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Crítica de cine. Rocketman

25 Jun

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Escena musical del film Rocketman. Fuente: Internet.

Que un biopic sobre una rutilante estrella del rock acabe bien no es lo habitual. Que esta haya sobrevivido a sus excesos sin ingresar en el famoso club de los 27 tampoco es frecuente y que además haya dado su aprobación a la película sobre su vida, es casi algo insólito.

Rocketman, la biografía cinematográfica de Elton John, llega en la temporada final de películas musicales estrenadas en los últimos tiempos de la mano de Dexter Fletcher, el responsable del penúltimo éxito de taquilla, la oscarizada Bohemian Rhapsody. Aunque, a estas alturas, el film corría el riesgo de convertirse en la cola de un cometa agonizante, la realidad es otra bien distinta. Es indudable que la figura de Elton John sigue conservando intacto su poder para atraer a las masas, cincuenta años después de su debut en el Londres de los años sesenta. Y su inminente y gozosa retirada de los escenarios resulta ser un argumento más que convincente para acudir a las salas, tanto para sus seguidores habituales como para aquellos que, por edad, no conocieron sus mejores tiempos.

→Trailer oficial de Rocketman. Fuente: YouTube.

 

El encargado de dar vida en la pantalla a semejante coloso de la música es Taron Egerton, un actor no demasiado conocido, que consigue estar a la altura de lo esperado. Siempre se agradece que la persona que encarna al ídolo sea capaz de cantar en un registro de voz suficiente para dar credibilidad a la historia. En este caso, Egerton, sin ser Elton John, da la talla, tanto a nivel vocal como interpretativo, superando el trance que supone participar en una película musical. Porque, no nos engañemos, Rocketman es una película de género. En ella hay numeritos musicales, bailes coreografiados y mucha psicodelia. Además de plumas, lentejuelas y glitter hasta decir basta.

→Taron Egerton interpreta el tema principal Rocket Man en la película homónima sobre la vida de Elton John. Fuente: YouTube.


El argumento, por manido que resulte, sirve para novelar con divertimento la complicada infancia y desenfrenada juventud de Elton John, aunque quizá pierda la oportunidad de retratar con mayor detalle el proceso de composición musical, así como una época social, el último cuarto del siglo XX, especial y dichosamente repleto de talentos artísticos y musicales que interactuaron con el cantante. Quizá la narración se centre demasiado en describir el ascenso y bajada a los infiernos de Reginald Kenneth Dwight, sin profundizar en otro tipo de relaciones que no sean las familiares y personales del cantante. De entre todas, bien cabe destacar la amistad indestructible con Bernie Taupin, su apreciado letrista, que, gracias a este nuevo revival, retoma ahora un merecido protagonismo.

Elton John y Bernie Taupin en los años setenta. Dcha., Taron Egerton (con gafas) y Jamie Bell interpretando a sendos personajes en Rocketman. Fuente: Internet. Cantante y letrista nunca trabajaron juntos en un mismo lugar. Taupin le enviaba a Elton John sus letras en primer lugar y a continuación este componía una melodía inspirada.

La historia, de corte circular (empieza y termina en la clínica de desintoxicación a la que acude Elton John), finaliza en 1983, con el regreso del cantante a los escenarios y la edición de Too Low For Zero, el exitoso álbum que supuso su reconciliación con Bernie Taupin y su reinvención musical junto a la que fuera su banda en los años setenta. La película se toma algunas licencias narrativas (en la vida real Elton John no fue a rehabilitación hasta 1990 y no tomó prestado su nombre de John Lennon, sino de otro cantante, Long John Baldry) y obvia las tres décadas posteriores, que, si bien no han representado lo mejor de la carrera del artista, sí son dignas de mención, sobre todo teniendo en cuenta que sir Elton John obtuvo un Oscar en 1995 (monopolizando las nominaciones a mejor canción con tres temas propios de la banda sonora de El Rey León).

→Vídeoclip de “I´m still standing”, tema perteneciente al álbum de Elton John, Too Low for Zero (1983). El rodaje tuvo lugar en Cannes y Niza (Francia). Fuente: YouTube. El vídeo es recreado en las escenas finales de Rocketman.


La película casi resulta extravagante por su final feliz, su alegría y su ingenuidad, aunque el drama y la desilusión se instalen inopinadamente en algunos momentos interpretativos clave. Como la vida de sir Elton John, todo un superviviente.

Valoración: 3,5 estrellas/5

+ info:

Cartel promocional de Rocketman. Fuente: Internet.

Rocketman se estrenó en España el 31 de mayo de 2019. Su director es Dexter Fletcher, el cineasta encargado de finalizar el rodaje de Bohemian Rhapsody, tras el despido de Bryan Singer. El film está protagonizado por Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden y Bryce Dallas Howard. Narra la vida del cantante Elton John en clave musical, desde que tenía ocho años hasta los 36 (43 en la vida real), cuando decide ingresar en una clínica de desintoxicación para superar sus adicciones al alcohol, el sexo y las drogas, tras décadas de descontrol, dudas sobre su orientación sexual y una profunda desafección familiar.

Elton John y Bernie Taupin grabaron un tema nuevo para la banda sonora original de Rocketman, (I´m gonna) Love me again. La canción, de inspiración sesentera y que suena en los títulos de crédito de la película, está interpretada a dúo por el propio Elton John y Taron Egerton.

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Exposición Amazonías (Arco 2019)

1 May

Últimos días, hasta el 5 de mayo

Autora: Samia Benaissa Pedriza

“Fidoma, el primer pintor” (2015), del artista peruano Rember Yahuarcani. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Resulta difícil definir el concepto de “Amazonía”, tanto como demarcar geográficamente un territorio compartido por el que no solo transcurre el río más largo de Latinoamérica sino también diversas culturas y modos de vida humana, animal y vegetal.

En esta ocasión es Perú el país invitado dentro de la programación de ArcoMadrid 2019 el que expone sus riquezas culturales según la particular visión de artistas de diverso origen y procedencia. La región amazónica, con sus conflictos territoriales, la lucha por la conservación del legado indígena y la protección del medioambiente sirven de inspiración para medio centenar de artistas de la colección del Museo de Arte de Lima, así como de otras privadas.

Algunas de las obras más recientes reflejan el sufrimiento de los pueblos indígenas por los abusos cometidos por los grupos terroristas que asaltaron la región durante los años ochenta. Enrique Casanto, expresa crudamente en “La década del terrorismo” (2018) las consecuencias de las masacres cometidas por organizaciones como Sendero Luminoso y el MRTA en los alrededores de Chachamayo y Satipo durante dos largas décadas.

“La década del terrorismo” (2018). Autor: Enrique Casanto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Otros autores centran su mirada en la mitología indígena y las leyendas ancestrales para elaborar composiciones propias y originales. Dimas Paredes Armas, chamán además de pintor, representa en “Cotomachaco” una yacumama, o boa mítica procedente de un mundo imaginario, inserta en el universo tropical del autor, a menudo también poblado por otros seres de leyenda como las sirenas, nacidas de las plantas.

“Cotomachaco” (2018). Autor: Dimas Paredes Armas. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

De izda. a dcha. “El hombre alacrán” (2011), “La araña” (2011), “El hombre cuerpo espín” (2011) y “La ayuda del Quirquincho” (2012), obras de Wilberto Casanto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Visión en espiral” (2011), de Roldán Pinedo. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Las expresiones audiovisuales de la Amazonía también tienen su espacio en performances electrónicas, así como representaciones visuales del cosmos plasmadas en soportes modernos como el papel fotográfico. La riqueza de colores y el contraste obtenidos mediante técnicas modernas de impresión contrastan con los de otras composiciones sobre el mismo tema elaboradas con materiales naturales y métodos tradicionales.

“Bosque anfibio I” (2015), de Musuk Nolte. La técnica empleada es la impresión por inyección de tinta sobre papel. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Cosmovisión Aimeni” (2012), del artista peruano Santiago Yahuarcani. El pintor empleó tintes naturales sobre corteza vegetal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“En el vientre” (2006), de Harry Chávez. Elaborado con cuentas de madera, ojos de gato y gemas de vidrio sobre aglomerado. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La Amazonía también es descrita desde distintas perspectivas en montajes fotográficos e instantáneas sobre la vida de sus habitantes, con toda su complejidad y belleza.

Obra sin título perteneciente a la serie “Los caucheros, Iquitos” (2014), de Juan Enrique Bedoya. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Sin título” (2010), de Morfi Jiménez. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Fotografía perteneciente a la serie “Shawis” (2008), del mexicano Musuk Nolte. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

→Vídeo. Exposición Amazonías. Fuente: Televisión Española.

→Hasta el 5 de mayo de 2019. Centro Cultural Matadero. Nave 16. Espacio: Centro de residencias artísticas. Paseo de la Chopera. 10. Madrid. Horario: martes a domingo y festivos de 11:00 a 20:00. Entrada libre.

Día del libro. Crítica de “Nuestras riquezas” (Kaouther Adimi)

23 Abr

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Portada de la novela de Kaouther Adimi, “Nuestras riquezas"

Portada de la novela de Kaouther Adimi, “Nuestras riquezas”, publicada por Libros del Asteroide (2017). Fuente: Internet.

“Jóvenes, por los jóvenes, para los jóvenes” es el slogan con el que Edmond Charlot, fundador de la librería “Les vraies richesses” (Las verdaderas riquezas) recibía a sus visitantes en 1936. El lema también podría inspirar alguna de las consignas que en los últimos tiempos viene lanzando la juventud argelina contra el caduco régimen político que gobierna el país desde hace más de dos décadas. Pero lo cierto es que el leit motiv que la escritora Kaouther Adimi recuperase del editor francés en su novela, “Nuestras riquezas”, carece de toda intención política.

El libro, de apenas 192 páginas, rinde homenaje a Edmond Charlot, un francés de la Argelia colonizada que decidió acondicionar una minúscula librería en un barrio popular de Argel y hacer que su amor por los libros y la literatura superase los avatares de una vida personal y política turbulenta.

La obra mezcla la narración de hechos reales (Edmond Charlot y su pequeña librería existieron en realidad) con otros ficticios, al tiempo que ilustra el modo de vida de una editorial independiente en un país con una exigua tradición literaria. A la competencia con las grandes casas de edición, las rencillas entre escritores y editores, la escasa difusión y los recursos e ingresos reducidos se suman las circunstancias propias de una época marcada por las grandes guerras y revoluciones del siglo XX (segunda guerra mundial, guerra de independencia argelina).

La librería “Les vraies richesses”(izda.), en la actualidad reconvertida en biblioteca municipal (Argel).

La librería “Les vraies richesses”(izda.), en la actualidad reconvertida en biblioteca municipal (Argel). Edmond Charlot tomó prestado el nombre de un texto de Jean Giono. Fuente: Internet.

Edmond Charlot no era un escritor frustrado, admitía que era incapaz de escribir una línea, pero en cambio, sí se reconocía a sí mismo el talento de descubrir una obra literaria o un autor relevante cuando lo leía (Albert Camus, Emmanuel Roblès, Henri Bosco). El traspaso de su amada librería a su hermano, la fundación de otra fallida en París y su triste retiro, casi ciego, en Francia se narran en primera persona a través de anotaciones de un imaginario diario personal que Adimi construye con tino. No en vano, la autora pasó un año buceando entre los archivos de Charlot para descubrir y conocer a la persona que después convertiría en un personaje carismático.

Interior de la librería “Les vraies richesses”, inaugurada en 1936

Interior de la librería “Les vraies richesses”, inaugurada en 1936 en la antigua calle Charras (actual calle Hamani) de Argel. Fuente: Internet.

El tono nostálgico de la novela recuerda en ocasiones a Patrick Modiano, un hecho que quizá sorprenda en una autora que apenas ha alcanzado la treintena. Sin embargo, la lectura no resulta tediosa gracias a la elección de un ritmo rápido y una narración corta que intercala los relatos en tiempo presente y pasado. La descripción de la historia de Argelia, en el principio de la novela, inevitablemente ligada a Francia y, posteriormente, desvinculada ya de ella, se ajusta bien a la realidad, sin incluir valoraciones políticas más allá de las necesarias, sin duda para dar protagonismo a una historia genuina de libros, autores y editores.

Prueba de ello es que Kaouther Adimi describe en su novela a una juventud argelina alejada de la historia y más interesada por el fútbol que por las cuestiones de orden político. Ryad, el joven estudiante de enseñanzas técnicas, representa el presente decadente de la literatura. Ryad es el antihéroe de 21 años (la misma edad con que Charlot fundó su librería) que con toda crudeza tira libros a la basura y que ni siquiera es capaz de reconocer a los autores que marcaron una época. También en ese contexto destaca el inquietante personaje de Abdallah, el gerente de la librería de Charlot cuando este retorna a Francia, que opera como como bisagra entre dos mundos opuestos.

Quizá se eche de menos en esta ficción centrada en hechos reales y su devenir histórico, la ausencia de anticipación sobre lo que en apenas dos años ocurriría en Argelia, ya que la decepcionante imagen de la juventud que pinta Adimi contrasta con las movilizaciones políticas que desde hace meses se suceden en todo el país exigiendo el fin del actual régimen. Los militares, que en la novela son descritos como héroes de la independencia y que posteriormente regresaron para pacificar el país tras la sangrienta guerra civil de los noventa, quedan desdibujados en la narración del presente. En este, Adimi solo refiere la figura fantasmal de un régimen que no significa nada para unos jóvenes que no vivieron la descolonización y que definitivamente han pasado la página del pasado más remoto.

+ info:

Cruce del bulevar Bodin y la calle Charras de Argel en los años cuarenta.

Cruce del bulevar Bodin y la calle Charras de Argel en los años cuarenta. Fuente: Internet.

→Argumento: Es 2017 y Ryad, un estudiante argelino de ingeniería en París se traslada a Argel para hacer unas prácticas académicas. Allí deberá vaciar el local de una antigua librería, “Les Vraies Richesses”, reconvertida en biblioteca nacional durante los años noventa, y que en breve pasará a ser una tienda de buñuelos. Ryad cumple su trabajo con desgana y nulo interés por los libros mientras es observado a distancia por Abdallah, quien fuera el gerente de la librería durante décadas. A través de sus recuerdos volverán a la vida un desconocido Albert Camus, quien publicará por primera vez sus escritos en “Les vraies richesses”, y los por entonces jóvenes y prometedores escritores Jean Giono, Max-Pol Fouchet y Jules Roy, entre otros.

 

El editor francés Edmond Charlot

El editor francés Edmond Charlot en la última etapa de su vida. Fuente: Internet.

→Edmond Charlot: nacido en Argel en 1915 de padres franceses, fue editor y fundador de la librería y modesta editorial “Les vraies richesses”. En 1939 editó en Argel el primer texto conocido de Albert Camus, titulado “Noces” (Nupcias). Nada más abrir las puertas de su librería decidió publicar a Federico García-Lorca, ejecutado durante los primeros meses de la guerra civil española.

Posteriormente editaría a otros autores que con el tiempo llegarían a alcanzar la fama y algunos de los cuales acabarían por abandonarle al finalizar la segunda guerra mundial, seducidos por las promesas de éxito y dinero de las grandes casas de edición francesas, contra las que Charlot no podía competir. Tras su etapa como editor ocupó diversos cargos públicos relacionados con la cultura en Turquía y Marruecos hasta su retiro y muerte en Béziers (Francia) en el año 2004.

 

La escritora argelina Kaouther Adimi.

La escritora argelina Kaouther Adimi. Fuente: Internet.

→Kaouther Adimi: nacida en Argel en 1986, “Nos richesses” (Nuestras riquezas) es su tercera novela publicada tras “L´envers des autres” (El reverso de los otros) y “Des pierres dans ma poche” (Piedras en mi bolsillo).

En el año 2006 ganó el premio “Joven escritor francófono” y en 2011 el “Premio literario de la vocación” por su primera novela publicada. Con la última consiguió ganar el prestigioso premio Renaudot des Lycéens y quedar finalista del Goncourt.

“Nos richesses”, escrita en lengua francesa, se publicó por “Editions du Seuil” en el año 2017 y en castellano por la editorial “Libros del Asteroide”.

La música de los Oscars 2019

25 Feb

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Lady Gaga y Bradley Cooper interpretan “Shallow” en la gala de los Oscars 2019.

Lady Gaga y Bradley Cooper interpretan “Shallow” en la gala de los Oscars 2019. Fuente: Internet.

La 91 edición de los premios Oscars pasará a la historia por ser una de las galas más musicales de los últimos tiempos. Bohemian Rhapsody, Ha nacido una estrella, Infiltrado en el KKKlan o Black Panther han ido dejando su particular huella musical desde el paseo de la fama hollywoodiense hasta el epicentro del Teatro Dolby de Los Ángeles, pasando por la popular alfombra roja de este año.

La magia de Queen

La apertura de la gala a cargo de la banda británica Queen (nunca será lo mismo sin Freddy Mercury) ya anunciaba el sabor y el color de una gala atípica, entre otras razones, por la ausencia de presentador principal.

→Apertura de la gala de los Oscars 2019 a cargo de la banda Queen. Adam Lambert interpreta las partes vocales de Freddy Mercury sobre el escenario. Fuente: Youtube.

Cuando surge un buen biopic (Bohemian Rhapsody) y una banda mítica resucita tras pasar una buena temporada entre la penumbra y el ostracismo, suelen ocurrir unas cuantas cosas. La primera y fundamental: las ventas de recopilatorios suben como la espuma. De hecho, en los últimos meses, Queen ha alcanzado el récord de canciones del siglo XX más vendidas en el XXI. Todo un hito en la era de los millenials y del reguetón. Porque recordemos que Queen es una banda de rock con mayúsculas y Freddy Mercury uno de los vocalistas más versátiles que se conocen. Carisma aparte.

Escena de “Bohemian Rhapsody”

Escena de “Bohemian Rhapsody” protagonizada por Rami Malek (en el centro), ganador del Oscar 2019 en la categoría de mejor actor. Fuente: Internet.

La segunda es que los fans de la banda, entrados ya en años, pueden volver a escuchar la banda sonora de su adolescencia sin pasar vergüenza. Más allá del clásico “We will rock you” (abrasado en los estadios), si vuelve a sonar “Keep yourself alive” o “I´m in love with my car” en la radio es que todo va bien. Aunque quizá sea pedir demasiado. Quizá valdría con que se escuchase algo de “Radio Gaga”. Por cierto que Lady Gaga debe su nombre artístico al título de esa canción.

La tercera, ya no es tan emotiva ni tan grata. Y es que ver cómo han envejecido los supervivientes de una banda admirada no sienta nada bien. Presenciar como sustituyen al líder del grupo por una versión más joven recién salida de un concurso de talentos, tampoco contribuye a mantener viva la leyenda. Y al final, solo queda conformarse y agradecer los efímeros quince minutos de gloria asociados a la promoción de la película que han permitido revivir tiempos mejores. Pero menos es nada.

El guitarrista de Queen, Brian May (izq.) junto a Rami Malek y Roger Taylor (batería).

El guitarrista de Queen, Brian May (izq.) junto a Rami Malek y Roger Taylor (batería). Fuente: @QueenWillRock.

Lady Gaga y su buena estrella

Stefani Joanne Angelina Germanotta, más conocida por Lady Gaga, lleva unos años en racha. Con independencia del estilo musical al que se dedique, se trata, posiblemente, de una de las escasísimas cantantes con verdadero talento vocal e interpretativo que han surgido en el nuevo milenio. La “dama” no le hace ascos a nada y ha cantado ya con los más grandes artistas de la música contemporánea: The Rolling Stones, Metallica, Sting, Madonna, Tony Bennett o Elton John son solo algunos de los más relevantes.

Su carrera como actriz no ha hecho más que empezar, pero justo es reconocer su competencia interpretativa. Que sea una recién llegada no le ha sentado bien a algunos miembros del gremio (léase, Leonardo Di Caprio). Pero es más que probable que Lady Gaga siga apareciendo con regularidad en las pequeñas o grandes pantallas del nuevo séptimo arte. No sería la primera ni la última vez que una artista hiciera doblete. Ahí están Judy Garland, Barbra Streisand, Cher o Jennifer López.

Paradójicamente, Lady Gaga resulta infinitamente más natural delante de una cámara que ante un micrófono. El personaje que ha construido es extravagante y excesivo en su particular expresión artística, pero es capaz de abandonarlo cuando se le pide y mostrar una sorprendente habilidad para encarnar a personas radicalmente opuestas.

→Lady Gaga interpreta Always remember us this way en Ha nacido una estrella. Fuente: Youtube.

Lady Gaga ya ganó en 2016 un Globo de Oro por su primera participación en la serie American Horror Story (Hotel) y en su segunda incursión en el mundo de la interpretación ha sido nominada al Óscar a la mejor actriz principal. Dos de dos. Ni Glenn Close con tres nominaciones fallidas, ni Amy Adams con seis este año, alcanzan ese registro. Aunque, mucho ha ayudado la calidad del proyecto en que se ha embarcado junto a Bradley Cooper.

Lady Gaga en American Horror Story

Lady Gaga se puso en la piel de “La condesa”, un papel hecho a medida, en la quinta temporada de la serie American Horror Story. Fuente: Internet.

El remake de Ha nacido una estrella prometía ser un fiasco, o como mínimo, una película anodina. Y, sin embargo, sus creadores han conseguido convertir a la película en una de las historias más conmovedoras y vibrantes de su género, ya de por sí difícil de asimilar por el público palomitero. Pero la taquilla hizo pleno, al igual que con Bohemian Rhapsody.

La interpretación de Shallow, a dúo entre Lady Gaga y Bradley Cooper (otro actor cuyo talento se empeñaba en permanecer oculto hasta hace poco), ya se ha convertido en viral. Preparémonos para verla hasta la saciedad porque reúne todos los ingredientes para ello: aparente intimidad robada, sensibilidad a flor de piel y gran química entre los protagonistas (por opuestos que parezcan).

Shallow, tema ganador del premio a la mejor canción original, interpretado en la gala de los Oscars 2019. Fuente: Youtube.

El poder de la música

Durante la gala de los Oscars 2019 también se reconoció el valor de otros estilos musicales como el hip hop o la música negra de los setenta (soul y funk). Black Panther (Pantera Negra) se alzó merecidamente con el premio a la mejor banda sonora frente a competidoras como If Beale Street could talk, Inflitrado en el KKKlan, El (inquietante) Regreso de Mary Poppins o la película de animación, Isla de Perros.

Pray For Me, de la banda sonora de Black Panther, interpretado por The Weeknd y Kendrick Lamar. Fuente: Youtube.

+info:

Ganadores de los Premios Oscars 2019 en las categorías musicales:

→Mejor canción original: Shallow (Ha nacido una estrella). Autores: Lady Gaga, Mark Daniel Ronson, Anthony Rossomando y Andrew Wyatt.

→Mejor banda sonora: Black Panther. Ludwig Göransson.

→Mejor sonido: Bohemian Rhapsody. John Casali, Tim Cavagin y Paul Massey.

→Mejor edición de sonido: Bohemian Rhapsody. Nina Hartstone y John Warhurst.

Las películas musicales Bohemian Rhapsody y Ha nacido una estrella fueron ambas nominadas en la categoría de mejor película.

Estatuilla de los premios Oscar.

Estatuilla de los premios Oscar. Fuente: Internet.

El año Rembrandt

31 Ene

350 aniversario del fallecimiento de Rembrandt

“Dánae”, óleo sobre lienzo pintado por Rembrandt en 1636.

“Dánae”, óleo sobre lienzo pintado por Rembrandt en 1636. Fuente: Internet (dominio público). Se conserva en el Museo Hermitage de San Petersburgo y representa una escena de la mitología griega. Acrisio encerró a su hija Dánae en una torre de bronce para evitar que su futuro hijo, Perseo, le asesinase, según la profecía de un oráculo.

En el año de Rembrandt vuelven a salir a la luz muchas curiosidades sobre la vida y obra del artista holandés desaparecido en 1669. El museo Fries de Leeuwarden ha sido el primero en inaugurar una larga lista de celebraciones que se sucederán a lo largo de 2019 en distintos países. A la muestra inspirada en el matrimonio del pintor con Saskia van Uylenburgh, le sigue la exposición del Mauritshuis de La Haya, donde se conserva La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp, el primer retrato colectivo que Rembrandt pintó a los 26 años.

“La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp”

“La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp”, pintada por Rembrandt en 1632. Fuente: Internet (dominio público).

La escena representa una lección de anatomía a cargo del doctor Nicolaes Tulp, un renombrado cirujano de la época. El cadáver pertenece a un criminal de 41 ejecutado ese mismo día por haber cometido un delito de robo a mano armada.

Por su parte, el Rijksmuseum de Ámsterdam, poseedor del mayor legado del pintor barroco, ha decidido exponer al público los trabajos de restauración de su obra más emblemática, La Ronda de Noche. Aunque, a pesar de los esfuerzos, no se podrá recuperar la parte del cuadro recortada en 1715 por decisión del ayuntamiento de la ciudad.

La Noche de Ronda

Aspecto de “La Ronda de Noche” de Rembrandt, antes de la mutilación sufrida en 1715. Fuente: Wikipedia. Dominio público.

En el cuadro aparecen representados en primer plano el capitán Coq, el teniente Willem van Ruytenburg -un rico comerciante de la ciudad-, así como otros burgueses que pagaron 100 florines de la época para figurar en el cuadro. A pesar del título por el que se conoce la obra desde el siglo XIX, se retrata una escena diurna en la que una milicia formada por ciudadanos se prepara para hacer su ronda. Fueron la degradación de las pinturas y barnices originales los que dieron a la composición ese tono apagado. Una restauración realizada en 1947 detectó el error.

La obra es un retrato colectivo realizado por encargo, en el que Rembrandt se aparta de las formalidades del género, dotando a sus personajes de una gran viveza gracias al dominio del color y del claroscuro. Características propias de los retratos individuales de la burguesía y de la realeza por los que el artista era muy conocido y apreciado.

Retrato de Nicolaes Ruts pintado por Rembrandt en1631.

Retrato de Nicolaes Ruts pintado por Rembrandt en1631. Fuente: Internet.

Retrato de Johannes Wtenbogaert, pintado por Rembrandt en 1633.

Retrato de Johannes Wtenbogaert, pintado por Rembrandt en 1633. Fuente: Internet.

Quizá en un intento por recuperar el espíritu de Rembrandt en la actualidad, el proyecto The Next Rembrandt, recreó un retrato inspirado en las técnicas del pintor. El óleo fue ideado con técnicas de inteligencia artificial e impreso en 3D, aunque según los críticos especializados, no es capaz de transmitir la expresividad de los personajes retratados por el artista más reconocido del barroco holandés.

Retrato creado por inteligencia artificial inspirado en las técnicas de Rembrandt. Representa a un personaje burgués del siglo XVII originario del norte de Europa. Fuente: Internet.

Retrato creado por inteligencia artificial inspirado en las técnicas de Rembrandt. Representa a un personaje burgués del siglo XVII originario del norte de Europa. Fuente: Fundación Telefónica.

Pintura inspirada en la obra de Rembrandt creada mediante IA (detalle).

Pintura inspirada en la obra de Rembrandt creada mediante IA (detalle). Fuente: Internet.

Foto. Retrato del empresario Martin Looten, pintado por Rembrandt en 1632.

Retrato del empresario Martin Looten, pintado por Rembrandt en 1632. Fuente: Internet.

Sin duda, la obra no será incluida en el proyecto Rembrandt (1968-2014), una relación de la totalidad de las obras atribuidas al pintor y que han sido analizadas para distinguir los originales de las copias realizadas por aprendices.

“El jinete polaco”. Obra finalmente atribuida a Rembrandt y no al pintor Willem Drostv por el proyecto Rembrandt. Dominio público.

“El jinete polaco”. Obra finalmente atribuida a Rembrandt y no al pintor Willem Drostv por el proyecto Rembrandt. Dominio público.

“El hombre con yelmo dorado”. Retrato inicialmente atribuido a Rembrandt cuya autoría ha sido finalmente descartada. Dominio público.

“El hombre con yelmo dorado”. Retrato inicialmente atribuido a Rembrandt cuya autoría ha sido finalmente descartada. Dominio público.

+ info:

Autorretrato de Rembrandt. Fuente: Internet.

Autorretrato de Rembrandt. Fuente: Internet.

Rembrant Harmenszoon van Rijn: El artista nació en Leiden (Países Bajos), el 15 de julio de 1606, en el seno de una familia acomodada, aunque no relacionada con el arte (su padre era molinero). Con veinte años ya realizaba retratos y pronto destacó en el arte de representar a los miembros más destacados de la sociedad holandesa del siglo XVII. Sin embargo, se dio a conocer primero por sus grabados, cuya delicadeza traspasó fronteras. Los retratos de nobles y burgueses, singulares y realistas fueron otra de sus señas de identidad, junto a los paisajes y la representación de escenas bíblicas. Su gran maestría del claroscuro, le ponen a la altura de otros genios del barroco europeo como Diego de Velázquez o Caravaggio. Falleció el 4 de octubre de 1669 en Ámsterdam.

“La Ronda de Noche” en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Fuente: Internet.

“La Ronda de Noche” en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Fuente: Internet.

La Ronda de Noche (1642), la obra más relevante de Rembrandt, tiene un título original mucho más largo: La compañía militar del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytenburg. Fue un encargo de la Corporación municipal de Arcabuceros de Ámsterdam al pintor. En 1715 la obra fue trasladada al ayuntamiento de la ciudad y al no caber en la sala que se tenía destinada para su exposición se ordenó recortar una parte. Se perdieron la zona superior del cuadro y tres personajes del lateral izquierdo que nunca han podido ser recuperados. El óleo, propiedad del ayuntamiento de Ámsterdam, mide en la actualidad 3,79 metros de largo por 4,54 de alto y pesa 170 kilos.

La pieza fue rasgada con un cuchillo en dos ocasiones (1911 y 1975) y dañada con ácido clorhídrico en 1990. Sus trabajos de restauración comenzarán en julio de 2019 y tendrán un coste de tres millones de euros.

The Next Rembrandt es un proyecto científico participado por la Universidad Técnica de Delft, los museos Mauritshuis y Rembrandthuis, Microsoft e ING. Puesto en marcha en 2015, su objetivo era crear una pintura basada en los temas y técnicas empleadas por Rembrandt. Para ello se estudiaron 168.263 fragmentos de 346 óleos pintados por el artista que proporcionasen datos sobre la composición, las proporciones faciales o el uso de la luz y las sombras, entre otros factores. El resultado fue el retrato de un varón caucásico de entre 30 y 40 años con vello facial y mirada a la derecha del cuadro. Para imitar la textura del óleo se empleó una impresora 3D con 13 capas de tinta ultravioleta.

Poema Aube. Victor Hugo

24 Dic

Felices fiestas desde Blogosphera

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Amanecer en invierno.

Amanecer en invierno. Fuente: Internet.

→Poema Aube, de Victor Hugo. Incluido en el capítulo IV, La religion est glorifiée, del recopilatorio Les Châtiments (1853):

Un immense frisson émeut la plaine obscure.

C’est l’heure où Pythagore, Hésiode, Epicure,

Songeaient ; c’est l’heure où, las d’avoir, toute la nuit,

Contemplé l’azur sombre et l’étoile qui luit,

Pleins d’horreur, s’endormaient les pâtres de Chaldée.

Là-bas, la chute d’eau, de mille plis ridée,

Brille, comme dans l’ombre un manteau de satin

Sur l’horizon lugubre apparaît le matin,

Face rose qui rit avec des dents de perles

Le boeuf rêve et mugit, les bouvreuils et les merles

Et les geais querelleurs sifflent, et dans les bois

On entend s’éveiller confusément les voix;

Les moutons hors de l’ombre, à travers les bourrées,

Font bondir au soleil leurs toisons éclairées;

Et la jeune dormeuse, entrouvrant son oeil noir,

Fraîche, et ses coudes blancs sortis hors du peignoir,

Cherche de son pied nu sa pantoufle chinoise.

 

Louange à Dieu! toujours, après la nuit sournoise,

Agitant sur les monts la rose et le genêt,

La nature superbe et tranquille renaît;

L’aube éveille le nid à l’heure accoutumée,

Le chaume dresse au vent sa plume de fumée,

Le rayon, flèche d’or, perce l’âpre forêt;

Et plutôt qu’arrêter le soleil, on ferait

Sensibles à l’honneur et pour le bien fougueuses

Les âmes de Baroche et de Troplong, ces gueuses!

Amanecer.

Amanecer. Fuente: Internet.

Traducción libre (por Samia Benaissa Pedriza):

Un inmenso escalofrío remueve la llanura oscura.

Es la hora en que Pitágoras, Hesíodo y Epicuro

Soñaban; Es la hora en que, cansados de haber contemplado,

Toda la noche, el azur sombrío y la estrella brillante,

Llenos de horror dormían los pastores de Caldea.

Allí, la cascada, arrugada por mil pliegues,

Brilla, como un manto de satén en la oscuridad;

Sobre el horizonte lúgubre aparece el día,

Rostro rosado que ríe con dientes de perlas;

El buey sueña y brama, los camachuelos y los mirlos

Y los grajos cantan, y en los bosques,

Se escucha el despertar confuso de las voces;

Las ovejas, lejos de la sombra, entre matorrales,

Relucen su pelaje claro bajo el sol,

Y la joven durmiente, entornando su ojo negro,

Fresca, y con los codos blancos sobresaliendo de la bata,

Busca con el pie descalzo su pantufla china.

 

¡Alabado sea Dios! Siempre, tras la noche soterrada,

Agitando sobre los montes la rosa y la retama,

La naturaleza soberbia y tranquila renace;

El amanecer despierta el nido a la hora acostumbrada,

La paja lanza al viento su pluma de humo,

El rayo, flecha de oro, atraviesa el áspero bosque;

Y antes que detener el sol, mudaríamos en

Honorables y buenas las fogosas

Almas de Baroche y de Troplong, ¡esas andrajosas!

 

+ info:

El escritor Victor Hugo en 1876.

El escritor Victor Hugo en 1876. Autor: Étienne Carjat. Dominio público.

El poeta y escritor Victor Hugo terminó de escribir Aube en Jersey (Reino Unido), el 28 de abril de 1853.

El poema vincula la religión católica con la espiritualidad de la naturaleza. En Aube menciona a tres filósofos griegos de la naturaleza: Pitágoras, Hesíodo y Epicuro. También se refiere a la región de Caldea, que en la Biblia dio lugar a la formación de la casta sacerdotal de magos y astrónomos de los caldeanos.

El poema pertenece al capítulo IV, La religión glorificada, de Los Castigos. Este capítulo es de los pocos en que Victor Hugo no carga las tintas en su crítica contra las instituciones del Estado francés y napoleónico del siglo XIX. Según el escritor, la religión católica, para él una fe verdadera, estaba siendo vilipendiada por sus defensores, y por ello solo confiaba en la justicia divina.

Jules Baroche fue presidente del Consejo de Ministros francés en 1853. Raymond Théodore Troplong fue un ilustre jurista francés, autor de un libro sobre la influencia del cristianismo en el derecho civil romano y de múltiples obras sobre la relación entre el derecho y la filosofía. Legitimó el golpe de estado de Napoleón III.

Cuando Los castigos se publicaron en 1853, apenas tuvieron éxito. Las duras críticas políticas que Victor Hugo incluyó en la obra no superaron la censura de la época: poseer o difundir el libro estaba castigado con penas de cárcel. Fue, de facto, un libro desconocido. Hubo que esperar hasta 1870, en otro contexto político de crisis, para que la obra obtuviese una repercusión y aceptación social sin precedentes.

Parecidos razonables. Raphael vs. Jim Morrison

8 Dic

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El cantante Raphael y el front man de The Doors, Jim Morrison (dcha.)

El cantante Raphael y el front man de The Doors, Jim Morrison (dcha.). Fuente: Internet.

El año1943 fue un período especialmente prolífico para la historia de la música. Y no porque en aquel año se editaran éxitos memorables sino porque llegaron al mundo dos figuras especialmente relevantes: Jim Morrison y Raphael. Histriónicos y carismáticos, morfológicamente, podrían ser dos caras de una misma moneda, el doble rostro de Jano o Narciso y su reflejo. Aunque subjetiva y artísticamente hablando, pertenezcan a galaxias muy lejanas (o quizás, no tanto):

→Raphael

Nombre completo: Miguel Rafael Martos Sánchez. Raphael es su nombre artístico. Cambió la grafía de su nombre a -ph- inspirado por la denominación de su primera discográfica (Philips Records).

Fecha de nacimiento: Raphael nació el 5 de mayo de 1943 en Linares (Jaén, España) en el seno de una familia de clase humilde de cuatro hermanos. Raphael, el tercer hijo de una ama de casa y un obrero de la construcción de la España franquista, pronto se trasladó a Madrid con su familia. Allí, siendo un niño, destacó por sus aptitudes vocales, primero en un coro religioso y posteriormente, a los nueve años, en Festival de escolanías infantiles de Salzburgo (Austria), que ganó.

Profesión: Cantante de canción melódica y pop. Actor protagonista en teatro y películas musicales.

Trayectoria: A principio de los años sesenta, y tras participar en multitud de concursos radiofónicos, Raphael consiguió firmar su primer contrato discográfico. Por aquella época también conoció a Manuel Alejandro, un músico desconocido, que se convertiría con el tiempo en su productor de cabecera. Su triunfo en el festival de Benidorm le permitió adquirir relevancia nacional. Y en 1965 sacaría al mercado “Raphael canta la navidad”, un disco temático que incluía el célebre villancico del tamborilero, un imprescindible de sus galas anuales en la televisión pública española. En 1966, “El niño de Linares” representó a España en el festival de Eurovisión y actuó en su primera película musical.

A partir de 1967 su carrera despegó internacionalmente, tras una nueva participación en Eurovisión y su actuación en El show de Ed Sullivan. Raphael, convertido ya en un icono, ha seguido encadenando giras, discos y películas hasta la actualidad. Pasado el bache artístico de los setenta, en el año 2000 protagonizó el musical Dr. Jekyll y Mr. Hide con gran éxito de público y crítica. Tras su última reinvención musical, representa ahora una figura esencial para los fans de la música indie.

Vida privada: En 1972 Raphael contrajo matrimonio con la aristócrata y periodista Natalia Figueroa, con quien tiene tres hijos. La boda, celebrada en secreto en Venecia por la oposición de la familia de la novia, ocasionó un gran revuelo mediático.

A mediados de los años ochenta, en plena resurrección musical, el cantante contrajo una hepatitis B agravada por un elevado consumo de alcohol durante las giras. La enfermedad derivó en una cirrosis hepática y fue necesario someter al cantante a un trasplante de hígado en el año 2003. A partir de esa fecha, el artista asegura estar viviendo una segunda vida.

Está de actualidad por: la edición de su último trabajo discográfico, Raphael REsinphónico (2018), en el que ha vuelto a grabar sus grandes éxitos con una orquesta sinfónica incorporando música electrónica. Además, Raphael vuelve a estar de exitosa gira mundial con esta última producción.

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Los cantantes Raphael (izda.) y Jim Morrison.

Los cantantes Raphael (izda.) y Jim Morrison. Fuente: Internet.

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→Jim Morrison

Nombre completo: James Douglas Morrison.

Fecha de nacimiento: Jim Morrison nació el 8 de diciembre de 1943 en Melbourne (Florida, EE.UU.) en uno de los destinos provisionales de su padre, un almirante de la Marina estadounidense. Morrison fue el primer hijo de una familia acomodada de tres hermanos, aunque las desavenencias con su estricto progenitor hicieron que pronto cortara los lazos con su familia. El artista falleció el 3 de julio de 1971, en París, a causa de un paro cardíaco, probablemente relacionado con el consumo de estupefacientes.

Profesión: cantante, compositor y poeta. Jim Morrison se graduó en cinematografía en la Universidad de California (UCLA) en 1965.

Trayectoria: el histórico encuentro entre Jim Morrison y Ray Manzarek en la playa de Venice en el verano de 1965 dio lugar a la creación de una de las bandas más relevantes de la historia del rock. The Doors, así nombrados en honor a un ensayo de Aldous Huxley, editaron seis discos de estudios y un directo antes del fallecimiento de su cantante en 1971. Morrison fue el creador de las letras y poemas musicalizados que posteriormente interpretaba de forma tan teatral en el escenario. El cantante fue el inventor del crowd surfing (salto desde el escenario al foso ocupado por el público de las primeras filas) y The Doors son considerados los padres del rock psicodélico.

En vida, Jim Morrison publicó dos libros de poemas (The Lords y The New Creatures), claramente influenciados por la generación beat y la imaginería de los poetas franceses del siglo XIX. Tras su muerte se publicaron otros dos volúmenes inéditos de poesía, Wilderness y The American Night. En 1969 rodó una película documental, HWY, an American Pastoral, protagonizada por él mismo, al tiempo que The Doors componían L´America para la banda sonora de un film de Antonioni (Zabriskie Point), que finalmente no llegó a incluirse. Siempre vinculado al séptimo arte, Morrison también participó como actor secundario en producciones cinematográficas de los años sesenta. Aunque su verdadera vocación era la literatura.

Tras acordar un parón indefinido con su banda, en 1971 decidió instalarse en París para escribir poesía y escapar del escándalo generado por la presunta exposición de sus genitales durante un concierto en Miami. Morrison había apelado su condena a seis meses de trabajos forzados cuando falleció inesperadamente.

Vida privada: Jim Morrison experimentó con todo tipo de drogas, a excepción de las duras, ya que padecía belonefobia (pánico a las agujas). Sus mayores adicciones fueron al alcohol y a la cocaína. Su carácter introvertido y al mismo tiempo provocador generaron todo tipo de anécdotas, como sus primeras actuaciones de espaldas al público o sus temibles caídas de las cornisas de los hoteles, por las que solía pasear, a menudo en estado de embriaguez.

Jim Morrison fue el sex-symbol de una generación y sus affaires fueron múltiples, aunque el cantante decidió compartir oficialmente su ajetreada vida sentimental con Pamela Courson, una estudiante de arte a la que conoció en su etapa universitaria. A Pamela, su “compañera cósmica”, le dedicó un buen puñado de canciones y la nombró heredera universal de su fortuna. Sin embargo, Courson, fallecida por sobredosis en 1974, vivió sus últimos días sin apenas recursos, ya que la familia de Morrison impugnó el testamento. En la actualidad, los bienes y derechos de autor de Jim Morrison se reparten entre las dos familias.

Está de actualidad por: en el año 2018 los seguidores de Jim Morrison celebran el que hubiera sido el 75 aniversario del nacimiento del cantante. En 2017, los miembros supervivientes de The Doors celebraron en Venice (California) los 50 años transcurridos desde la edición del primer álbum de la banda, el homónimo y transgresor, The Doors.

Diferencias y semejanzas

Raphael (izda.) y Jim Morrison en 1967.

Raphael (izda.) y Jim Morrison en 1967. Fuente: Internet.

Resulta sorprendente descubrir el parecido físico que existe entre el Raphael de los años sesenta y Jim Morrison, líder y compositor de The Doors. Nacer el mismo año es ya una coincidencia, dedicarse a la misma profesión también añade puntos y padecer el mismo tipo de adicción (aunque en etapas diferentes de su vida) no deja de ser significativo.

El éxito internacional de Raphael le llevó hasta El Show de Ed Sullivan, el programa de variedades del domingo por la tarde más visto en Estados Unidos. The Doors también fueron invitados, pero mientras Raphael cantó lo que le pidieron hasta en tres idiomas diferentes, la banda de rock más potente del país decidió cambiar el guion. El resultado fue muy diferente ya que Raphael volvió dos veces más, pero The Doors fueron censurados por la cadena tras negarse a cambiar la letra de Light my fire. El responsable directo: Jim Morrison.

La teatralidad también es un rasgo muy presente en la manera de interpretar de Raphael y Jim Morrison. Pero también se aprecian diferencias, puesto que las danzas chamánicas de Jim Morrison poco tienen que ver con el amaneramiento de Raphael, que en su día dio lugar a rumores sobre su homosexualidad. Algo negado por el cantante y opuesto a la realidad de una vida sentimental estable junto a la que es su esposa desde hace más de cuarenta años.

Resulta tentador preguntarse qué hubiera sido de la carrera de Jim Morrison si aún siguiera vivo. Surgen dudas sobre si habría logrado mantener el nivel de repercusión que Raphael ha alcanzado en España y Latinoamérica. Un hito que muy pocos artistas de su generación han conseguido. Pero sí se puede imaginar como sería su aspecto físico con 75 años: seguro que muy, muy parecido al de Raphael.

Perfil. Joël Dicker, escritor

27 Nov

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El escritor suizo, Joël Dicker.

El escritor suizo, Joël Dicker. Fuente: Internet.

El estreno de la miniserie La verdad sobre el caso Harry Quebert y la publicación del último éxito literario de la temporada, La desaparición de Stephanie Mailer, han vuelto a poner el foco sobre el novelista Joël Dicker. El autor, que ha dejado de ser un neófito, reclama ahora su sitio en el universo de las adaptaciones cinematográficas.

Adaptación televisiva de “La verdad sobre el caso Harry Quebert”

La adaptación televisiva de “La verdad sobre el caso Harry Quebert”, protagonizada por el actor Patrick Dempsey. Fuente: Internet.

Treinta tres años pueden dar para mucho o para muy poco. De Joël Dicker, un niño criado en Ginebra entre libros y amor por la literatura, puede decirse que ha empleado bien su tiempo. No porque haya generado una prolija obra artística, ni porque lograse grandes hitos académicos o personales. Sino, más bien, porque Dicker ha sabido ser constante, perseverante y jugar muy bien sus cartas.

Con escasa vocación para los estudios, Dicker eligió graduarse en Derecho, una carrera que prácticamente no ha ejercido, mientras daba sus primeros pasos en el mundo de la escritura. Tuvo que escribir seis novelas antes de que una editorial decidiese tomarle en serio. La decisión de escribir en francés fue todo un acierto. En primer lugar, porque Dicker procede de la región francófona de Suiza, pero, sobre todo, porque esta sería la mejor manera de introducirse en el prestigioso entorno literario parisino.

Postularse para varios premios literarios fue su forma de llamar la atención. Su primera novela, Los últimos días de nuestros padres, ganó en 2010 el premio de los escritores de Ginebra (Prix des écrivains genevois), un año después de que fuese escrita. Ninguna editorial había querido publicarla.

Vladimir Dimitrijevic, un editor suizo, decidió entonces sacarla al mercado, aunque su repentino fallecimiento provocó que el proceso se retasara hasta el año 2012. En el ínterin y sin desanimarse, Dicker, siguió escribiendo el que sería el mayor éxito de su carrera hasta la fecha: La verdad sobre el caso Harry Quebert, una novela con rasgos policíacos ambientada en el estado de Maine (Estados Unidos), el lugar donde el autor pasaba los veranos de su infancia.

Con esta última novela Dicker ganó su segundo galardón literario y el primero de renombre, el Gran Prix du roman de l´Académie française. También con ella iniciaría una provechosa relación comercial con su nuevo editor, Bernard de Fallois, al que conoció cuando este tenía 85 años y estaba a punto de cerrar su editorial. Puede decirse que Dicker ha sido el último autor de éxito publicado por de Fallois, ya que, quien fuera editor de Marcel Pagnol o Georges Simenon, falleció a principios de 2018, a los 91 años de edad.

Joël Dicker y su editor, Bernard de Fallois.

Joël Dicker y su editor, Bernard de Fallois. Fuente: Facebook de Joël Dicker.

Bernard de Fallois posiblemente descubrió el interés que despertaría en los lectores el joven Dicker empleando un método infalible y muy personal: si visualizando un episodio de Colombo, el manuscrito a prueba le enganchaba hasta el punto de no querer saber cómo terminaba el capítulo televisivo, es que la historia merecía ser publicada.

A de Fallois le dedica Joël Dicker su última novela, La desaparición de Stephanie Mailer, una novela a la que el escritor ha dedicado tres años de su vida. Un período de tiempo similar al empleado para dar forma a sus anteriores obras, todas convertidas en un éxito de ventas, a pesar de la opinión de algunos críticos.

Lo cierto es que La verdad sobre el caso Harry Quebert comienza de una manera brillante, pero también lo es que va perdiendo fuerza a medida que avanza la trama y el perfil de algunos personajes se diluye en ella. El libro de los Baltimore (2015), que recupera al personaje de Marcus Goldberg, constituye una mejora, aunque La desaparición de Stephanie Mailer (2018) transita peligrosamente por la senda de los relatos corales que no conducen a ninguna parte. Como reconoce el propio autor: “El proceso creativo es un ejercicio que estoy empezando a manejar bien ahora pero cada vez que vuelvo a escribir estoy solo frente a mi página y soy el único que puede resolver las preguntas.” (El diario.es, 24.11.2018)

Portadas de “El libro de los Baltimore” y “La desaparición de Stephanie Mailer”

Portadas de “El libro de los Baltimore” y “La desaparición de Stephanie Mailer” publicadas en francés. Fuente: Internet.

Es incuestionable que Dicker ha encontrado el modo de suscitar una inmensa expectación cada vez que publica de nuevo. Y no es Joël Dicker un autor que tienda a repetir la misma fórmula que le encumbró en su primera novela: “Como autor no quiero escribir lo mismo una y otra vez. Quieres probar, arriesgar, hacer cosas diferentes. Podría haber escrito un libro igual a los anteriores, sin la mitad de los personajes. Pero no se trata de eso.” (Zendalibros.com, 15.07.2018).

Tampoco le gusta ser clasificado dentro del género negro, porque en sus historias hay crímenes, pero su resolución no es el elemento central: “Me gusta la investigación no en el sentido policiaco, sino en el sentido de descubrir o perseguir cosas que permanecían ocultas. Pensar constantemente en cómo se desarrolla la investigación y sus detalles o giros te permite escapar mentalmente. Te convierte en parte de la historia. Eso es algo que disfruto muchísimo como autor.” (Zendalibros.com, 15.07.2018)

A Joël Dicker, como a su colega Fred Vargas, no le gusta recibir etiquetas calificativas de un género que, hasta hace relativamente poco, era considerado el hermano menor y poco agraciado de la literatura. La saturación de títulos de novela policíaca y polar en el mercado, quizá haya ha contribuido a su actual desprestigio. Algo que no parece haber ahuyentado a las productoras audiovisuales, siempre en busca del último éxito comercial adaptable a la pequeña o gran pantalla.

En el caso de Joël Dicker fueron los casi tres millones de ejemplares vendidos de La verdad sobre el caso Harry Quebert lo que convenció a la Metro Golden Mayer. El proyecto presentado por Jean Jacques Annaud fue el elegido por Dicker y de Fallois entre un centenar de propuestas.  El escritor se sintió tan cómodo con el director de El oso (1988) o El nombre de la rosa (1986) que incluso participó como actor en la adaptación televisiva.

El gustillo de Dicker por la interpretación venía de lejos, cuando con tan solo 19 años decidió trasladarse a París para estudiar interpretación. Aunque pronto descubrió que aquello no era lo suyo, ahí quedan sus cameos en los dos primeros episodios de la serie, jugando al Black Jack junto a Marcus Goldman, de figurante en la universidad y, finalmente, encarnando a un policía.

Escena de la miniserie “La Verdad sobre el caso Harry Quebert”.

Escena de la miniserie “La Verdad sobre el caso Harry Quebert”. Fuente: Internet.

En la serie “La verdad sobre el caso Harry Quebert”, un escritor es acusado del asesinato de la joven de 15 años, Nola Kellergan.

En la serie “La verdad sobre el caso Harry Quebert”, un escritor es acusado del asesinato de la joven de 15 años, Nola Kellergan. Fuente: Internet.

Annaud reconoció que Dicker fue muy amable y discreto durante el rodaje, y que no pretendió inmiscuirse en la grabación, al contrario que otros autores de éxito. Cuando Annaud leyó el libro que más tarde adaptaría, se dio cuenta de que la complejidad de la trama no se sostendría en un mero largometraje. De ahí su idea de producir una serie de diez capítulos en la que, esta vez sí, los personajes quedarían mejor definidos que en el original. Aunque los paisajes de Maine están presentes en la serie, la mayor parte de las localizaciones se rodaron en Canadá, con el beneplácito de Dicker.

Imagen del rodaje de la miniserie “La verdad sobre el caso Harry Quebert”. A la izq., de pie, el director Jean Jacques Annaud.

Imagen del rodaje de la miniserie “La verdad sobre el caso Harry Quebert”. A la izq., de pie, el director Jean Jacques Annaud. Fuente: Internet.

Con su última novela aún caliente en las librerías, Joël Dicker afirma que ahora mismo no retomaría la convivencia con sus personajes, pero sí que anda dándole vueltas a nuevas ideas. “Una vez que tienes el tiempo, tienes que preguntarte por qué continúas escribiendo, cuál es la razón. Muchas veces no escribo para ver si tengo el mono de escribir.” (ABC, 09.08.2018)

Ciertamente, esa necesidad imperiosa de relatar dará lugar a una nueva novela de Joël Dicker, aunque será, muy probablemente, dentro de tres años.

+ info:

Joël Dicker en la Feria del Libro de Madrid (2017).

Joël Dicker en la Feria del Libro de Madrid (2017). Fuente: Internet.

Joël Dicker (16 de junio de 1985) es el segundo hijo de una familia de cuatro hermanos, residente en Ginebra (Suiza). Su madre, bibliotecaria, y su padre, profesor de literatura, le inocularon el virus de la escritura en su más tierna infancia.

Dicker se graduó en Derecho por la Universidad de Ginebra en el año 2010, aunque solo llegó a trabajar temporalmente en el Parlamento constitucional de Ginebra antes de dedicarse plenamente a la literatura. Presentó su primer relato, El Tigre, a un concurso literario, aunque los jueces descartaron premiarlo por no creer que había sido realmente escrito por Dicker. Pensaron que un autor de 19 años no podía haber escrito una historia tan buena. Finalmente, El Tigre, obtuvo el Premio internacional para jóvenes autores francófonos.

Dicker se declara admirador de Philip Roth y del escritor francés Romain Gary.

Crítica de cine. Todos lo saben

8 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

La calma que precede a la tormenta en la película “Todos lo saben”, de Asghar Farhadi (2018).

La calma que precede a la tormenta en la película “Todos lo saben”, de Asghar Farhadi (2018). Fuente: Internet.

Una de las peores cosas que le puede suceder a un cineasta es ser juzgado siempre por el mismo rasero. Desgraciadamente, al director iraní Asghar Farhadi, ganador de dos Oscars de Hollywood le ha pasado con Todos lo saben. Tras los éxitos de Nader y Simín, una separación y El viajante, su última película estrenada en el festival de Cannes, ha sido observada bajo el prisma de los prejuicios y de las falsas expectativas.

En “Todos los saben”, Laura (Penélope Cruz) se reúne con su familia española para celebrar la boda de su hermana pequeña (Inma Cuesta).

En “Todos los saben”, Laura (Penélope Cruz) se reúne con su familia española para celebrar la boda de su hermana pequeña (Inma Cuesta). Fuente: Internet.

En el pueblo, Laura se reencuentra Paco, con un antiguo amor de juventud.

En el pueblo, Laura se reencuentra con Paco, con un antiguo amor de juventud. Fuente: Internet.

Por separado, el film ha sido catalogado como un drama, una película de misterio y hasta un thriller psicológico. Lo que indica la dificultad, no solo para definir el género del metraje sino también su naturaleza. Indudablemente, Todos lo saben funciona mejor como drama que como thriller. A la película le sobra talento actoral pero Farhadi, también guionista del film, falla a la hora de encajar con precisión las piezas del puzle. Hacia el final, el espectador termina aletargado por una sucesión de hechos que no parecen conducir a ninguna parte hasta que por fin se resuelve la trama (de una manera un tanto abrupta y, todo hay que decirlo, bastante simplista).

→Tráiler oficial de Todos lo saben. Fuente: YouTube:

A pesar de ello, la película se disfruta más como una tragedia clásica, adaptada al contexto de la España rural y profunda, con personajes típicos y conflictos familiares atemporales. La escenografía oscila entre una película de Hitchcock (inmejorable el inicio del film, con esos pájaros revoloteando en el reloj de un campanario) y los paisajes de La Mancha, más propios de una película de Pedro Almodóvar. El propio Farhadi afirma que se inspiró en las obras de Carlos Saura, Alejandro Amenábar y el propio Almodóvar para realizar su película (aunque estos se parezcan entre sí como un huevo a una castaña).

Primeros planos de “Todos lo saben”.

Primeros planos de “Todos lo saben”. Fuente: Internet.

Paco (Javier Bardem), un modesto viticultor, lidera la búsqueda de Irene, la hija adolescente de Laura (Penélope Cruz), desaparecida durante la boda de su tía.

Paco (Javier Bardem), un modesto viticultor, lidera la búsqueda de Irene, la hija adolescente de Laura (Penélope Cruz), desaparecida durante la boda de su tía. Fuente: Internet.

La tensión aumenta y los acontecimientos se suceden en escenarios agrestes.

La tensión aumenta y los acontecimientos se suceden en escenarios agrestes. Fuente: Internet.

Las complejas relaciones que se tejen entre los miembros de una misma familia, así como las que se crean con otras personas de su entorno más cercano son el hilo conductor del film, mucho más que las (falsas) pistas que se puedan ir dejando para descubrir el misterio en que se basa el argumento. En esta ocasión, Farhadi ha querido pintar un cuadro de familia universal y explorar los distintos modos de reaccionar ante una misma tragedia.

En la familia de Laura todos resultan ser sospechosos de la desaparición de Irene.

En la familia de Laura todos resultan ser sospechosos de la desaparición de Irene. Fuente: Internet.

Laura y su marido (Ricardo Darín) también ocultan secretos familiares.

Laura y su marido (Ricardo Darín) también ocultan secretos familiares. Fuente: Internet.

Según el director, no existen grandes diferencias entre el arquetipo de familia iraní y la española. De ahí que se haya atrevido a rodar una historia escrita por él mismo en un idioma (el persa) y rodada en otro (español), a pesar de las dificultades del lenguaje. No es la primera vez que el iraní rueda en un idioma extranjero (El pasado fue rodada en francés) y posiblemente tampoco sea esta la última. Sin embargo, sí se aprecian diferencias en la expresividad de los personajes que sienten miedo, rencor o dolor de una forma menos sutil en esta película en relación con otras anteriores, y que debe ser interpretado en clave positiva. Porque los actores –principales y secundarios- resultan más creíbles para el público hispano en esta historia de secretos y conflictos familiares no resueltos.

Laura sufre un ataque de ansiedad en presencia de Paco.

Laura sufre un ataque de ansiedad en presencia de Paco. Fuente: Internet.

El matrimonio de Paco también sufrirá las consecuencias de la tragedia.

El matrimonio de Paco también sufrirá las consecuencias de la tragedia. Fuente: Internet.

Si el espectador se centra en el drama y no tanto en resolver quien y porqué ha podido cometer el acto vil que da inicio a la historia, podrá comprender mejor el sentido de esta nueva película de Asghar Farhadi. Todos lo saben, a pesar de ser indudablemente marca de la casa, es una película original que no tiene porqué seguir la senda exacta de las anteriores.

Valoración: 3/5 estrellas.

+ info:

Cartel de “Todos lo saben”.

Cartel de “Todos lo saben”. Fuente: Internet.

Todos lo saben es una película escrita y dirigida por Asghar Farhadi, estrenada en la 71 edición del Festival de Cannes. El film, una coproducción italo hispano francesa, se estrenó en cines comerciales el 14 de septiembre de 2018 en España. La película está protagonizada por Penélope Cruz, Javier Bardem y Ricardo Darín, en sus papeles estelares. Les acompañan secundarios de lujo como Eduard Fernández, Bárbara Lennie, Elvira Mínguez e Inma Cuesta. Duración: 132 minutos.

Argumento: Laura (Penélope Cruz) viaja a España desde Argentina para asistir a la boda de su hermana. Le acompañan sus dos hijos: Felipe, un niño de corta edad, e Irene, una adolescente rebelde que desaparece inesperadamente en medio de la noche, durante la celebración familiar. La búsqueda de la joven desencadena un potente drama con revelación de secretos familiares incluido, que cambiará las vidas de los protagonistas.

Making of de Todos lo saben. Fuente: YouTube:

Los enemigos de la cultura

9 Sep

Conectados

Semana del 03 al 09 de septiembre de 2018

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El museo nacional de Río de Janeiro y los escarpines escarlatas de Judy Garland.

El museo nacional de Río de Janeiro en llamas y los escarpines escarlatas de Judy Garland recuperados por la policía. Fuente: Internet.

A Luzia la encontraron muerta en Brasil en 1975. Lo extraordinario es que muriese dos veces: la primera por causas violentas hace 12.000 años y la segunda en el incendio del museo nacional de Río de Janeiro. Porque los restos de la mujer más antigua de América Latina han quedado definitivamente calcinados por las llamas. Junto a ella han perecido 20 millones de piezas arqueológicas, tesoros paleontológicos y colecciones indígenas con dos siglos de historia.

Tradicionalmente, la ignorancia y el poder han sido los grandes adversarios de la cultura. El patrimonio cultural de los pueblos vencidos ha supuesto un botín de guerra para los ganadores desde el inicio de los conflictos armados. Y la destrucción de los signos de identidad de una civilización sometida es un símbolo máximo de supremacía y de autoridad. La biblioteca de Alejandría, fundada por los Ptolomeos y, en su tiempo, la más grande del mundo, fue incendiada por los romanos en su senda de dominación. Más recientemente, el sectarismo de las guerras en Siria e Iraq ha mermado irremediablemente el acervo milenario de las culturas de Oriente Medio.

Pero también la desidia y la codicia pueden ser ángeles exterminadores. El incendio del museo nacional de Río de Janeiro es solo un signo más de los tiempos. Las causas del incendio apuntan a una negligencia, ocasionada por la escasez de fondos públicos dedicados a su mantenimiento. Lo que conduce a pensar que en el siglo XXI, a la cultura no solo la amenazan enemigos harto conocidos, sino también la pobreza material y espiritual de sus guardianes. Solo 100.000 euros han sido los culpables de que se perdieran siglos de historia acumulada del continente americano.

La apetencia por el dinero también está detrás de la pérdida y reciente recuperación de otro tesoro cultural, esta vez de índole cinematográfica. Quizá para compensar tanta tragedia, el mundo del séptimo arte recuperaba estos días un icono dado por perdido por varias generaciones de espectadores. El par de escarpines escarlatas que Judy Garland llevara en la célebre película “El mago de Oz” en 1939 han podido ser recuperados, trece años después de que fuesen robados del museo dedicado a la actriz en Minnesota.

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