Canciones de navidad 2020

24 Dic

Felices fiestas desde Blogosphera

Autora: Samia Benaissa Pedriza

“All I Want for Christmas”, de Mariah Carey (Versión 2019). Fuente: YouTube.

Aunque Mariah Carey lleve veintiséis años siendo “Mamá Noel” y su All I want for Christmas se haya convertido en la canción de Navidad por excelencia, existen otras opciones que también la recuerdan sin tanto azúcar ni caramelo.

→U2. Christmas (Baby, please come home). (1987). Fuente: YouTube.

En 1987 U2 versionaron este tema original de Darlene Love editado en las navidades de 1963 e incluido en el álbum recopilatorio A Christmas Gift for You from Phil Spector. La banda grabó el tema durante una prueba de sonido en la gira The Joshua Tree y les gustó tanto que decidieron incluirlo en su nuevo LP A Very Special Christmas editado ese mismo año.

→Jon Bon Jovi. Please come home for Christmas (1992). Fuente: YouTube.

El cantante de Bon Jovi grabó este tema para su álbum en solitario de 1992, A very special Christmas 2. El tema es en realidad una versión de la canción de navidad homónima compuesta por el músico de blues Charles Brown en 1960. En el vídeo aparece la supermodelo de los noventa, Cindy Crawford.

→Bryan Adams. Christmas Time (1985). (Vídeo oficial editado en 2019). Fuente: YouTube.

Bryan Adams compuso esta canción junto a Jim Wallance en 1985 cuando estaba en la cima de su carrera musical. Adams lleva treinta y cinco años cantándola en directo, pero no se decidió a editar un vídeo promocional del tema hasta hace muy poco tiempo. Como anécdota, al final de la grabación aparecen las hijas pequeñas de Bryan Adams.

→Bruce Springsteen. Santa Claus is coming to town (1975). Actuación en directo en el año 2007. Fuente: YouTube.

Bruce Springsteen y la E Street Band grabaron este tema clásico de 1934 el doce de diciembre de 1975 en Brookville, Nueva York. La primera vez que se editó fue en el año 1982, en un recopilatorio de temas navideños del programa infantil Barrio Sésamo, In Harmony 2. Tres años más tarde Springsteen lo incluiría en la cara B del sencillo My Hometown, perteneciente al exitoso álbum Born in the USA.

→Rod Stewart. Merry Christmas Baby (2012). Fuente: YouTube.

La canción pertenece al primer disco de villancicos, Merry Christmas Baby, adaptados por el cantante y editado en el año 2012. Stewart grabó el disco en colaboración con varios artistas y en el tema principal participaron el cantante Cee Lo Green y el músico Trombone Shorty. La actuación fue grabada en una mansión privada de Pacific Palisades en California en septiembre de ese mismo año en el marco de un especial navideño que más tarde emitiría la cadena de televisión americana PBS.

→Billy Idol. Jingle Bell Rock (2006). Fuente: YouTube.

Por extraño que parezca, el excéntrico roquero Billy Idol también se sumó a la moda de los recopilatorios navideños allá por 2006. En las navidades de aquel año editó el disco Happy Holidays con diecisiete versiones de clásicos navideños y algunos temas nuevos. Este Jingle Bell Rock, un tema original de Bobby Helms editado en 1957, fue uno de los cuatro singles elegidos para promocionar el disco. Billy Idol no será un crooner a lo Frank Sinatra, pero en el vídeo lo dio todo, todo.

→Queen. Thank God it´s Christmas (1984). Vídeo editado en 2019. Fuente: YouTube.

Queen grabaron Thank God it´s Christmas en noviembre de 1984, aunque nunca se incluyó en un disco de estudio de la banda. Hubo que esperar al lanzamiento de la cara B del sencillo A Winter´s Tale, perteneciente al disco Made in Heaven (1995) para poder coleccionarlo. Debido a su corto recorrido en las listas de éxitos, nunca se grabó un vídeo, pero en 2019, los miembros supervivientes de Queen publicaron en su canal de You Tube este corto animado inspirado en el tema.

Perfil: Carlos Ruiz Zafón, escritor

29 Nov

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El escritor Carlos Ruiz Zafón frente al Palau de la Música catalana.

El escritor Carlos Ruiz Zafón frente al Palau de la Música catalana. Fuente: Internet.

2020 ha sido un año agridulce para los numerosos seguidores del escritor Carlos Ruiz Zafón. A la noticia de su fallecimiento se une ahora la publicación de su última obra, La ciudad de vapor, una recopilación póstuma de relatos que siguen la senda de su famosa saga El cementerio de los libros olvidados, iniciada allá por el año 2000.

Con La sombra del viento dio comienzo una tetralogía que el autor catalán decidió finalizar en el año 2016, seguramente sin saber entonces que aquella sería también su última novela publicada en vida. A pesar de que Carlos Ruiz Zafón sea el autor en lengua española más leído después de Cervantes, su obra no es extensa, aunque se iniciara en la escritura cuando aún era un niño.

Portada de La sombra del viento. Editorial Planeta (2000).

Portada de La sombra del viento. Editorial Planeta (2000). Fuente: Internet.

Ruiz Zafón, hijo de un agente de seguros amante de la literatura y de una ama de casa catalanes, comenzó a escribir todo tipo de géneros durante su infancia: obras de teatro, pequeños relatos y una primera novela ya con dieciséis años. Aquella fue su manera de formarse en un arte, el de escribir, del que algún tiempo después haría su profesión. En el año 2016 aconsejaba a un joven aspirante a escritor que se echara sin miedo al agua, “sin más expectativas que aprender, disfrutar y explorar el lenguaje” (El Mundo, 2016). Es lo que el propio Ruiz Zafón llevaba años haciendo, al tiempo que estudiaba en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Autónoma de Barcelona y mientras trabajaba como publicitario en la agencia McCann WorldGroup en su ciudad natal, la misma que inspiraría la mayor parte de sus novelas.

En 1992 Carlos Ruiz Zafón dejó su trabajo como creativo publicitario y tomó la decisión de dedicarse a tiempo completo a la literatura. El éxito llegó de forma inmediata. El príncipe de la niebla, su primera novela publicada obtuvo el premio de la editorial Edebé, lo que le permitió trasladarse a Estados Unidos para continuar escribiendo desde Los Ángeles, una ciudad a la que siempre había admirado por su vinculación con el séptimo arte. Una vez allí, Ruiz Zafón se dedicó a escribir guiones y seguir ideando tramas de novelas de género juvenil, que, como la primera, fueron acogidas con bastante éxito.

El palacio de la medianoche (1994) y Las luces de septiembre (1995) se sumaron a El príncipe de la niebla para formar la primera saga de novelas creada por el autor: la Trilogía de la niebla, a la que siguió la novela Marina, publicada en 1999. Aunque el escritor no tenía previsto desarrollar este género, acabó dedicándole siete años de su vida ante el éxito cosechado. De los lectores jóvenes decía que eran “los más exigentes, sinceros y entregados que un escritor puede encontrar” y que una de sus mayores satisfacciones era que “esos libros hayan ayudado a que muchos jóvenes se animaran a leer”. (XLSemanal, 2016).

Carlos Ruiz Zafón firmando ejemplares en Sant Jordi en el año 2008.

Carlos Ruiz Zafón firmando ejemplares en Sant Jordi en el año 2008. Fuente: Internet.

Con el nuevo siglo se publicaría La sombra del viento (2000), la primera novela para el público adulto, que daría inicio a su segunda y última saga de novelas. Con ella consiguió ser finalista del Premio Fernando Lara de novela, pero no le resultó fácil que la editorial Planeta la publicara y la difundiera entre el gran público. A pesar de ello, Ruiz Zafón logró obtener el reconocimiento de los lectores en España, así como el de la crítica internacional, llegando a vender de ella quince millones de ejemplares. Veinte años después de su primera edición, La sombra del viento sigue siendo uno de los mayores éxitos de ventas del mercado de libros escritos en español.

En su prosa se funden las voces de García Márquez, Umberto Eco y Jorge Luis Borges (New York Times)

Zafón se inscribe por méritos propios en la tradición de los novelistas que, con Dickens como máximo representante, supieron llegar al gran público a la vez que crear obras de vigencia perenne (Frankfurter Allgemeine Zeitung)

A pesar del éxito comercial logrado, Ruiz Zafón declinó ceder los derechos para hacer de su novela más exitosa una adaptación cinematográfica. Buen conocedor de la industria del cine en Hollywood, consideraba que sería “redundante, irrelevante y totalmente innecesario” poner en imágenes la historia contada en La sombra del viento. “Es imposible hacer una mejor película que la que uno va a ver cuando empiece a leer la novela”, decía.

En lugar de eso, continuó escribiendo la continuación de la trama iniciada en una Barcelona gótica y casi irreal en tiempos de la posguerra española. A La sombra del viento le siguieron El juego del ángel (2008), El prisionero del cielo (2011) y El laberinto de los espíritus (2016), una obra de casi mil páginas que el propio Ruiz Zafón confesó que era la que más le había costado escribir de todas. Entremedias tuvo tiempo y ganas para escribir en el año 2012 dos relatos relacionados, El príncipe de Parnaso y Rosa de fuego, este último publicado en prensa y ambientado en el siglo XV español que narraba el origen del cementerio de los libros olvidados.

Primeros capítulos de la saga El cementerio de los libros olvidados y de la Trilogía de la Niebla. Fuente: www.carlosruizzafon.com

Para el escritor catalán, la música resultaba un elemento fundamental en su proceso creativo. Al lado de su escritorio tenía instalado un piano al que se sentaba para aclarar ideas o buscar inspiración: “música y literatura son mis dos grandes pasiones. Ser novelista tiene mucho que ver con la música y la arquitectura. Todo, en el fondo, es lenguaje, estructura, forma y puesta en escena”. (XLSemanal, 2016).

Carlos Ruiz Zafón al piano. El escritor solía hacer composiciones musicales de cada una de sus novelas que salían al mercado en ediciones limitadas.

Carlos Ruiz Zafón al piano. El escritor solía hacer composiciones musicales de cada una de sus novelas que salían al mercado en ediciones limitadas. Fuente: Internet.

También encontraba ideas para sus novelas en otra de sus grandes aficiones: coleccionar dragones. El escritor tenía más de cuatrocientos ejemplares reunidos en su residencia particular, unos seres mitológicos con los que el propio Ruiz Zafón se identificaba: “somos criaturas nocturnas, aficionadas a las tinieblas, no particularmente sociables, pocas amigas de hidalgos y caballeros andantes y difíciles de conocer”. (Web de Carlos Ruiz Zafón). Una personalidad peculiar que el escritor diseccionaba entre distintos personajes, a los que prestaba algunos de sus rasgos de carácter: “los escritores ofrecemos un tour turístico de nuestro cerebro a los demás. La evidencia forense está en cada página. Si el lector tiene intención de buscarme me encontrará en otros personajes que tienen mucho de mí. Pienso en Carax, en Fermín y en otros menos evidentes” (XLSemanal, 2016).

→Entrevista con Carlos Ruiz Zafón (2016). Fuente: YouTube.

La ciudad de vapor es la última obra publicada de Carlos Ruiz Zafón. Se trata de una recopilación de once relatos, algunos de ellos inéditos, publicados por la editorial Planeta en noviembre de 2020. Giran en torno al universo creado en La Sombra del viento y fueron elaborados por el autor como homenaje a los lectores de la saga.

+ info:

El escritor Carlos Ruiz Zafón.

El escritor Carlos Ruiz Zafón. Fuente: Internet.

Carlos Ruiz Zafón nació el 25 de septiembre de 1964 en Barcelona y falleció el 19 de junio de 2020 en Los Ángeles (Estados Unidos) a consecuencia de un cáncer de colon diagnosticado en el año 2018. Tenía 55 años.

Entre los reconocimientos más importantes a su obra destacan el Premio al mejor libro extranjero en Francia en 2004, el Crimezone Thriller Awards en Países Bajos (2005) y el Ottakar’s award, en el Reino Unido. Su obra ha sido traducida a treinta idiomas en más de cuarenta países.

Clásicos del cine y la Tv: Pretty Woman

31 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Escena de “Pretty Woman” con Julia Roberts y Richard Gere.

Escena de “Pretty Woman” con Julia Roberts y Richard Gere en sus papeles protagonistas. Fuente: Internet.

Pretty Woman, la película que Garry Marshall rodó después de varios cambios de guion -en principio iba a ser una película sórdida y dramática titulada 3,000– cumple ahora treinta años. Pero a pesar del tiempo transcurrido, el cuento de hadas inspirado en todo lo bueno y lo malo que ocurre en Hollywood sigue enganchando a millones de espectadores a lo largo y ancho del planeta. Pretty Woman, por su capacidad para hacer reír, llorar y emocionar a tantas generaciones de espectadores, se ha convertido ya en un clásico del siglo XX.

→Ficha técnica: Pretty Woman, una película producida por los estudios Disney, se estrenó en Estados Unidos el 23 de marzo de 1990. En España hubo que esperar hasta el 10 de octubre de ese mismo año para poder ver la cinta en la pantalla grande. La película, dirigida por Garry Marshall, fue rodada con un presupuesto de catorce millones de dólares, llegando a recaudar más de 463 millones en total. De la película destaca su gran banda sonora, número uno en las listas de varios países, con artistas de la talla de Natalie Cole, Roy Orbison, Red Hot Chili Peppers, Robert Palmer, Van Halen, Kenny G, David Bowie o Roxette, entre otros. Posiblemente sea una de las películas más emitidas en televisión desde que salió del circuito comercial de las salas de cine. En España ha sido emitida 157 veces en veintiséis años.

→Argumento: Edward Lewis, un tiburón de las finanzas, conoce a Vivian Ward, una ingenua prostituta de Sunset Boulevar, mientras busca el camino que le lleve de vuelta a su hotel de Beverly Hills, en Los Ángeles (California). Después de proponerle ser su acompañante oficial durante una semana, Lewis y Ward se enamoran, pero deciden despedirse una vez finalizado su acuerdo debido a las diferencias sociales que existen entre ellos. Finalmente, el financiero recapacita y sale en busca de Vivian, quien estaba a punto de abandonar la ciudad con la intención de rehacer su vida lejos de la vorágine de Los Ángeles.

→¿Cómo acusa el paso del tiempo?: Pretty Woman alcanzó el primer puesto en las taquillas estadounidenses el primer fin de semana de su estreno. El éxito inmediato que logró entre la audiencia de todos los países donde se estrenó se ha extendido desde entonces a las cadenas de televisión que siguen emitiendo la cinta treinta años después de su estreno. Las cifras de audiencia siguen siendo tan buenas, que la película se ha convertido ya en todo un clásico del cine y la televisión de todos los tiempos.

→Está de actualidad por: el treinta aniversario de su estreno en las salas de cine de todo el mundo y la consagración de Julia Roberts y Richard Gere como una de las parejas de cine con más carisma del celuloide.

→Trailer de Pretty Woman. Fuente: Youtube.

¿Qué fue de sus personajes?

Richard Gere

El actor Richard Gere en la actualidad.

El actor Richard Gere en la actualidad. Fuente: Internet.

Cuando Richard Gere fue elegido para protagonizar Woman ya era un actor famoso entre el público por películas como American Gigolo (1980) u Oficial y Caballero (1982). Aunque no fue la primera opción del director, quien prefería a Chistopher Reeves para el papel, Gere supo darle el punto justo de carisma y elegante seducción al personaje de Edward Lewis.

Después de Pretty Woman Gere ha seguido rodando películas de éxito como Novia a la fuga (de nuevo junto a Julia Roberts), El Fraude o la oscarizada Chicago (2003). En los últimos años, el actor, un reconocido budista, también ha destacado por su labor como activista en favor de distintas causas sociales, entre ellas, la situación que viven las personas sin hogar.

Julia Roberts

La actriz Julia Roberts en la actualidad.

La actriz Julia Roberts en la actualidad. Fuente: Internet.

Julia Roberts fue la tercera opción del director para interpretar al personaje de la prostituta de buen corazón, Vivian Ward, en Pretty Woman. Roberts, que en 1990 no era aún una actriz demasiado conocida, bordó un papel por el que probablemente siempre será reconocida.

La actriz obtuvo tal grado de popularidad que llegó a recibir el calificativo de “novia de América” en la década de los noventa. Por su papel en Pretty Woman, Roberts obtuvo un globo de oro como mejor actriz de comedia. Sin embargo, fue su papel de madre coraje en Erin Brockovich (2000) la que le dio la oportunidad de obtener su primer Oscar como actriz principal.

Algunos de los mejores trabajos de Roberts han sido Magnolias de acero (1989), El informe pelícano (1993), Mary Reily (1996), The Mexican (2000) o Wonder (2017).

Héctor Helizondo

El actor Héctor Helizondo.

El actor Héctor Helizondo. Fuente Internet.

En Pretty Woman, el actor de origen portorriqueño Héctor Helizondo interpretaba a Barney Thompson, el estirado director de hotel en el que Edward Lewis se alojaba en la película. Con el transcurso del tiempo, su personaje se fue ablandando, llegando a hacer celestina entre Edward y Vivian.

Helizondo, un reconocido actor de reparto en múltiples producciones de Hollywood sigue en activo y en los últimos tiempos ha participado en varias series (Anatomía de Grey, Monk, American Dad) y películas de éxito (Historias de San Valentín, 2010, New Year´s Eve, 2011). Volvió a coincidir con Richard Gere y Julia Roberts en la película Novia a la Fuga (1999).

Laura San Giacomo

La actriz Laura San Giacomo en el año 2019.

La actriz Laura San Giacomo en el año 2019. Fuente: Internet.

En Pretty Woman, la actriz interpretó a la prostituta amiga y compañera de piso de Vivian, Kit De Luca. San Giacomo fue elegida para interpretar ese papel después de su actuación en la película Sexo, mentiras y cintas de video, estrenada un año antes. Por aquel papel, Laura San Giacomo fue nominada al globo de oro como mejor actriz de reparto.

La interpretación más destacable de San Giacomo desde Pretty Woman probablemente sea en la miniserie Apocalipsis (1994), una adaptación de la novela de Stephen King, The Stand.

Desde entonces, la actriz ha continuado participando en películas en la gran pantalla, pero su trabajo ha sido más prolífico en series de televisión como Saving Grace, Medium o El Mentalista.

Jason Alexander

El actor, cantante, productor y director, Jason Alexander.

El actor, cantante, productor y director, Jason Alexander. Fuente: Internet.

Antes de interpretar al personaje de Philip Stuckey, el corrupto y codicioso abogado de Edward Lewis en Pretty Woman, Jason Alexander ya tenía una carrera en Broadway como bailarín y cantante de musicales.

Pretty Woman puede que sea su film más conocido, pero lo cierto es que Jason Alexander ha seguido participando en un número importante de películas y series de televisión desde entonces.

La serie que más reconocimiento le ha reportado es Seinfield (1989-1998), en la que interpretaba a George Costanza, el mejor amigo del protagonista.

Jason Alexander también dirige musicales y presta su voz como actor de doblaje en videojuegos y películas de animación (El jorobado de Nôtre Dame).

Reunión del elenco principal de Pretty Woman 25 años después de su estreno.

Reunión del elenco principal de Pretty Woman con su director, Garry Marshall (en el centro), en el 25 aniversario del estreno de la película. Fuente: Internet.

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Cartel promocional de “Pretty Woman”.

Cartel promocional de “Pretty Woman”. Fuente: Internet.

En el cartel promocional de la película, Richard Gere aparece sin canas y con el pelo teñido de color oscuro. Julia Roberts tampoco aparece tal y como era en realidad. El cuerpo que figuraba en realidad en el cartel era el de la doble de cuerpo Shelley Michelle.

Roberts tampoco rodó las escenas íntimas de la película, siendo sustituida por otra doble de cuerpo. El director consideró que la complexión física de Roberts no era lo suficientemente curvilínea para el papel que debía representar.

Julia Roberts se come un cruasán-tortita en una escena de “Pretty Woman”.

Julia Roberts se come un cruasán-tortita en una escena de “Pretty Woman”. Fuente: Internet.

-En una escena del principio de la película Richard Gere habla por teléfono con su novia de Nueva York. En el espejo que aparece en el plano se refleja la imagen de un miembro del rodaje. En otra escena, se detecta un defecto de raccord: Julia Roberts aparece comiendo primero un cruasán y luego una tortita.

-Cuando Julia Roberts se sumerge en la bañera de la suite de hotel de Edward Lewis su cuerpo aparece cubierto por una ingente cantidad de espuma. Para conseguir ese efecto, hubo que llenar la bañera de un detergente tan potente que acabó dañando el color de pelo de la actriz, quien no tuvo más remedio que volver a teñírselo de rojo ese mismo día.

Edward Lewis le enseña a Vivian el collar valorado en 250.000 dólares que llevará puesto esa noche en la ópera.

Edward Lewis le enseña a Vivian el collar valorado en 250.000 dólares que llevará puesto esa noche en la ópera. El collar utilizado en la película era verdadero y tenía ese valor real. Por ello tuvo que ser custodiado por un guarda de seguridad durante el rodaje. Fuente: Internet.

-La escena en que Edward Lewis invita a Vivian Ward a la ópera y le enseña un collar de piedras preciosas fue improvisada por el actor. El director, Garry Marshall, pidió a Gere que despertase a Roberts de su letargo después de haber llegado soñolienta al rodaje tras una noche de fiesta. El actor quiso hacerle una broma a Roberts pillándole los dedos cuando fue a tocar el collar y el director decidió incluir la reacción espontánea de la actriz en el metraje.

→Escenas del rodaje de Pretty Woman con sus actores principales y el director, Garry Marshall, fallecido en 2016.

Garry Marshall y Julia Roberts durante el rodaje de “Pretty Woman”.

Garry Marshall y Julia Roberts durante el rodaje de “Pretty Woman”. Fuente Internet.


Julia Roberts y Garry Marshall.

Richard Gere, Julia Roberts y Héctor Helizondo volvieron a coincidir con Garry Marshall en la dirección de la película “Novia a la fuga” (1999). Fuente: Internet.


Richard Gere, Julia Roberts y Garry Marshall durante el rodaje de "Pretty Woman".

Garry Marshall masajea los hombros de Richard Gere durante el rodaje. También hizo cosquillas en un pie a Julia Roberts para provocarle la risa mientras su personaje está viendo películas clásicas en la suite del hotel Regent Beverly Wilshire en una escena de la película.

35 años del descubrimiento del Titanic

30 Sep

Efeméride: 1 de septiembre de 1985

Autora: Samia Benaissa Pedriza

La proa del pecio del RMS Titanic descansando en el fondo del mar.

La proa del pecio del RMS Titanic descansando en el fondo del mar. Fuente: Internet.

En la madrugada del 14 al 15 de abril de 1912, el trasatlántico Titanic, de 267 metros de largo, se hundía para siempre en las gélidas aguas del Atlántico Norte tras chocar contra un iceberg. En el naufragio perecieron 1.513 personas, de las cuales tres cuartas partes eran pasajeros de tercera clase. A la tragedia solo sobrevivieron 705 personas que pudieron escapar en los botes salvavidas del barco.

Desde el primer momento, la historia del hundimiento del Titanic despertó un gran interés mediático que, por distintas causas, se ha venido renovando aproximadamente cada cuarenta años.

El sensacionalismo de principios de siglo XX

Nada más amanecer el 15 de abril de 1912, periódicos de todo el mundo publicaron ediciones extraordinarias sobre el hundimiento del Titanic, pero muchas contenían informaciones inexactas sobre lo que había sucedido pocas horas antes. El diario estadounidense The Evening Sun informó erróneamente en su portada de que todos los pasajeros del Titanic habían sido rescatados con vida. Hubo que esperar al día siguiente para conocer la magnitud de la tragedia y rectificar las informaciones sobre el número de víctimas realmente registrado.

Portada de “The Evening Sun” del 15 de abril de 1912 en la que se aseguraba que, aunque el Titanic se había hundido, todos sus ocupantes se habían salvado.

Portada de “The Evening Sun” del 15 de abril de 1912 en la que se aseguraba que, aunque el Titanic se había hundido, todos sus ocupantes se habían salvado. Fuente: Internet. Imagen de dominio público.

El joven vendedor de periódicos Ned Parfett repartiendo ejemplares ante las oficinas de la naviera White Star Line en Londres, el 16 de abril de 1912. Las noticias eran contrarias a las publicadas tan solo un día antes.

El joven vendedor de periódicos Ned Parfett repartiendo ejemplares ante las oficinas de la naviera White Star Line en Londres, el 16 de abril de 1912. Las noticias eran contrarias a las publicadas tan solo un día antes. Fuente: Internet.

Solo tres semanas después de que ocurriera el hundimiento del Titanic se publicaba el primero libro sobre la tragedia escrito por uno de los supervivientes, Lawrence Beesley. The Loss of the S.S. Titanic fue una más de las numerosas publicaciones que se editaron entonces, la gran mayoría de corte sensacionalista, inspiradas en las noticias de prensa de la época y en los dramáticos testimonios de los supervivientes.

Portada del libro de Logan Marshall “The Sinking of the Titanic” (1912), un ejemplo de “dollar book” sobre la tragedia. Este tipo de publicaciones estaban editadas con papel de mala calidad, tenían pocas páginas, incluían titulares llamativos y una prosa de estilo melodramático. Se vendían puerta a puerta al precio de un dólar.

Portada del libro de Logan Marshall “The Sinking of the Titanic” (1912), un ejemplo de “dollar book” sobre la tragedia. Este tipo de publicaciones estaban editadas con papel de mala calidad, tenían pocas páginas, incluían titulares llamativos y una prosa de estilo melodramático. Se vendían puerta a puerta al precio de un dólar. Fuente: Internet.

El interés por la historia del Titanic finalizó abruptamente con la llegada de la Primera Guerra Mundial. La primera gran contienda bélica del siglo XX cambió la conciencia del público e inundó la prensa diaria con sus propios relatos trágicos.

Último bote salvavidas con supervivientes que se lanzó desde el Titanic.

Último bote salvavidas con supervivientes que se lanzó desde el Titanic. Fuente: Internet.

Las crónicas de los años cincuenta

En 1955, cuarenta y tres años después de que el Titanic se sumergiera en el fondo del mar, se publicó un libro, A Night to Remember, de Walter Lord, que recordaba el desastre ocurrido a 625 kilómetros del sudeste de Terranova, así como las historias de sus supervivientes. La narración emocionante y la estructura asincrónica de la obra llamaron la atención del público y de la crítica. Su éxito fue tal que tres años después se rodaba una película inspirada en este libro de crónicas, también titulada A Night to Remember. El largometraje, dirigido por Roy Ward Baker, era la segunda obra de ficción que se rodaba en los años cincuenta sobre el tema tras la película Titanic de 1953.

Jack Phillips, primer operador de radio del Titanic, lanzó mensajes de socorro en dos códigos diferentes: CQD, el preferido por los operadores británicos, y SOS, la nueva señal vigente desde 1906. Phillips, de veinticinco años, no sobrevivió al hundimiento.

Jack Phillips, primer operador de radio del Titanic, lanzó mensajes de socorro en dos códigos diferentes: CQD, el preferido por los operadores británicos, y SOS, la nueva señal vigente desde 1906. Phillips, de veinticinco años, no sobrevivió al hundimiento. Fuente: Internet. Imagen de dominio público.

Harold Bride, segundo operador de radio del Titanic, fue quien sugirió a su compañero Jack Phillips que probase a enviar señales de socorro SOS en código morse. Bride fue rescatado por el RMS Carpathia. Murió en 1956 a los 66 años de edad.

Harold Bride, segundo operador de radio del Titanic, fue quien sugirió a su compañero Jack Phillips que probase a enviar señales de socorro SOS en código morse. Bride fue rescatado por el RMS Carpathia. Murió en 1956 a los 66 años de edad. Fuente: Internet. Imagen de dominio público.

Señal de radiotelefonía enviada por el Titanic.

Señal de radiotelefonía enviada por el Titanic, alternando los códigos CQD y SOS. Sus operadores lanzaron además bengalas y luces en código morse que no fueron bien interpretadas por el SS Californian, el barco que se encontraba más próximo al Titanic. El SS Californian no acudió en auxilio del Titanic porque su operador tenía apagado el aparato de radio. Fuente: Internet.

El descubrimiento del Titanic y su más famosa recreación cinematográfica

Hubo que esperar otros cuarenta años para que el hundimiento del Titanic suscitara de nuevo el interés del público. En aquella ocasión, el motivo fue de peso ya que una expedición militar secreta a cargo del gobierno de Estados Unidos logró localizar y fotografiar por primera vez los restos siniestrados del trasatlántico.

En 1985, Robert Ballard, oceanógrafo de la universidad de Rhode Island en Narragansett, participó en una misión organizada por la Marina estadounidense para localizar los restos de dos submarinos nucleares hundidos de la época de la Guerra Fría. A su término, y como aun disponían de tiempo, Ballard solicitó permiso para buscar los restos del Titanic Finalmente los encontró encallados a medio camino entre los dos sumergibles el uno de septiembre de 1985.

→Fotogalería: Los restos del Titanic (Fuente: National Geographic).

Aquella hazaña sirvió de inspiración para el argumento de otra película de ficción dirigida por James Cameron en 1997 y también titulada Titanic. La película, protagonizada por Kate Winslet y Leonardo DiCaprio, obtuvo once premios Oscar, entre ellos los de mejor película y mejor director.

Escalera principal del Titanic recreada en la película de James Cameron, “Titanic” (1997).

Escalera principal del Titanic recreada en la película de James Cameron, “Titanic” (1997). Fuente: Internet.

La cafetería París del Titanic. Fue recreada en la película rodada por James Cameron en 1997, “Titanic”.

La cafetería París del Titanic. Fue recreada en la película rodada por James Cameron en 1997, “Titanic”. Fuente: Internet.

Después de que la Marina de Estados Unidos encontrara los restos del Titanic a pocos kilómetros del lugar de su hundimiento, se han sucedido varias expediciones más para analizar el estado del pecio y recuperar algunos de sus objetos más preciados. Entre ellas destaca la organizada por el cineasta James Cameron para documentar el rodaje de su oscarizada película y que más tarde también dio lugar a un documental, Misterios del Titanic, estrenado en el año 2003.

Salón de fumadores del Titanic.

Salón de fumadores del Titanic. Fuente: Internet.

Salón comedor de primera clase del Titanic.

Salón comedor de primera clase del Titanic. Fuente: Internet.

El gimnasio del Titanic. A la dcha., el preparador físico Thomas W. McCawley probando la máquina de remo.

El gimnasio del Titanic. Abajo, el preparador físico Thomas W. McCawley probando la máquina de remo. Fuente: Internet.

La piscina del Titanic.

La piscina del Titanic. Fuente: Internet.

El futuro del Titanic

Treinta y cinco años después de que se produjera la primera inmersión en el mar de una expedición en busca del Titanic, la National Geographic Society tiene previsto estrenar un documental, Mission Titanic, que muestra el decadente estado en que se encuentran los restos del trasatlántico en la actualidad. La sal y los microorganismos que habitan en el ecosistema marino están corroyendo lo que queda del Titanic sin que haya posibilidad de reflotar sus restos a la superficie.

En agosto de 2019 varios vehículos tripulados de la empresa Caladan Oceanic se sumergieron a una profundidad de 4.000 metros para filmar con alta tecnología los restos del Titanic. En la imagen, camarote de primera clase hundido del Titanic.

En agosto de 2019 varios vehículos tripulados de la empresa Caladan Oceanic se sumergieron a una profundidad de 4.000 metros para filmar con alta tecnología los restos del Titanic. En la imagen, camarote de primera clase hundido del Titanic. Fuente: Internet.

Interior de una cabina de primera clase del Titanic en 1912.

Interior de una cabina de primera clase del Titanic en 1912. Fuente: Internet.

+ info:

Edward Smith, el capitán del Titanic.

Edward Smith, el capitán del Titanic. Fuente: Internet.

El Titanic, trasatlántico de la compañía naviera británica White Star Line, se hundió el 15 de abril de 1912 a las 2:20 de la madrugada. Fue construido en los astilleros Harland & Wolff de Belfast (Irlanda del Norte). Medía 267 metros de eslora, 28 metros de manga y pesaba 52.310 toneladas. Su velocidad de crucero era de 21 nudos.

Las primeras expediciones para hallar los restos del Titanic se emprendieron a finales de los años setenta financiadas por el millonario Jack Grimm, aunque no tuvieron éxito.

Ya en 1912, las familias de los millonarios John Jacob Astor, Benjamin Guggenheim y Charles Hays fallecidos en el accidente, quisieron reflotar el barco para recuperar los cadáveres de sus parientes, pero la primitiva tecnología de principios del siglo XX lo impidió.

Pasajeras de primera clase en el Salón de té del Titanic. Las mujeres y los niños fueron los primeros en ocupar los escasos botes salvavidas del Titanic.

Pasajeras de primera clase en el Salón de té del Titanic. Las mujeres y los niños fueron los primeros en ocupar los escasos botes salvavidas del Titanic. Fuente: Internet.

Los ocho integrantes de la orquesta del Titanic continuaron tocando mientras el buque se hundía. Ninguno sobrevivió.

Los ocho integrantes de la orquesta del Titanic continuaron tocando mientras el buque se hundía. Ninguno sobrevivió. Fuente: Internet.

La parte delantera del Titanic (proa), la primera que se hundió, es la que se encuentra en mejor estado. De la popa, prácticamente desintegrada, se conservan algunas partes carcomidas por el óxido. Los expertos pronostican que los restos del trasatlántico desaparecerán por completo entre 2025 y 2050.

Aunque cuando se descubrieron los restos del Titanic este estaba partido en dos, la mayoría de los supervivientes afirmaron que se hundió de una pieza, por la parte delantera, que resultó completamente inundada tras chocar contra el iceberg.

Las causas del siniestro podrían deberse a la fragilidad del acero del casco en contacto con las bajas temperaturas, el cual no pudo resistir el choque contra el iceberg.

Ma bohème. Arthur Rimbaud

31 Ago

Autora: Samia Benaissa Pedriza

“Au Moulin Rouge”

La bohemia de París representada en “Au Moulin Rouge”, pintado por Henri de Toulouse Lautrec en 1892.

En 1870, Arthur Rimbaud escribía a la edad de dieciséis años el poema “Ma bohème” (Mi bohemia), un resumen de lo que sería su tormentosa vida a partir de entonces.

Con solo veinte años, Rimbaud dejó de escribir poesía para dedicarse a descubrir el mundo. Pasó las siguientes dos décadas de su vida viajando por Europa, África y Asia, empleado en trabajos variopintos, algunos de dudosa legalidad. Nunca más volvió a retomar la escritura.

El poeta Paul Verlaine, con quien Rimbaud mantuvo una turbulenta relación amorosa, y quien firmó el prólogo de un recopilatorio de sus obras, dijo de él que “fue un poeta muerto joven pero libre de toda simpleza o decadencia que cumplió su deseo de independencia y su fuerte desprecio hacia cualquier cosa que no quisiera hacer o ser”.

Ma bohème

(Fantaisie)

 

Je m´en allais, les poings dans mes poches crevées;

Mon paletot aussi devenait idéal;

J´allais sous le ciel, Muse! Et j´étais ton féal;

Oh! là là! que d´amours splendides j´ai rêvées!

 

Mon unique culotte avait un large trou.

-Petit Poucet rêveur, j´égrenais dans ma course

Des rimes. Mon auberge était à la Grande-Ourse;

-Mes étoiles au ciel avaient un doux frou-frou.

 

Et je les écoutais, assis au bord des routes,

Ces bons soirs de septembre où je sentais des gouttes

De rosée à mon front, comme un vin de vigueur;

 

Où, rimant au milieu des ombres fantastiques,

Comme des lyres, je tirais les élastiques

De mes souliers blessés, un pied près de mon coeur!

 

Retrato de Arthur Rimbaud

Retrato de Arthur Rimbaud realizado por Jean-Louis Forain en 1872. Fuente: Internet. Dominio público.

Traducción libre (por Samia Benaissa Pedriza):

Mi bohemia

(Fantasía)

 

Partí con los puños metidos en los bolsillos huecos;

Mi gabán en el mismo estado;

Avanzaba bajo el cielo, ¡musa! Y era tu fiel seguidor

¡Oh! ¡Con cuántos amores esplendidos soñé!

 

Mi único pantalón estaba agujereado.

-Pulgarcito soñador que desgranaba rimas

Por el camino. Me albergaba bajo la Osa Mayor;

-Mis estrellas en el cielo susurraban.

 

Y yo las escuchaba sentado al borde de los caminos,

Aquellos días de septiembre en que sentía las gotas

De rocío sobre mi frente, como un vino vigoroso;

 

Donde rimando rodeado de sombras fantásticas,

¡Tiraba de los cordones de mis dañados zapatos

Como si fueran liras, un pie cerca de mi corazón!

 

+ info:

Arthur Rimbaud a los dieciocho años de edad.

Arthur Rimbaud a los dieciocho años de edad. Dominio público.

Jean Nicolas Arthur Rimbaud (Charleville, 20 de octubre de 1854 – Marsella, 10 de noviembre de 1891) publicó su primer poema Les étrennes des orphelins (Los aguinaldos de los huérfanos) en 1870. En tan solo cuatro años completó una producción literaria que evolucionó con rapidez del parnasianismo de los inicios al simbolismo de Charles Baudelaire, a quien Rimbaud consideraba “el rey de los poetas”. Su última contribución fue el libro de poemas Les illuminations (Las iluminaciones), escrito en 1874.

Rimbaud fue conocido por idear la teoría del “voyant” o vidente en poesía que consiste en transformar al poeta en un testigo vivo de las experiencias trágicas que después expresará a través de las palabras. La única forma de lograrlo es a través de un “largo, inmenso y racional desarreglo de todos los sentidos”. Rimbaud lo explicó en las Lettres du voyant (Cartas del vidente), dirigidas a su profesor de retórica Georges Izambard y a su amigo el poeta Paul Demeny, fechadas el 13 y el 15 de mayo de 1871 respectivamente. El poema Le coeur volé (El corazón atormentado) es uno de los máximos representantes de esta teoría.

Rimbaud llevó una vida errante en África donde se reinventó como traficante de armas y fotógrafo hasta que enfermó de gravedad y tuvo que ser repatriado a Francia desde Harar (la actual Etiopía). Falleció pocos meses después de serle amputada una pierna en un hospital de Marsella. Tenía 37 años.

Arthur Rimbaud en 1883.

Arthur Rimbaud en Harar en 1883. Fuente: Biblioteca Nacional de Francia (BNF). Dominio público. “La soledad es una mala cosa. Por mi parte, siento no haberme casado y tener una familia. Pero ahora estoy condenado a errar, atado a una empresa lejana, y día a día pierdo el recuerdo del clima y la manera de vivir e incluso la lengua de Europa” comunicó Arthur Rimbaud a sus amigos en una carta escrita desde Harar (la actual Etiopía), el 6 de mayo de 1883.

La obra de Arthur Rimbaud ha inspirado a numerosos artistas en todos los ámbitos de la cultura, desde escritores como André Breton, Henry Miller y William S. Burroughs, hasta cineastas de la talla de Pier Paolo Pasolini o los músicos Bob Dylan y Jim Morrison.

Bandas de rock que perdieron a su cantante y (no) encontraron repuesto

31 Jul

Autora: Samia Benaissa Pedriza

AC/DC

La banda australiana de rock AC/DC en su etapa con Bon Scott (izda.) y posteriormente con Brian Johnson. Fuente: Internet.

Cuando los miembros de una tripulación pirata se contagian de malaria y causan baja por enfermedad, el barco puede llegar a hacer aguas, pero si más de uno decide huir saltando por la cubierta, el riesgo de naufragio puede ser superlativo. Sobre todo, si quien tiene deja el barco es el capitán.

Los grupos de rock funcionan como quieren, de forma sólida y cohesionada o hilvanando todo con alfileres. Por eso, cuando el líder de la banda desaparece de un día para otro, saltan todas las alarmas y tiende a cundir el pánico entre el equipo y también entre los fans. La búsqueda de un sustituto que esté a la altura no es fácil -por no decir imposible- y son pocos los grupos que han sobrevivido con éxito al fallecimiento de su cantante original.

The Doors

The Doors con Ian Astbury

De izda. a dcha., Ian Astbury, Ray Manzarek y Robbie Krieger. Fuente: Internet.

El 3 de julio de 1971 Jim Morrison fallecía en un piso de un barrio burgués de París, oficialmente a causa de un paro cardíaco. Tenía 27 años. Su grupo, The Doors, formado por otros tres integrantes, por aquel entonces mal avenidos, convocó un cónclave y decidió que quería seguir haciendo música durante unos cuantos años más. Para sustituir a Morrison en el escenario pensaron en Iggy Pop, que a principio de los años setenta era un artista prácticamente desconocido. La cosa no funcionó porque Iggy, que había fundado su banda The Stooges en 1967 después de ver a Morrison en directo, declinó la oferta. Le parecía demasiado “irrespetuoso” intentar siquiera emular a su ídolo.

La sombra de Morrison era demasiado alargada. Así que los tres miembros supervivientes de The Doors lo intentaron solos y editaron dos discos más con sus propias voces: Other Voices (1971) y Full Circle (1972) que pasaron con más pena que gloria a los anales del rock.

En 1984, Ray Manzarek, el famoso organista de la banda y artífice del sonido de The Doors, declaró en una entrevista para el show de David Letterman que cuando Morrison murió, además de Iggy Pop pensaron en otros vocalistas de lo más variopinto, desde Joe Cocker y Van Morrison, con el que habían tocado alguna vez en directo, hasta Mick Jagger. “Lástima que ya tuviera un trabajo”, se lamentó Manzarek sobre la posibilidad de que Jagger pasase a formar parte de The Doors.

En los años dos mil, con motivo del segundo renacer de la banda, los miembros supervivientes de The Doors volvieron a la carretera. En el 2002 organizaron una serie de actuaciones en directo lideradas por un cantante vocalmente solvente, pero posiblemente de estética demasiado oscura. Su nombre era Ian Astbury y era el cantante de The Cult. El experimento duró cinco años, pero no pasó de unos cuantos directos programados en giras de corta duración para fans nostálgicos de la banda.

Más tarde, cuando el batería John Densmore se descolgó del grupo, Manzarek insistió en seguir en activo junto al guitarrista original Robbie Krieger. Les faltaba un cantante y lo encontraron en Brett Scallions, luego en Miljenko Matijevic y finalmente, en el año 2011, en Dave Brock, líder de la banda tributo Wild Child. Tras el fallecimiento de Ray Manzarek en el año 2013, los Doors supervivientes abandonaron toda idea de hacer renacer a la banda por tercera vez.

Lynrd Skynrd

Lynrd Skynrd en 2017

La última formación de Lynrd Skynrd en el año 2017, con el vocalista Johnny Van Zant (primero por la izda. en primer plano). Fuente: Internet.

Lynrd Skynrd es la historia de una tragedia. La banda de rock sureño formada en 1964 disfrutó del éxito y del estrellato durante trece magníficos años. Pero el 20 de octubre de 1977 un fatal accidente de avión dio al traste con todo proyecto de futuro de la banda. En el siniestro fallecieron Ronnie Van Zant (vocalista), Steve Gaines (guitarrista) y la corista Cassie Gaines. Los miembros restantes acordaron disolver la banda para siempre, aunque dos años después se reunieron para una actuación conjunta de “Free Bird”, tocada en modo instrumental.

Diez años después de la tragedia pudieron más las ganas y en 1987 la banda regresó a los escenarios con un nuevo cantante, Johnny Van Zant, el hermano menor de Ronnie. Johnny Van Zant ha pasado siendo el líder de Lynrd Skynrd la friolera de treinta y tres años, el triple de tiempo que su hermano, quien solo estuvo en el grupo trece años.

Con la reunión de la banda, Judy Van Zant Jenness y Teresa Gaines Rapp, las viudas de Ronnie Van Zant y Steve Gaines, demandaron a la nueva formación por el uso comercial del nombre Lynyrd Skynyrd. El litigio terminó con un acuerdo por el cual el grupo debería incluir, cualquiera que fuera su configuración en el futuro, a Gary Rossington, cofundador de Lynrd Skynrd, y a dos miembros anteriores al accidente de 1977.

La mala suerte siguió cebándose con los integrantes de la formación original ya que, en 1986, el guitarrista Allen Collins sufrió un accidente de coche que le dejó parapléjico. Murió cuatro años después a causa de las secuelas que le dejó el accidente. En el año 2001, el bajista y también miembro original, Leon Wilkeson, falleció a consecuencia de una enfermedad pulmonar y hepática. Años más tarde, murieron el pianista Billy Powell (en 2009 de un infarto) y el batería Bob Burns (en 2015, en un accidente de tráfico), quedando Gary Rossington como el único miembro de la formación original vivo y el último superviviente del accidente de avión que disolvió a la banda en 1977.

Aunque Lynrd Skynrd han seguido editando discos hasta 2018 cuando anunciaron su gira de despedida, nunca volvieron a alcanzar el nivel de popularidad que lograron en los años setenta con Ronnie Van Zant como vocalista.

Queen

Queen y Adam Lambert.

Roger Taylor (izda.), Adam Lambert (centro) y Brian May. Fuente: Internet.

Freddie Mercury, el primer e icónico cantante de Queen dejó huérfanos a sus seguidores el 24 de noviembre de 1991. El cantante británico de origen indio murió a causa de una neumonía derivada de la enfermedad del SIDA que había decidido padecer en silencio. Mercury solo anunció públicamente que estaba enfermo un día antes de su fallecimiento.

El éxito de Queen no podría entenderse sin la prodigiosa voz de su cantante. Posiblemente, Freddie Mercury forme parte del escaso puñado de vocalistas de rock que además son capaces de cantar ópera. Aunque podía llegar a notas propias de un barítono, el registro vocal habitual de Freddie Mercury era el de tenor. Todo ello, sin haber tomado clases de canto antes de Queen.

La desaparición de Freddie Mercury, un cantante vocalmente único y excepcionalmente carismático, hizo muy difícil que la banda pudiera sustituirle. Hasta el año 2004, Brian May, guitarrista, y Roger Taylor, batería, (John Deacon, el bajista, decidió no seguir en 1997) no consiguieron encontrar a alguien digno de interpretar las canciones de la banda sobre un escenario. El elegido fue Paul Rodgers, fundador de las bandas Free y Bad Company en los setenta. A pesar de que la voz de Rodgers es francamente impresionante, los miembros de Queen no terminaban de identificarse con la influencia blues que aportaba su nuevo cantante, por lo que acabaron despidiéndole en el año 2009.

Queen encontró a un nuevo sustituto ese mismo año, tras actuar como artistas invitados en American Idol, un talent show musical. Adam Lambert, un antiguo niño prodigio de Indianápolis, acabó siendo uno de los finalistas del programa. No ganó, pero su participación no resultó indiferente para la famosa banda británica, que decidió proponerle colaborar con ellos en giras propias y festivales. El talento vocal de Adam Lambert es prodigioso, casi tanto como el de Freddie Mercury, y posiblemente sea la opción que más satisfechos deje a los admiradores de la banda. Estéticamente es aún más provocador que Mercury y también como él, es abiertamente gay.

AC/DC

AC/DC con Brian Johnson.

AC/DC con Brian Johnson de vocalista (con gorra). Fuente: Internet.

Back in Black, el tercer álbum más vendido de la historia, cumple cuarenta años en 2020. Sus autores, AC/DC, una banda de rock australiana fundada por dos hermanos escoceses, Malcolm y Angus Young, lo editaron como homenaje al segundo cantante de la banda, fallecido en 1980, tras una noche de borrachera. El primero fue Dave Evans, reclutado en Sydney en 1973, pero duró poco ya que, tras varios enfrentamientos con los hermanos Young, termino por abandonar la banda.

Bon Scott fue la voz cantante de Highway to Hell, el multiventas que AC/DC sacaron al mercado en 1979. Había estado en la banda desde 1974, justo un año después de que el grupo se formara, hasta su muerte el 19 de febrero de 1980. El cantante fue encontrado muerto en el asiento trasero del coche de un amigo. Falleció mientras dormía, al entrar y no salir de un coma etílico.

AC/DC estaban en la cumbre de su carrera cuando Bon Scott desapareció de sus vidas. Aunque se plantearon la disolución del grupo, decidieron darle una oportunidad a otro cantante, el exvocalista de Geordie, Brian Johnson, al que Bob Scott admiraba. Con él editaron Back in Black, toda una declaración de intenciones que ha vendido más de 45 millones de copias hasta la fecha.

En 2014 el guitarrista Malcom Young abandonó el grupo aquejado de demencia. Pasó sus últimos años de vida asistido en una residencia hasta su muerte en el año 2017. Un año antes, en 2016, Brian Johnson también se vio obligado a dejar la banda en medio de la gira Rock or Bust por problemas auditivos. Su pérdida de audición provocada por la música de los conciertos era tan elevada que no cabía otra opción si no quería quedarse completamente sordo.

AC/DC se vio de nuevo en la tesitura de tener que elegir a un nuevo vocalista, aunque fuera de forma temporal. El afortunado fue Axl Rose, cantante de Guns ´n´Roses, quien vocalmente cumplió ampliamente las expectativas, aunque su presencia en el escenario resultase extraña hasta para los que no son fans de AC/DC.

INXS

INXS y J.D. Fortune

INXS junto a su segundo vocalista, el canadiense J.D. Fortune (dcha., en primer término). Fuente: Internet.

Cuando Michael Hutchence murió el 22 de noviembre de 1997, INXS estaban a punto de iniciar una gira por Australia, su país natal. Todos los integrantes del grupo se habían trasladado a Sydney, donde al día siguiente iba a tener lugar el primer concierto de la gira de aniversario de la banda. INXS cumplían veinte años de carrera musical desde que en 1977 los hermanos Farris fundaran la banda en la ciudad de Perth.

La muerte de Hutchence, que falleció en extrañas circunstancias (la autopsia finalmente reveló que se trató de un suicidio) llegó en un momento de reinvención de la banda, tras una etapa de ostracismo y malas críticas musicales. El resto de miembros de INXS tuvo claro desde el principio que la banda debía permanecer unida, a pesar de las circunstancias adversas. El talento creativo salía de los hermanos Farris, Andrew, Tim y Jon, por lo que decidieron continuar adelante. En los primeros años que sucedieron a la muerte de Michael Hutchence, contaron con la ayuda de cantantes como Jimmy Barnes o Terence Trent D´Arby para ocupar el sitio que había dejado su cantante en algunas actuaciones en directo. Jon Stevens incluso les acompañó en una gira completa.

Pero si el grupo quería seguir avanzando debían buscar un cantante a tiempo completo. Lo encontraron en el año 2004, gracias a un reality show- Rock Star: INXS emitido con el objetivo exclusivo de encontrar al nuevo cantante de INXS. El canadiense J.D. Fortune fue el afortunado ganador. Con él grabaron un nuevo disco, Switch, en el año 2005. Pero su relación profesional con INXS no fue muy sólida y solo duró hasta el año 2009, cuando fue despedido por la banda tras cancelar el resto de la gira que tenían pendiente.

En 2011 la banda lo volvería a intentar con otro cantante, Ciaran Gribbin, pero poco tiempo después, en noviembre de 2012, INXS anunció a los medios su disolución definitiva como banda.

Alice in Chains

Alice in Chains en la actualidad.

Alice in Chains en la actualidad, con el cantante William DuVall (segundo por la dcha.). Fuente: Internet.

Alice in Chains formó parte de la corte de grupos grunge que engrandecieron el reinado de Nirvana y Pearl Jam durante los primeros años noventa. Layne Staley, su vocalista, tenía un timbre de voz inconfundible, responsable en gran medida del particular sonido armónico y tenebroso por el que era conocida la banda. Quizá por ello, cuando falleció de sobredosis en su apartamento de Seattle con tan solo treinta y cuatro años, Alice in Chains no supo qué hacer a continuación.

Los problemas depresivos y de adicción a las drogas que Layne Staley arrastraba desde hacía años habían llevado a la banda a un impasse. Alice in Chains había obtenido un gran éxito comercial a mediados de los años noventa con álbumes como Dirt (1992) o el homónimo Alice in Chains (1996). Pero la introversión de Staley y sus problemas de salud habían obligado al grupo a hacer un parón forzoso que, cuando murió el 5 de abril de 2002, duraba ya seis años.

En ese tiempo, Jerry Cantrell, guitarrista y cerebro creativo de la banda, tomó la decisión de iniciar una carrera en solitario mientras su compañero se recuperaba, algo que finalmente, no sucedió. La banda se reunió tres años después, en 2005, con motivo de una actuación benéfica. A este primer reencuentro le sucedieron otros de carácter esporádico y finalmente una gira con William DuVall, cantante de Comes with the Fall, quien desde entonces se ha convertido en el frontman habitual del grupo. Hubo que esperar hasta el año 2013 para escuchar temas nuevos de la banda, esta vez  producidos ya sin Layne Staley. El último disco publicado de Alice in Chains es Rainer Fog (2018), con DuVall como vocalista.

Parejas de cine: Al Pacino y Robert De Niro

30 Jun

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Al Pacino y Robert De Niro.

Los actores Al Pacino y Robert De Niro (dcha.). Fuente: Internet.

Hay actores y actores. Cuando hablamos de Al Pacino o Robert De Niro, lo primero que probablemente pase por la cabeza sea la expresión “mejor actor del mundo”. Y aunque resulte difícil definir el concepto, está claro que ambos reúnen las condiciones necesarias para ser excepcionalmente buenos realizando su trabajo. Versatilidad, credibilidad, rigor, creatividad, hondura son algunos de los términos que podrían aplicarse a la forma de interpretar papeles por estos dos monstruos del celuloide.

El problema surge cuando se debe elegir entre uno y otro, porque la decisión es complicada. Para algunos, Robert de Niro es el actor por excelencia. En términos cuantitativos su éxito es innegable cosechando premios a lo largo de los años. Le avalan dos Oscar al mejor actor y otras cinco nominaciones más, la mayoría en esa categoría, desde 1975 hasta la actualidad. Al Pacino no le anda a la zaga, con un premio Oscar a mejor actor y ocho nominaciones de la Academia. Aunque en su caso, parece brillar algo más en papeles secundarios y en actuaciones más histriónicas.

Sin duda, verles actuar juntos es algo tan especial que solo ha ocurrido en cuatro ocasiones. Según ellos mismos reconocen: “Nos conocimos en un momento de nuestras vidas en el que las cosas simplemente sucedían de manera algo inesperada. Cada uno tomó su camino y el hecho de que apenas hayamos trabajado juntos no es más que una consecuencia de lo bien que nos ha ido” (elmundo.es, 12.10.2019). Pero lo cierto es que Pacino y De Niro se han visto las caras en momentos lo suficientemente relevantes como para formar una pareja cinematográfica histórica. Sobre todo si se tiene en cuenta el magnetismo que transmiten con tan solo aparecer juntos en pantalla.

Cuatro veces en cuarenta y cinco años

A lo largo de cuarenta y cinco años, Al Pacino y Robert de Niro, intérpretes superlativos de una misma generación de actores, han coincidido cuatro veces en el cine. La primera, en El Padrino II (1974), podría no contar como duelo interpretativo, porque ambos grabaron sus escenas por separado. Pero en las tres siguientes ocasiones nos han dejado encuentros memorables tanto en calidad como en intensidad.

Al Pacino (de pie) y Robert De Niro en una imagen promocional de “El Padrino II”

Al Pacino (de pie) y Robert De Niro en una imagen promocional de “El Padrino II” (1974). Fuente: Internet.

La primera vez que Al Pacino y Robert De Niro coincidieron en un rodaje fue en la película Heat (1995), de Michael Mann. En la cinta, de mucho tiro y acción, jugaron todo el tiempo al gato y al ratón. Pacino era el poli bueno obsesionado con su trabajo y De Niro el ladrón de bancos malo, pero carismático. Compartieron pocas escenas juntos pero las suficientes para no salirse de la pantalla al mismo tiempo.

El detective Vincent Hanna (Al Pacino) y elAl Pacino y Robert De Niro en “Heat”

El detective Vincent Hanna (Al Pacino) y el ladrón profesional Neil McCauley (Robert De Niro) se enfrentan cara a cara en “Heat” (1995). Fuente: Internet.

En Asesinato Justo (2008), ocurrió como en casi todas las segundas partes, que no suelen ser buenas. En esta segunda colaboración, Pacino y De Niro interactuaron de la forma que se esperaba de ellos, pero la cinta, una buena historia de suspense, finalmente solo se quedó en eso.

Pacino y De Niro en “Asesinato justo”

Pacino y De Niro en una escena de la película “Asesinato justo” (2008). Fuente: Internet.

Ha habido que esperar a El Irlandés (2019), la brillante película de gánsteres dirigida por el gran Martin Scorsesse, para poder degustar con todo el tiempo y el deleite del mundo el resultado de la mejor colaboración entre ambos hasta la fecha. Pacino y De Niro demuestran sobradamente en esta historia que el paso del tiempo no ha alterado en lo más mínimo su inmenso talento, a pesar los intentos de la industria por relegarles a papeles menores en películas que solo pueden ser descritas como mediocres tirando a malas (véase a Robert De Niro en Dirty Granpa (2016) o a Al Pacino en Jack y su gemela (2011) -en la que sale Santiago Segura interpretando a un trasunto de Torrente, su personaje más casposo-).

Robert De Niro y Al Pacino en "El Irlandés"

Al Pacino y Robert De Niro en un momento del rodaje de “El Irlandés” (2019). Los actores fueron rejuvenecidos digitalmente en algunas escenas. Fuente: Internet.

Películas que son obras maestras

Cuando Al Pacino y Robert de Niro se juntan salen películas excelentes porque:

-El talento, como el sol, no se puede cubrir con un dedo: Pacino y de Niro acumulan, entre los dos, dieciséis nominaciones a los Oscar. El primero ganó el premio a mejor actor por su interpretación en Esencia de Mujer (1992) y ha sido nominado por cuarta vez como mejor actor de reparto por El Irlandés (2019). De Niro ha conseguido dos premios de la Academia: el primero por su papel de Vito Corleone en El Padrino II (1974) y el segundo por Toro Salvaje (1980), también dirigida por Martin Scorsese. En 2020 está nuevamente nominado a mejor actor por el papel de Frank Sheeran, un sicario de la mafia norteamericana que acaba bien en El Irlandés (2019).

-Existe buena química y no hay lucha de egos: “somos buenos amigos desde los años sesenta”, asegura Al Pacino al referirse a su amigo Robert De Niro. Y eso se nota siempre en la pantalla grande.

Robert De Niro y Al Pacino son amigos desde hace tiempo.

Al Pacino y Robert De Niro mantienen una buena relación personal desde que se conocieron y que perdura en el tiempo. Fuente: Internet.

-Las dirigen grandes directores: Francis Ford Coppola (Apocalypse Now, 1979), Michael Mann (El dilema, 2000), Jon Avnet (Tomates verdes fritos, 1991) y Martin Scorsese (Taxi Driver, 1976).

Pacino, De Niro y Martin Scorsese durante la promoción de "El Irlandés".

Pacino y De Niro junto a Martin Scorsese durante la promoción de “El Irlandés”. Fuente: Internet.

-No aburren aunque superen las dos horas largas de duración: El Padrino II dura tres horas y veintidós minutos, Heat se alarga hasta las dos horas y cincuenta y dos minutos y El Irlandés llega a las tres horas y media. La excepción que confirma la regla es Asesinato justo que solo dura una hora y cuarenta y tres minutos.

Sólo puede quedar uno: en El Padrino II, Robert de Niro interpreta en flash backs a un joven Vito Corleone que ya había fallecido en la primera parte. Michael Corleone (Pacino), su hijo, le sucede. En Heat, el detective Vincent Hanna (Pacino) logra acabar finalmente con la vida de Neil McCauley (De Niro) y en Asesinato justo ocurre un sorprendente final. En su última película juntos, el histórico Jimmy Hoffa (Pacino) es ajusticiado por el gánster al que da vida De Niro en El Irlandés.

+ info:

El actor Al Pacino.

El actor Al Pacino Fuente: Thomas Schulz. Licencia CC 2.0.

Al Pacino: Alfredo James Pacino nació en Nueva York el 25 de abril de 1940. Es el hijo único de un matrimonio de ascendencia italiana que se separó cuando Al Pacino tenía dos años de edad. Acudió a clases de interpretación en el Actors Studio​ y fue alumno de Lee Strasberg. Hizo su debut en el cine en 1969 pero fue su papel de Michael Corleone en la saga de El Padrino el que lanzó su carrera en la gran pantalla. Pacino también destaca por una consolidada carrera en el teatro, por la que ha recibido dos premios Tony. Los años ochenta supusieron un bache en su carrera cinematográfica a la que regresó triunfante en los noventa. Ha interpretado todo tipo de papeles en thrillers, dramas, comedias, películas románticas e independientes.

El actor Robert De Niro.

Robert De Niro en la actualidad. Autor: Georges Biard. Licencia CC 3.0

Robert De Niro: Robert Anthony De Niro nació en Nueva York el 17 de agosto de 1943. Su padre fue un pintor y escultor homosexual de ascendencia italiana y su madre una pintora y poetisa bisexual de origen irlandés. Sus padres se divorciaron cuando De Niro cumplió tres años pero el actor mantuvo relación con ambos y fue educado en un ambiente artístico. Al igual que Al Pacino, fue alumno del Actors Studio de Lee Strasberg y se dedica a la interpretación desde el año 1963. Ha tocado casi todos los géneros: drama, comedia, terror y películas de género. Sus mejores interpretaciones son las de personajes conflictivos, duros o psicológicamente perturbados.

La entrevista en tiempos de coronavirus

19 May

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Entrevista celebrada por videollamada al escritor Juan José Millás en el programa “Todo es mentira” (Cuatro). Fuente: propia (captura de pantalla).

Los formatos de entrevista televisiva se han adaptado a las condiciones de confinamiento impuestas por la lucha contra el Covid-19. Las entrevistas por videollamada, mucho menos frecuentes en programas informativos en condiciones de normalidad, se han convertido en algo habitual durante el tiempo que han durado las medidas más estrictas de confinamiento de la población. Los programas informativos de todas las franjas horarias se han saturado de conexiones vía Skype, con una calidad de sonido e imagen variables, para entrevistar a expertos de distinta índole, políticos, gobernantes y miembros de la sociedad civil.

La presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, responde por videollamada a las preguntas de “La Mañana de TVE”. Fuente: propia (captura de pantalla).

María José Buzón, experta en enfermedades infecciosas atiende a distancia al programa “Espejo Público” (Antena 3). Fuente: propia (captura de pantalla).

Dos tipos de entrevista han destacado por encima de todas: la informativa y la interpretativa, adaptadas a distintos tipos de duración en función de la naturaleza del programa informativo. Aunque también los espacios de entretenimiento han adaptado los contenidos y las condiciones en que las entrevistas se han realizado en los últimos tiempos, incluyendo un número mayor de entrevistas de opinión.

Esperanza Morillo, supervisora de enfermería del hospital La Princesa, detalla en el programa “El objetivo” (La Sexta) en qué condiciones de trabajo se llevaron a cabo las labores de enfermería durante la pandemia por coronavirus. Fuente: propia (captura de pantalla).

Entrevista de opinión concedida por el actor Antonio de la Torre al programa “Liarla Pardo” (La Sexta). Fuente: propia (captura de pantalla).

La conocida “burbuja” que rodea al entrevistado en el medio televisivo es quizá el elemento que más cambios haya experimentado durante este período de excepcionalidad. El ambiente propicio para el entrevistado que se pretende crear en un plató de televisión es algo que en las entrevistas celebradas a distancia se consigue de forma natural. La artificiosidad de un plató de televisión, sobre todo si está lleno de público, no parece ser el mejor decorado para celebrar una entrevista cara a cara, ni a menudo favorece llegar a un tono de entrevista intimista y personal a partir del cual el entrevistado consiga sincerarse. Es el trabajo del entrevistador y de su equipo de colaboradores el que debe lograr que este efecto disminuya o se diluya.

Sin embargo, las entrevistas emitidas a través de conexiones Skype han permitido que el control de esa “burbuja” lo ejerza el propio entrevistado. Es este quien elige el lugar desde el que se va a emitir la entrevista (salón, despacho, rincón de su hogar o lugar de trabajo que le resulte más cómodo) y las circunstancias que lo rodean. En estos días de confinamiento se han podido ver a expertos en pandemias, enfermedades infecciosas y cargos con responsabilidad política o institucional responder a preguntas de los medios desde lugares ajenos, en muchas ocasiones, a su hábitat natural.

Incluso algunos entrevistados han aparecido en pantalla acompañados de sus mascotas, de sus familiares e incluso consumiendo sus bebidas preferidas, mientras contestaban las preguntas de un periodista en un tono predominantemente informal. Los programas satíricos y de entretenimiento son aquellos donde esta práctica se ha llevado hasta sus últimas consecuencias.

El chef José Andrés es entrevistado en directo en el programa de entretenimiento “El Hormiguero” (Antena 3) durante el período de confinamiento decretado por las autoridades españolas. Fuente: propia (captura de pantalla).

José Andrés, que en la actualidad reside en Estados Unidos, contestó a las preguntas de Pablo Motos mientras se preparaba una copa en directo. Fuente: propia (captura de pantalla).

La familiaridad del propio hogar, la ausencia de público invitado y la distancia física con un entrevistador que en ocasiones puede resultar incómodo, han propiciado la celebración de entrevistas más cortas y de peor calidad técnica, pero al mismo tiempo, más directas, sinceras y relevantes. También la excepcionalidad de la situación por Covid-19 que todos los entrevistados han sufrido por igual ha permitido generar un feedback entrevistado-entrevistador mucho más cercano y un clima de confianza mayor.

La escritora Espido Freire, acompañada de su gata, es entrevistada por Risto Mejide, conductor del programa “Todo es mentira” (Cuatro) durante la celebración del día internacional del libro. Durante la videollamada se emitieron imágenes en directo de la lectura de “El Quijote” desde el hospital de campaña de IFEMA. Fuente: propia (captura de pantalla).

Desde el punto de vista del espectador, este formato de entrevista aporta información extra que contextualiza al personaje entrevistado, tanto si se trata de una figura pública como de una fuente anónima. Conocer el lugar donde la persona se desenvuelve en su vida laboral o privada permite aproximar la realidad del entrevistado y del asunto sobre el que se opina o debate al receptor de esa información.

No parece que el formato de entrevista por videollamada vaya a generalizarse más allá del período durante el cual la movilidad de los ciudadanos quede limitada por ley. La vuelta a la normalidad devolverá a las escaletas de los programas informativos entrevistas más estructuradas, rigurosas, extensas y previsibles en su tiempo de duración, aunque posiblemente también menos francas y espontáneas.

Original o copia. INXS vs. Paloma Faith

15 Abr

Autora: Samia Benaissa Pedriza

La banda de rock australiana INXS y la cantante de soul Paloma Faith.

La banda de rock australiana INXS y la cantante de soul Paloma Faith. Fuente: Internet.

En 1988 la banda de rock australiana INXS estaba en lo más alto de su carrera tras la edición del álbum multiventas, Kick. Never tear us apart fue uno de los sencillos de aquel grandioso LP. Se trata de una balada soul, modernizada con toques de sintetizador (algo muy propio de los ochenta) hecha a medida del vocalista y líder de la banda, Michael Hutchence, autor también de la letra de la canción.

El tema les salió redondo al grupo formado hacía una década por los hermanos Farris, aunque la posición más alta que Never tear us apart llegó a alcanzar en las listas fue el número 7 en el Billboard Hot 100 (EE.UU.). El vídeo oficial, grabado en exteriores en Praga (República Checa) resultó ser uno de los mejor valorados y recordados del grupo.

Never tear us apart. INXS. Vídeo oficial (1988). Fuente: Youtube.

En el año 2012, coincidiendo con la separación oficial de INXS, cinco años después de la trágica muerte de su cantante, se lanzó al mercado una versión de Never tear us apart cantada por la británica Paloma Faith. El tema, inicialmente compuesto para una campaña publicitaria de John Lewis para televisión, se convirtió en un single de Faith debido al tirón que el tema tuvo entre el gran público.

Never tear us apart. Paloma Faith. Vídeo oficial (2012). Fuente: Youtube.

Valoración:

La versión de Paloma Faith tiene una ventaja y es que se ciñe mucho al tema original. Tanto vocal como musicalmente hablando. Faith, uno de los relevos generacionales del Reino Unido a las grandes voces históricas del soul, se emplea a fondo consiguiendo respetar la estructura y alma de la canción, solo alterada en el tono (más sesentero) y en el ritmo (ligeramente más rápido).

Pero el tema original que INXS grabaron a finales de los ochenta no tiene parangón. Tiene la dosis justa de ensoñación, garra, ritmo, emoción y sensualidad que el tema requería cuando fue grabado en 1987. Solo la versión que Joe Cocker hizo del tema en 2002 se acerca a este nivel.  Never tear us apart interpretado por Michael Hutchence y su banda le gana claramente la partida a la versión posterior de Paloma Faith, un buen tema retro en su estética y formulación, que a pesar de los esfuerzos no consigue superar al original.

+ info:

Never tear us apart fue editada el 8 de agosto de 1988 y forma parte del sexto álbum de estudio de INXS, una banda australiana fundada en 1977 en Perth (Australia). Andrew Farris, uno de los compositores habituales, la ideó inicialmente como un tema blues para piano, inspirado en el sonido retro de Fats Domino. Finalmente, el tema se transformó en una potente balada actualizada con sonido de sintetizador.

→La versión de Paloma Faith se editó el 23 de septiembre de 2012. La cantante afirmó haberse sentido honrada por poder versionar Never tear us apart, “una canción que siempre le gustó”. Su versión alcanzó el número 16 en el UK Singles (Official Charts Company) de aquel año.

→Never tear us apart sonó durante el funeral de Michael Hutchence, cuando su féretro portado por los miembros de INXS abandonó la catedral de San Andrés, en Sydney (Australia). Hutchence falleció en circunstancias poco claras el 22 de noviembre de 1997, un día antes de iniciar con su grupo una mini gira por su país natal. La causa oficial de su muerte fue suicidio por ahorcamiento.

Desde 2014, Never tear us apart es el himno no oficial del equipo de rugby australiano Port Adelaide. Sus seguidores la cantan siempre antes de la celebración de los partidos de su equipo.

Cada diez años aproximadamente, algún cantante o grupo se anima a editar alguna versión del tema original de INXS. Esta costumbre la inició el “Tigre de Gales” Tom Jones, quien junto a la cantante australiana Natalie Imbruglia, grabó una primera versión en 1999. El tema resultó ser un constructo demasiado histriónico y desvirtuado en las voces a dúo de Jones e Imbruglia. En el año 2010, el guitarrista Ben Harper lo intentó con la cantante francesa Mylène Farmer. El tema se regrabó junto a INXS con motivo del último disco de la banda, Original Sin, un recopilatorio de versiones de temas propios interpretadas por artistas invitados. El resultado fue una versión alternativa y psicodélica con letra fraseada en francés e inglés.

Otro dúo, esta vez indie, abordó el tema a petición de una emisora de radio, con un resultado bastante original. En 2013 Best Youth, una formación lusa no demasiado conocida, aceptó improvisar una versión intimista del tema de INXS, con tan solo una guitarra y un micrófono. La versión, grabada en Oporto, merece la pena ser escuchada, aunque la mejor hasta el momento es la que el gran Joe Coker interpretó en el año 2002, aderezada con influencias blues rock y su privilegiada voz.

El Covid-19 y las economías de guerra

25 Mar

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Los dirigentes del mundo ante el Covid-19. Fuente: Internet.

Cuando un tercio de la humanidad se encuentra confinada en su domicilio por la pandemia del Covid-19, los expertos de los países desarrollados hablan claramente de la posibilidad de implantar de facto y a corto plazo una economía de guerra. A muchos ciudadanos el término les sonará lejano e irreal y a otros no les dirá absolutamente nada.

Los discursos de los políticos que en estos días comparecen ante la opinión pública tienen un denominador común: la gravedad de la situación y las alusiones directas a la confrontación bélica. “Estamos en guerra” (Pedro Sánchez, presidente del gobierno español) “es una guerra y durará” (Emmanuel Macron, presidente de la república francesa), “esta es una guerra sin enemigo humano” (Angela Merkel, canciller de Alemania) y otras expresiones similares se han vuelto familiares en el vocabulario de los hombres y mujeres de Estado de todo el mundo. El objetivo es concienciar a sus respectivas poblaciones de que vienen tiempos difíciles que justificarán la toma de medidas extraordinarias y la hipotética entrada en una economía de guerra.

Lo que esto implicaría sería básicamente una transformación de los modelos productivos de los países democráticos orientados hacia la generación de bienes básicos dirigidos a asegurar el autoconsumo y el funcionamiento de los servicios esenciales. Sin embargo, el comportamiento de la sociedad internacional actual parece entrar en colisión con los fundamentos básicos de una economía de guerra tal y como se conoce, centrada en la reducción de la dependencia comercial con el exterior.

Compras compulsivas de bienes de primera necesidad en un supermercado ante la amenaza del Covid-19. Fuente: Internet.

En un mundo interconectado, donde los intercambios comerciales esenciales entre países se suceden a diario es prácticamente imposible quedar aislado sin correr el riesgo de paralizar la economía de un país. En el contexto de la crisis del Covid-19, España –uno de los países más afectados por la epidemia- se ha visto obligada a pedir ayuda a la OTAN para proveerse del material sanitario que no ha sido capaz de comprar por sí sola en los mercados internacionales. Francia e Italia también han solicitado ayudas comunitarias a la Unión Europea para hacer frente a las consecuencias de la crisis derivada de la pandemia -aunque sin llegar a activar el temido fondo de rescate (MEDE)-. Y los países de la Unión Africana se coordinan para hacer frente a un escenario complejo que amenaza con sumir al continente en una situación catastrófica, tanto a nivel humanitario como económico. Solo un puñado de países (México, Brasil, Estados Unidos) parecen ir por libre.

Un empleado desinfecta la vía pública en Italia, el país europeo más afectado por el Covid-19. Fuente: Internet.

Control de temperatura como medida de detección del coronavirus en un aeropuerto de Ghana. Fuente: Internet.

La realidad es que los países intentan hacer frente a una nueva serie de necesidades poblacionales de alta demanda, con todos aquellos recursos de que disponen. Los países integrados en organizaciones internacionales de cooperación como la Unión Europea están manifestando sus diferencias a la hora de actuar frente a la crisis sanitaria con distintos resultados.

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