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Aero-Vederci, Aerosmith

30 Jun

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Aerosmith en Madrid, 2017

Aerosmith en el concierto que la banda dio en el Auditorio Miguel Ríos en Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Aerosmith son muy grandes. Ya lo eran en los setenta, ochenta y noventa y ayer noche en Madrid demostraron que lo siguen siendo también en el nuevo milenio. La banda de Boston volvió a reencontrarse con sus seguidores de la capital tras veinte años de ausencia y como presunta despedida de sus fans tras más de cuarenta años de envidiable carrera musical.

El inicio de una larga despedida

Ya lo anunciaron el año pasado en un vídeo muy de su estilo: “Aero-Vederci baby”, echamos el cierre que esto se acaba. Y Steven Tyler lo confirmó más tarde en el programa de radio de Howard Stern. Pero antes una última gira mundial. La de despedida. O no, quien sabe. Porque The Who llevan despidiéndose de sus fans desde 2014 y todavía siguen dando conciertos por el mundo. Y de Kiss se podría decir otro tanto.

Aerosmith iniciaron su gira europea de despedida el pasado 17 de mayo en Israel. Y oficialmente, el último concierto en la historia de la banda tendría que celebrarse el 8 de julio en Tenerife (España). Pero no parece que las cosas vayan a transcurrir de esa manera porque de momento Aerosmith estarán a finales de verano en el festival Rock in Río tocando junto a otros grandes del rock. El guitarrista Joe Perry no quiere ni oír hablar de un último concierto: “no puedo imaginar el último concierto de Aerosmith, pero estamos en el final de nuestra carrera, así que ¿quién sabe cuánto puede durar?” (The Arizona Republic. 25.03.2017).

→Video. Parodia en la que Aerosmith anuncian el inicio de su gira por Europa “Aero-Vederci”. Fuente: You Tube.

La cita más esperada

El fin de fiesta de una banda tan grande como Aerosmith no está defraudando a nadie. Y el concierto de Madrid no fue una excepción. Dos teloneros de lujo a falta de uno –Alter Bridge y Eclipse-, un intenso espectáculo musical que tiene bastante de teatral y más de 30.000 seguidores reunidos en Rivas (Madrid) con mucha guasa y ganas de diversión. Y eso a pesar del frío pelón que hizo tiritar hasta al mismísimo Steven Tyler:“It´s fucking cold!” se lamentó el líder de Aerosmith ante una audiencia congelada bajo un cielo plomizo a 16 grados de temperatura.

Público en Rivas

Público asistente al concierto de Aerosmith en Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Aerosmith son una banda generosa. Cedieron su escenario y sus recursos técnicos a sus teloneros quienes, a diferencia de otros conciertos multitudinarios, gozaron de la atención y el favor del público desde el primer momento. La banda de Myles Kennedy triunfó especialmente entre el respetable, quien más que a un concierto estelar, parecía estar asistiendo a un festival de rock en toda regla.

→Vídeo. La banda sueca Eclipse salió puntual al escenario a las 19:00. Entre otros temas tocaron “The Downfall of Eden”. Fuente: You Tube.

Alter Bridge

La banda de rock Alter Bridge en el escenario del auditorio Miguel Ríos. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Myles Kennedy posee una de las mejores voces de hard rock del panorama musical actual. Un talento que ha puesto al servicio de Alter Bridge, una banda sólida y solvente que logró conectar plenamente con el público durante la hora exacta que duró su actuación. Al finalizar, Kennedy y su grupo firmaron camisetas, repartieron setlists y regalaron púas a mansalva entre los privilegiados de las primeras filas.

→Vídeo. Alter Bridge interpretan “Blackbird” en el auditorio Miguel Ríos. Fuente: You Tube.

→Vídeo. Alter Bridge tocan “Show me a leader” ante un público entregado en Rivas. Fuente: You Tube.

Aerosmith

Dos décadas sin prodigarse por Madrid es mucho tiempo. Algunos ya casi habían perdido la esperanza de volver a ver a Aerosmith en directo desde la última vez que tocaron en 1997, en la exitosa época de Get a Grip y Nine Lives, durante el segundo renacer de la banda.

La expectación, por consiguiente, era máxima y la experiencia podría haber sido perfecta si no fuera por el atroz sonido del vetusto auditorio donde se celebró el show, un lugar prefabricado en medio de la nada, de difícil acceso y anticuado como pocos que no se merece en absoluto una banda de la talla de Aerosmith. Está claro que el auditorio Miguel Ríos no es el Hollywood Bowl, aunque algunos lo pretendan.

A las 22:10, con diez minutos de retraso sobre el horario previsto, las pantallas comenzaron a emitir la trayectoria de la banda en un microdocumental con imágenes. El preludio de un show más analógico que digital, que apostó claramente por las técnicas clásicas de realización televisiva en su retransmisión. Aerosmith aparecieron en el escenario dos minutos después entre el griterío generalizado del público.

Aerosmith saltan al escenario

Salida al escenario de Aerosmith en el concierto de Madrid. Fuente: http://www.20minutos.es (Licencia CC).

Steven Tyler demostró porqué sigue siendo una figura del rock admirada y respetada. Con 69 años nadie le tose encima. Conserva intacta la voz desgarrada, el carisma y la más que discutible estética setentera que sigue luciendo dentro y fuera de los escenarios. Aunque él puede permitírselo. Todo: porque Tyler se mostró gamberro, seductor, disfrutón, irreverente y hasta escatológico (mocos, eructos, tragos de cerveza regurgitada sobre el escenario y más). Lástima que su personalísima voz quedara reducida a un eco de la realidad por la deficiente acústica del recinto -incluso en la zona central-, hasta el punto de sonar igual con micrófono que con megáfono.

Steven Tyler. Madrid

Steven Tyler aseguró la diversión en el concierto que su banda dio en Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Joe Perry, que no le anda a la zaga aunque es más discreto y estiloso (apareció vestido con sombrero y abrigo monacal a lo Keanu Reaves/Neo en Matrix), dio una clase magistral de guitarra. Poses clásicas de estrella del rock, solos de guitarra bajo los focos, temas cantados en solitario, baños de multitudes entre las primeras filas, en definitiva que Perry, colíder de la banda, disfruta de lo lindo sobre el escenario y además se le nota.

Joe Perry. Madrid

Joe Perry en un momento estelar. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Sin desmerecer al bajista Tom Hamilton, al segundo guitarrista Brad Whitford y al batería Joey Kramer, que por algo llevan casi medio siglo tocando juntos por encima de peleas y reconciliaciones. Por cierto que Kramer fue el que más aplausos se llevó del público al final del concierto.

Joey Kramer. Madrid

El batería de Aerosmith Joey Kramer en un momento del show en Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

En una gira de estas características, la gente espera escuchar grandes hits, algún tema inédito de los inicios y poco más. Sobre todo teniendo en cuenta que el último disco que la banda sacó al mercado (Music from another dimention) fue en el año 2012 y que en su día ya hubo gira de presentación. Pero ya lo avisó Steven Tyler tras finalizar el tramo de la gira por Sudamérica: “la banda está imparable ahora mismo y en Europa vamos a hacer lo que mejor sabemos: dejar que hable la música y vivir al límite”.

Y tenía razón porque el repertorio fue ecléctico, algo sorprendente y muy potente. Sonaron los esperados éxitos de los setenta, ochenta y noventa (Dude (Looks like a lady), Eat the rich y Cryin´), pero también cinco versiones que bordaron (en especial el Come together de los Beatles y Remember (Walking in the sand) de The Shangri-Las, que volvieron a tocar en directo por primera vez desde el año 2000). Triunfó la música sin apenas alardes pirotécnicos y con gran ambientación (humo, confeti, piano de cola y el efecto ventilador, obra de la propia meteorología).

→Vídeo. Primer tema del concierto: “Let the music do the talking” (Aerosmith, Madrid 2017). Fuente: You Tube.

→Vídeo. El clásico “Dude (Looks like a lady)” suena a pleno gas en el auditorio Miguel Ríos. Fuente: You Tube.

→Vídeo. “Eat the rich” seguida de otro clásico de Aerosmith, “Cryin´” (Madrid, 2017). Fuente: You Tube.

Aerosmith Madrid

Aerosmith interpretando “Remember (Walking in the sand”) con Steven Tyler tocando la armónica (Madrid, 2017). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Sí se echaron de menos temas muy esperados como Janice´s got a gun, Shut up and dance y The Other Side en una actuación que quedó reducida a menos de dos horas por la inclemente temperatura que impidió a Steven Tyler terminar de interpretar Angel, a petición del público y al piano (voz y manos se le quedaron agarrotadas a medio tema) y que se transformó hábilmente en introducción de la espectacular Dream On.

Steven Tyler. Dream On.

Steven Tyler interpreta al piano “Dream On”, un clásico de 1973 que no ha envejecido (Madrid, 2017). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→Vídeo. Fragmento de “Angel” seguida  por “Dream On” en un mano a mano entre Steven Tyler y Joe Perry (Madrid, 2017). Fuente: You Tube.

→Vídeo. En el concierto de Aerosmith no podía faltar “I don´t want to miss a thing”, tema central de la película Armageddon (Madrid, 2017). Fuente: You Tube.

Sin tufo a naftalina, en plena forma y con las pilas cargadas Aerosmith pusieron punto final a casi dos horas de concierto con Mother PopCorn (una versión de James Brown) y Walk this way. Unos bises que supieron a poco y que los fans no quisieron interpretar como un adiós sino más bien como un “hasta la vista”.

¿Despedida de los escenarios?

Si Steven Tyler está en plenas facultades físicas y vocales, Joe Perry no se quiere retirar y el resto de miembros de la banda le secundan, ¿qué necesidad hay de ir provocando crisis cardíacas entre los fans? Se sabe que el pasado año Steven Tyler estuvo presentando su disco de country en solitario y que Joe Perry sigue en activo con su proyecto de banda alternativo, The Hollywood Vampires. Por ello nos preguntamos si de verdad estamos ante la gira de despedida definitiva de los escenarios de Aerosmith o si por el contrario, están siguiendo la estrategia de los toreros: hoy me retiro pero pasado mañana volveré.

Posiblemente ni ellos mismos lo sepan. Aunque se intuye que la banda ha querido darse un homenaje por tantos años de carrera y compartirlo con sus fans: “estamos haciendo una gira de despedida pero solo porque tocaba. No lo habíamos hecho nunca hasta ahora”, afirmaba Steven Tyler en el programa de Howard Stern (2016). Una idea que comparte el primer guitarrista Joe Perry: “vamos a ir a todos los sitios en los que hemos tocado y descubrir aquellos en los que nunca hemos estado. Siempre hay países nuevos a los que ir. ¿Es este el último tour? No lo sé, pero creo que no” (The Arizona Republic. 25.03.2017).

Esperemos que no lo sea, por el bien de la música y la salud mental de los fans. Aero-Vederci, Aerosmith.

+ info:

Aerosmith en cifras:

Aerosmith. Madrid. Rivas

Aerosmith en el concierto que dieron en Madrid (2017). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→La banda se formó en Boston en 1970, por lo que llevan 47 años de carrera. Steven Tyler se vanagloria de ser la única banda formada en los setenta que ha mantenido su formación original sin cambios.

→La media de edad de sus integrantes es de 66,4 años. El guitarrista rítmico Brad Whitford es el más joven con 65 años y Steven Tyler el mayor con 69.

→Aerosmith han editado 33 álbumes, entre discos de estudio, directos y recopilaciones. Por ellos han ganado cuatro premios Grammy, ocho American Music Awards, seis premios Billboard y 12 premios MTV. En el año 2001 fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame.

→La banda de rock ha salido de gira por el mundo en 29 ocasiones. Según declaraciones del guitarrista Joe Perry, tras aplazar el tramo norteamericano de su actual gira Aero-Vederci, la banda podría aprovechar el otoño para proyectar un nuevo disco.

→Aerosmith han vendido más de 100 millones de discos a lo largo de su trayectoria como banda de rock y han ganado 95 discos de oro, platino y multiplatino de la Record Industry Association of America, el mayor número registrado por una agrupación musical en la historia.

cartel gira Aero-vederci baby

Cartel de la gira europea de Aerosmith Aero-Vederci y del concierto de Madrid. Fuente: Internet.

Setlist del concierto de Aerosmith en Madrid:

01.Let the music do the talking. 02. Nine Lives. 03. Love in an Elevator. 04. Livin´ on the Edge. 05. Rag Doll. 06. Falling in love (Is Hard on the Knees). 07. Stop Messin´around (versión de Fleetwood Mac). 08. Oh Well (versión de Fleetwood Mac).09. Remember (Walking in the Sand) (versión de The Shangri-Las). 10. Sweet Emotion. 11. I Don´t want to miss a thing. 12. Come togheter (versión de The Beatles). 13. Eat the Rich. 14. Cryin´.15. Dude (Looks like a lady).

Bises: 16. Angel (Introducción fragmentada). 17. Dream On. 18. Mother Popcorn (versión de James Brown). 19. Walk this way.

 

Primer capítulo de Más allá del invierno, de Isabel Allende

15 Jun

Novedades editoriales

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Portada de Más allá del invierno

Portada de “Más allá del invierno”, de Isabel Allende. Ed. Plaza Janés. Fuente: Internet.

Los grandes escritores también se bloquean. Es lo que le ocurrió a Isabel Allende cuando se enfrentó al reto de tener que escribir una nueva novela el pasado 8 de enero. La autora de La casa de los espíritus o Los cuentos de Eva Luna reconoció haber atravesado una etapa de sequía creativa tras pasar por un doloroso divorcio y ver morir a varios amigos.

Según Allende, Más allá del invierno es el resultado del esfuerzo (“sé que la inspiración vendrá si tengo la disciplina de sentarme ante la computadora cada día”, XLS Semanal 27.05.2017) y de sus propias vivencias personales. La novela número 23 de la escritora chilena condensa un encuentro ocurrido entre tres personas en una tormenta de nieve en el Estado de Nueva York durante tres días  de enero de 2016, un fenómeno meteorológico real que quizás algunos lectores aun recuerden. Constantes flashbacks ambientados en la Sudamérica de los setenta llevan al lector a vivir y comprender situaciones políticas que conducen al exilio de los personajes.

La trama

Richard Bowmaster, un respetable académico choca fortuitamente su coche con el auto que Evelyn Ortega, una empleada doméstica ilegal que reside en Nueva York, ha sacado a la calle sin permiso de sus patrones. Tras el golpe, Evelyn descubre que hay un cadáver en el maletero. El sorprendente descubrimiento reúne a los implicados en la casa de Bowmaster durante una tormenta de nieve.

Los personajes

Evelyn Ortega: en la novela, Evelyn Ortega es una joven guatemalteca, inmigrante ilegal en Estados Unidos. Su personaje se inspira en los muchos casos de migrantes indocumentados que pasan casa día por la fundación que Isabel Allende creó tras la muerte de su hija Paula, dedicada a prestar ayuda a personas con escasos recursos. La autora decidió visibilizar el acoso que sufren los inmigrantes ilegales en EE.UU. así como el drama que viven muchas familias de hispanos a causa de los ajustes de cuentas de las pandillas criminales.

Lucía Maraz: es el personaje más cercano a la propia Isabel Allende. Se trata de una periodista chilena de 60 años que vivió el golpe de Estado militar del general Pinochet en 1973 y que huyó a Venezuela como exiliada política. Según Allende, “hay mucho de mi vida y mi carácter en ella”. Lucía es profesora visitante en una universidad de Nueva York y vive en un apartamento alquilado en el sótano de su jefe, Richard Bowmaster.

Richard Bowmaster: es un judío de edad madura experto en Derechos Humanos que se enamora inesperadamente  de Lucía Maraz mientras ambos sobreviven a un temporal de nieve en la ciudad de Nueva York. La historia de amor entre los personajes es un reflejo de la renovada situación sentimental de  Isabel Allende tras poner fin a 28 años de matrimonio con el escritor William C. Gordon. “En medio del invierno aprendí por fin que había en mí un verano invencible” es la célebre cita de Albert Camus que sirvió de inspiración a Isabel Allende para tejer una historia de esperanza y segundas oportunidades (la escritora dedica el libro a su nueva pareja, el abogado Roger Cukras).

→Leer primer capítulo de “Más allá del invierno”, de Isabel Allende.

+ info:

Isabel Allende en Venezuela (años setenta)

Isabel Allende en Venezuela en los años setenta. Fuente: Internet.

Isabel Allende decidió escribir Más allá del invierno tras quedar sensibilizada por el drama de los refugiados sirios en Europa y el aumento de la precariedad en el modo de vida de los inmigrantes ilegales en Estados Unidos, país en el que actualmente reside. “Hay que ponerse en el caso de quien arriesga su vida y la de sus hijos para escapar de su país y buscar refugio en otro, donde por lo general es recibido con hostilidad”, afirma la escritora (XLS Semanal, 27.05.2017).

Allende se convirtió en exiliada política tras el golpe de Estado militar acaecido en Chile en 1973. En aquel año, la por entonces periodista chilena buscó refugio en Venezuela con un visado de turista. Al expirar este, durante un tiempo su estatus pasó a ser de inmigrante indocumentada, aunque pronto obtuvo la residencia en el país. Durante tres décadas fue extranjera en EE.UU. antes de nacionalizarse como estadounidense.

Concierto de Guns´N´Roses en Madrid

5 Jun

En imágenes

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Guns´N´Roses saltaron al escenario del Vicente Calderón con “It´s so easy”.

Guns´N´Roses saltaron al escenario del Vicente Calderón con “It´s so easy”. Fuentes: Internet y Samia Benaissa Pedriza.

Pocas bandas pueden presumir de repertorio como Guns´N´Roses. Dos décadas sin estrenar un disco podrían resultar demasiado para cualquier otra banda de rock que solo se reúne por la pasta (exceptuando a los Rolling Stones). Pero no es el caso de los Guns que anoche ofrecieron un apabullante concierto en el estadio Vicente Calderón de Madrid con solo dos discos de 1987 y 1991 (Chinese Democracy no cuenta). Todo lo bueno de la banda angelina y poco o nada de lo malo se pudo ver y disfrutar ayer en otra cita musical histórica para la capital madrileña.

Los teloneros

La banda sigue presentando grandes bandas de acompañamiento en sus giras mundiales. El primer telonero, Tyler Bryant and The Shakedown salieron al escenario a las 19:30. Mientras Bryant levantaba los ánimos de un estadio aun a medio llenar, las colas en los accesos de entrada, en los baños y en las barras de bar recorrían el interior y el exterior de un Calderón blindado por la policía.

→Vídeo. Actuación de los teloneros Tyler Bryant and The Shakedown (tema: “Don´t mind the blood”). Fuente: You Tube.

Mark Lanegan, excantante de los Sreaming Trees, también salió puntual al escenario. A las 20:20 The Mark Lanegan Band dio comienzo a un repaso de temas de primer orden, entonados con esa voz rasposa marca de la casa y a los que solo el público de las primeras filas parecía prestar atención. Pero lo cierto es que Lanegan ofreció una dignísima actuación, al igual que Bryant.
→Vídeo. Mark Lanegan, segundo telonero de los Guns´N´Roses en Madrid. (tema: “Death´s head tatoo”). Fuente: You Tube.

Guns´N´Roses
A las 21:18 las pantallas del escenario del nuevo tour de los Guns´N´Roses se encendieron mostrando animaciones que anunciaban el inminente inicio del concierto. El adelanto sobre la hora de inicio anunciada (21:30) pilló a los asistentes desprevenidos y más que sorprendidos teniendo en cuenta los numerosos antecedentes sobre retrasos y cancelaciones de la banda en el pasado.

→Vídeo. Guns´N´Roses saltan al escenario con “It´s so easy”. Fuente: You Tube.

→Vídeo. “Chinese Democracy” fue el tercer tema del setlist interpretado por Guns´N´Roses. Fuente: You Tube.

Axl Rose
El icónico vocalista de los Guns´N´Roses no ha perdido (casi) sus excelentes capacidades vocales. Tampoco su actitud chulesca y desafiante, aunque se haya atemperado algo con el paso del tiempo. Axl nos regaló miradas maliciosas, sonrisas malévolas y un tocamiento de entrepierna como si todavía tuviera veinte años. Las mujeres del público aun le gritaban “guapo” y los hombres “guapa”, lo que demuestra que la envidia es un sentimiento colectivo y no privativo del sexo femenino.

 Axl Rose sobre el escenario del Calderón

Las cámaras pincharon constantes primeros planos de Axl Rose sobre el escenario del Calderón. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Axl Rose con bufande del Atlético de Madrid

Axl Rose se puso una bufanda del Atlético de Madrid que la peña de fútbol heavy “Sons of Atleti” le lanzó desde el foso. Fuente: Internet.

Axl Rose demostró que está hecho un showman de cuidado y que no ha olvidado cómo se conquista a una audiencia dándole una de cal y otra de arena. El señor Rose efectuó además siete cambios de vestuario (tiene una reputación que mantener), una cifra solo superada por el número de cambios de guitarra de su compañero Slash.

→Vídeo. Con “Welcome to the Jungle” Axl Rose volvió a demostrar quien manda. Le sigue “Double talkin jive” en la que comparte reinado con Slash a la guitarra.

Axl Rose toca el piano en “November Rain”

Axl Rose toca el piano en “November Rain” en el tramo final del directo. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Axl Rose interpretando magistralmente “Don´t cry”

Axl Rose interpretando magistralmente “Don´t cry”, el primer bis del concierto. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Slash

Sigue siendo uno de los mejores guitarristas de la historia del rock, aunque a veces se equivoque. Pero es tan virtuoso con las seis cuerdas que hace que resulte fácil lo difícil. Los primeros planos de los dedos de Slash recorriendo su Gibson parecían querer decir “ahí queda eso”. Impresionante también su solo de guitarra en la versión del tema de El Padrino, un clásico en los setlists de la banda.

La guitarra de Slash

Primer plano de la guitarra de Slash. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→Vídeo. Solo de Slash en el escenario del Calderón. Fuente: You Tube.

→Vídeo. Slash encadena el tema de El Padrino con “Sweet Child o´mine”. Fuente: You Tube.

En el escenario Slash iba pidiendo y dando guerra (“Sex” rezaba su camiseta sin mangas) aunque no pudiera con los kilos. Otro que tocó y se movió como en los noventa y que al final hizo incluso el pino puente (literalmente) ante un público boquiabierto.

Slash solo

Slash en una actuación estelar. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Duff McKagan

El bajista de los Guns´N´Roses no siempre ha sido un tipo con clase estilísticamente hablando (cuánto daño hicieron los peinados cardados y oxigenados de los ochenta), pero es el que mejor lleva el paso del tiempo. En excelente forma física, sin estridencias y siempre en su lugar, McKagan demostró ser todo un profesional muy querido por el público. Tuvo sus momentos de gloria con el respetable y hasta cantó un tema en solitario (Attitude) que le venía como anillo al dedo. Sabemos que se lleva mejor con Slash que con Axl pero en el concierto ni se notó.

El bajista Duff MacKagan

El bajista Duff McKagan conquistó al público del Vicente Calderón. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Duff MacKagan

Duff McKagan disfrutando sobre el escenario del Calderón. Fuente: Internet.

El escenario

Luces, pirotecnia, confeti, pantallas gigantes en HD y una versión renovada del universo cómic metalero son los elementos visuales sobre los que se sustenta la gira Not in this lifetime de los Guns´N´Roses. Una gira que se ha ido haciendo más y más grande conforme ha ido aumentando el número de conciertos contratados. Totalmente acorde con los nuevos tiempos pero conservando intacto el espíritu gamberro de la mítica banda de Los Ángeles.

Fondo escenario

Cada tema interpretado es reforzado por un fondo digital animado de tipo conceptual. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Fondo escenario

Las llamadas de atención visuales se sucedieron a un ritmo trepidante a lo largo de todo el concierto. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Paradise City

Fuegos artificiales sobre el escenario del Vicente Calderón. Fuentes: Internet y Samia Benaissa Pedriza

→Vídeo. Apoteósico final del show con una incendiaria “Paradise city”. Fuente: You Tube.

+ info:

Panorámica del concierto de Guns´N´Roses

Panorámica del concierto de Guns´N´Roses en Madrid (2017). Fuente: Twitter de la banda.

Not in this life time tour. Concierto de Guns´N´Roses celebrado el 4 de junio de 2017 en el estadio Vicente Calderón de Madrid.

→Duración: de 21:18 a 00.10 (2 horas y 52 minutos). La banda comenzó su actuación 12 minutos antes de lo previsto.

→Aforo: 55.000 personas llenaron por completo el estadio Vicente Calderón en la última gran cita del hard rock internacional antes de ser derribado. Las entradas para el concierto de Madrid se agotaron a las siete horas de ser puestas a la venta el 9 de diciembre de 2016.

 

Vista del estadio Vicente Calderón desde la posición de Frank Ferrer

Vista del estadio Vicente Calderón desde la posición de Frank Ferrer, el solvente batería que acompaña a Guns´N´Roses en su nueva gira mundial. Fuente: Twitter de la banda.

→ Set list del concierto de Guns ´N´Roses en Madrid. Estadio Vicente Calderón. 4 de junio de 2017:

01.It´so easy. 02. Mr. Brownstone. 03. Chinese Democracy. 04. Welcome to the Jungle. 05. Double talkin´jive. 06. Better. 07. Estranged. 08. Live and let die. 09. Rocket Queen. 10. You could be mine. 11. Attitude (tema de The Misfists). 12. This I love. 13. Civil War. 14. Black Hole Sun (tema de Soundgarden, dedicado a la memoria de Chris Cornell), 15. Coma. 16. Solo de Slash/Speak softly love (tema compuesto por Nino Rota para la banda sonora de El Padrino). 17. Sweet child o´mine. 18. Out ta get me. 19. Whish you were here (tema de Pink Floyd). 20. Layla (tema de Derek & The Dominos). 21. November rain. 22. Knockin on heaven´s door. 22. Nightrain. Bises: Don´t cry. 23. The seeker (tema de The Who). 24. Patience. 25. Paradise city.

→Guns´N´Roses son una de las bandas que más versiones de otros artistas incluyen en sus shows en directo. En el concierto de Madrid tocaron ocho versiones:

→Vídeo. Guns ´N´Roses interpretan la versión de Bob Dylan “Knocking on heaven´s door”, incluida en su disco doble Use your Illusion II. Fuente: You Tube.

Fin de fiesta y despedida de la banda

Fin de fiesta y despedida de la banda del público del Calderón. Fuente: Internet.

Homenaje a Chris Cornell

26 May

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Chris Cornell en directo

Chris Cornell, líder de Soundgarden, durante una actuación en directo. Fuente: Internet.

Una semana después del inesperado adiós de Chris Cornell son muchos los artistas que continúan rindiendo homenajes a quien fuera el carismático frontman de Soundgarden. Metallica, Megadeth o Aerosmith han dedicado o interpretado canciones de Chris Cornell en sus respectivos shows en directo. Pero el líder de Soundgarden y de Audioslave también tuvo el privilegio de ser admirado y respetado en vida por artistas de la talla del gran Johnny Cash o de la mítica banda de grunge Pearl Jam.

Johnny Cash

En 1996, “El hombre de negro” versionaba “Rusty Cage”, un tema  metalero de Soundgarden incluido en el álbum Badmotorfinger, publicado por la banda en 1991. Fue Rick Rubin, productor de bandas como Rage Against the Machine o los Red Hot Chili Peppers quien le insistió a Cash para incluir el cover en su nuevo disco Unchained (1996). Con la versión soft de “Rusty Cage” Johnny Cash fue nominado a la mejor actuación masculina de country en los Grammy de 1997.  Y Unchained obtuvo el Grammy al mejor álbum de country del año.

→Versión acústica de “Rusty Cage” (Badmotorfinger, 1991), tema de Soundgarden interpretado por Johnny Cash en 1996.

Pearl Jam

En el año 2011 Pearl Jam celebraban sus veinte años como grupo. Todo un logro que la exitosa formación quiso celebrar con una gira por los escenarios de medio mundo. En aquel año, de la escena musical de Seattle solo quedaban dos líderes supervivientes: Eddie Vedder y Chris Cornell. Andrew Wood, Kurt Cobain y Layne Staley se habían suicidado o fallecido a consecuencia de las drogas. Por ello no resultaba extraño que Eddie Vedder quisiera recordar junto a Chris Cornell  los gloriosos tiempos de Temple of the Dog, aquella superbanda formada en 1990 por integrantes de Pearl Jam y de Soundgarden y en la que ambos militaron durante un tiempo. “Antes de conocer a Chris Cornell no sabía cuánto iba a influir en mi vida y en mi visión de la música y de la amistad” decía de su amigo un agradecido Eddie Vedder antes de interpretar a dúo  “Hunger Strike”:

→”Hunger Strike”, sencillo de Temple of the Dog (Temple of the Dog, 1991). Interpretada en directo por Pearl Jam y Chris Cornell en 2011. Fuente: You Tube.

Soundgarden: última parada

Soundgarden se separaron en 1997 cuando el grunge comenzaba a dar señales de agotamiento, tras más de un lustro de reinado en las emisoras de radio y televisión más comerciales. Las diferencias sobre el rumbo estilístico que la banda debía tomar en vísperas del nuevo milenio no pudieron ser superadas y la banda de disolvió para poner en marcha otros proyectos personales.

Chris Cornell se unió a los excomponentes de Rage Against the Machine para formar otra superbanda, Audioslave (2001-2007) mientras seguía componiendo álbumes en solitario, algunos con más pena que gloria (véase su colaboración con Timbaland), otros con rotundo éxito de crítica y público. En 2006 compuso el tema principal de Casino Royale, la primera película en la que Daniel Craig interpretaba al nuevo y discutido James Bond. Pero no era la primera vez que Chris Cornell componía para el cine: en 1992 editó dos temas que se incluyeron en la banda sonora de Singles, otra película representativa de todo un estilo de vida, el de la famosa generación X.

→”Seasons”. Canción incluida en la banda sonora de Singles (1992), compuesta por Chris Cornell. El tema es interpretado por el cantante en directo en el año 2007 en las AT&T Blue Room Sessions. Fuente: You Tube.

Soundgarden dieron una alegría a sus fans cuando decidieron reunirse en 2010. Subidos al carro de los retornos de las bandas míticas de los noventa, la formación editó un nuevo álbum de estudio, King Animal, en 2012. Desde finales de 2016 la banda se encontraba de gira por Estados Unidos, tocando en teatros y pabellones donde el contacto con el público es más cercano y directo.

Nada hacía presagiar que el concierto que el grupo dio el pasado 17 de mayo en Detroit fuese a ser el último de su carrera. Vocalmente, Cornell parecía estar algo bajo de revoluciones y verbalmente un poco más combativo de lo habitual, una actitud que cualquiera hubiera podido atribuir al cansancio propio de una gira. Pocas horas después de finalizar el show, Chris Cornell dejaba a sus fans conmocionados por su repentino fallecimiento.

→”My wave”, tema perteneciente al álbum de Soundgarden, Superunknown (1994) interpretado en el último concierto de la banda en el Fox Theatre de Detroit.

+ info:

Chris Cornell

Chris Cornell en una imagen promocional. Fuente: Internet.

→Chris Cornell (1964-2017) fue encontrado sin vida la noche del 17.05.2017 en su habitación de hotel en Detroit. Su guardaespaldas lo encontró inconsciente y tendido en el suelo del cuarto de baño con una cinta deportiva enrollada en el cuello. El guardaespaldas tuvo que derribar la puerta ya que el cantante se había cerrado por dentro.

→Basándose en las evidencias (el músico había introducido la cuerda por un mosquetón incrustado en el marco de la puerta) y las pruebas forenses, la policía calificó el deceso de muerte por suicidio.

→El cantante, que había superado una antigua adicción a las drogas y el alcohol, seguía desde hacía tiempo un tratamiento farmacológico para combatir la ansiedad y la depresión.

→Chris Cornell fue despedido en un funeral privado celebrado el 26.05.2017 en el cementerio de Hollywood Forever donde reposan ya sus restos cremados.

Exposición Retorno a la belleza. Arte italiano de entreguerras

18 May

Agenda cultural

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Descanso. Pompeo Borra.

“Descanso” (1933). Autor: Pompeo Borra. Cuadro de la exposición “Retorno a la belleza”.

La exposición de la Fundación Mapfre Retorno a la belleza es un compendio de obras de los artistas italianos empeñados en recuperar del arte la belleza y la armonía perdidas tras la llegada de las vanguardias, al término de la Primera Guerra Mundial.

El esteticismo de los pintores italianos del período de entreguerras se expresa en una serie de corrientes como el denominado “realismo mágico” y la pintura metafísica así como las creaciones del grupo Novecento. Se trata de dar una nueva vuelta de tuerca al clasicismo y a la tradición: retratos, paisajes, naturalezas muertas y bodegones, desnudos y alegorías reinterpretados a principios del siglo XX con el impulso que tenía Italia tras haber ganado la guerra.

La llegada del fascismo a Italia supuso intervenir en el desorden económico y social del país surgido tras la posguerra, aunque más tarde la situación política degenerase en una dictadura personalizada en la figura de Benito Mussolini. La propaganda del régimen se esforzaba por crear una imagen exterior de Italia fuerte y potente desde todos los puntos de vista: militar y económico pero también cultural, social y deportivo. Una Italia monumental fue construyéndose poco a poco entre estadios, grandes edificios y coliseos.

La grandeza italiana, comparable en cierta medida a la Francia de Napoleón, se plasmó en grandes obras de pintores como Giorgio di Chirico, Mario Sironi, Ubaldo Oppi, Felice Casorati o Cagnaccio di San Pietro.

Algunas de las producciones artísticas de los años treinta retornan al clasicismo más puro mientras otras no dejan de incorporar influencias de las vanguardias más recientes: la ensoñación del surrealismo, las figuras geométricas del cubismo o la presencia de máquinas, vehículos o trenes propia del futurismo italiano.

Plaza de Italia. Giorgio di Chirico

La Italia monumental se representa de forma presurrealista en esta obra de Giorgio di Chirico. “Plaza de Italia” (1924-1925) recibe al visitante de la exposición “Retorno a la belleza” en la Fundación Mapfre. Autora fotografía: Samia Benaissa Pedriza.

Si bien los temas expuestos en las pinturas pueden resultar banales, no lo es tanto su forma de expresión artística. Un retrato de la esposa del marchante de arte de Felice Casorati muestra algo más que la imagen de una señora burguesa. El uso de la perspectiva, la geometría y la densidad del color convierten al género en algo que supera la mera representación de una determinada clase social. De Casoreti también es el llamativo retrato del niño Renato Gualino, elaborado entre los años 1923 y 1924.

Retrato Teresa Madinelli.

Retrato de la señora Teresa Madinelli (1918-1919). Autor: Felice Casoreti.

 

Retrato de Renato Gualino

Retrato de Renato Gualino (1923-1924). Autor: Felice Casoreti.

De Cagnaccio di San Pietro es Primo Denaro, una obra de 1935 que no muestra el clásico desnudo femenino de bañistas sino el abandono físico de aquellas mujeres que se ven obligadas a vender su cuerpo por dinero. El dramatismo se expresa mediante el uso del color y el contraste entre la luz que parece emanar de la figura humana representada y la oscuridad del fondo.

“Primo denaro”

“Primo denaro” (1935). Autor: Cagnaccio di San Pietro.

El uso del color y de la iluminación es común tanto en di San Pietro como en Ubaldo Oppi, ambos exponentes del “realismo mágico”. Oppi pintó retratos pero también naturalezas muertas y en ambos casos jugaba con la luz y el color para crear perspectivas y destacar las figuras del primer plano. Una mujer de piel blanca podía brillar de la misma manera que una flor cortada y sumergida en un jarrón de agua opaca sobre un fondo oscuro.

Retrato de Laura. Oppi

Retrato de Laura (1924). Autor: Ubaldo Oppi.

Oppi también perteneció al grupo Novecento junto a Mario Sironi, quien destaca por su formalismo, el uso del claroscuro, la geometría y la representación de los paisajes urbanos de su tiempo. Posiblemente sea este grupo de pintores el que más cerca estuvo de representar pictóricamente las ideas difundidas por la propaganda nacionalista de Mussolini.

Periferia con camión. Mario Sironi.

Periferia con camión (1920). Autor: Mario Sironi.

El arquitecto. Mario Sironi.

El arquitecto (1922-1923). Autor: Mario Sironi.

La muestra se completa con obras de otros artistas no incluidos en estos movimientos como Pompeo Borra, Gisberto Ceracchini o Marino Marini.

+ info:

→Exposición de la Fundación Mapfre Retorno a la belleza. Obras maestras del arte italiano de entreguerras. Hasta el 4 de junio de 2017.  Paseo de Recoletos, 23. Madrid. Lunes de 14:00 a 20:00 (entrada gratuita), martes a sábado de 10:00 a 20:00. Domingos y festivos de 11:00 a 19:00.

80 aniversario de los bombardeos de Guernica

26 Abr

Una imagen o mil palabras

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El guernica de Pablo Picasso.

El Guernica de Pablo Picasso. Fuente: Museo nacional Centro de Arte Reina Sofía.

El 26 de abril de 1937 la legión Cóndor alemana y la Aviación Legionaria italiana bombardearon la ciudad vasca de Guernica, defendida por los partidarios del gobierno republicano durante la Guerra Civil española. Los centenares de muertos que el ataque militar provocó, el miedo, la destrucción y el sufrimiento fueron inmortalizados en un cuadro de Pablo Picasso, destinado a convertirse en un icono del siglo XX.

La simbología del Guernica es peculiar y variada: seres humanos y animales reunidos en un mismo escenario representando escenas de La pietà, la destrucción de las artes o los fusilamientos del Tres de Mayo mezclados con el cubismo y la vida privada de Pablo Picasso.

Una única imagen para expresar el horror total de las guerras, sin palabras.

Los bombardeos sobre Guernica

Guernica no poseía ningún tipo de defensa antiaérea lo que facilitó la destrucción de la ciudad por las potencias aliadas de las tropas nacionales lideradas por el General Franco: la Alemania nazi y la Italia de Benito Mussolini. El ataque a Guernica se efectuó en tres fases que ocuparon desde las 15:30 hasta las 20:30 horas. Desde el cielo se lanzaron bombas incendiarias, seguidas de otras explosivas y de ametrallamientos sobre la población.

El 70% de los edificios quedaron destruidos y los historiadores estiman el número de víctimas mortales en 126, aunque el gobierno republicano afirmase que se produjeron más de 1.500. El eficaz sistema de alertas y refugios de la ciudad favoreció que se registrase un reducido número de bajas civiles.

Guernica bombardeada. 1937

La ciudad de Guernica, destruida por los bombardeos de la aviación alemana en 1937. Fuente: Archivos Federales de Alemania (Licencia CC).

El bombardeo de Guernica, a pesar de no ser ni el primero ni el más mortífero que sufriría la población española durante la Guerra Civil fue tomado como un símbolo intelectual del antibelicismo. El propio General Franco quedó sorprendido por la virulencia del ataque alemán y los efectos de la destrucción masiva de la ciudad. La propaganda franquista incluso llegó a negar la autoría de los bombardeos, atribuyéndola al propio ejército republicano. Los hechos solo se reconocieron en 1971, cuatro años antes del final de la Dictadura franquista.

+ info:

El Guernica fue un encargo del gobierno de la Segunda República española para ser exhibido durante la Exposición Internacional de 1937 en París. El objetivo era suscitar las simpatías de la comunidad internacional hacia los intereses republicanos durante la Guerra Civil.

Pablo Picasso

El pintor malagueño Pablo Picasso. Imagen de dominio público.

Pablo Picasso no era particularmente proclive al gobierno republicano pero aceptó el encargo convencido por sus amigos el pintor y político Josep Rinau  (quien le había concedido a Picasso el cargo de director honorario del Museo del Prado) y los escritores Max Aub y José Bergamín. Picasso solo aceptó ser pagado por los materiales utilizados para elaborar el mural.

El cuadro fue pintado en tan solo dos meses, entre mayo y junio de 1937, inmediatamente después del bombardeo de la ciudad de Guernica por la aviación alemana e italiana en abril de ese mismo año. El cuadro original mide 3.49 metros de alto por 7.76 de ancho. Desde 1981 está expuesto en el museo nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

Parecidos razonables. Robert Downey Jr. vs. José García

7 Abr

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El actor estadounidense Robert Downey Jr (izda.) y el intérprete hispano-francés José García.

El actor estadounidense Robert Downey Jr (izda.) y el intérprete hispano-francés José García. Fuente: Internet.

Robert Downey Jr. sabe ponerse en la piel de un superhéroe. Ha aprendido a transformar su aspecto de tipo normal y anodino en el de alguien mucho más alto, más fuerte y más atractivo. En definitiva, un personaje de ficción. Y si por algún giro de guion, Iron Man tuviese que vérselas con su doble villano en la gran pantalla bien podría dejarse de efectos especiales y recurrir al actor José García quien sin seguramente proponérselo luce como si fuera su propio reflejo en el espejo.

→Robert Downey Jr.

Nombre completo: Robert John Downey Jr. aunque el auténtico apellido de su padre es “Elías”. Downey es el apellido que el progenitor del actor adoptó de su padrastro.

Fecha de nacimiento: Downey Jr. nació el 4 de abril de 1965  en Manhattan (Nueva York). El actor  se crio junto a su hermano mayor en el seno de una familia de artistas. Su padre, Robert Downey Sr., es actor, productor y director de cine y su madre también era actriz.

Profesión: Robert Downey Jr. es actor desde los cinco años. Durante su infancia participó en papeles secundarios en los proyectos artísticos de su padre. Siendo adolescente asistió a clases de artes escénicas en Nueva York pero pronto se mudó a Hollywood con la intención de relanzar su carrera.

Trayectoria profesional: el actor obtuvo su primer papel relevante en Hollywood en 1983. Fue en la película Baby It´s You. Pasó por el célebre Saturday Night Live y a partir de entonces se convirtió en uno de los novios de la América de los años ochenta. Robert Downey Jr. ha sido nominado en dos ocasiones a los premios Óscar (en 1993 por Chaplin y en 2009 por Tropic Thunder) y ha ganado dos Globos de Oro y un BAFTA.

A mediados de los años 2000 su carrera como actor renació tras un período de descontrol personal. Participar en películas tan taquilleras como Iron Man, Los Vengadores o Capitán América sin duda le ha ayudado a recuperar la popularidad perdida y la confianza de los productores de Hollywood. En la actualidad está en la lista de los actores mejor pagados de la industria.

Vida privada: Robert Downey Jr. vivió de cerca el mundo de las drogas desde que era niño. El actor recuerda haber consumido sustancias prohibidas junto a su padre, algo de lo que ambos se arrepienten. Sus adicciones pusieron fin a la relación sentimental de siete años que el actor mantuvo con la también actriz Sarah Jessica Parker en 1991. Posteriormente Downey Jr. contrajo matrimonio con Deborah Falconer con quien tuvo a su primer hijo, Indio. Desde 2005  está casado con la productora Susan Levin, madre de sus dos hijos menores Exton Elías y Avri Roel.

Está de actualidad por: el actor ha anunciado que protagonizará la nueva película del director Richard Linklater basada en la vida del doctor John Brinkley, un médico estafador de los años veinte y treinta. Downey Jr. también producirá la película junto a su esposa Susan y Megan Ellison. Además, el actor tiene pendiente de estreno Spider-Man: Homecoming y ya ha iniciado su participación en el film Vengadores: Infinity War cuyo estreno está previsto para 2018.

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→José García

Nombre completo: José (Luis) García

Fecha de nacimiento: José García nació el 17 de marzo de 1966 en una familia de origen gallego, ya que sus padres nacieron en O Carballiño (Ourense, España). Tiene nacionalidad hispano-francesa aunque en la actualidad reside y trabaja en Francia.

Profesión: José García es actor profesional desde mediados de los años noventa. Cuenta que le descubrieron cuando participaba como público invitado en un programa de Canal+ porque aplaudía con demasiado ímpetu. Antes se empleó en todo tipo de trabajos. En 1995, con 30 años, obtuvo su primer papel en la película Elisa de Jean Becker.

Trayectoria profesional: el actor hispano-francés ha participado en una veintena de películas desde finales de los noventa. En 1997 fue nominado a los premios César (los Óscar franceses) como mejor actor revelación por la película La vérité si je mens (La verdad si miento). En el año 2005 fue de nuevo nominado como mejor actor en los César por su participación en la película Arcadia de Costa Gavras.

José García es un actor polifacético que cuenta con un amplio registro (drama, películas de acción, comedias). Su último film de estreno ha sido Asalto en París (2016) una película de acción en la que interpretaba un papel secundario.

Vida privada: el actor está casado con la actriz francesa Isabelle Doval con quien tiene dos hijas adolescentes Laurene y Thelma Doval.  Se sabe que su deporte favorito es el kitesurf y que lo practica siempre que tiene ocasión. El actor, que habla gallego y español además de francés, ha confesado que le gustaría trabajar más en España donde es prácticamente un desconocido. Solo ha participado dos veces en el cine español: con Carlos Saura en El séptimo día (2004) y en el film sobre la guerra sucia contra el terrorismo GAL (2006).

Está de actualidad por: el estreno en Europa de la comedia francesa À fond (A fondo) donde interpreta un papel protagónico. El actor se mantiene también a la espera del estreno de Madame Hyde, película dirigida por  Serge Bozon y rodada junto a Isabelle Huppert y Romain Duris.

Diferencias y semejanzas

Los actores Robert Downey Jr. y José García

Los actores Robert Downey Jr. (izda.) y José García (dcha.) en dos escenas de sus películas. Fuente: Internet.

Robert Downey Jr y José García son de la misma edad, se parecen hasta en la estatura y comparten la misma profesión. Coinciden además en que han alcanzado sus mayores éxitos profesionales en los últimos quince años, aunque obviamente, Robert Downey Jr juega en una liga mayor. Las mayores diferencias surgen en el terreno de la vida privada, mucho más convulsa en el caso del actor americano, aunque en los últimos tiempos Downey Jr. lleva la vida tranquila y familiar de la que hace tiempo goza el francés José García.

El guardián invisible. Crítica de cine

19 Mar

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Fotograma de la película “El guardián invisible”.

Fotograma de la película “El guardián invisible”. Fuente: Internet.

En 1991 un thriller protagonizado por Jodie Foster y Anthony Hopkins reventó las taquillas cinematográficas de medio mundo. El silencio de los corderos, obtuvo el Óscar a mejor película, director, guion adaptado, actriz y actor principal y colocó al género en una posición privilegiada, más allá de las manidas películas de terror o de las puramente policíacas. El guardián invisible, una adaptación de la novela homónima de Dolores Redondo, sigue el rumbo marcado por aquella película ya histórica de los años noventa. El argumento -la resolución de unos asesinatos en serie de mujeres- es el mismo, la psicología de los personajes es similar, se han calcado algunas escenas y se han sugerido otras.

El argumento

El guardián invisible adapta a la gran pantalla la primera novela de la exitosa trilogía del Baztán, de la escritora Dolores Redondo. El argumento se centra en la persecución de un asesino en serie de mujeres adolescentes en el valle del Baztán (Navarra). El Silencio de los corderos también es una adaptación de una novela homónima de Thomas Harris en la que un perturbado psicópata secuestra, despelleja y asesina a mujeres jóvenes.

→ver tráiler de El Guardián invisible. Fuente: You Tube.

Los personajes

Amaia Salazar es la joven inspectora encargada de resolver el caso. Al igual que Clarice Starling en El Silencio de los Corderos, arrastra un trauma de la infancia y mantiene una difícil relación con sus superiores. Su manera de analizar la psicología del asesino recuerda demasiado a la del personaje interpretado por Jodie Foster, así como su forma de desenvolverse en un mundo eminentemente masculino. Del personaje solo chirría la relación prefabricada con el FBI (su pasado en la agencia de investigación estadounidense, las innecesarias conversaciones en inglés con su mentor americano) que resulta poco creíble para el público español.

escena El Guardián invisible

Reunión de trabajo entre la inspectora de homicidios Amaia Salazar y sus superiores.

La ambientación

Dolores Redondo ha reconocido que en el valle del Baztán no llueve tanto. Y es que el exceso de humedad que soportan los personajes a lo largo de toda la película es considerable. “Esta película tenía que ser como Seven, como El cuervo y como Obaba: un pueblo pequeño, la lluvia constante, la oscuridad y la sensación de estar atrapada”, afirma la escritora (Mujer Hoy. 25-02-2017). La luz filtrada, los cielos grises y la niebla se repiten en cada plano, sin mencionar la lluvia que corre a mares y que cubre a vivos y muertos por igual en este inquietante thriller.

De El silencio de los Corderos la ambientación recupera los paisajes rurales y los cielos de tormenta que evocan la turbia niñez de Clarice Starling.

Amaia Salazar y su ayudante Jonan

Amaia Salazar junto a su ayudante Jonan durante la resolución de los casos de asesinato.

Las escenas

La forma en que son descubiertas las víctimas que aparecen en El guardián invisible es casi un calco de la escenografía de El Silencio de los Corderos. En la película dirigida por Jonathan Demme, las jóvenes aparecen desnudas en el bosque con una larva de mariposa en la boca. En El Guardián invisible, aparecen en el mismo lugar pero con un dulce artesanal colocado en el pubis.

Una víctima es descubierta en el valle del Baztán

Una víctima es descubierta en el valle del Baztán.

Una de las escenas finales -la búsqueda del asesino por Amaia Salazar en el sótano de un caserón aislado y el rescate de su última víctima- recuerda inevitablemente a la patética escena final en la que Jodie Foster persigue a ciegas y en total oscuridad al verdugo de su historia.

Al igual que Hannibal Lecter, en El guardián invisible existe otro personaje clave con problemas mentales e instintos caníbales. La escena sugerida en la película nos retrotrae a los célebres  festines del doctor Lecter en el film de los noventa.

escena El Guardián invisible

En “El Guardián invisible” hay más de un personaje seriamente perturbado.

A pesar de las semejanzas, El guardián invisible no es una mera copia de otra película del pasado de éxito comercial. El film tiene una entidad propia –la mitología vasca, los matriarcados del norte de España- con elementos bien incorporados a la narración de una historia que engancha al espectador desde el primer minuto de metraje. El ritmo es trepidante -aunque quizá resulte algo lento hacia el final-, las interpretaciones principales son notables y la ambientación es la adecuada en general.

Calificación: 4/5 estrellas

+ info:

cartel El Guardián invisible

Cartel promocional de El Guardián invisible. Fuente: Internet.

El Guardián invisible es una película estrenada en España el 3 de marzo de 2017. La producción está dirigida por Fernando González Molina y protagonizada por Marta Etura, Elvira Mínguez, Carlos Librado “Nene” y Francesc Orella.

Se rodó durante nueve semanas en Madrid, Lesaka y Elizondo (Navarra), esta última, localización real donde transcurre la novela de Dolores Redondo. Marta Etura (Amaia Salazar) asegura que durante el rodaje llegó a pasar entre 12 y 14 horas al día empapada por la lluvia.

 

 

Sin música en televisión

14 Mar

Revista de prensa

→Artículo de opinión del periodista Diego A. Manrique, titulado Llegaron los bárbaros y publicado en Elpais.com el 13-03-2017.

Los presentadores de los programas musicales de los ochenta, Aplauso, Rockopop, Tocata y La Edad de Oro. .

De izda. a dcha. y de arriba abajo, los presentadores de los programas musicales de los ochenta, Aplauso, Rockopop, Tocata y La Edad de Oro. Fuente: RTVE.

Con Llegaron los bárbaros, Diego A. Manrique, Premio Nacional de Periodismo Cultural 2014, no anuncia la llegada de una horda de guerreros venidos del norte para conquistar territorios y sociedades culturalmente asentadas. Más bien al contrario, el acertado título del artículo que el afamado crítico musical publica en el diario El País, tiene que ver con otro tipo de invasión bárbara: la de la ignorancia y la banalidad de las nuevas generaciones de aspirantes a artistas musicales en el panorama televisivo español.

Y no solo eso. Diego A. Manrique también lamenta la ausencia de los programas musicales que hicieron historia cuando en España la pequeña pantalla todavía era una herramienta útil para informar, entretener y educar. Programas como Aplauso, La Edad de Oro o Rockopop recibían en sus escenarios a artistas consagrados, nacionales e internacionales, a los que sí, había que pagar, adular y promocionar. Ahora resulta más rentable producir talent shows, un subgénero del reality, donde anónimos candidatos a famosos se contentan con imitar a cualquier cantante popular y disfrutar por una sola vez de sus quince minutos de gloria.

Ni comentarios críticos, ni reportajes documentados, ni entrevistas a personalidades relevantes se emiten ya en televisión. Ni un bit de información musical. El periodismo cultural ha caído a temperaturas de menos cero. Y los programas musicales en televisión se han convertido en un género definitivamente extinto tras la época dorada de los años ochenta y noventa.

+ info:

Aplauso: fue el espacio musical de los ochenta más parecido a un talent show moderno. Se emitió semanalmente entre 1978 y 1983 en Televisión Española e incluía distintas secciones enfocadas al público infantil y adolescente, entre ellas una dedicada al humor, otra al baile moderno y otra a imitaciones de personajes famosos. A partir de 1981 se volvió más musical y pasó a emitirse desde la discoteca madrileña Joy Eslava. Su director y presentador inicial fue José Luis Uribarri, histórico periodista musical. Después llegaron María Salerno, Isabel Luque, José Luis Fradejas y las actrices Silvia Tortosa, María Casal y Adriana Ozores, entre otros. Por Aplauso pasaron The Jakson Five, ABBA, Kiss, The Ramones, Van Halen y AC/DC. Entre los nacionales, Tequila, Radio Futura, Leño y Obús formaron parte de una larga lista de artistas.

AC/DC en directo 1980

AC/DC interpretan “Highway to Hell” en el programa Aplauso en 1980. Fuente: RTVE.

Última actuación de Bon Scott en televisión

Fue la última actuación en televisión del cantante Bon Scott antes de fallecer nueve días después, el 19 de febrero de ese mismo año. Fuente: RTVE.

La Edad de Oro: la recientemente fallecida presentadora Paloma Chamorro dotaba de personalidad a este espacio musical emitido durante los años de la movida madrileña. Por el plató de La Edad de Oro pasaron Pedro Almodóvar y Fabio Mcnamara, Alaska y Dinarama o Los Smiths entre muchos otros. El programa se emitía la noche de los martes en la segunda cadena de Televisión Española. El programa rendía culto a las vanguardias culturales de principio de los años ochenta y alternaba reportajes con actuaciones en directo y entrevistas con los artistas en el plató. Se emitió entre 1983 y 1985.

The Smiths. La Edad de Oro

La Edad de Oro. Paloma Chamorro entrevista a Johnny Marr y Steven Morrisey, guitarrista y líder de The Smiths respectivamente. Fuente: RTVE.

Tocata: Por Tocata pasaron artistas de la talla de Tina Turner, Depêche Mode o Duran Duran aunque las actuaciones en directo estaban copadas por los grupos nacionales más importantes de la época. Se emitió semanalmente en Televisión Española entre 1983 y 1987 en horario de tarde y sus presentadores más populares fueron el periodista José Antonio Abellán y la presentadora Mercedes Resino. Con el tiempo fueron incorporándose otros profesionales como Ana Arce, Silvia Abrisqueta o la cantante Vicky Larraz. El programa emitía potentes vídeos musicales, reportajes y entrevistas con figuras internacionales. Las actuaciones alternaban el play back con el directo.

Miguel Ríos. Tocata

José Antonio Abellán entrevistando al cantante Miguel Ríos en Tocata Fuente: RTVE.

Rockopop: el programa se emitió entre 1988 y 1992 en Televisión Española. Su presentadora estrella fue la periodista Beatriz Pécker aunque también le acompañaban Paloma Serrano -a cargo de la lista de los discos más vendidos- y la también periodista Teresa Viejo. El espacio, emitido los sábados por la tarde, incluía entrevistas, reportajes, estreno de vídeos, actuaciones en directo y el repaso a la actualidad musical del momento. Rockopop recibió entre otros muchos a Cyndi Lauper, Milli Vanilli, R.E.M., Texas, Def Leppard, Mark Knopfler o Johnny Cash.

Paul McCartney. Rockopop

Entrevista de Beatriz Pécker a Paul McCartney el 4 de noviembre de 1989. Fuente: RTVE.

Exposición. Renoir: intimidad

19 Ene

Agenda cultural

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Pierre-Auguste Renoir en 1910

Retrato fotográfico del pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir hacia 1910. El artista posa en la intimidad de su taller. Fuente: Biblioteca Nacional de Francia. Imagen de dominio público.

Pierre-Auguste Renoir no siempre fue un pintor reconocido, ni siquiera cuando ya se había abierto camino en la profusa escena artística francesa de finales del siglo XIX. La exposición Renoir: intimidad reúne una muestra de obras que tienen en común la expresión de lo privado: retratos de la alta sociedad, paisajes subjetivos, escenas familiares y desnudos de bañistas. Pero Renoir, que destacaba por su originalidad a la hora de abordar temas poco comunes en el impresionismo (la figura humana, el desnudo femenino), no siempre fue comprendido por público y crítica. Como muestra tres retratos de encargo que el pintor ejecutó entre 1870 y 1890 que no siempre dejaron satisfechos a sus propietarios:

L’Algérienne (1870)

L´Algérienne. Renoir 1870

L´Algérienne. Retrato de Pierre-Auguste Renoir (1870). El cuadro pertenece al Fine Arts Museum de San Francisco. Imagen de dominio público.

El retrato que Renoir pintó de Rebecca Clémentine Valensi Stora fue repudiado tanto por la modelo como por su autor. La Sra. Stora, una mujer judía residente en Argelia durante la época posterior a la colonización francesa del país, llegó a decir de él que era “horrible”. En 1893 su propietaria lo vendió al retratista Paul Helleu por unos escasos 300 francos, a pesar de que las obras de Renoir ya alcanzaban una alta cotización. Finalmente Helleu se lo vendió a Claude Monet quien lo exhibió en la exposición de Orientalistas franceses de 1906.

El cuadro fue pintado en un estilo alejado del impresionismo, con rasgos clásicos que el propio Renoir rechazaría más tarde. La obra pertenece al movimiento orientalista que otros pintores como Ingres o Delacroix habían explorado a principios del siglo XIX. Los ropajes que la modelo llevaba puestos eran los típicos del país africano y el retrato se pintó en París, a donde los Sres. Sora se habían trasladado a finales de la década de 1860 por el rechazo a la comunidad judía residente en Argelia. La intensidad de los colores que Renoir y otros impresionistas plasmaron en sus cuadros es fruto de la inspiración que el país norteafricano ejerció en ellos.

Retrato de la Sra. Paulin (1885-1890)

Retrato de la Sra. Paulin. Renoir 1885-1890

Retrato de la Sra. Paulin (1885-1890) pintado por Pierre-Auguste Renoir. La obra pertenece a The Israel Museum de Jerusalén. Imagen de dominio público.

Veinte años separan a “L´Algérienne” de este retrato de la Sra. Paulin, la esposa burguesa de un amigo  de Renoir. Se trata de un retrato que bien pudo realizar Renoir sin un encargo previo, a diferencia de otros muchos que pintó sobre las clases sociales acomodadas del París de finales del siglo XIX. En ambos retratos permanecen constantes las pinceladas gruesas, los colores intensos y el contraste con la piel pálida de las figuras representadas. Pero el retrato de la Sra. Paulin expresa ya una contención y unos trazos rápidos mucho más propios del impresionismo.

Retratos de Charles y Georges Durand-Ruel (1882)

Retrato de los hermanos Durand-Ruel

Charles y Georges Durand-Ruel (1882) retratados por Pierre-Auguste Renoir. Imagen de dominio público.

En 1882, Renoir todavía pintaba cuadros impresionistas a su manera, un estilo influido por modos clásicos de reflejar la realidad. En 1881 Renoir hizo un viaje a Italia y quedó impresionado por las obras de Rafael. Sin embargo, el retrato de Charles y Georges Durand-Ruel fue el último que el pintor francés dedicó a esa forma tan peculiar de interpretar el impresionismo. El cuadro fue un encargo del marchante de arte Paul Durand-Ruel, quien le pidió a Renoir que pintara varios retratos de su familia.

La obra muestra a los dos hijos adolescentes de Durand-Ruel, de dieciséis y diecisiete años, sentados en el jardín de la casa de verano de la familia en Dieppe. Al patriarca, que conocía al pintor y le compraba cuadros, no le gustó sin embargo que Renoir pintase un retrato de sus vástagos al aire libre. Lo habitual entre las clases adineradas era componer retratos en interiores que mostrasen a sus protagonistas en escenarios propios de su estatus social. En el cuadro se puede apreciar el contraste entre los rostros bien dibujados de los retratados y sus trajes, menos precisos en su trazado, así como el difuso fondo floral.

+ info:

Exposición Renoir: intimidad. Museo Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado, 8. Madrid. Hasta el 22 de enero de 2017. Lunes a domingo de 10:00 a 19:00.

Retrato de Paul Durand-Ruel, Renoir 1910

Retrato de Paul Durand-Ruel pintado por Renoir en 1910. Imagen de dominio público.

→En 2015 se creó en Estados Unidos la plataforma “Renoir apesta como pintor”, en contra del estilo de expresión pictórica del artista francés. Fue precisamente en Estados Unidos y gracias al apoyo y difusión de su obra por el marchante de arte Paul Durand-Ruel donde las obras de Renoir comenzaron a resultar reconocidas. Los tres hijos de Durand-Ruel, Joseph, Charles y Georges fueron los encargaron de promocionar las obras de los autores impresionistas en su galería de Nueva York.