciones español que tenía visibilidad de los astronautas en el momento del alunizaje. Por tanto, todas las transmisiones entre los astronautas y Houston debían pasar en primer lugar por aquella estación de la España profunda de los años sesenta. Los ingenieros españoles tuvieron el privilegio de comprobar en primicia el éxito de la misión, aunque por razones protocolarias, tuvieron que esperar a que las imágenes llegasen a Houston para poder celebrarlo.

Los técnicos españoles la estación de Fresnedilla de la Oliva en 1969. Fuente: Internet.

 

Celebraciones por el el éxito de la misión Apolo 11 en el centro de control de la NASA en Houston. Copyright: NASA.

Medio siglo después de semejante hazaña, presenciada en directo por 600 millones de espectadores, sorprende descubrir que el ordenador que guiaba los pasos de los tripulantes del Apolo 11 tuviese una capacidad para procesar datos 1.000 veces inferior a la de cualquier Smartphone actual, y ello pese a pesar “solo” 32 kilos. También asombra comprobar que cuatro de las cinco banderas estadounidenses que se colocaron entre 1969 y 1972 se mantienen en pie y “ondeando”. Aunque esto último sea un truco de los astronautas, ya que la fina atmósfera de la Luna impide la generación de fenómenos como el viento o la lluvia y que los objetos se muevan como en la Tierra.

Ordenador empleado por la tripulación del Apolo 11. Su memoria ROM era de 72 Kb y su memoria RAM de 4. Fuente: Internet.

 

Los astronautas colocaron un mástil formado por dos estructuras telescópicas entre las que colocaron un travesaño para sostener la tela y crear la ilusión óptica de una bandera ondeante. Copyright: NASA.

Las dos horas y media que Armstrong y Aldrin permanecieron sobre la superficie de la Luna dieron no solo para colocar banderas, sino también para recoger muestras, tomar fotografías icónicas y realizar experimentos sobre el terreno. Los astronautas decidieron dejar entornada la puerta del “Eagle”, el módulo lunar, ante el temor a no poder abrirla al regresar, dados los problemas previos. Sabían que su compañero Michael Collins no podría rescatarlos desde el módulo de mando “Columbia”, que permanecía en órbita y que carecía de tren de aterrizaje.

Edwin Aldrin realizando experimentos en el “Mar de la Tranquilidad” en la madrugada del 21 de julio de 1969. Los dos astronautas permanecieron en la superficie lunar un total de 2:31 horas. Copyright: NASA.

El regreso a la Tierra tuvo lugar cuatro días más tarde, el 24 de julio de 1969. Tras amerizar en aguas de Hawai y pasar la cuarentena, los tres tripulantes del Apolo 11 pudieron disfrutar de un merecido reconocimiento público que, con el paso del tiempo, se ha prolongado en multitud de actos, libros y películas que han reflejado su histórica gesta.

Millones de hogares de todo el mundo siguieron en directo la llegada del hombre a la Luna. La señal se emitió desde el Observatorio Parkes, en Australia. Fuente: Internet.

 

El acontecimiento generó históricas portadas en los medios de comunicación de todo el mundo. Fuente: Internet.

La revista LIFE publicó en portada una icónica imagen de Edwin Aldrin tomada por Neil Armstrong durante su paseo espacial. El reflejo de Armstrong puede verse en el casco de Aldrin. Fuente: Internet.

La Luna sigue siendo el único territorio extraterrestre que los seres humanos se han atrevido a visitar. Medio siglo después de aquel primer contacto, solo se planean eventuales viajes orbitales a Marte y un posible regreso humano a la Luna en 2024 (si los fondos de la administración Trump lo permiten). Los avisos de China, que también pretende poner un pie en la Luna, podrían servir de acicate para el resto de países, que no están ya inmersos en una guerra espacial, sino en una comercial con la nueva potencia económica del siglo XXI.

+ info:

Las misiones Apolo de la NASA comenzaron en 1960 con el objetivo de enviar una misión tripulada que aterrizase con éxito en la Luna. Desde aquel año hasta marzo de 1969 se enviaron diez misiones no tripuladas y tripuladas que solo orbitaron alrededor de la Luna, sin llegar a alunizar en ella.

Primera foto de la Tierra tomada desde una nave orbital de la NASA en la Luna en una misión Apolo (diciembre de 1968). Copyright: NASA.

→Tras el éxito de la misión Apolo 11, la NASA envió a la Luna otras once misiones más (entre ellas, la problemática Apolo 13) hasta el año 1975. En total, 12 hombres de nacionalidad estadounidense han pisado la Luna hasta la actualidad. Las misiones tripuladas se abandonaron a partir de entonces y fueron sustituidas por otras sin componente humano, principalmente por razones económicas. El coste de la misión Apolo 11 fue de 120.000 millones de euros actuales.

→Vídeo. Retransmisión de la llegada del hombre a la Luna el 20 de julio de 1969. Fuente: YouTube.

 

→Fotogalería: La llegada del hombre a la Luna

Crítica de cine. Rocketman

25 Jun

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Escena musical del film Rocketman. Fuente: Internet.

Que un biopic sobre una rutilante estrella del rock acabe bien no es lo habitual. Que esta haya sobrevivido a sus excesos sin ingresar en el famoso club de los 27 tampoco es frecuente y que además haya dado su aprobación a la película sobre su vida, es casi algo insólito.

Rocketman, la biografía cinematográfica de Elton John, llega en la temporada final de películas musicales estrenadas en los últimos tiempos de la mano de Dexter Fletcher, el responsable del penúltimo éxito de taquilla, la oscarizada Bohemian Rhapsody. Aunque, a estas alturas, el film corría el riesgo de convertirse en la cola de un cometa agonizante, la realidad es otra bien distinta. Es indudable que la figura de Elton John sigue conservando intacto su poder para atraer a las masas, cincuenta años después de su debut en el Londres de los años sesenta. Y su inminente y gozosa retirada de los escenarios resulta ser un argumento más que convincente para acudir a las salas, tanto para sus seguidores habituales como para aquellos que, por edad, no conocieron sus mejores tiempos.

→Trailer oficial de Rocketman. Fuente: YouTube.

 

El encargado de dar vida en la pantalla a semejante coloso de la música es Taron Egerton, un actor no demasiado conocido, que consigue estar a la altura de lo esperado. Siempre se agradece que la persona que encarna al ídolo sea capaz de cantar en un registro de voz suficiente para dar credibilidad a la historia. En este caso, Egerton, sin ser Elton John, da la talla, tanto a nivel vocal como interpretativo, superando el trance que supone participar en una película musical. Porque, no nos engañemos, Rocketman es una película de género. En ella hay numeritos musicales, bailes coreografiados y mucha psicodelia. Además de plumas, lentejuelas y glitter hasta decir basta.

→Taron Egerton interpreta el tema principal Rocket Man en la película homónima sobre la vida de Elton John. Fuente: YouTube.


El argumento, por manido que resulte, sirve para novelar con divertimento la complicada infancia y desenfrenada juventud de Elton John, aunque quizá pierda la oportunidad de retratar con mayor detalle el proceso de composición musical, así como una época social, el último cuarto del siglo XX, especial y dichosamente repleto de talentos artísticos y musicales que interactuaron con el cantante. Quizá la narración se centre demasiado en describir el ascenso y bajada a los infiernos de Reginald Kenneth Dwight, sin profundizar en otro tipo de relaciones que no sean las familiares y personales del cantante. De entre todas, bien cabe destacar la amistad indestructible con Bernie Taupin, su apreciado letrista, que, gracias a este nuevo revival, retoma ahora un merecido protagonismo.

Elton John y Bernie Taupin en los años setenta. Dcha., Taron Egerton (con gafas) y Jamie Bell interpretando a sendos personajes en Rocketman. Fuente: Internet. Cantante y letrista nunca trabajaron juntos en un mismo lugar. Taupin le enviaba a Elton John sus letras en primer lugar y a continuación este componía una melodía inspirada.

La historia, de corte circular (empieza y termina en la clínica de desintoxicación a la que acude Elton John), finaliza en 1983, con el regreso del cantante a los escenarios y la edición de Too Low For Zero, el exitoso álbum que supuso su reconciliación con Bernie Taupin y su reinvención musical junto a la que fuera su banda en los años setenta. La película se toma algunas licencias narrativas (en la vida real Elton John no fue a rehabilitación hasta 1990 y no tomó prestado su nombre de John Lennon, sino de otro cantante, Long John Baldry) y obvia las tres décadas posteriores, que, si bien no han representado lo mejor de la carrera del artista, sí son dignas de mención, sobre todo teniendo en cuenta que sir Elton John obtuvo un Oscar en 1995 (monopolizando las nominaciones a mejor canción con tres temas propios de la banda sonora de El Rey León).

→Vídeoclip de “I´m still standing”, tema perteneciente al álbum de Elton John, Too Low for Zero (1983). El rodaje tuvo lugar en Cannes y Niza (Francia). Fuente: YouTube. El vídeo es recreado en las escenas finales de Rocketman.


La película casi resulta extravagante por su final feliz, su alegría y su ingenuidad, aunque el drama y la desilusión se instalen inopinadamente en algunos momentos interpretativos clave. Como la vida de sir Elton John, todo un superviviente.

Valoración: 3,5 estrellas/5

+ info:

Cartel promocional de Rocketman. Fuente: Internet.

Rocketman se estrenó en España el 31 de mayo de 2019. Su director es Dexter Fletcher, el cineasta encargado de finalizar el rodaje de Bohemian Rhapsody, tras el despido de Bryan Singer. El film está protagonizado por Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden y Bryce Dallas Howard. Narra la vida del cantante Elton John en clave musical, desde que tenía ocho años hasta los 36 (43 en la vida real), cuando decide ingresar en una clínica de desintoxicación para superar sus adicciones al alcohol, el sexo y las drogas, tras décadas de descontrol, dudas sobre su orientación sexual y una profunda desafección familiar.

Elton John y Bernie Taupin grabaron un tema nuevo para la banda sonora original de Rocketman, (I´m gonna) Love me again. La canción, de inspiración sesentera y que suena en los títulos de crédito de la película, está interpretada a dúo por el propio Elton John y Taron Egerton.

Exposición Amazonías (Arco 2019)

1 May

Últimos días, hasta el 5 de mayo

Autora: Samia Benaissa Pedriza

“Fidoma, el primer pintor” (2015), del artista peruano Rember Yahuarcani. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Resulta difícil definir el concepto de “Amazonía”, tanto como demarcar geográficamente un territorio compartido por el que no solo transcurre el río más largo de Latinoamérica sino también diversas culturas y modos de vida humana, animal y vegetal.

En esta ocasión es Perú el país invitado dentro de la programación de ArcoMadrid 2019 el que expone sus riquezas culturales según la particular visión de artistas de diverso origen y procedencia. La región amazónica, con sus conflictos territoriales, la lucha por la conservación del legado indígena y la protección del medioambiente sirven de inspiración para medio centenar de artistas de la colección del Museo de Arte de Lima, así como de otras privadas.

Algunas de las obras más recientes reflejan el sufrimiento de los pueblos indígenas por los abusos cometidos por los grupos terroristas que asaltaron la región durante los años ochenta. Enrique Casanto, expresa crudamente en “La década del terrorismo” (2018) las consecuencias de las masacres cometidas por organizaciones como Sendero Luminoso y el MRTA en los alrededores de Chachamayo y Satipo durante dos largas décadas.

“La década del terrorismo” (2018). Autor: Enrique Casanto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Otros autores centran su mirada en la mitología indígena y las leyendas ancestrales para elaborar composiciones propias y originales. Dimas Paredes Armas, chamán además de pintor, representa en “Cotomachaco” una yacumama, o boa mítica procedente de un mundo imaginario, inserta en el universo tropical del autor, a menudo también poblado por otros seres de leyenda como las sirenas, nacidas de las plantas.

“Cotomachaco” (2018). Autor: Dimas Paredes Armas. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

De izda. a dcha. “El hombre alacrán” (2011), “La araña” (2011), “El hombre cuerpo espín” (2011) y “La ayuda del Quirquincho” (2012), obras de Wilberto Casanto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Visión en espiral” (2011), de Roldán Pinedo. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Las expresiones audiovisuales de la Amazonía también tienen su espacio en performances electrónicas, así como representaciones visuales del cosmos plasmadas en soportes modernos como el papel fotográfico. La riqueza de colores y el contraste obtenidos mediante técnicas modernas de impresión contrastan con los de otras composiciones sobre el mismo tema elaboradas con materiales naturales y métodos tradicionales.

“Bosque anfibio I” (2015), de Musuk Nolte. La técnica empleada es la impresión por inyección de tinta sobre papel. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Cosmovisión Aimeni” (2012), del artista peruano Santiago Yahuarcani. El pintor empleó tintes naturales sobre corteza vegetal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“En el vientre” (2006), de Harry Chávez. Elaborado con cuentas de madera, ojos de gato y gemas de vidrio sobre aglomerado. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La Amazonía también es descrita desde distintas perspectivas en montajes fotográficos e instantáneas sobre la vida de sus habitantes, con toda su complejidad y belleza.

Obra sin título perteneciente a la serie “Los caucheros, Iquitos” (2014), de Juan Enrique Bedoya. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Sin título” (2010), de Morfi Jiménez. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Fotografía perteneciente a la serie “Shawis” (2008), del mexicano Musuk Nolte. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

→Vídeo. Exposición Amazonías. Fuente: Televisión Española.

→Hasta el 5 de mayo de 2019. Centro Cultural Matadero. Nave 16. Espacio: Centro de residencias artísticas. Paseo de la Chopera. 10. Madrid. Horario: martes a domingo y festivos de 11:00 a 20:00. Entrada libre.

Día del libro. Crítica de “Nuestras riquezas” (Kaouther Adimi)

23 Abr

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Portada de la novela de Kaouther Adimi, “Nuestras riquezas"

Portada de la novela de Kaouther Adimi, “Nuestras riquezas”, publicada por Libros del Asteroide (2017). Fuente: Internet.

“Jóvenes, por los jóvenes, para los jóvenes” es el slogan con el que Edmond Charlot, fundador de la librería “Les vraies richesses” (Las verdaderas riquezas) recibía a sus visitantes en 1936. El lema también podría inspirar alguna de las consignas que en los últimos tiempos viene lanzando la juventud argelina contra el caduco régimen político que gobierna el país desde hace más de dos décadas. Pero lo cierto es que el leit motiv que la escritora Kaouther Adimi recuperase del editor francés en su novela, “Nuestras riquezas”, carece de toda intención política.

El libro, de apenas 192 páginas, rinde homenaje a Edmond Charlot, un francés de la Argelia colonizada que decidió acondicionar una minúscula librería en un barrio popular de Argel y hacer que su amor por los libros y la literatura superase los avatares de una vida personal y política turbulenta.

La obra mezcla la narración de hechos reales (Edmond Charlot y su pequeña librería existieron en realidad) con otros ficticios, al tiempo que ilustra el modo de vida de una editorial independiente en un país con una exigua tradición literaria. A la competencia con las grandes casas de edición, las rencillas entre escritores y editores, la escasa difusión y los recursos e ingresos reducidos se suman las circunstancias propias de una época marcada por las grandes guerras y revoluciones del siglo XX (segunda guerra mundial, guerra de independencia argelina).

La librería “Les vraies richesses”(izda.), en la actualidad reconvertida en biblioteca municipal (Argel).

La librería “Les vraies richesses”(izda.), en la actualidad reconvertida en biblioteca municipal (Argel). Edmond Charlot tomó prestado el nombre de un texto de Jean Giono. Fuente: Internet.

Edmond Charlot no era un escritor frustrado, admitía que era incapaz de escribir una línea, pero en cambio, sí se reconocía a sí mismo el talento de descubrir una obra literaria o un autor relevante cuando lo leía (Albert Camus, Emmanuel Roblès, Henri Bosco). El traspaso de su amada librería a su hermano, la fundación de otra fallida en París y su triste retiro, casi ciego, en Francia se narran en primera persona a través de anotaciones de un imaginario diario personal que Adimi construye con tino. No en vano, la autora pasó un año buceando entre los archivos de Charlot para descubrir y conocer a la persona que después convertiría en un personaje carismático.

Interior de la librería “Les vraies richesses”, inaugurada en 1936

Interior de la librería “Les vraies richesses”, inaugurada en 1936 en la antigua calle Charras (actual calle Hamani) de Argel. Fuente: Internet.

El tono nostálgico de la novela recuerda en ocasiones a Patrick Modiano, un hecho que quizá sorprenda en una autora que apenas ha alcanzado la treintena. Sin embargo, la lectura no resulta tediosa gracias a la elección de un ritmo rápido y una narración corta que intercala los relatos en tiempo presente y pasado. La descripción de la historia de Argelia, en el principio de la novela, inevitablemente ligada a Francia y, posteriormente, desvinculada ya de ella, se ajusta bien a la realidad, sin incluir valoraciones políticas más allá de las necesarias, sin duda para dar protagonismo a una historia genuina de libros, autores y editores.

Prueba de ello es que Kaouther Adimi describe en su novela a una juventud argelina alejada de la historia y más interesada por el fútbol que por las cuestiones de orden político. Ryad, el joven estudiante de enseñanzas técnicas, representa el presente decadente de la literatura. Ryad es el antihéroe de 21 años (la misma edad con que Charlot fundó su librería) que con toda crudeza tira libros a la basura y que ni siquiera es capaz de reconocer a los autores que marcaron una época. También en ese contexto destaca el inquietante personaje de Abdallah, el gerente de la librería de Charlot cuando este retorna a Francia, que opera como como bisagra entre dos mundos opuestos.

Quizá se eche de menos en esta ficción centrada en hechos reales y su devenir histórico, la ausencia de anticipación sobre lo que en apenas dos años ocurriría en Argelia, ya que la decepcionante imagen de la juventud que pinta Adimi contrasta con las movilizaciones políticas que desde hace meses se suceden en todo el país exigiendo el fin del actual régimen. Los militares, que en la novela son descritos como héroes de la independencia y que posteriormente regresaron para pacificar el país tras la sangrienta guerra civil de los noventa, quedan desdibujados en la narración del presente. En este, Adimi solo refiere la figura fantasmal de un régimen que no significa nada para unos jóvenes que no vivieron la descolonización y que definitivamente han pasado la página del pasado más remoto.

+ info:

Cruce del bulevar Bodin y la calle Charras de Argel en los años cuarenta.

Cruce del bulevar Bodin y la calle Charras de Argel en los años cuarenta. Fuente: Internet.

→Argumento: Es 2017 y Ryad, un estudiante argelino de ingeniería en París se traslada a Argel para hacer unas prácticas académicas. Allí deberá vaciar el local de una antigua librería, “Les Vraies Richesses”, reconvertida en biblioteca nacional durante los años noventa, y que en breve pasará a ser una tienda de buñuelos. Ryad cumple su trabajo con desgana y nulo interés por los libros mientras es observado a distancia por Abdallah, quien fuera el gerente de la librería durante décadas. A través de sus recuerdos volverán a la vida un desconocido Albert Camus, quien publicará por primera vez sus escritos en “Les vraies richesses”, y los por entonces jóvenes y prometedores escritores Jean Giono, Max-Pol Fouchet y Jules Roy, entre otros.

 

El editor francés Edmond Charlot

El editor francés Edmond Charlot en la última etapa de su vida. Fuente: Internet.

→Edmond Charlot: nacido en Argel en 1915 de padres franceses, fue editor y fundador de la librería y modesta editorial “Les vraies richesses”. En 1939 editó en Argel el primer texto conocido de Albert Camus, titulado “Noces” (Nupcias). Nada más abrir las puertas de su librería decidió publicar a Federico García-Lorca, ejecutado durante los primeros meses de la guerra civil española.

Posteriormente editaría a otros autores que con el tiempo llegarían a alcanzar la fama y algunos de los cuales acabarían por abandonarle al finalizar la segunda guerra mundial, seducidos por las promesas de éxito y dinero de las grandes casas de edición francesas, contra las que Charlot no podía competir. Tras su etapa como editor ocupó diversos cargos públicos relacionados con la cultura en Turquía y Marruecos hasta su retiro y muerte en Béziers (Francia) en el año 2004.

 

La escritora argelina Kaouther Adimi.

La escritora argelina Kaouther Adimi. Fuente: Internet.

→Kaouther Adimi: nacida en Argel en 1986, “Nos richesses” (Nuestras riquezas) es su tercera novela publicada tras “L´envers des autres” (El reverso de los otros) y “Des pierres dans ma poche” (Piedras en mi bolsillo).

En el año 2006 ganó el premio “Joven escritor francófono” y en 2011 el “Premio literario de la vocación” por su primera novela publicada. Con la última consiguió ganar el prestigioso premio Renaudot des Lycéens y quedar finalista del Goncourt.

“Nos richesses”, escrita en lengua francesa, se publicó por “Editions du Seuil” en el año 2017 y en castellano por la editorial “Libros del Asteroide”.

Las olas del feminismo y el #MeToo

8 Mar

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Reivindicaciones feministas

Reivindicaciones feministas a lo largo de la historia. Fuente: Internet.

En 2019 se cumplen 60 años desde que la muñeca Barbie se convirtiera en el icono de belleza por excelencia de las niñas de mediados del siglo XX. El ideal de mujer joven y rubia, sin apenas ocupaciones ni preocupaciones vitales que la muñeca encarnaba se correspondía con la realidad social predominante entre las mujeres de la época. Tras los avances conseguidos por el movimiento feminista, las niñas del siglo XXI pueden ahora imaginar con normalidad un futuro en el que Barbie gestiona con mano firme una empresa o dirige con éxito un país sin cortapisas. Pero la igualdad de derechos no es algo que se dé por sentado en todas las regiones del mundo, ni que se haya reconocido en todas las épocas.

El 8 de marzo se celebra el Día Internacional de la Mujer en un contexto de manifestaciones en defensa de los derechos de las mujeres a nivel mundial. Porque, a pesar de los avances, aún queda mucho para poder garantizar una convivencia equitativa entre sexos en los actuales modelos de sociedades. A la lucha contra las desigualdades educativas, sociales y salariales iniciada en épocas pasadas, se suma ahora el movimiento #MeToo, organizado desde un sector social con gran visibilidad pública y auspiciado por el poder de las redes sociales.

Cuanto pueda durar la atención de la opinión pública sobre las reivindicaciones feministas en la era de la sociedad en red es difícil de determinar, ya que la vida de las modas iniciadas en el universo digital suele ser efímera. Por ello, solo el tiempo dirá si estamos o no ante el inicio de una nueva ola del feminismo propiciada desde la cumbre, o si el #MeToo supone únicamente un episodio más de viralidad, sin más consecuencias que las generadas en su propio entorno virtual.

Primera ola del feminismo: las mujeres también piensan

Entre mediados del siglo XVIII y mediados del siglo XIX no existían tecnologías capaces de difundir las ideas, las opiniones y el pensamiento tan rápidas como las actuales. Las mujeres eran representadas en el arte clásico como meros objetos cuya belleza y femineidad era exaltada y cuya imagen estaba indisolublemente asociada al cuidado del hogar y de la familia. Unos valores más propios de la Edad Media que del pensamiento moderno de la Ilustración. El siglo de las luces parece que solo se hizo por y para hombres. Filósofos como Jean-Jacques Rousseau o Emmanuel Kant, esgrimiendo razones basadas en la propia naturaleza femenina, opinaban que las mujeres no debían tener acceso a los derechos de ciudadanía. Pero las mujeres de su época y clase social no solo se dedicaban a organizar las labores domésticas de sus acomodados hogares, sino que también pensaban. Algunas damas de la nobleza y la alta burguesía dieron un paso adelante desde su cómoda, aunque limitada, posición de organizadoras de tertulias literarias y políticas en la Francia del siglo XVIII para reivindicar su valía intelectual. Las mujeres de los estratos sociales menos favorecidos hicieron otro tanto en los clubes patrióticos de mujeres, donde se reunían para intercambiar impresiones sobre política y cuestiones de actualidad.

Club de mujeres en el siglo XVIII.

Club de mujeres en el siglo XVIII. Fuente: Internet.

El tema de la igualdad formal de derechos ya se había abordado tiempo atrás por Marie Le Jars de Gournay (De l’Égalité des hommes et des femmes, en 1622) o por François Poullain de la Barre (De l’Egalité des deux sexes, en 1673). Pero en plena Revolución francesa, las ciudadanas querían gozar de derechos reales, razón por la cual en 1789 presentaron en la Asamblea Nacional su propio listado de demandas y quejas (Cahier de doléances). Dos años más tarde, Olympe de Gouges redactaba la Declaración de los Derechos de la Mujer y de la Ciudadana, que mejoraba la Declaración de los Derechos del Hombre y del Ciudadano. Sin embargo, estas reivindicaciones no tuvieron eco entre los revolucionarios: Olympe de Gouges, defensora de los Girondinos y muy crítica con Robespierre, acabó guillotinada y los clubes de mujeres, prohibidos.

Hombre, ¿eres capaz de ser justo? Una mujer te hace esta pregunta. (Declaración de los Derechos de la Mujer y de la Ciudadana, 1791)

Segunda ola: queremos votar

Si el siglo XVIII fue de las mujeres francesas, el siglo XIX lo fue de las inglesas. El sometimiento de la mujer (1869), de John Stuart Mill y Harriet Taylor, que inspiró el movimiento sufragista, y Vindicación de los derechos de la mujer (1792), de Mary Wollstonecraft, fueron las obras más significativas de este período. A finales del siglo XIX surgió en Francia el neologismo “feminismo”, creado a partir del término latino “fémina” (mujer), aunque esta nueva realidad no fuera del agrado de todos los intelectuales: el escritor Alexandre Dumas (hijo) no dudó en criticar abiertamente a los hombres que apoyaban el nuevo movimiento.

La abolición de la esclavitud en muchos países y la llegada de la Revolución industrial contribuyeron a impulsar las reivindicaciones de las clases sociales menos favorecidas. Aunque en los inicios las mujeres de color y las obreras se unieron al movimiento feminista, con el tiempo, decidieron seguir caminos separados para alcanzar sus legítimas aspiraciones.

En Inglaterra, Emmeline Pankhurst alcanzó notoriedad por liderar a un grupo de mujeres (las suffragettes) que reclamaban su derecho a votar. La película Las sufragistas (2015) retrata este momento crucial de la historia del Reino Unido, cuando también se reclamaban derechos educativos como el acceso de las mujeres a la universidad. En 1918 se reconoció el derecho al voto de las mujeres mayores de treinta años en Inglaterra y en Alemania. Dos años más tarde Estados Unidos también lo aprobaría a través de la promulgación de la 19ª enmienda. La década de los años veinte supuso un avance importante en la salvaguarda de los derechos políticos de las mujeres en el mundo occidental, si bien con ciertas restricciones (edad, posesión de determinados bienes como condición para poder votar).

Mujeres sufragistas en una manifestación en Nueva York (1912).

Mujeres sufragistas en una manifestación en Nueva York (1912). Fuente: Biblioteca del Congreso de EE.UU. Dominio público.

Las mujeres francesas e italianas tuvieron que esperar a la década de los años cuarenta para ver aprobado el derecho de sufragio universal en sus respectivos países. El derecho al voto se consideró una recompensa por el trabajo realizado durante la segunda guerra mundial, cuando muchas mujeres tuvieron que sustituir a sus maridos, desplazados al frente. Sin embargo, a su regreso, las mujeres volvieron a ocupar un papel meramente doméstico en la economía nacional.

Cartel “Rosie the Riveter”

Cartel “Rosie the Riveter”, también conocido por su lema, “We Can Do It”. En la actualidad constituye un símbolo feminista. La empresa americana Westinghouse animaba así sus trabajadoras a realizar las tareas asignadas a los hombres que habían partido a la guerra. Autor: J. Howard Miller. Dominio público.

 

Cartel publicitario. Segunda guerra mundial

Cartel publicitario difundido durante la segunda guerra mundial para animar a las mujeres estadounidenses a ocupar los puestos laborales de los hombres. Fuente: U.S. National Archives and Records Administration. Dominio público.

A pesar de la publicación del influyente ensayo de Simone de Beauvoir El segundo sexo (1949), la década de los años cincuenta supuso un retroceso en la imagen que las mujeres proyectaban públicamente. La publicidad de la época era abiertamente machista, centrada en difundir anuncios de electrodomésticos e imágenes que cosificaban a las mujeres. En 1959 sale al mercado la muñeca Barbie, creada a imagen y semejanza de las mujeres idealmente rubias y delgadas, representadas como imagen del ideal doméstico en las producciones publicitarias. Las mujeres seguían obteniendo menores grados de visibilidad en los núcleos de poder, los medios de comunicación, el arte y la literatura. Las películas The Wife (2018) y Big Eyes (2014) retratan a la perfección la doble vida que llevaban algunas mujeres, obligadas a ocultar su talento artístico bajo un pseudónimo masculino o la figura de un marido.

Anuncio publicitario de corbatas de tono visiblemente machista.

Anuncio publicitario de corbatas de tono visiblemente machista. Fuente: Internet.

 

Publicidad de comida prefabricada de los años 50

Publicidad de comida prefabricada de los años 50: “Las mujeres no abandonan la cocina. Se sabe que el lugar de una mujer está en casa, cocinando platos deliciosos para su marido”. Fuente: Internet.

 

Publicidad de una bebida de cola.

Publicidad de una bebida de cola. La mujer aparece representada como un mero objeto. Fuente: Internet.

Tercera ola: “nosotras parimos, nosotras decidimos”

Los años sesenta del siglo XX llegaron como una ola. Las mujeres se rebelaron contra los estereotipos y los convencionalismos sociales y familiares: Doris Lessing con El cuaderno dorado (1962) y Betty Friedan con La mística de la femineidad (1963) dieron el pistoletazo de salida. Friedan definió la depresión del ama de casa como “el malestar que no tiene nombre” y Alice Munro con La vida de las mujeres (1971) ayudó a comprender las motivaciones de las mujeres y del universo femenino en un ámbito social particularmente opresivo como el rural.

→Seguir leyendo reportaje Las olas del feminismo y el #MeToo.

La música de los Oscars 2019

25 Feb

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Lady Gaga y Bradley Cooper interpretan “Shallow” en la gala de los Oscars 2019.

Lady Gaga y Bradley Cooper interpretan “Shallow” en la gala de los Oscars 2019. Fuente: Internet.

La 91 edición de los premios Oscars pasará a la historia por ser una de las galas más musicales de los últimos tiempos. Bohemian Rhapsody, Ha nacido una estrella, Infiltrado en el KKKlan o Black Panther han ido dejando su particular huella musical desde el paseo de la fama hollywoodiense hasta el epicentro del Teatro Dolby de Los Ángeles, pasando por la popular alfombra roja de este año.

La magia de Queen

La apertura de la gala a cargo de la banda británica Queen (nunca será lo mismo sin Freddy Mercury) ya anunciaba el sabor y el color de una gala atípica, entre otras razones, por la ausencia de presentador principal.

→Apertura de la gala de los Oscars 2019 a cargo de la banda Queen. Adam Lambert interpreta las partes vocales de Freddy Mercury sobre el escenario. Fuente: Youtube.

Cuando surge un buen biopic (Bohemian Rhapsody) y una banda mítica resucita tras pasar una buena temporada entre la penumbra y el ostracismo, suelen ocurrir unas cuantas cosas. La primera y fundamental: las ventas de recopilatorios suben como la espuma. De hecho, en los últimos meses, Queen ha alcanzado el récord de canciones del siglo XX más vendidas en el XXI. Todo un hito en la era de los millenials y del reguetón. Porque recordemos que Queen es una banda de rock con mayúsculas y Freddy Mercury uno de los vocalistas más versátiles que se conocen. Carisma aparte.

Escena de “Bohemian Rhapsody”

Escena de “Bohemian Rhapsody” protagonizada por Rami Malek (en el centro), ganador del Oscar 2019 en la categoría de mejor actor. Fuente: Internet.

La segunda es que los fans de la banda, entrados ya en años, pueden volver a escuchar la banda sonora de su adolescencia sin pasar vergüenza. Más allá del clásico “We will rock you” (abrasado en los estadios), si vuelve a sonar “Keep yourself alive” o “I´m in love with my car” en la radio es que todo va bien. Aunque quizá sea pedir demasiado. Quizá valdría con que se escuchase algo de “Radio Gaga”. Por cierto que Lady Gaga debe su nombre artístico al título de esa canción.

La tercera, ya no es tan emotiva ni tan grata. Y es que ver cómo han envejecido los supervivientes de una banda admirada no sienta nada bien. Presenciar como sustituyen al líder del grupo por una versión más joven recién salida de un concurso de talentos, tampoco contribuye a mantener viva la leyenda. Y al final, solo queda conformarse y agradecer los efímeros quince minutos de gloria asociados a la promoción de la película que han permitido revivir tiempos mejores. Pero menos es nada.

El guitarrista de Queen, Brian May (izq.) junto a Rami Malek y Roger Taylor (batería).

El guitarrista de Queen, Brian May (izq.) junto a Rami Malek y Roger Taylor (batería). Fuente: @QueenWillRock.

Lady Gaga y su buena estrella

Stefani Joanne Angelina Germanotta, más conocida por Lady Gaga, lleva unos años en racha. Con independencia del estilo musical al que se dedique, se trata, posiblemente, de una de las escasísimas cantantes con verdadero talento vocal e interpretativo que han surgido en el nuevo milenio. La “dama” no le hace ascos a nada y ha cantado ya con los más grandes artistas de la música contemporánea: The Rolling Stones, Metallica, Sting, Madonna, Tony Bennett o Elton John son solo algunos de los más relevantes.

Su carrera como actriz no ha hecho más que empezar, pero justo es reconocer su competencia interpretativa. Que sea una recién llegada no le ha sentado bien a algunos miembros del gremio (léase, Leonardo Di Caprio). Pero es más que probable que Lady Gaga siga apareciendo con regularidad en las pequeñas o grandes pantallas del nuevo séptimo arte. No sería la primera ni la última vez que una artista hiciera doblete. Ahí están Judy Garland, Barbra Streisand, Cher o Jennifer López.

Paradójicamente, Lady Gaga resulta infinitamente más natural delante de una cámara que ante un micrófono. El personaje que ha construido es extravagante y excesivo en su particular expresión artística, pero es capaz de abandonarlo cuando se le pide y mostrar una sorprendente habilidad para encarnar a personas radicalmente opuestas.

→Lady Gaga interpreta Always remember us this way en Ha nacido una estrella. Fuente: Youtube.

Lady Gaga ya ganó en 2016 un Globo de Oro por su primera participación en la serie American Horror Story (Hotel) y en su segunda incursión en el mundo de la interpretación ha sido nominada al Óscar a la mejor actriz principal. Dos de dos. Ni Glenn Close con tres nominaciones fallidas, ni Amy Adams con seis este año, alcanzan ese registro. Aunque, mucho ha ayudado la calidad del proyecto en que se ha embarcado junto a Bradley Cooper.

Lady Gaga en American Horror Story

Lady Gaga se puso en la piel de “La condesa”, un papel hecho a medida, en la quinta temporada de la serie American Horror Story. Fuente: Internet.

El remake de Ha nacido una estrella prometía ser un fiasco, o como mínimo, una película anodina. Y, sin embargo, sus creadores han conseguido convertir a la película en una de las historias más conmovedoras y vibrantes de su género, ya de por sí difícil de asimilar por el público palomitero. Pero la taquilla hizo pleno, al igual que con Bohemian Rhapsody.

La interpretación de Shallow, a dúo entre Lady Gaga y Bradley Cooper (otro actor cuyo talento se empeñaba en permanecer oculto hasta hace poco), ya se ha convertido en viral. Preparémonos para verla hasta la saciedad porque reúne todos los ingredientes para ello: aparente intimidad robada, sensibilidad a flor de piel y gran química entre los protagonistas (por opuestos que parezcan).

Shallow, tema ganador del premio a la mejor canción original, interpretado en la gala de los Oscars 2019. Fuente: Youtube.

El poder de la música

Durante la gala de los Oscars 2019 también se reconoció el valor de otros estilos musicales como el hip hop o la música negra de los setenta (soul y funk). Black Panther (Pantera Negra) se alzó merecidamente con el premio a la mejor banda sonora frente a competidoras como If Beale Street could talk, Inflitrado en el KKKlan, El (inquietante) Regreso de Mary Poppins o la película de animación, Isla de Perros.

Pray For Me, de la banda sonora de Black Panther, interpretado por The Weeknd y Kendrick Lamar. Fuente: Youtube.

+info:

Ganadores de los Premios Oscars 2019 en las categorías musicales:

→Mejor canción original: Shallow (Ha nacido una estrella). Autores: Lady Gaga, Mark Daniel Ronson, Anthony Rossomando y Andrew Wyatt.

→Mejor banda sonora: Black Panther. Ludwig Göransson.

→Mejor sonido: Bohemian Rhapsody. John Casali, Tim Cavagin y Paul Massey.

→Mejor edición de sonido: Bohemian Rhapsody. Nina Hartstone y John Warhurst.

Las películas musicales Bohemian Rhapsody y Ha nacido una estrella fueron ambas nominadas en la categoría de mejor película.

Estatuilla de los premios Oscar.

Estatuilla de los premios Oscar. Fuente: Internet.

El año Rembrandt

31 Ene

350 aniversario del fallecimiento de Rembrandt

“Dánae”, óleo sobre lienzo pintado por Rembrandt en 1636.

“Dánae”, óleo sobre lienzo pintado por Rembrandt en 1636. Fuente: Internet (dominio público). Se conserva en el Museo Hermitage de San Petersburgo y representa una escena de la mitología griega. Acrisio encerró a su hija Dánae en una torre de bronce para evitar que su futuro hijo, Perseo, le asesinase, según la profecía de un oráculo.

En el año de Rembrandt vuelven a salir a la luz muchas curiosidades sobre la vida y obra del artista holandés desaparecido en 1669. El museo Fries de Leeuwarden ha sido el primero en inaugurar una larga lista de celebraciones que se sucederán a lo largo de 2019 en distintos países. A la muestra inspirada en el matrimonio del pintor con Saskia van Uylenburgh, le sigue la exposición del Mauritshuis de La Haya, donde se conserva La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp, el primer retrato colectivo que Rembrandt pintó a los 26 años.

“La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp”

“La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp”, pintada por Rembrandt en 1632. Fuente: Internet (dominio público).

La escena representa una lección de anatomía a cargo del doctor Nicolaes Tulp, un renombrado cirujano de la época. El cadáver pertenece a un criminal de 41 ejecutado ese mismo día por haber cometido un delito de robo a mano armada.

Por su parte, el Rijksmuseum de Ámsterdam, poseedor del mayor legado del pintor barroco, ha decidido exponer al público los trabajos de restauración de su obra más emblemática, La Ronda de Noche. Aunque, a pesar de los esfuerzos, no se podrá recuperar la parte del cuadro recortada en 1715 por decisión del ayuntamiento de la ciudad.

La Noche de Ronda

Aspecto de “La Ronda de Noche” de Rembrandt, antes de la mutilación sufrida en 1715. Fuente: Wikipedia. Dominio público.

En el cuadro aparecen representados en primer plano el capitán Coq, el teniente Willem van Ruytenburg -un rico comerciante de la ciudad-, así como otros burgueses que pagaron 100 florines de la época para figurar en el cuadro. A pesar del título por el que se conoce la obra desde el siglo XIX, se retrata una escena diurna en la que una milicia formada por ciudadanos se prepara para hacer su ronda. Fueron la degradación de las pinturas y barnices originales los que dieron a la composición ese tono apagado. Una restauración realizada en 1947 detectó el error.

La obra es un retrato colectivo realizado por encargo, en el que Rembrandt se aparta de las formalidades del género, dotando a sus personajes de una gran viveza gracias al dominio del color y del claroscuro. Características propias de los retratos individuales de la burguesía y de la realeza por los que el artista era muy conocido y apreciado.

Retrato de Nicolaes Ruts pintado por Rembrandt en1631.

Retrato de Nicolaes Ruts pintado por Rembrandt en1631. Fuente: Internet.

Retrato de Johannes Wtenbogaert, pintado por Rembrandt en 1633.

Retrato de Johannes Wtenbogaert, pintado por Rembrandt en 1633. Fuente: Internet.

Quizá en un intento por recuperar el espíritu de Rembrandt en la actualidad, el proyecto The Next Rembrandt, recreó un retrato inspirado en las técnicas del pintor. El óleo fue ideado con técnicas de inteligencia artificial e impreso en 3D, aunque según los críticos especializados, no es capaz de transmitir la expresividad de los personajes retratados por el artista más reconocido del barroco holandés.

Retrato creado por inteligencia artificial inspirado en las técnicas de Rembrandt. Representa a un personaje burgués del siglo XVII originario del norte de Europa. Fuente: Internet.

Retrato creado por inteligencia artificial inspirado en las técnicas de Rembrandt. Representa a un personaje burgués del siglo XVII originario del norte de Europa. Fuente: Fundación Telefónica.

Pintura inspirada en la obra de Rembrandt creada mediante IA (detalle).

Pintura inspirada en la obra de Rembrandt creada mediante IA (detalle). Fuente: Internet.

Foto. Retrato del empresario Martin Looten, pintado por Rembrandt en 1632.

Retrato del empresario Martin Looten, pintado por Rembrandt en 1632. Fuente: Internet.

Sin duda, la obra no será incluida en el proyecto Rembrandt (1968-2014), una relación de la totalidad de las obras atribuidas al pintor y que han sido analizadas para distinguir los originales de las copias realizadas por aprendices.

“El jinete polaco”. Obra finalmente atribuida a Rembrandt y no al pintor Willem Drostv por el proyecto Rembrandt. Dominio público.

“El jinete polaco”. Obra finalmente atribuida a Rembrandt y no al pintor Willem Drostv por el proyecto Rembrandt. Dominio público.

“El hombre con yelmo dorado”. Retrato inicialmente atribuido a Rembrandt cuya autoría ha sido finalmente descartada. Dominio público.

“El hombre con yelmo dorado”. Retrato inicialmente atribuido a Rembrandt cuya autoría ha sido finalmente descartada. Dominio público.

+ info:

Autorretrato de Rembrandt. Fuente: Internet.

Autorretrato de Rembrandt. Fuente: Internet.

Rembrant Harmenszoon van Rijn: El artista nació en Leiden (Países Bajos), el 15 de julio de 1606, en el seno de una familia acomodada, aunque no relacionada con el arte (su padre era molinero). Con veinte años ya realizaba retratos y pronto destacó en el arte de representar a los miembros más destacados de la sociedad holandesa del siglo XVII. Sin embargo, se dio a conocer primero por sus grabados, cuya delicadeza traspasó fronteras. Los retratos de nobles y burgueses, singulares y realistas fueron otra de sus señas de identidad, junto a los paisajes y la representación de escenas bíblicas. Su gran maestría del claroscuro, le ponen a la altura de otros genios del barroco europeo como Diego de Velázquez o Caravaggio. Falleció el 4 de octubre de 1669 en Ámsterdam.

“La Ronda de Noche” en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Fuente: Internet.

“La Ronda de Noche” en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Fuente: Internet.

La Ronda de Noche (1642), la obra más relevante de Rembrandt, tiene un título original mucho más largo: La compañía militar del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytenburg. Fue un encargo de la Corporación municipal de Arcabuceros de Ámsterdam al pintor. En 1715 la obra fue trasladada al ayuntamiento de la ciudad y al no caber en la sala que se tenía destinada para su exposición se ordenó recortar una parte. Se perdieron la zona superior del cuadro y tres personajes del lateral izquierdo que nunca han podido ser recuperados. El óleo, propiedad del ayuntamiento de Ámsterdam, mide en la actualidad 3,79 metros de largo por 4,54 de alto y pesa 170 kilos.

La pieza fue rasgada con un cuchillo en dos ocasiones (1911 y 1975) y dañada con ácido clorhídrico en 1990. Sus trabajos de restauración comenzarán en julio de 2019 y tendrán un coste de tres millones de euros.

The Next Rembrandt es un proyecto científico participado por la Universidad Técnica de Delft, los museos Mauritshuis y Rembrandthuis, Microsoft e ING. Puesto en marcha en 2015, su objetivo era crear una pintura basada en los temas y técnicas empleadas por Rembrandt. Para ello se estudiaron 168.263 fragmentos de 346 óleos pintados por el artista que proporcionasen datos sobre la composición, las proporciones faciales o el uso de la luz y las sombras, entre otros factores. El resultado fue el retrato de un varón caucásico de entre 30 y 40 años con vello facial y mirada a la derecha del cuadro. Para imitar la textura del óleo se empleó una impresora 3D con 13 capas de tinta ultravioleta.

El peligro de los microplásticos

16 Ene

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Microplásticos.

Microplásticos. Fuente: Internet.

Microplástico” fue la palabra del año 2018 elegida por la Fundación Fundéu BBVA (Fundación del Español Urgente). Y el voto coincide con el aumento de las iniciativas gubernamentales para combatir la proliferación de esta diminuta materia presente en un gran número de productos de uso diario que está contaminando el medio ambiente a nivel global.

El término se refiere a las micropartículas de plástico (polietileno, polipropileno o poliestireno) de menos de 5 mm de diámetro presentes en muchos productos de limpieza e higiene personal. Debido a su reducido tamaño, no pueden ser filtradas por las depuradoras de agua antes de depositarse en el mar, por lo que son ingeridas por la fauna marina. El tamaño de los microplásticos es objeto de discusión, aunque existe un consenso internacional respecto a la medida de 5 mm alcanzado por la mayoría de agencias medioambientales (ONU Medioambiente, Agencia Europea de Medioambiente, Administración Nacional Oceánica y Atmosférica de EE.UU.).

Los microplásticos primarios son aquellos fabricados directamente por la industria cosmética para elaborar productos de higiene, mientras que los microplásticos secundarios se generan por la descomposición molecular de los plásticos de mayor tamaño (bolsas, botellas, envases) vertidos al mar en una proporción estimada de ocho toneladas al año.

Basura plástica depositada en el mar.

Basura plástica depositada en el mar. Fuente: Internet.

“No Blue, no Green” (Sylvia Earle)

La acumulación en los océanos de productos elaborados a partir de derivados del petróleo, como los plásticos y microplásticos comenzó a finales de los años setenta. Y tan solo una década después, en 1988, ya se detectó una zona del Pacífico norte con una notable acumulación de microplásticos. La denominada “Isla de Basura” fue la primera de las tres franjas oceánicas contaminadas que han sido identificadas hasta el año 2011.

La “Isla de Basura”

La “Isla de Basura”, localizada en el océano Pacífico, entre Hawái y las costas de California. Su extensión es de 3.4 millones de kilómetros cuadrados. Fuente: Facebook/Internet.

La isla de basura (Pacífico norte)

En la isla se acumulan 100 millones de toneladas de desechos. En su parte central se registra una mayor concentración de microplásticos. Fuente: Internet.

Los primeros estudios científicos sobre microplásticos se emprendieron a principio de los años 2000. La destacada bióloga marina Sylvia Earle advertía ya en 2009 de la necesidad de preservar la salud de los océanos para proteger el medio ambiente: “no Blue, no Green” fue su célebre máxima. Ahora asegura que “el plástico no es malo en sí, sino lo que hacemos con él”.

“Collage” plásticos

“Collage” fotográfico elaborado a partir de 3.000 tapones de botellas de Coca-Cola recogidos en playas de todo el mundo y extraídos de los vientres de aves marinas. Autora: Mandy Baker. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Existen suficientes estudios sobre la contaminación por microplásticos en el medio marino, pero no así sobre sus efectos en el aire y el medio terrestre. Un estudio de la Universidad de Heriot-Watt (Escocia) revela que en la comida que ingerimos cada día podrían contenerse más de 100 micropartículas de plástico, frente a las 3,35 detectadas en los mejillones, directamente procedentes del mar. Las nanopartículas, procedentes del polvo en suspensión de los hogares, se depositarían en los alimentos que ingerimos cada día.

Por otro lado, una investigación en Alemania ha concluido que la presencia de microplásticos en los suelos y sedimentos podría ser aún más contaminante que la de los océanos ya que su concentración es de 4 a 23 veces superior, según la zona analizada. Las micropartículas de plástico que han incorporado sustancias tóxicas como el cloro pueden ser absorbidas por los suelos o filtrarse en aguas subterráneas.

Microplásticos en los suelos.

Microplásticos contaminantes en los suelos. Fuente: El diario.es (Licencia CC).

¿Un peligro para el ser humano?

En la actualidad, las investigaciones se centran en analizar la presencia de microplásticos en la cadena alimentaria (Greenpeace, Universidad de Melbourne), aunque aún no existen resultados concluyentes sobre sus efectos en la salud humana. Sin embargo, dada la capacidad de los microplásticos para absorber sustancias tóxicas, podrían ser potencialmente peligrosos para las especies animales y los seres humanos. Según un informe de Ecologistas en Acción, los microplásticos con mayor impacto serían aquellos con un tamaño comprendido entre 1 y 5 mm, ya que los inferiores a 1 mm pueden ser excretados fácilmente por las especies que los ingieren.

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