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Directo de Bryan Adams en Madrid

11 Dic

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bryan Adams y su banda en el concierto del WiZink Center en Madrid. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Habrá que comenzar a creer en la máxima de que “los viejos roqueros nunca mueren” si nos atenemos a la excelente forma física de Bryan Adams, sus potentes directos y una extensa carrera artística que abarca casi cuatro décadas sobre los escenarios. El célebre canadiense regaló a sus fans españoles los cinco últimos conciertos de su Shine a Light Tour antes del parón navideño. Un regalo de Reyes anticipado para muchos de los asistentes a los que el frío de la noche de Madrid no iba a arredrar lo más mínimo.

Para algunos era la primera vez que el elegido “artista de la década de los 90” visitaba su ciudad (Murcia); otros tuvieron que esperar hasta tres largos años para repetir cita (Madrid). Por eso, quizá llame la atención la sorpresa del artista ante la cálida acogida de su público: “¿Qué hacéis aquí un lunes? ¿No tenéis que levantaros a las 6:00 para ir a trabajar mañana?”, preguntaba Bryan Adams a los asistentes del concierto de Madrid. “¡Sois maravillosos!”, gritaba exultante ante una audiencia entregada desde el minuto uno.

On the road again

La nueva gira de Bryan Adams toma el nombre de su decimocuarto álbum, Shine a Light, un trabajo por el que el cantante de Ontario probablemente no recibirá un premio Grammy pero que tampoco defraudará a sus más fieles seguidores. “The last night on earth”, con el que dio comienzo el concierto en Madrid, y el single “Shine a Light” fueron las únicas aportaciones del más inmediato presente musical de Bryan Adams.

→ “Shine a Light” (2019). Fuente: YouTube.

Todo en la escenografía invitaba a conocer el nuevo trabajo, incluida una portada animada del disco (¿alguien esperaba ver a un mefistofélico Bryan Adams comerse literalmente una mosca ante 15.000 almas descarriadas?), pero lo cierto es que aquello duró poco. Enseguida comenzó un festival de grandes éxitos, salpicados por clásicos del rock and roll de los cincuenta y peticiones espontáneas del público (pocos artistas están en disposición de improvisar cualquier canción de su repertorio sin ensayar previamente).

Una parada de autobús en una calle lluviosa y desierta (reproducción del vídeo de “Shine a Light”) amenizaba la espera hacia las 21.00, hora prevista para el inicio del concierto en el WiZink Center. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

A las 21.20 Bryan Adams y su banda saltaban al escenario. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Directo de “Can´t stop this Thing We Started” en Madrid. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El clásico “Heaven” fue coreado por los 15.000 asistentes del WiZink Center. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Genio y figura

Parece mentira que aquel chaval tan rubio y energético que se diera a conocer en los maravillosos años ochenta, acabe de cumplir sesenta añazos. Por aquel entonces, tener que compartir firmamento con estrellas de la talla de Madonna, Prince o Michael Jackson puede que le restase algo de protagonismo. Pero la sucesión de éxitos cosechados en los ochenta y, sobre todo, en los años noventa, ha contribuido a consolidar una carrera estratégicamente bien llevada hasta el día de hoy.

Bryan Adams en directo en los ochenta y en la actualidad. Fuente: Internet.

Posiblemente solo Bruce Springsteen sea capaz de igualar en la actualidad las condiciones físicas y vocales de las que hace gala Bryan Adams en sus directos. Misma voz, misma energía y una capacidad innata para conectar con el público: “Hola, me llamo Bryan. Soy cantante por las noches”, le soltó hilarante y a modo de presentación al respetable. “¿Es tu novia o tu hija?”, le espetó más tarde a un asistente de las primeras filas.

No podía faltar “18 Till I Die”. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Back to You”, rock clásico en estado puro. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

→ “Go Down Rockin´”subió el nivel de decibelios del WiZink Center. Fuente: YouTube.

El público del concierto de Madrid, cuya media de edad rondaba los cuarenta años, pertenece a una generación que musicalmente se crio entre ídolos del pop y del rock. Bryan Adams era uno de ellos y Jorge Gutiérrez, un fan acérrimo, se propuso tocar con su ídolo en aquella ocasión única. Lo sorprendente es que Bryan Adams le dejara subirse al escenario y tocar con su banda ante los vítores de los asistentes. Y es que a veces, los dioses acceden a bajar del Olimpo para contentar a los mortales. Hace falta tan poco.

→Jorge Gutiérrez utilizó una pancarta para pedirle a Bryan Adams que le dejase tocar la guitarra en el escenario. El cantante accedió a su petición en “The only thing that looks good on me is you”. Fuente: YouTube.

El príncipe del pop-rock

Buena parte de las canciones que el público esperaba escuchar fueron en su día éxitos comerciales, incluidos temas de películas como Robin Hood, Príncipe de los Ladrones (1991) o Los Tres Mosqueteros (1993). “Heaven”, “Summer of ´69” o “It´s only love” (cantada en su día junto a Tina Turner, a quien Adams amagó con presentar de forma estelar –sus tomaduras de pelo a la audiencia rayaban a esas alturas el club de la comedia-) son solo una pequeña muestra.

→ “It´s only love” (sin Tina Turner, felizmente retirada en Suiza). Fuente: YouTube.

→“Summer of ´69” posiblemente sea la canción más emblemática de Bryan Adams. Fuente: YouTube.

Inevitablemente se coló alguna que otra horterada (“Have you ever really loved a woman”, perteneciente a la banda sonora de la película Don Juan de Marco, por mucho Paco de Lucía que tocase), y un fallo de afinación rápidamente corregido (en “Run to you”).

“Here I am” gana enteros en directo (fue single de la B.S.O. de la película de animación “Spirit”, 2002). Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Bryan Adams demostró que sigue siendo solvente tanto en los temas más cañeros como en los cantados a capella. Un hombre y una guitarra (y a veces una armónica) es lo único que se necesita para emocionar a un público entregado. La parte acústica del concierto fue una de las delicias del menú que precedían el postre. “Lonely nights” (un tema que Adams recordó con nostalgia haber compuesto con solo 18 años), “House arrest”, “There will be another tonight” y “When you love someone” se tocaron por expreso deseo del público.

→ “Somebody” tampoco podía faltar en el concierto de Madrid. Fuente: YouTube.

→(Every Thing I Do) I Do it for You (tema principal de la película Robin Hood, Príncipe de los Ladrones). Fuente: YouTube.

El tramo final del concierto dio paso a las grandes baladas marca de la casa (“Straigh from the heart” hizo soltar alguna lagrimilla a más de uno) y a una personalísima versión de “Whiskey in the Jar”, una canción tradicional irlandesa que popularizaron Thin Lizzy primero y posteriormente Metallica en los noventa. Es justo reconocer que la de Adams supera a las anteriores.

“Straight from the heart” se incluyó en el último tramo del concierto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

→“When you love someone”, casi puso punto y final al concierto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

All For Love, tema principal de Los Tres Mosqueteros, con el que Bryan Adams cierra todos sus conciertos. Fuente: YouTube.

Bella panorámica de Bryan Adams despidiéndose de sus fans. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

  • Fecha: 9 de diciembre de 2019
  • Lugar: WiZink Center. Madrid
  • Inicio: 21:20. Fin: 23:30
  • Duración: 2 horas y 10 minutos

Shine a Light Tour 2019-2020. Fuente: Internet.

Setlist: 1. The Last Night on Earth. 2 Can´t Stop This Thing We Started. 3. Run to You. 4. Shine a Light. 5. Heaven. 6. Go Down Rockin´. 7. It´s Only Love. 8. Cloud #9. 9. You Belong to Me (versión del clásico de 1952 de Pee Wee King, Chilton Price y Redd Stewart). 10. Have you Ever Really Loved a Woman. 11. Here I Am. 12. When You´re Gone. 13. (Every Thing I do) I Do It for You. 14. Back to You. 15. The Only Thing that Looks Good on Me is You. 16. Cuts Like a Knife. 17. 18 Till I Die. 18. House Arrest. 19. There Will Never Be Another Tonight. 20. Lonely Nights. 21. Please Forgive Me. 22. Summer of ´69. 23. Somebody. 24. I Fought the Law (versión de The Cricketts). 25. Whiskey in a Jar (canción tradicional irlandesa). 26. Straight from the Heart. 27. When You Love Someone. 28. All for Love.

→Un porcentaje del precio de las entradas de los conciertos de Bryan Adams durante la gira Shine a Light irá destinado a plantar un árbol y luchar contra la deforestación de los bosques. En la iniciativa colabora la empresa de logística DHL.

→La banda que acompaña a Bryan Adams incluye a miembros que llevan con él desde el inicio de su carrera en los años ochenta. En la actualidad, se suben cada noche al escenario: Keith Scott (guitarra), Solomon Walker (bajo), Mickey Curry (batería) y Gary Breit (teclados).

Imagen de la gira “Shine a Light” de Bryan Adams. Fuente: Internet.

Los únicos nubarrones que sobrevolaron los conciertos de Bryan Adams en España (y en el resto de países de la gira) fueron las exigencias impuestas a la prensa gráfica para fotografiar al artista. Ningún medio podía publicar fotografías que no fuesen planos medios y sin una autorización previa aprobada por correo electrónico. Tampoco se permitía modificar las imágenes una vez autorizadas. En la práctica, esto supuso que ningún medio pudo publicar ni editar imágenes del concierto tras su celebración inmediata.

Original o copia. The Beatles vs. Joe Cocker

18 Nov

Autora: Samia Benaissa Pedriza

The Beatles vestidos para la portada del Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band. A la dcha., Joe Cocker a finales de los años sesenta. Fuente: Internet.

Resulta chocante y hasta algo humillante que un desconocido cantante local haga una versión del grupo más exitoso de Gran Bretaña y supere con creces al original solo un año después de haber sido editado. El famoso grupo eran The Beatles, el ignoto vocalista, Joe Cocker, y el año, 1968.

Pocos meses después, With a Little Help from my Friends se convirtió en todo un himno blues-rock para la juventud congregada en el Festival de Woodstock durante el mágico verano de 1969. Aquella histórica cita musical significó el principio de una larga carrera para Joe Cocker que incluyó abundantes versiones originales personalizadas por el artista. The Beatles quedaron tan satisfechos con la versión de With a Little Help from my Friends que permitieron a Cocker hacer dos versiones más de sus temas: She Came in Through the Bathroom Window y Something.

→The Beatles. With a Little Help from my Friends (1967). Fuente: YouTube.

→Mismo tema interpretado por Paul McCartney y Ringo Starr en el año 2009. Fuente: YouTube.


→Joe Cocker. With a Little Help from my Friends (1968). Versión de The Beatles interpretada en el Festival de Woodstock (agosto de 1969). Fuente: YouTube.

 

Valoración

El tema que The Beatles grabaron para el álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band no deja de ser una canción ligera de pop. El grupo decidió que la cantase Ringo Starr, con los coros del resto de la banda de acompañamiento, pero nunca alcanzó altas posiciones en las listas de éxitos. La versión de Joe Cocker sí llego al número uno en la UK Singles Chart en el momento de su lanzamiento y permaneció en ella otras treinta semanas más. El tema que arregló Joe Cocker puede considerarse casi un tema nuevo, debido a la profunda transformación de su ritmo y estructura. Cocker lo convirtió en un temazo blues-rock, lento y dramático en su expresión vocal, que además resultaba espectacular cuando el británico lo interpretaba con sus espasmódicos movimientos en el escenario.

+ info:

With a Little Help from my Friends es el tema que Ringo Starr interpreta antes de la despedida en todos sus conciertos en solitario. El exbeatle tuvo problemas para cantar la nota final más alta de la canción en el momento de ser grabada en 1967. Paul McCartney tuvo que guiarle para conseguir una buena afinación.

With a Little Help from my Friends fue el último tema del álbum de The Beatles, Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band (1967) y pudo llamarse Bad Finger Boogie, su título provisional, porque John Lennon se lesionó el dedo índice derecho y la compuso al piano sin poder utilizarlo.

La autoría de la canción se atribuye a Paul McCartney y John Lennon, aunque fue McCartney quien aportó la melodía inicial.

La versión de Joe Cocker se incluyó dentro de su álbum de debut With a Little Help from my Friends (1969) y en la introducción contó con partes de guitarra tocadas por Jimmy Page, del famoso grupo de rock Led Zeppelin.

La versión de Cocker sirvió de sintonía a la popular serie de televisión Aquellos maravillosos años (The Wonder Years), emitida durante los años ochenta y noventa.

With a Little Help from my Friends ha sido versionada más de cincuenta veces por artistas de la talla de Barba Streisand, Santana, The Beach Boys, Bon Jovi, Wet Wet Wet (alcanzaron el número uno en la lista británica de singles en 1988) y Sam &Mark (lo lograron en 2004).

El origen de los grandes nombres del rock (II)

21 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El rock de los años setenta, ochenta y noventa. Fuente: Internet.

Los setenta y los ochenta fueron años diametralmente opuestos en términos musicales y muchas de las bandas que surgieron en la penúltima década de esplendor del rock bebieron de las fuentes del pasado, dando lugar al nacimiento de canciones que con el paso del tiempo se han convertido en nuevos clásicos del género.

Pero, ¿de dónde surgió la inspiración de los padres de esos temas míticos, empezando por su denominación primaria? El universo rock sigue sus propios tiempos y no siempre surge antes el huevo que la gallina, por lo que algunos de los grandes nombres del rock brotaron de las mentes de sus creadores algo después de haber comenzado a rodar por la ladera del éxito y la fama. Otros, fueron el producto de la megalomanía de sus líderes y el resto, simplemente, decidió confiar en la (buena) suerte y abrazar su destino.

Queen

Los integrantes de Queen en la década de los ochenta. Fuente: Internet.

Queen no siempre fueron Queen. En 1968, eran simplemente “Smile” y Freddy Mercury no había llegado aún a la todavía desconocida formación británica. Cuando lo hizo revolucionó todo: la música, las composiciones y hasta el nombre de la formación. En 1970 el célebre cantante de los dientes grandes propuso a sus recién estrenados compañeros de grupo cambiarse el nombre a “Queen”, un apelativo “muy real, fuerte, universal e inmediato”. A Roger Taylor, el batería y “enfant terrible” de la banda le pareció bien, aunque no tanto al guitarrista Brian May. Entre los nombres que la banda barajaba también se encontraban “Build your own Boat” (inspirado en una trilogía literaria) y “The Rich Kids”. Pero fue Mercury quien se llevó el gato al agua con su propuesta, “a pesar de ser consciente de las connotaciones gay” (Mercury dixit).

Kiss

La actual formación de Kiss. De izda. a dcha., Gene Simmons, Tommy Thayer,  Eric Singer y Paul Stanley. El batería Peter Criss falleció en 1991. Fuente: Internet.

Hubo que esperar hasta enero de 1973 para que los cuatro roqueros más extravagantes de la escena musical acordasen su famoso nombre. Por aquel entonces la formación acababa de encontrar a su cuarto miembro, el guitarrista Ace Frehley y estaba buscando como llamar (aún más) la atención del público. Fue durante un viaje en coche a Nueva York cuando a Paul Stanley (cantante) se le ocurrió la idea. Dado que Peter Criss (batería) había estado en una banda llamada “Lips”, “Kiss” parecía ser el siguiente paso más lógico. A Gene Simmons (bajo) y a Peter Criss les pareció bien y así comenzó su historia. Por cierto, la banda niega que Kiss sea el acrónimo de “Kids In Service of Satan (Chicos al servicio de Satán), un rumor que inconvenientemente hicieron circular los detractores más puritanos de la banda.

AC/DC

AC/DC en su formación más estable antes del fallecimiento de Malcom Young (guitarrista) y la retirada forzosa de Brian Johnson (cantante). Fuente: Internet.

La autoría del calificativo AC/DC no está clara porque ni los propios miembros del grupo se ponen de acuerdo. Cuando en 1973 los hermanos Young decidieron formar un grupo de rock en la Australia de los años setenta y buscarle un nombre, no lo tenían muy claro. Se dice que fue Margaret la hermana de los Young quien les dio la idea. En su máquina de coser aparecía escrito “AC/DC”, que alude a la corriente alterna/continua que alimenta a los aparatos eléctricos, algo muy en consonancia con el tipo de música que estaban creando Malcolm y Angus Young. También los hermanos han comentado que fue Sandra, su cuñada, a quien se le ocurrió el nombre en realidad. De cualquier modo, lo que no esperaban ninguno es que fuesen confundidos con una banda de bisexuales, ya que “AC/DC” hace alusión a esa condición en la jerga LGTB. El grupo negó tajantemente tener esa orientación sexual.

U2

Los irlandeses U2 en la actualidad. Fuente: Internet.

En 1976 cuatro adolescentes dublineses, compañeros de instituto, decidieron formar una banda de rock. Comenzaron llamándose Feedback y al año siguiente eran The Hype. En los inicios, solo tocaban versiones de The Beatles y The Rolling Stones pero cuando empezaron a tener cierto éxito recurrieron a Steve Averill, un cantante local quien luego se encargaría de diseñar todos los álbumes de la banda. El músico les propuso nombres como “Flying Tigers”, “The Blazers” o “U2”. Fue este último el que la banda decidió adoptar provisionalmente, ante la ausencia de algo mejor. Bono admite que buscaban diferenciarse del resto desesperadamente y la elección del nombre definitivo de la banda se les estaba resistiendo. Lo que comenzó siendo una apuesta ligera acabó convirtiéndose en un peso pesado, tanto como el avión espía norteamericano Lockheed U2 derribado en 1960 por los rusos en el contexto de la Guerra Fría que inspiró el nombre de la banda.

Bon Jovi

La formación original de la mítica banda de New Jersey, Bon Jovi, en los años ochenta. Fuente: Internet.

Bon Jovi no surgió realmente como grupo, sino que es el resultado de un contrato que Polygram firmó con John Bongiovi, un joven americano de ascendencia italiana, en el año 1983. Bongiovi aprovechó que su primo trabajaba en unos estudios de Nueva York para emplearse como conserje en el local y grabar gratis sus primeras maquetas. Cuando “Runaway” se convirtió en un éxito, la discográfica decidió contratarle inmediatamente. El grupo surgiría después y fue el propio cantante el que eligió a sus miembros: su compañero de instituto David Raschbaum (más conocido por David Bryan), Alec John Such, Tico Torres y Richie Sambora. Estaba más que claro que el nombre de la banda sería presidencialista: Bon Jovi, una adaptación del apellido de su fundador y líder, John Bongiovi.

Guns ´n´ Roses

Los cinco integrantes originales de Guns ´n´Roses en los años ochenta. Fuente: Internet.

La banda angelina es un refrito de varias bandas, así como el resultado de las idas y venidas de sus miembros entre ellas a principio de los años ochenta. Guns ´n ´Roses aúna a los integrantes de los Hollywood Rose (liderados por el cantante Axl Rose) y los L.A. Guns (liderados por el guitarrista Tracii Guns). El nombre, adoptado en 1985, es producto de una decisión democrática, facilona y sorprendente, teniendo en cuenta las desavenencias que pronto surgieron entre los miembros originales y que dieron lugar a una serie de sustituciones y purgas hasta llegar a la mítica formación de cinco miembros que alcanzó el estrellato a mediados de los ochenta: Axl Rose, Saul Hudson (Slash), Duff McKagan, Izzy Stradlin y Steven Adler. Una década después, la banda se desintegraría, quedándose Axl Rose con los derechos de uso del nombre de la formación hasta su histórica y esperada reunión en el año 2017.

Nirvana

La última formación de Nirvana en los primeros años noventa. Fuente: Internet.

En el caso de Nirvana, el nombre de la banda también obedece a una decisión personal de su líder, Kurt Cobain. Para el futuro icono del grunge, el término, procedente del sánscrito representaba bien lo que su música quería expresar: “la liberación del sufrimiento y del mundo exterior”. Además, el hecho de aludir a un sentimiento tranquilo ayudaría a significarse en el universo punk, plagado de bandas con nombres agresivos. Pero Cobain no lo debía tener tan claro en 1987 cuando fundó su grupo junto al bajista Krist Novoselic y el batería Aaron Burckhard. En los primeros meses se llamaron Fecal Matter, Skid Row (ya había otra banda de rock famosa con ese nombre actuando por el mundo), Pen Cap Chew, Bliss y Ted Ed Fred. Con la llegada en 1990 del nuevo batería Dave Grohl, la banda comenzó a funcionar definitivamente como Nirvana hasta el fallecimiento de Cobain en 1994.

Pearl Jam

La banda de Seattle, Pearl Jam, en la actualidad. Fuente: Internet.

Pearl Jam, surgió de la desintegración de una popular banda de la escena independiente de Seattle a finales de los años ochenta. En 1990, dos de los exintegrantes de Mother Love Bone fundaron un nuevo grupo al que le faltaba un cantante tan carismático como el malogrado Andrew Wood. Eddie Vedder no era tan extravertido como este, pero sí satisfizo las necesidades musicales de Jeff Ament, Stone Gossard y Mike McCready, guitarrista recién reclutado. Comenzaron a tocar como “Mookie Blaylock”, el nombre real de un jugador de baloncesto de la NBA pero su discográfica, Epi Records, les aconsejó cambiarlo para evitar problemas legales. Consideraron llamarse “Pearl”, pero no convencidos del todo siguieron buscando un nuevo nombre. Fue tras un concierto de Neil Young cuando Ament propuso la expresión “Pearl Jam”, que aludía a las sesiones de música improvisada (jams) a las que acababan de asistir.

La leyenda urbana sobre el origen de “Pearl Jam” (una mermelada a base de peyote elaborada por la abuela de Eddie Vedder) es solo una broma gastada por su cantante.

Parecidos razonables. Bono (U2), entre Robin Williams y el Conde Duque de Olivares

11 Ago

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El cantante Bono (U2) junto al retrato del Conde Duque de Olivares pintado por Diego Velázquez y el actor Robin Williams. Fuentes: Internet.

Más de tres siglos separan las vidas del cantante de U2, del actor Robin Williams y del noble español Gaspar de Guzmán. Pero es el arte y no el tiempo el que ha unido los destinos de tres hombres que, por su parecido físico, podrían pertenecer a una misma familia de descendientes, aunque con orígenes y trayectorias muy distintas.

Bono

→Nombre completo: Paul David Hewson (Bono es su nombre artístico, inspirado en el nombre de una tienda de aparatos para tratar la sordera (Bonavox) de Dublín. El apodo se lo puso un amigo por el alto volumen al que solía cantar en su primera banda, The Lipton Village).

→Fecha de nacimiento: Bono nació el 10 de mayo de 1960 en Dublín (Irlanda) en el seno de una familia de clase media compuesta por sus padres (un católico y una protestante), el pequeño Paul y su hermano mayor. La madre del cantante falleció a consecuencia de un aneurisma cuando este contaba catorce años de edad, un hecho que marcó significativamente su vida y su carrera musical.

→Profesión: cantante, músico y compositor de la banda de rock U2 desde 1976.

→Trayectoria: Bono ha formado parte de la formación original de U2 desde sus inicios. Es el cantante principal del grupo, aunque también toca la guitarra rítmica y la armónica. Con U2, Bono ha ganado veintidós premios Grammy y dos Globos de Oro.

→Vida privada: Desde 1999, Bono se ha destacado públicamente por su lucha contra la pobreza y la desigualdad económica entre países, lo que le ha valido tres nominaciones al Premio Nobel de la Paz (2003, 2005 y 2006). Está casado con su novia del instituto Alison Stewart desde 1982 y tiene cuatro hijos mayores.

→Está de actualidad por: el descubrimiento de dos canciones inéditas de U2 interpretadas en directo en agosto de 1979 en Dublín (In your hand y Concentration Cramp) y la publicación en redes sociales de una nota manuscrita por el cantante anunciando el paso de la gira The Joshua Tree 2019 por Manila. Es la primera vez que U2 tocarán en Filipinas (diciembre de 2019).

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Robin Williams

→Nombre completo:  Robin McLaurin Williams

→Fecha de nacimiento: el actor nació el 21 de julio de 1951 en la ciudad de Chicago (EE.UU.) y falleció el 11 de agosto de 2014 en su casa de California. Robin Williams formó parte de una familia económicamente solvente de cinco miembros (sus padres, un ejecutivo de la industria automovilística y una modelo, y tres hermanos varones).

→Profesión: actor profesional y actor de doblaje desde 1976.

→Trayectoria: Robin Williams inició estudios de ciencias políticas en la universidad, aunque pronto los abandonó por la interpretación. Fue alumno de la prestigiosa escuela de actores Juilliard School, en Nueva York. Su carrera alcanzó la cumbre a finales de los años ochenta y durante la década de los noventa gracias a películas como Good Morning Vietnam, El club de los poetas muertos o la popular comedia Mrs. Doubtfire. Williams ganó el Oscar al mejor actor de reparto por su interpretación de un carismático profesor universitario en El Increíble Will Hunting (1997). También obtuvo cinco Globos de Oro como actor de cine y televisión, dos premios Emmy por interpretaciones musicales y tres premios Grammy por su participación en el mejor álbum de comedia de los años 1987, 1989 y 2003.

→Vida privada: el actor admitió haber tenido problemas de adicción a las drogas y el alcohol durante sus inicios como actor y en 2006 cuando ingresó en una clínica de desintoxicación. Robin Williams estuvo casado en tres ocasiones y tuvo tres hijos. Llamó Zelda Rae a la hija nacida de su segundo matrimonio en honor al videojuego La leyenda de Zelda, del que era un acérrimo seguidor.

→Está de actualidad por: el quinto aniversario de la desaparición del actor. Robin Williams fue encontrado muerto en su domicilio en agosto de 2014, poco después de serle diagnosticada una enfermedad neurológica degenerativa. Se calificó el fallecimiento del actor como suicidio (muerte por asfixia y ahorcamiento).

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Conde Duque de Olivares

→Nombre completo: Gaspar de Guzmán y Pimentel Ribera y Velasco de Tovar

→Fecha de nacimiento: el Conde Duque de Olivares nació el 6 de enero de 1587 en Roma (Italia) y falleció el 22 de julio de 1645 en Toro (España). Fue el tercer hijo de un noble, embajador de España en el extranjero, miembro del Consejo de Estado y contador mayor de Cuentas del rey Felipe III.

→Profesión: noble y político español. Ostentó cargos en la dirección política del Reino de España en asuntos internos y relaciones exteriores.

→Trayectoria: tras fallecer sus dos hermanos mayores, Gaspar de Guzmán se vio obligado a abandonar sus estudios eclesiásticos e incorporarse junto a su padre a la corte del rey Felipe III. Heredó el título de Conde Duque de Olivares tras fallecer su progenitor en 1607. Fue valido del rey Felipe IV durante veintidós años hasta que, en 1643, una conspiración política provocó que el monarca lo desterrase a Toro y fuese juzgado por la Inquisición.

→Vida privada: el conde duque de Olivares contrajo matrimonio con su prima Inés de Zúñiga y Velasco en 1607. El autoritarismo del que hizo gala durante su vida política a menudo chocaba con su sensibilidad artística. Apoyó al pintor Diego de Velázquez a quien introdujo en la corte del rey. A cambio Velázquez le retrataría de pie y a caballo en múltiples ocasiones.

→Está de actualidad por: la celebración del 200 aniversario del Museo Nacional de El Prado, donde se encuentra expuesto el célebre retrato que pintó Velázquez del Conde Duque de Olivares subido a caballo (1636). El noble español regaló al rey Felipe IV la finca sobre la que se edificó el Casón del Buen Retiro, una de las actuales dependencias del museo, localizada junto al madrileño Parque del Retiro.

Diferencias y semejanzas

Foto. De izda. a dcha., Bono (U2), el Conde Duque de Olivares y Robin Williams. Fuentes: Internet.

Los aparentes rasgos físicos que comparten Bono y Robin Williams podrían considerarse una menudencia si se contempla una imagen del Conde Duque de Olivares de mediados del siglo XVII y se comprueba el extraordinario parecido que entre los tres parece existir.

Más allá del azar, no se puede negar que estas tres celebridades alcanzaron el éxito en sus respectivas carreras de forma duradera y reconocida, si bien en el caso del noble español, se produjo una caída en desgracia que terminó con su muerte a una edad cercana a la que tenía Robin Williams cuando ocurrió su trágico fallecimiento.

Entre Bono y el actor estadounidense surgen semejanzas no solo físicas y generacionales, sino también espirituales, teniendo en cuenta la tierra de nadie en la que se encontraba Robin Williams en materia religiosa (perteneció a la Iglesia Episcopal de EE.UU. pero se sentía al mismo tiempo protestante y simpatizaba con el judaísmo) y los vaivenes del joven Paul Hewson, quien en casa se debatía entre dos religiones y fuera de ella militaba en un grupo religioso denominado Shalom al que también pertenecían algunos de los integrantes de U2.

La entrega a las causas sociales también es un rasgo de carácter del vocalista de U2 y del desaparecido Robin Williams, quien, en vida, se involucró en las actividades de más de cincuenta asociaciones benéficas. Un tipo de actividad a la que también se dedicó el Conde Duque de Olivares, si bien en el terreno artístico, a través del mecenazgo o la donación de bienes para la explotación del patrimonio artístico español.

Crítica de cine. Rocketman

25 Jun

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Escena musical del film Rocketman. Fuente: Internet.

Que un biopic sobre una rutilante estrella del rock acabe bien no es lo habitual. Que esta haya sobrevivido a sus excesos sin ingresar en el famoso club de los 27 tampoco es frecuente y que además haya dado su aprobación a la película sobre su vida, es casi algo insólito.

Rocketman, la biografía cinematográfica de Elton John, llega en la temporada final de películas musicales estrenadas en los últimos tiempos de la mano de Dexter Fletcher, el responsable del penúltimo éxito de taquilla, la oscarizada Bohemian Rhapsody. Aunque, a estas alturas, el film corría el riesgo de convertirse en la cola de un cometa agonizante, la realidad es otra bien distinta. Es indudable que la figura de Elton John sigue conservando intacto su poder para atraer a las masas, cincuenta años después de su debut en el Londres de los años sesenta. Y su inminente y gozosa retirada de los escenarios resulta ser un argumento más que convincente para acudir a las salas, tanto para sus seguidores habituales como para aquellos que, por edad, no conocieron sus mejores tiempos.

→Trailer oficial de Rocketman. Fuente: YouTube.

 

El encargado de dar vida en la pantalla a semejante coloso de la música es Taron Egerton, un actor no demasiado conocido, que consigue estar a la altura de lo esperado. Siempre se agradece que la persona que encarna al ídolo sea capaz de cantar en un registro de voz suficiente para dar credibilidad a la historia. En este caso, Egerton, sin ser Elton John, da la talla, tanto a nivel vocal como interpretativo, superando el trance que supone participar en una película musical. Porque, no nos engañemos, Rocketman es una película de género. En ella hay numeritos musicales, bailes coreografiados y mucha psicodelia. Además de plumas, lentejuelas y glitter hasta decir basta.

→Taron Egerton interpreta el tema principal Rocket Man en la película homónima sobre la vida de Elton John. Fuente: YouTube.


El argumento, por manido que resulte, sirve para novelar con divertimento la complicada infancia y desenfrenada juventud de Elton John, aunque quizá pierda la oportunidad de retratar con mayor detalle el proceso de composición musical, así como una época social, el último cuarto del siglo XX, especial y dichosamente repleto de talentos artísticos y musicales que interactuaron con el cantante. Quizá la narración se centre demasiado en describir el ascenso y bajada a los infiernos de Reginald Kenneth Dwight, sin profundizar en otro tipo de relaciones que no sean las familiares y personales del cantante. De entre todas, bien cabe destacar la amistad indestructible con Bernie Taupin, su apreciado letrista, que, gracias a este nuevo revival, retoma ahora un merecido protagonismo.

Elton John y Bernie Taupin en los años setenta. Dcha., Taron Egerton (con gafas) y Jamie Bell interpretando a sendos personajes en Rocketman. Fuente: Internet. Cantante y letrista nunca trabajaron juntos en un mismo lugar. Taupin le enviaba a Elton John sus letras en primer lugar y a continuación este componía una melodía inspirada.

La historia, de corte circular (empieza y termina en la clínica de desintoxicación a la que acude Elton John), finaliza en 1983, con el regreso del cantante a los escenarios y la edición de Too Low For Zero, el exitoso álbum que supuso su reconciliación con Bernie Taupin y su reinvención musical junto a la que fuera su banda en los años setenta. La película se toma algunas licencias narrativas (en la vida real Elton John no fue a rehabilitación hasta 1990 y no tomó prestado su nombre de John Lennon, sino de otro cantante, Long John Baldry) y obvia las tres décadas posteriores, que, si bien no han representado lo mejor de la carrera del artista, sí son dignas de mención, sobre todo teniendo en cuenta que sir Elton John obtuvo un Oscar en 1995 (monopolizando las nominaciones a mejor canción con tres temas propios de la banda sonora de El Rey León).

→Vídeoclip de “I´m still standing”, tema perteneciente al álbum de Elton John, Too Low for Zero (1983). El rodaje tuvo lugar en Cannes y Niza (Francia). Fuente: YouTube. El vídeo es recreado en las escenas finales de Rocketman.


La película casi resulta extravagante por su final feliz, su alegría y su ingenuidad, aunque el drama y la desilusión se instalen inopinadamente en algunos momentos interpretativos clave. Como la vida de sir Elton John, todo un superviviente.

Valoración: 3,5 estrellas/5

+ info:

Cartel promocional de Rocketman. Fuente: Internet.

Rocketman se estrenó en España el 31 de mayo de 2019. Su director es Dexter Fletcher, el cineasta encargado de finalizar el rodaje de Bohemian Rhapsody, tras el despido de Bryan Singer. El film está protagonizado por Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden y Bryce Dallas Howard. Narra la vida del cantante Elton John en clave musical, desde que tenía ocho años hasta los 36 (43 en la vida real), cuando decide ingresar en una clínica de desintoxicación para superar sus adicciones al alcohol, el sexo y las drogas, tras décadas de descontrol, dudas sobre su orientación sexual y una profunda desafección familiar.

Elton John y Bernie Taupin grabaron un tema nuevo para la banda sonora original de Rocketman, (I´m gonna) Love me again. La canción, de inspiración sesentera y que suena en los títulos de crédito de la película, está interpretada a dúo por el propio Elton John y Taron Egerton.

Exposición Amazonías (Arco 2019)

1 May

Últimos días, hasta el 5 de mayo

Autora: Samia Benaissa Pedriza

“Fidoma, el primer pintor” (2015), del artista peruano Rember Yahuarcani. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Resulta difícil definir el concepto de “Amazonía”, tanto como demarcar geográficamente un territorio compartido por el que no solo transcurre el río más largo de Latinoamérica sino también diversas culturas y modos de vida humana, animal y vegetal.

En esta ocasión es Perú el país invitado dentro de la programación de ArcoMadrid 2019 el que expone sus riquezas culturales según la particular visión de artistas de diverso origen y procedencia. La región amazónica, con sus conflictos territoriales, la lucha por la conservación del legado indígena y la protección del medioambiente sirven de inspiración para medio centenar de artistas de la colección del Museo de Arte de Lima, así como de otras privadas.

Algunas de las obras más recientes reflejan el sufrimiento de los pueblos indígenas por los abusos cometidos por los grupos terroristas que asaltaron la región durante los años ochenta. Enrique Casanto, expresa crudamente en “La década del terrorismo” (2018) las consecuencias de las masacres cometidas por organizaciones como Sendero Luminoso y el MRTA en los alrededores de Chachamayo y Satipo durante dos largas décadas.

“La década del terrorismo” (2018). Autor: Enrique Casanto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Otros autores centran su mirada en la mitología indígena y las leyendas ancestrales para elaborar composiciones propias y originales. Dimas Paredes Armas, chamán además de pintor, representa en “Cotomachaco” una yacumama, o boa mítica procedente de un mundo imaginario, inserta en el universo tropical del autor, a menudo también poblado por otros seres de leyenda como las sirenas, nacidas de las plantas.

“Cotomachaco” (2018). Autor: Dimas Paredes Armas. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

De izda. a dcha. “El hombre alacrán” (2011), “La araña” (2011), “El hombre cuerpo espín” (2011) y “La ayuda del Quirquincho” (2012), obras de Wilberto Casanto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Visión en espiral” (2011), de Roldán Pinedo. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Las expresiones audiovisuales de la Amazonía también tienen su espacio en performances electrónicas, así como representaciones visuales del cosmos plasmadas en soportes modernos como el papel fotográfico. La riqueza de colores y el contraste obtenidos mediante técnicas modernas de impresión contrastan con los de otras composiciones sobre el mismo tema elaboradas con materiales naturales y métodos tradicionales.

“Bosque anfibio I” (2015), de Musuk Nolte. La técnica empleada es la impresión por inyección de tinta sobre papel. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Cosmovisión Aimeni” (2012), del artista peruano Santiago Yahuarcani. El pintor empleó tintes naturales sobre corteza vegetal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“En el vientre” (2006), de Harry Chávez. Elaborado con cuentas de madera, ojos de gato y gemas de vidrio sobre aglomerado. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La Amazonía también es descrita desde distintas perspectivas en montajes fotográficos e instantáneas sobre la vida de sus habitantes, con toda su complejidad y belleza.

Obra sin título perteneciente a la serie “Los caucheros, Iquitos” (2014), de Juan Enrique Bedoya. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Sin título” (2010), de Morfi Jiménez. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Fotografía perteneciente a la serie “Shawis” (2008), del mexicano Musuk Nolte. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

→Vídeo. Exposición Amazonías. Fuente: Televisión Española.

→Hasta el 5 de mayo de 2019. Centro Cultural Matadero. Nave 16. Espacio: Centro de residencias artísticas. Paseo de la Chopera. 10. Madrid. Horario: martes a domingo y festivos de 11:00 a 20:00. Entrada libre.

Día del libro. Crítica de “Nuestras riquezas” (Kaouther Adimi)

23 Abr

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Portada de la novela de Kaouther Adimi, “Nuestras riquezas"

Portada de la novela de Kaouther Adimi, “Nuestras riquezas”, publicada por Libros del Asteroide (2017). Fuente: Internet.

“Jóvenes, por los jóvenes, para los jóvenes” es el slogan con el que Edmond Charlot, fundador de la librería “Les vraies richesses” (Las verdaderas riquezas) recibía a sus visitantes en 1936. El lema también podría inspirar alguna de las consignas que en los últimos tiempos viene lanzando la juventud argelina contra el caduco régimen político que gobierna el país desde hace más de dos décadas. Pero lo cierto es que el leit motiv que la escritora Kaouther Adimi recuperase del editor francés en su novela, “Nuestras riquezas”, carece de toda intención política.

El libro, de apenas 192 páginas, rinde homenaje a Edmond Charlot, un francés de la Argelia colonizada que decidió acondicionar una minúscula librería en un barrio popular de Argel y hacer que su amor por los libros y la literatura superase los avatares de una vida personal y política turbulenta.

La obra mezcla la narración de hechos reales (Edmond Charlot y su pequeña librería existieron en realidad) con otros ficticios, al tiempo que ilustra el modo de vida de una editorial independiente en un país con una exigua tradición literaria. A la competencia con las grandes casas de edición, las rencillas entre escritores y editores, la escasa difusión y los recursos e ingresos reducidos se suman las circunstancias propias de una época marcada por las grandes guerras y revoluciones del siglo XX (segunda guerra mundial, guerra de independencia argelina).

La librería “Les vraies richesses”(izda.), en la actualidad reconvertida en biblioteca municipal (Argel).

La librería “Les vraies richesses”(izda.), en la actualidad reconvertida en biblioteca municipal (Argel). Edmond Charlot tomó prestado el nombre de un texto de Jean Giono. Fuente: Internet.

Edmond Charlot no era un escritor frustrado, admitía que era incapaz de escribir una línea, pero en cambio, sí se reconocía a sí mismo el talento de descubrir una obra literaria o un autor relevante cuando lo leía (Albert Camus, Emmanuel Roblès, Henri Bosco). El traspaso de su amada librería a su hermano, la fundación de otra fallida en París y su triste retiro, casi ciego, en Francia se narran en primera persona a través de anotaciones de un imaginario diario personal que Adimi construye con tino. No en vano, la autora pasó un año buceando entre los archivos de Charlot para descubrir y conocer a la persona que después convertiría en un personaje carismático.

Interior de la librería “Les vraies richesses”, inaugurada en 1936

Interior de la librería “Les vraies richesses”, inaugurada en 1936 en la antigua calle Charras (actual calle Hamani) de Argel. Fuente: Internet.

El tono nostálgico de la novela recuerda en ocasiones a Patrick Modiano, un hecho que quizá sorprenda en una autora que apenas ha alcanzado la treintena. Sin embargo, la lectura no resulta tediosa gracias a la elección de un ritmo rápido y una narración corta que intercala los relatos en tiempo presente y pasado. La descripción de la historia de Argelia, en el principio de la novela, inevitablemente ligada a Francia y, posteriormente, desvinculada ya de ella, se ajusta bien a la realidad, sin incluir valoraciones políticas más allá de las necesarias, sin duda para dar protagonismo a una historia genuina de libros, autores y editores.

Prueba de ello es que Kaouther Adimi describe en su novela a una juventud argelina alejada de la historia y más interesada por el fútbol que por las cuestiones de orden político. Ryad, el joven estudiante de enseñanzas técnicas, representa el presente decadente de la literatura. Ryad es el antihéroe de 21 años (la misma edad con que Charlot fundó su librería) que con toda crudeza tira libros a la basura y que ni siquiera es capaz de reconocer a los autores que marcaron una época. También en ese contexto destaca el inquietante personaje de Abdallah, el gerente de la librería de Charlot cuando este retorna a Francia, que opera como como bisagra entre dos mundos opuestos.

Quizá se eche de menos en esta ficción centrada en hechos reales y su devenir histórico, la ausencia de anticipación sobre lo que en apenas dos años ocurriría en Argelia, ya que la decepcionante imagen de la juventud que pinta Adimi contrasta con las movilizaciones políticas que desde hace meses se suceden en todo el país exigiendo el fin del actual régimen. Los militares, que en la novela son descritos como héroes de la independencia y que posteriormente regresaron para pacificar el país tras la sangrienta guerra civil de los noventa, quedan desdibujados en la narración del presente. En este, Adimi solo refiere la figura fantasmal de un régimen que no significa nada para unos jóvenes que no vivieron la descolonización y que definitivamente han pasado la página del pasado más remoto.

+ info:

Cruce del bulevar Bodin y la calle Charras de Argel en los años cuarenta.

Cruce del bulevar Bodin y la calle Charras de Argel en los años cuarenta. Fuente: Internet.

→Argumento: Es 2017 y Ryad, un estudiante argelino de ingeniería en París se traslada a Argel para hacer unas prácticas académicas. Allí deberá vaciar el local de una antigua librería, “Les Vraies Richesses”, reconvertida en biblioteca nacional durante los años noventa, y que en breve pasará a ser una tienda de buñuelos. Ryad cumple su trabajo con desgana y nulo interés por los libros mientras es observado a distancia por Abdallah, quien fuera el gerente de la librería durante décadas. A través de sus recuerdos volverán a la vida un desconocido Albert Camus, quien publicará por primera vez sus escritos en “Les vraies richesses”, y los por entonces jóvenes y prometedores escritores Jean Giono, Max-Pol Fouchet y Jules Roy, entre otros.

 

El editor francés Edmond Charlot

El editor francés Edmond Charlot en la última etapa de su vida. Fuente: Internet.

→Edmond Charlot: nacido en Argel en 1915 de padres franceses, fue editor y fundador de la librería y modesta editorial “Les vraies richesses”. En 1939 editó en Argel el primer texto conocido de Albert Camus, titulado “Noces” (Nupcias). Nada más abrir las puertas de su librería decidió publicar a Federico García-Lorca, ejecutado durante los primeros meses de la guerra civil española.

Posteriormente editaría a otros autores que con el tiempo llegarían a alcanzar la fama y algunos de los cuales acabarían por abandonarle al finalizar la segunda guerra mundial, seducidos por las promesas de éxito y dinero de las grandes casas de edición francesas, contra las que Charlot no podía competir. Tras su etapa como editor ocupó diversos cargos públicos relacionados con la cultura en Turquía y Marruecos hasta su retiro y muerte en Béziers (Francia) en el año 2004.

 

La escritora argelina Kaouther Adimi.

La escritora argelina Kaouther Adimi. Fuente: Internet.

→Kaouther Adimi: nacida en Argel en 1986, “Nos richesses” (Nuestras riquezas) es su tercera novela publicada tras “L´envers des autres” (El reverso de los otros) y “Des pierres dans ma poche” (Piedras en mi bolsillo).

En el año 2006 ganó el premio “Joven escritor francófono” y en 2011 el “Premio literario de la vocación” por su primera novela publicada. Con la última consiguió ganar el prestigioso premio Renaudot des Lycéens y quedar finalista del Goncourt.

“Nos richesses”, escrita en lengua francesa, se publicó por “Editions du Seuil” en el año 2017 y en castellano por la editorial “Libros del Asteroide”.

La música de los Oscars 2019

25 Feb

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Lady Gaga y Bradley Cooper interpretan “Shallow” en la gala de los Oscars 2019.

Lady Gaga y Bradley Cooper interpretan “Shallow” en la gala de los Oscars 2019. Fuente: Internet.

La 91 edición de los premios Oscars pasará a la historia por ser una de las galas más musicales de los últimos tiempos. Bohemian Rhapsody, Ha nacido una estrella, Infiltrado en el KKKlan o Black Panther han ido dejando su particular huella musical desde el paseo de la fama hollywoodiense hasta el epicentro del Teatro Dolby de Los Ángeles, pasando por la popular alfombra roja de este año.

La magia de Queen

La apertura de la gala a cargo de la banda británica Queen (nunca será lo mismo sin Freddy Mercury) ya anunciaba el sabor y el color de una gala atípica, entre otras razones, por la ausencia de presentador principal.

→Apertura de la gala de los Oscars 2019 a cargo de la banda Queen. Adam Lambert interpreta las partes vocales de Freddy Mercury sobre el escenario. Fuente: Youtube.

Cuando surge un buen biopic (Bohemian Rhapsody) y una banda mítica resucita tras pasar una buena temporada entre la penumbra y el ostracismo, suelen ocurrir unas cuantas cosas. La primera y fundamental: las ventas de recopilatorios suben como la espuma. De hecho, en los últimos meses, Queen ha alcanzado el récord de canciones del siglo XX más vendidas en el XXI. Todo un hito en la era de los millenials y del reguetón. Porque recordemos que Queen es una banda de rock con mayúsculas y Freddy Mercury uno de los vocalistas más versátiles que se conocen. Carisma aparte.

Escena de “Bohemian Rhapsody”

Escena de “Bohemian Rhapsody” protagonizada por Rami Malek (en el centro), ganador del Oscar 2019 en la categoría de mejor actor. Fuente: Internet.

La segunda es que los fans de la banda, entrados ya en años, pueden volver a escuchar la banda sonora de su adolescencia sin pasar vergüenza. Más allá del clásico “We will rock you” (abrasado en los estadios), si vuelve a sonar “Keep yourself alive” o “I´m in love with my car” en la radio es que todo va bien. Aunque quizá sea pedir demasiado. Quizá valdría con que se escuchase algo de “Radio Gaga”. Por cierto que Lady Gaga debe su nombre artístico al título de esa canción.

La tercera, ya no es tan emotiva ni tan grata. Y es que ver cómo han envejecido los supervivientes de una banda admirada no sienta nada bien. Presenciar como sustituyen al líder del grupo por una versión más joven recién salida de un concurso de talentos, tampoco contribuye a mantener viva la leyenda. Y al final, solo queda conformarse y agradecer los efímeros quince minutos de gloria asociados a la promoción de la película que han permitido revivir tiempos mejores. Pero menos es nada.

El guitarrista de Queen, Brian May (izq.) junto a Rami Malek y Roger Taylor (batería).

El guitarrista de Queen, Brian May (izq.) junto a Rami Malek y Roger Taylor (batería). Fuente: @QueenWillRock.

Lady Gaga y su buena estrella

Stefani Joanne Angelina Germanotta, más conocida por Lady Gaga, lleva unos años en racha. Con independencia del estilo musical al que se dedique, se trata, posiblemente, de una de las escasísimas cantantes con verdadero talento vocal e interpretativo que han surgido en el nuevo milenio. La “dama” no le hace ascos a nada y ha cantado ya con los más grandes artistas de la música contemporánea: The Rolling Stones, Metallica, Sting, Madonna, Tony Bennett o Elton John son solo algunos de los más relevantes.

Su carrera como actriz no ha hecho más que empezar, pero justo es reconocer su competencia interpretativa. Que sea una recién llegada no le ha sentado bien a algunos miembros del gremio (léase, Leonardo Di Caprio). Pero es más que probable que Lady Gaga siga apareciendo con regularidad en las pequeñas o grandes pantallas del nuevo séptimo arte. No sería la primera ni la última vez que una artista hiciera doblete. Ahí están Judy Garland, Barbra Streisand, Cher o Jennifer López.

Paradójicamente, Lady Gaga resulta infinitamente más natural delante de una cámara que ante un micrófono. El personaje que ha construido es extravagante y excesivo en su particular expresión artística, pero es capaz de abandonarlo cuando se le pide y mostrar una sorprendente habilidad para encarnar a personas radicalmente opuestas.

→Lady Gaga interpreta Always remember us this way en Ha nacido una estrella. Fuente: Youtube.

Lady Gaga ya ganó en 2016 un Globo de Oro por su primera participación en la serie American Horror Story (Hotel) y en su segunda incursión en el mundo de la interpretación ha sido nominada al Óscar a la mejor actriz principal. Dos de dos. Ni Glenn Close con tres nominaciones fallidas, ni Amy Adams con seis este año, alcanzan ese registro. Aunque, mucho ha ayudado la calidad del proyecto en que se ha embarcado junto a Bradley Cooper.

Lady Gaga en American Horror Story

Lady Gaga se puso en la piel de “La condesa”, un papel hecho a medida, en la quinta temporada de la serie American Horror Story. Fuente: Internet.

El remake de Ha nacido una estrella prometía ser un fiasco, o como mínimo, una película anodina. Y, sin embargo, sus creadores han conseguido convertir a la película en una de las historias más conmovedoras y vibrantes de su género, ya de por sí difícil de asimilar por el público palomitero. Pero la taquilla hizo pleno, al igual que con Bohemian Rhapsody.

La interpretación de Shallow, a dúo entre Lady Gaga y Bradley Cooper (otro actor cuyo talento se empeñaba en permanecer oculto hasta hace poco), ya se ha convertido en viral. Preparémonos para verla hasta la saciedad porque reúne todos los ingredientes para ello: aparente intimidad robada, sensibilidad a flor de piel y gran química entre los protagonistas (por opuestos que parezcan).

Shallow, tema ganador del premio a la mejor canción original, interpretado en la gala de los Oscars 2019. Fuente: Youtube.

El poder de la música

Durante la gala de los Oscars 2019 también se reconoció el valor de otros estilos musicales como el hip hop o la música negra de los setenta (soul y funk). Black Panther (Pantera Negra) se alzó merecidamente con el premio a la mejor banda sonora frente a competidoras como If Beale Street could talk, Inflitrado en el KKKlan, El (inquietante) Regreso de Mary Poppins o la película de animación, Isla de Perros.

Pray For Me, de la banda sonora de Black Panther, interpretado por The Weeknd y Kendrick Lamar. Fuente: Youtube.

+info:

Ganadores de los Premios Oscars 2019 en las categorías musicales:

→Mejor canción original: Shallow (Ha nacido una estrella). Autores: Lady Gaga, Mark Daniel Ronson, Anthony Rossomando y Andrew Wyatt.

→Mejor banda sonora: Black Panther. Ludwig Göransson.

→Mejor sonido: Bohemian Rhapsody. John Casali, Tim Cavagin y Paul Massey.

→Mejor edición de sonido: Bohemian Rhapsody. Nina Hartstone y John Warhurst.

Las películas musicales Bohemian Rhapsody y Ha nacido una estrella fueron ambas nominadas en la categoría de mejor película.

Estatuilla de los premios Oscar.

Estatuilla de los premios Oscar. Fuente: Internet.

El año Rembrandt

31 Ene

350 aniversario del fallecimiento de Rembrandt

“Dánae”, óleo sobre lienzo pintado por Rembrandt en 1636.

“Dánae”, óleo sobre lienzo pintado por Rembrandt en 1636. Fuente: Internet (dominio público). Se conserva en el Museo Hermitage de San Petersburgo y representa una escena de la mitología griega. Acrisio encerró a su hija Dánae en una torre de bronce para evitar que su futuro hijo, Perseo, le asesinase, según la profecía de un oráculo.

En el año de Rembrandt vuelven a salir a la luz muchas curiosidades sobre la vida y obra del artista holandés desaparecido en 1669. El museo Fries de Leeuwarden ha sido el primero en inaugurar una larga lista de celebraciones que se sucederán a lo largo de 2019 en distintos países. A la muestra inspirada en el matrimonio del pintor con Saskia van Uylenburgh, le sigue la exposición del Mauritshuis de La Haya, donde se conserva La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp, el primer retrato colectivo que Rembrandt pintó a los 26 años.

“La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp”

“La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp”, pintada por Rembrandt en 1632. Fuente: Internet (dominio público).

La escena representa una lección de anatomía a cargo del doctor Nicolaes Tulp, un renombrado cirujano de la época. El cadáver pertenece a un criminal de 41 ejecutado ese mismo día por haber cometido un delito de robo a mano armada.

Por su parte, el Rijksmuseum de Ámsterdam, poseedor del mayor legado del pintor barroco, ha decidido exponer al público los trabajos de restauración de su obra más emblemática, La Ronda de Noche. Aunque, a pesar de los esfuerzos, no se podrá recuperar la parte del cuadro recortada en 1715 por decisión del ayuntamiento de la ciudad.

La Noche de Ronda

Aspecto de “La Ronda de Noche” de Rembrandt, antes de la mutilación sufrida en 1715. Fuente: Wikipedia. Dominio público.

En el cuadro aparecen representados en primer plano el capitán Coq, el teniente Willem van Ruytenburg -un rico comerciante de la ciudad-, así como otros burgueses que pagaron 100 florines de la época para figurar en el cuadro. A pesar del título por el que se conoce la obra desde el siglo XIX, se retrata una escena diurna en la que una milicia formada por ciudadanos se prepara para hacer su ronda. Fueron la degradación de las pinturas y barnices originales los que dieron a la composición ese tono apagado. Una restauración realizada en 1947 detectó el error.

La obra es un retrato colectivo realizado por encargo, en el que Rembrandt se aparta de las formalidades del género, dotando a sus personajes de una gran viveza gracias al dominio del color y del claroscuro. Características propias de los retratos individuales de la burguesía y de la realeza por los que el artista era muy conocido y apreciado.

Retrato de Nicolaes Ruts pintado por Rembrandt en1631.

Retrato de Nicolaes Ruts pintado por Rembrandt en1631. Fuente: Internet.

Retrato de Johannes Wtenbogaert, pintado por Rembrandt en 1633.

Retrato de Johannes Wtenbogaert, pintado por Rembrandt en 1633. Fuente: Internet.

Quizá en un intento por recuperar el espíritu de Rembrandt en la actualidad, el proyecto The Next Rembrandt, recreó un retrato inspirado en las técnicas del pintor. El óleo fue ideado con técnicas de inteligencia artificial e impreso en 3D, aunque según los críticos especializados, no es capaz de transmitir la expresividad de los personajes retratados por el artista más reconocido del barroco holandés.

Retrato creado por inteligencia artificial inspirado en las técnicas de Rembrandt. Representa a un personaje burgués del siglo XVII originario del norte de Europa. Fuente: Internet.

Retrato creado por inteligencia artificial inspirado en las técnicas de Rembrandt. Representa a un personaje burgués del siglo XVII originario del norte de Europa. Fuente: Fundación Telefónica.

Pintura inspirada en la obra de Rembrandt creada mediante IA (detalle).

Pintura inspirada en la obra de Rembrandt creada mediante IA (detalle). Fuente: Internet.

Foto. Retrato del empresario Martin Looten, pintado por Rembrandt en 1632.

Retrato del empresario Martin Looten, pintado por Rembrandt en 1632. Fuente: Internet.

Sin duda, la obra no será incluida en el proyecto Rembrandt (1968-2014), una relación de la totalidad de las obras atribuidas al pintor y que han sido analizadas para distinguir los originales de las copias realizadas por aprendices.

“El jinete polaco”. Obra finalmente atribuida a Rembrandt y no al pintor Willem Drostv por el proyecto Rembrandt. Dominio público.

“El jinete polaco”. Obra finalmente atribuida a Rembrandt y no al pintor Willem Drostv por el proyecto Rembrandt. Dominio público.

“El hombre con yelmo dorado”. Retrato inicialmente atribuido a Rembrandt cuya autoría ha sido finalmente descartada. Dominio público.

“El hombre con yelmo dorado”. Retrato inicialmente atribuido a Rembrandt cuya autoría ha sido finalmente descartada. Dominio público.

+ info:

Autorretrato de Rembrandt. Fuente: Internet.

Autorretrato de Rembrandt. Fuente: Internet.

Rembrant Harmenszoon van Rijn: El artista nació en Leiden (Países Bajos), el 15 de julio de 1606, en el seno de una familia acomodada, aunque no relacionada con el arte (su padre era molinero). Con veinte años ya realizaba retratos y pronto destacó en el arte de representar a los miembros más destacados de la sociedad holandesa del siglo XVII. Sin embargo, se dio a conocer primero por sus grabados, cuya delicadeza traspasó fronteras. Los retratos de nobles y burgueses, singulares y realistas fueron otra de sus señas de identidad, junto a los paisajes y la representación de escenas bíblicas. Su gran maestría del claroscuro, le ponen a la altura de otros genios del barroco europeo como Diego de Velázquez o Caravaggio. Falleció el 4 de octubre de 1669 en Ámsterdam.

“La Ronda de Noche” en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Fuente: Internet.

“La Ronda de Noche” en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Fuente: Internet.

La Ronda de Noche (1642), la obra más relevante de Rembrandt, tiene un título original mucho más largo: La compañía militar del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytenburg. Fue un encargo de la Corporación municipal de Arcabuceros de Ámsterdam al pintor. En 1715 la obra fue trasladada al ayuntamiento de la ciudad y al no caber en la sala que se tenía destinada para su exposición se ordenó recortar una parte. Se perdieron la zona superior del cuadro y tres personajes del lateral izquierdo que nunca han podido ser recuperados. El óleo, propiedad del ayuntamiento de Ámsterdam, mide en la actualidad 3,79 metros de largo por 4,54 de alto y pesa 170 kilos.

La pieza fue rasgada con un cuchillo en dos ocasiones (1911 y 1975) y dañada con ácido clorhídrico en 1990. Sus trabajos de restauración comenzarán en julio de 2019 y tendrán un coste de tres millones de euros.

The Next Rembrandt es un proyecto científico participado por la Universidad Técnica de Delft, los museos Mauritshuis y Rembrandthuis, Microsoft e ING. Puesto en marcha en 2015, su objetivo era crear una pintura basada en los temas y técnicas empleadas por Rembrandt. Para ello se estudiaron 168.263 fragmentos de 346 óleos pintados por el artista que proporcionasen datos sobre la composición, las proporciones faciales o el uso de la luz y las sombras, entre otros factores. El resultado fue el retrato de un varón caucásico de entre 30 y 40 años con vello facial y mirada a la derecha del cuadro. Para imitar la textura del óleo se empleó una impresora 3D con 13 capas de tinta ultravioleta.

Poema Aube. Victor Hugo

24 Dic

Felices fiestas desde Blogosphera

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Amanecer en invierno.

Amanecer en invierno. Fuente: Internet.

→Poema Aube, de Victor Hugo. Incluido en el capítulo IV, La religion est glorifiée, del recopilatorio Les Châtiments (1853):

Un immense frisson émeut la plaine obscure.

C’est l’heure où Pythagore, Hésiode, Epicure,

Songeaient ; c’est l’heure où, las d’avoir, toute la nuit,

Contemplé l’azur sombre et l’étoile qui luit,

Pleins d’horreur, s’endormaient les pâtres de Chaldée.

Là-bas, la chute d’eau, de mille plis ridée,

Brille, comme dans l’ombre un manteau de satin

Sur l’horizon lugubre apparaît le matin,

Face rose qui rit avec des dents de perles

Le boeuf rêve et mugit, les bouvreuils et les merles

Et les geais querelleurs sifflent, et dans les bois

On entend s’éveiller confusément les voix;

Les moutons hors de l’ombre, à travers les bourrées,

Font bondir au soleil leurs toisons éclairées;

Et la jeune dormeuse, entrouvrant son oeil noir,

Fraîche, et ses coudes blancs sortis hors du peignoir,

Cherche de son pied nu sa pantoufle chinoise.

 

Louange à Dieu! toujours, après la nuit sournoise,

Agitant sur les monts la rose et le genêt,

La nature superbe et tranquille renaît;

L’aube éveille le nid à l’heure accoutumée,

Le chaume dresse au vent sa plume de fumée,

Le rayon, flèche d’or, perce l’âpre forêt;

Et plutôt qu’arrêter le soleil, on ferait

Sensibles à l’honneur et pour le bien fougueuses

Les âmes de Baroche et de Troplong, ces gueuses!

Amanecer.

Amanecer. Fuente: Internet.

Traducción libre (por Samia Benaissa Pedriza):

Un inmenso escalofrío remueve la llanura oscura.

Es la hora en que Pitágoras, Hesíodo y Epicuro

Soñaban; Es la hora en que, cansados de haber contemplado,

Toda la noche, el azur sombrío y la estrella brillante,

Llenos de horror dormían los pastores de Caldea.

Allí, la cascada, arrugada por mil pliegues,

Brilla, como un manto de satén en la oscuridad;

Sobre el horizonte lúgubre aparece el día,

Rostro rosado que ríe con dientes de perlas;

El buey sueña y brama, los camachuelos y los mirlos

Y los grajos cantan, y en los bosques,

Se escucha el despertar confuso de las voces;

Las ovejas, lejos de la sombra, entre matorrales,

Relucen su pelaje claro bajo el sol,

Y la joven durmiente, entornando su ojo negro,

Fresca, y con los codos blancos sobresaliendo de la bata,

Busca con el pie descalzo su pantufla china.

 

¡Alabado sea Dios! Siempre, tras la noche soterrada,

Agitando sobre los montes la rosa y la retama,

La naturaleza soberbia y tranquila renace;

El amanecer despierta el nido a la hora acostumbrada,

La paja lanza al viento su pluma de humo,

El rayo, flecha de oro, atraviesa el áspero bosque;

Y antes que detener el sol, mudaríamos en

Honorables y buenas las fogosas

Almas de Baroche y de Troplong, ¡esas andrajosas!

 

+ info:

El escritor Victor Hugo en 1876.

El escritor Victor Hugo en 1876. Autor: Étienne Carjat. Dominio público.

El poeta y escritor Victor Hugo terminó de escribir Aube en Jersey (Reino Unido), el 28 de abril de 1853.

El poema vincula la religión católica con la espiritualidad de la naturaleza. En Aube menciona a tres filósofos griegos de la naturaleza: Pitágoras, Hesíodo y Epicuro. También se refiere a la región de Caldea, que en la Biblia dio lugar a la formación de la casta sacerdotal de magos y astrónomos de los caldeanos.

El poema pertenece al capítulo IV, La religión glorificada, de Los Castigos. Este capítulo es de los pocos en que Victor Hugo no carga las tintas en su crítica contra las instituciones del Estado francés y napoleónico del siglo XIX. Según el escritor, la religión católica, para él una fe verdadera, estaba siendo vilipendiada por sus defensores, y por ello solo confiaba en la justicia divina.

Jules Baroche fue presidente del Consejo de Ministros francés en 1853. Raymond Théodore Troplong fue un ilustre jurista francés, autor de un libro sobre la influencia del cristianismo en el derecho civil romano y de múltiples obras sobre la relación entre el derecho y la filosofía. Legitimó el golpe de estado de Napoleón III.

Cuando Los castigos se publicaron en 1853, apenas tuvieron éxito. Las duras críticas políticas que Victor Hugo incluyó en la obra no superaron la censura de la época: poseer o difundir el libro estaba castigado con penas de cárcel. Fue, de facto, un libro desconocido. Hubo que esperar hasta 1870, en otro contexto político de crisis, para que la obra obtuviese una repercusión y aceptación social sin precedentes.