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Exposición Amazonías (Arco 2019)

1 May

Últimos días, hasta el 5 de mayo

Autora: Samia Benaissa Pedriza

“Fidoma, el primer pintor” (2015), del artista peruano Rember Yahuarcani. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Resulta difícil definir el concepto de “Amazonía”, tanto como demarcar geográficamente un territorio compartido por el que no solo transcurre el río más largo de Latinoamérica sino también diversas culturas y modos de vida humana, animal y vegetal.

En esta ocasión es Perú el país invitado dentro de la programación de ArcoMadrid 2019 el que expone sus riquezas culturales según la particular visión de artistas de diverso origen y procedencia. La región amazónica, con sus conflictos territoriales, la lucha por la conservación del legado indígena y la protección del medioambiente sirven de inspiración para medio centenar de artistas de la colección del Museo de Arte de Lima, así como de otras privadas.

Algunas de las obras más recientes reflejan el sufrimiento de los pueblos indígenas por los abusos cometidos por los grupos terroristas que asaltaron la región durante los años ochenta. Enrique Casanto, expresa crudamente en “La década del terrorismo” (2018) las consecuencias de las masacres cometidas por organizaciones como Sendero Luminoso y el MRTA en los alrededores de Chachamayo y Satipo durante dos largas décadas.

“La década del terrorismo” (2018). Autor: Enrique Casanto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Otros autores centran su mirada en la mitología indígena y las leyendas ancestrales para elaborar composiciones propias y originales. Dimas Paredes Armas, chamán además de pintor, representa en “Cotomachaco” una yacumama, o boa mítica procedente de un mundo imaginario, inserta en el universo tropical del autor, a menudo también poblado por otros seres de leyenda como las sirenas, nacidas de las plantas.

“Cotomachaco” (2018). Autor: Dimas Paredes Armas. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

De izda. a dcha. “El hombre alacrán” (2011), “La araña” (2011), “El hombre cuerpo espín” (2011) y “La ayuda del Quirquincho” (2012), obras de Wilberto Casanto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Visión en espiral” (2011), de Roldán Pinedo. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Las expresiones audiovisuales de la Amazonía también tienen su espacio en performances electrónicas, así como representaciones visuales del cosmos plasmadas en soportes modernos como el papel fotográfico. La riqueza de colores y el contraste obtenidos mediante técnicas modernas de impresión contrastan con los de otras composiciones sobre el mismo tema elaboradas con materiales naturales y métodos tradicionales.

“Bosque anfibio I” (2015), de Musuk Nolte. La técnica empleada es la impresión por inyección de tinta sobre papel. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Cosmovisión Aimeni” (2012), del artista peruano Santiago Yahuarcani. El pintor empleó tintes naturales sobre corteza vegetal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“En el vientre” (2006), de Harry Chávez. Elaborado con cuentas de madera, ojos de gato y gemas de vidrio sobre aglomerado. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La Amazonía también es descrita desde distintas perspectivas en montajes fotográficos e instantáneas sobre la vida de sus habitantes, con toda su complejidad y belleza.

Obra sin título perteneciente a la serie “Los caucheros, Iquitos” (2014), de Juan Enrique Bedoya. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Sin título” (2010), de Morfi Jiménez. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Fotografía perteneciente a la serie “Shawis” (2008), del mexicano Musuk Nolte. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

→Vídeo. Exposición Amazonías. Fuente: Televisión Española.

→Hasta el 5 de mayo de 2019. Centro Cultural Matadero. Nave 16. Espacio: Centro de residencias artísticas. Paseo de la Chopera. 10. Madrid. Horario: martes a domingo y festivos de 11:00 a 20:00. Entrada libre.

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El año Rembrandt

31 Ene

350 aniversario del fallecimiento de Rembrandt

“Dánae”, óleo sobre lienzo pintado por Rembrandt en 1636.

“Dánae”, óleo sobre lienzo pintado por Rembrandt en 1636. Fuente: Internet (dominio público). Se conserva en el Museo Hermitage de San Petersburgo y representa una escena de la mitología griega. Acrisio encerró a su hija Dánae en una torre de bronce para evitar que su futuro hijo, Perseo, le asesinase, según la profecía de un oráculo.

En el año de Rembrandt vuelven a salir a la luz muchas curiosidades sobre la vida y obra del artista holandés desaparecido en 1669. El museo Fries de Leeuwarden ha sido el primero en inaugurar una larga lista de celebraciones que se sucederán a lo largo de 2019 en distintos países. A la muestra inspirada en el matrimonio del pintor con Saskia van Uylenburgh, le sigue la exposición del Mauritshuis de La Haya, donde se conserva La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp, el primer retrato colectivo que Rembrandt pintó a los 26 años.

“La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp”

“La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp”, pintada por Rembrandt en 1632. Fuente: Internet (dominio público).

La escena representa una lección de anatomía a cargo del doctor Nicolaes Tulp, un renombrado cirujano de la época. El cadáver pertenece a un criminal de 41 ejecutado ese mismo día por haber cometido un delito de robo a mano armada.

Por su parte, el Rijksmuseum de Ámsterdam, poseedor del mayor legado del pintor barroco, ha decidido exponer al público los trabajos de restauración de su obra más emblemática, La Ronda de Noche. Aunque, a pesar de los esfuerzos, no se podrá recuperar la parte del cuadro recortada en 1715 por decisión del ayuntamiento de la ciudad.

La Noche de Ronda

Aspecto de “La Ronda de Noche” de Rembrandt, antes de la mutilación sufrida en 1715. Fuente: Wikipedia. Dominio público.

En el cuadro aparecen representados en primer plano el capitán Coq, el teniente Willem van Ruytenburg -un rico comerciante de la ciudad-, así como otros burgueses que pagaron 100 florines de la época para figurar en el cuadro. A pesar del título por el que se conoce la obra desde el siglo XIX, se retrata una escena diurna en la que una milicia formada por ciudadanos se prepara para hacer su ronda. Fueron la degradación de las pinturas y barnices originales los que dieron a la composición ese tono apagado. Una restauración realizada en 1947 detectó el error.

La obra es un retrato colectivo realizado por encargo, en el que Rembrandt se aparta de las formalidades del género, dotando a sus personajes de una gran viveza gracias al dominio del color y del claroscuro. Características propias de los retratos individuales de la burguesía y de la realeza por los que el artista era muy conocido y apreciado.

Retrato de Nicolaes Ruts pintado por Rembrandt en1631.

Retrato de Nicolaes Ruts pintado por Rembrandt en1631. Fuente: Internet.

Retrato de Johannes Wtenbogaert, pintado por Rembrandt en 1633.

Retrato de Johannes Wtenbogaert, pintado por Rembrandt en 1633. Fuente: Internet.

Quizá en un intento por recuperar el espíritu de Rembrandt en la actualidad, el proyecto The Next Rembrandt, recreó un retrato inspirado en las técnicas del pintor. El óleo fue ideado con técnicas de inteligencia artificial e impreso en 3D, aunque según los críticos especializados, no es capaz de transmitir la expresividad de los personajes retratados por el artista más reconocido del barroco holandés.

Retrato creado por inteligencia artificial inspirado en las técnicas de Rembrandt. Representa a un personaje burgués del siglo XVII originario del norte de Europa. Fuente: Internet.

Retrato creado por inteligencia artificial inspirado en las técnicas de Rembrandt. Representa a un personaje burgués del siglo XVII originario del norte de Europa. Fuente: Fundación Telefónica.

Pintura inspirada en la obra de Rembrandt creada mediante IA (detalle).

Pintura inspirada en la obra de Rembrandt creada mediante IA (detalle). Fuente: Internet.

Foto. Retrato del empresario Martin Looten, pintado por Rembrandt en 1632.

Retrato del empresario Martin Looten, pintado por Rembrandt en 1632. Fuente: Internet.

Sin duda, la obra no será incluida en el proyecto Rembrandt (1968-2014), una relación de la totalidad de las obras atribuidas al pintor y que han sido analizadas para distinguir los originales de las copias realizadas por aprendices.

“El jinete polaco”. Obra finalmente atribuida a Rembrandt y no al pintor Willem Drostv por el proyecto Rembrandt. Dominio público.

“El jinete polaco”. Obra finalmente atribuida a Rembrandt y no al pintor Willem Drostv por el proyecto Rembrandt. Dominio público.

“El hombre con yelmo dorado”. Retrato inicialmente atribuido a Rembrandt cuya autoría ha sido finalmente descartada. Dominio público.

“El hombre con yelmo dorado”. Retrato inicialmente atribuido a Rembrandt cuya autoría ha sido finalmente descartada. Dominio público.

+ info:

Autorretrato de Rembrandt. Fuente: Internet.

Autorretrato de Rembrandt. Fuente: Internet.

Rembrant Harmenszoon van Rijn: El artista nació en Leiden (Países Bajos), el 15 de julio de 1606, en el seno de una familia acomodada, aunque no relacionada con el arte (su padre era molinero). Con veinte años ya realizaba retratos y pronto destacó en el arte de representar a los miembros más destacados de la sociedad holandesa del siglo XVII. Sin embargo, se dio a conocer primero por sus grabados, cuya delicadeza traspasó fronteras. Los retratos de nobles y burgueses, singulares y realistas fueron otra de sus señas de identidad, junto a los paisajes y la representación de escenas bíblicas. Su gran maestría del claroscuro, le ponen a la altura de otros genios del barroco europeo como Diego de Velázquez o Caravaggio. Falleció el 4 de octubre de 1669 en Ámsterdam.

“La Ronda de Noche” en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Fuente: Internet.

“La Ronda de Noche” en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Fuente: Internet.

La Ronda de Noche (1642), la obra más relevante de Rembrandt, tiene un título original mucho más largo: La compañía militar del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytenburg. Fue un encargo de la Corporación municipal de Arcabuceros de Ámsterdam al pintor. En 1715 la obra fue trasladada al ayuntamiento de la ciudad y al no caber en la sala que se tenía destinada para su exposición se ordenó recortar una parte. Se perdieron la zona superior del cuadro y tres personajes del lateral izquierdo que nunca han podido ser recuperados. El óleo, propiedad del ayuntamiento de Ámsterdam, mide en la actualidad 3,79 metros de largo por 4,54 de alto y pesa 170 kilos.

La pieza fue rasgada con un cuchillo en dos ocasiones (1911 y 1975) y dañada con ácido clorhídrico en 1990. Sus trabajos de restauración comenzarán en julio de 2019 y tendrán un coste de tres millones de euros.

The Next Rembrandt es un proyecto científico participado por la Universidad Técnica de Delft, los museos Mauritshuis y Rembrandthuis, Microsoft e ING. Puesto en marcha en 2015, su objetivo era crear una pintura basada en los temas y técnicas empleadas por Rembrandt. Para ello se estudiaron 168.263 fragmentos de 346 óleos pintados por el artista que proporcionasen datos sobre la composición, las proporciones faciales o el uso de la luz y las sombras, entre otros factores. El resultado fue el retrato de un varón caucásico de entre 30 y 40 años con vello facial y mirada a la derecha del cuadro. Para imitar la textura del óleo se empleó una impresora 3D con 13 capas de tinta ultravioleta.

Los enemigos de la cultura

9 Sep

Conectados

Semana del 03 al 09 de septiembre de 2018

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El museo nacional de Río de Janeiro y los escarpines escarlatas de Judy Garland.

El museo nacional de Río de Janeiro en llamas y los escarpines escarlatas de Judy Garland recuperados por la policía. Fuente: Internet.

A Luzia la encontraron muerta en Brasil en 1975. Lo extraordinario es que muriese dos veces: la primera por causas violentas hace 12.000 años y la segunda en el incendio del museo nacional de Río de Janeiro. Porque los restos de la mujer más antigua de América Latina han quedado definitivamente calcinados por las llamas. Junto a ella han perecido 20 millones de piezas arqueológicas, tesoros paleontológicos y colecciones indígenas con dos siglos de historia.

Tradicionalmente, la ignorancia y el poder han sido los grandes adversarios de la cultura. El patrimonio cultural de los pueblos vencidos ha supuesto un botín de guerra para los ganadores desde el inicio de los conflictos armados. Y la destrucción de los signos de identidad de una civilización sometida es un símbolo máximo de supremacía y de autoridad. La biblioteca de Alejandría, fundada por los Ptolomeos y, en su tiempo, la más grande del mundo, fue incendiada por los romanos en su senda de dominación. Más recientemente, el sectarismo de las guerras en Siria e Iraq ha mermado irremediablemente el acervo milenario de las culturas de Oriente Medio.

Pero también la desidia y la codicia pueden ser ángeles exterminadores. El incendio del museo nacional de Río de Janeiro es solo un signo más de los tiempos. Las causas del incendio apuntan a una negligencia, ocasionada por la escasez de fondos públicos dedicados a su mantenimiento. Lo que conduce a pensar que en el siglo XXI, a la cultura no solo la amenazan enemigos harto conocidos, sino también la pobreza material y espiritual de sus guardianes. Solo 100.000 euros han sido los culpables de que se perdieran siglos de historia acumulada del continente americano.

La apetencia por el dinero también está detrás de la pérdida y reciente recuperación de otro tesoro cultural, esta vez de índole cinematográfica. Quizá para compensar tanta tragedia, el mundo del séptimo arte recuperaba estos días un icono dado por perdido por varias generaciones de espectadores. El par de escarpines escarlatas que Judy Garland llevara en la célebre película “El mago de Oz” en 1939 han podido ser recuperados, trece años después de que fuesen robados del museo dedicado a la actriz en Minnesota.

→ Seguir leyendo artículo “Los enemigos de la cultura”

Exposición. El sueño de Simón Bolívar

24 Ene

Autora: Samia Benaissa Pedriza

“El espíritu de Bolívar”

“El espíritu de Bolívar”, obra de Luis Chichón perteneciente a la exposición “El sueño de Simón Bolívar”. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

En el año 2012, el gobierno de Venezuela difundió una reconstrucción digital del rostro de Simón Bolívar, el político y militar venezolano que lideró la independencia de Latinoamérica en el siglo XIX. Lo cierto es que el culto a la personalidad construido entorno a la figura de Bolívar ha dado lugar a centenares de estatuas y retratos oficiales, pero a ninguna imagen real del que fuera presidente de la Gran Colombia (Bolívar murió en 1830, antes del desarrollo de la fotografía).

La exposición itinerante “El sueño de Simón Bolívar” reúne una muestra de cuadros y esculturas originales sobre la figura de El Libertador que representan a Bolívar desde distintos estilos y perspectivas. Las obras se alejan del formalismo de los retratos oficiales para presentar al exmandatario en otro tiempo y espacio, desde la introspección y la abstracción hasta el realismo y la figuración.

cuadro simón bolívar

“Sin título”. El pasado y el presente de Latinoamérica se unen en esta obra perteneciente a la exposición “El Sueño de Simón Bolívar”. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

retorno al futuro

“Retorno al futuro” (2010). Tomás Lorente. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

En la exposición colabora una amplia representación de países latinoamericanos (Colombia, Cuba, Venezuela, Argentina), así como un conjunto de artistas españoles, tanto noveles como de reconocido prestigio. La muestra, que ha visitado Cantabria y las ciudades de Toledo, Madrid y Berna (Suiza) está de vuelta en la capital desde el año 2015 por tiempo indefinido, aunque su destino final será Venezuela, el país natal de Bolívar.

retrato simón bolívar

“Sin título”. Obra de la pintora colombiana Clemencia de Torralvo perteneciente a la serie de retratos sobre Simón Bolívar. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

retrato simón bolívar

“Alguien susurró libertad”, retrato de Simón Bolívar pintado por el artista venezolano Miguel Santana. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“El sueño de Simón Bolívar”, aquella unión de Estados confederados en la Gran Colombia (Bolivia, Colombia, Venezuela y Perú) no perduró en el tiempo, pero la figura histórica de Simón Bolívar sigue siendo admirada en buena parte de Latinoamérica y especialmente en los países que alcanzaron su independencia gracias a su impulso e iniciativa (Venezuela, Colombia y Ecuador).

Huella de Bolívar I

“Huella de Bolívar I” (2011). Óleo de Felipe Alarcón con temática militar dedicado a la figura de Simón Bolívar. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

batalla de Boyacá

“Batalla de Boyacá”, cuadro pintado por Marcial Rincón. La batalla fue iniciada por Simón Bolívar durante la guerra de la independencia de Colombia en 1819 y propició la liberación del virreinato de Nueva Granada. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

cuadro el sueño de simón bolívar

“Sin título”. Obra perteneciente a la exposición “El Sueño de Simón Bolívar”. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

→Exposición itinerante “El Sueño de Simón Bolívar”. En la Facultad de Derecho de la Universidad Complutense de Madrid por tiempo indefinido. Ciudad Universitaria s/n. Madrid. Entrada libre.

→La Asociación Casa Cultural de Venezuela viene organizando la exposición desde el año 2011 con el fin de dar a conocer la figura de Simón Bolívar por el mundo. La exposición está comisariada por el artista hispano-venezolano Miguel Ángel Marrero Santana.

→En la exposición participan más de cuarenta artistas plásticos de América, África y Europa que han querido unirse a la celebración del bicentenario de la independencia de los pueblos latinoamericanos. Entre ellos figuran Felipe Alarcón (Cuba), Clemencia de Torralvo (Colombia), Raúl Calero, Luis Chichón, Tomás Lorente, Marcial Rincón, Sofía Tornero y Palomo Linares (España).

rostro digital simón bolívar

Reconstrucción digital del rostro de Simón Bolívar realizada a partir de un estudio antropomórfico de su cráneo por científicos venezolanos. Fuente: Internet.

En el año 2010 el Ministerio Público de Venezuela exhumó los restos mortales de Simón Bolívar para determinar las causas reales de su muerte. A pesar de que en 1830 se certificó el fallecimiento de Bolívar por una tuberculosis, los nuevos análisis practicados no fueron determinantes.

La exhumación del cadáver del exgobernante venezolano permitió efectuar una reconstrucción digital de su rostro que fue dada a conocer públicamente por el presidente Hugo Chávez.

 

 

 

Exposición Brujas. Metamorfosis de Goya

18 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Maribel Verdú. El Aquelarre de Goya

La actriz Maribel Verdú participa en “El Aquelarre” de Goya gracias a la imaginación de Denise de La Rue. Autoría y Copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

 

La duquesa de Osuna

La duquesa de Osuna retratada por Francisco de Goya en 1785 (Imagen de dominio público).

En 1797, a Josefa Alonso de Pimentel, duquesa de Osuna, se le ocurrió decorar el gabinete de su casa de campo de El Capricho con una serie de cuadros sobre brujería y superstición. A finales del siglo XVIII la persecución de las brujas ya no era una costumbre propia de la Inquisición sino más bien una nueva moda surgida entre los literatos e ilustrados de la “villa y corte” de Madrid. La figura de las brujas fue satirizada por escritores y pintores de la época como el célebre Francisco de Goya y Lucientes, quien dedicó nada menos que tres series al tema: Asuntos de Brujas (por encargo de su mecenas, la duquesa de Osuna), los grabados Los Caprichos y las famosas Pinturas Negras.

Frente a la imagen de la bruja grotesca y decadente, objeto de las burlas de los intelectuales de finales del XVIII, la artista mexicana Denise de la Rue ha querido mostrar, tres siglos después, una visión luminosa del poder femenino en su serie fotográfica “Brujas”, inspirada en las seis obras de Goya que adornaron los muros del palacio de “El Capricho”. Las imágenes, de gran formato, se exponen ahora de forma temporal en otra residencia de lujo, el Palacio de Parque Florido, sede del Museo Lázaro Galdiano.

Palacio de El Capricho

Palacio “El Capricho” situado en el Parque del Capricho, en Madrid. Fuente: (Ayuntamiento de Madrid. http://www.madrid.es).

Cuatro fotografías retroiluminadas por cajas de luz destacan la presencia de las actrices españolas Maribel Verdú, Inma Cuesta, Adriana Ugarte y Bárbara Lennie. Las intérpretes Macarena García y Verónica Echegui aparecen en dos fotografías más en blanco y negro creadas a partir de tules. Todas ellas lucen vestidos de diseñadores españoles de vanguardia: Ana Locking vistió a Maribel Verdú y a Macarena García, Inma Cuesta se puso un traje de Cortana y Fernando Claro fue el responsable del estilismo de Verónica Echegui. Adriana Ugarte recurrió a Roberto Diz y Bárbara Lennie se puso dos trajes, uno de Alvarno y otro de Jorge Vázquez (en el vídeo).

Inma Cuesta. Brujas de Goya

Fotografía de la actriz Inma Cuesta, inspirada en la obra de Goya, “Las Brujas” (1797-1798). Autoría y copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Bárbara Lennie. Brujas de Goya

La actriz Bárbara Lennie sustituye en “El Hechizado por fuerza” a don Claudio, el sacerdote que creía estar embrujado en la comedia que escribió Antonio de Zamora en 1698 y en la que Goya se inspiró para pintar su cuadro homónimo. Autoría y copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Adriana Ugarte. Brujas de Goya

Adriana Ugarte es la nueva protagonista de “Vuelo de Brujas”, original pintado por Francisco de Goya. Autoría y copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Para crear su serie, De la Rue se inspiró en El Aquelarre y Las Brujas, obras de la colección permanente del Museo Lázaro Galdiano, así como en Vuelo de Brujas (o El dómine Lucas) del Museo del Prado y El Hechizado por fuerza (propiedad de la National Gallery de Londres). Las otras dos pinturas que formaron parte de la serie original pintada por Goya entre 1797 y 1798, La cocina de los brujos y El convidado de piedra (o Don Juan y el Comendador), tuvieron que ser reinterpretadas a partir de fotografías históricas ya que en la actualidad se encuentran en paradero desconocido. La serie “Asuntos de Brujas” se dispersó en 1896 y no ha vuelto a ser reunida.

Macarena García. Brujas de Goya

Macarena García en una nueva versión de “El Convidado de piedra”, pintura de Goya inspirada en la obra homónima del dramaturgo Antonio de Zamora publicada en 1700 sobre el mito de Don Juan. Autoría y copyright: Denise de la Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Verónica Echegui. Brujas de Goya

La actriz Verónica Echegui participa en la recreación de “La cocina de los brujos”, de Francisco de Goya. Autoría y copyright: Denise De La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La exposición incluye también un vídeo producido por Denise De la Rue y en el que la actriz ganadora de un Goya, Bárbara Lennie, da vida a la pintura “El aquelarre”.

Bárbara Lennie. Vídeo Brujas de Goya

Vídeo inspirado en la obra de Goya “El Aquelarre” (1797-1798), protagonizado por la actriz Bárbara Lennie. Goya se inspiró en el proceso de las Brujas de Zugarramurdi (1610), en el que se acusó a dos hermanas de asesinar a sus hijos para dar contento al diablo. Autoría y copyright: Denise de la Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

Cartel exposición Brujas de Goya

Cartel de la exposición “Brujas” en el Museo Lázaro Galdiano. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→ Exposición Brujas. Metamorfosis de Goya. Denise de La Rue. Hasta el 31 de octubre de 2017. Museo Lázaro Galdiano. C/ Serrano 122. Madrid.

→La exposición “Brujas” de Denise de La Rue es la continuación de la muestra “Ángelas”, que estuvo abierta al público hasta el 2 de abril de 2017 en la ermita de San Antonio de La Florida, lugar donde reposan los restos de Goya. De La Rue recreó cinco frescos del célebre pintor aragonés protagonizados por ángeles de sexo femenino. La artista mexicana también contó con la participación de cuatro actrices españolas y una colombiana: Michelle Jenner, Claudia Traisac, Anna Castillo, Natalia de Molina y Juana Acosta.

→Galería de fotos de la exposición “Ángelas”.

 

Juana Acosta. Angelas De La Rue

La actriz colombiana Juana Acosta posa para la exposición Ángelas” de Denise de La Rue. Fuente: Internet.

La prosa del transiberiano y las pinturas de Sonia Delaunay

10 Sep

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Poema la Prosa del transiberiano

Portada, texto completo e ilustraciones del poema “La prosa del transiberiano y de la pequeña Jeanne de Francia”. Blaise Cendrars/Sonia Delaunay (1913). Imágenes de dominio público.

En 1913, el escritor Blaise Cendrars y la pintora Sonia Delaunay unieron sus fuerzas para crear el primer libro “simultáneo”, una obra híbrida escrita en verso libre bajo la forma de una balada. Un ejemplar de La prosa del transiberiano y de la pequeña Jeanne de Francia puede consultarse ahora en la exposición que el Museo Thyssen-Bornemisza ha dedicado a la artista y diseñadora de origen ruso.

El poema rememora el viaje en el tren transiberiano que Blaise Cendrars realizó cuando contaba 16 años, aunque adaptado por la imaginación del autor, que en esta versión literaria va acompañado por la “pequeña Jeanne”, una joven meretriz, desde Moscú hasta París. El poema, escrito en los primeros meses de 1913, innovó tanto por su forma (sin rima ni puntuación en algunos pasajes) como por su presentación. El texto, con una extensión de dos metros, se relaciona con las imágenes creadas por Sonia Delaunay en una edición doblada en acordeón que fue publicada por la revista de Cendrars, Les Hommes nouveaux.

Prosa del transiberiano edición acordeón

La pintura-texto “La prosa del transiberiano y de la pequeña Jeanne de Francia”. (Cendrars/Delaunay, 1913). Fuente: Internet.

Sonia Delaunay se inspiró en el ritmo irregular y entrecortado del poema, -similar al de una locomotora- para producir fragmentos desordenados de color entretejidos con la narración. Era la primera vez que poeta y pintora experimentaban con el concepto de “simultaneidad” de forma colectiva, una tendencia que, a decir verdad, carecía de auténtico sentido. El término fue empleado tanto por artistas gráficos (los futuristas, Robert y Sonia Delaunay) como por escritores (el propio Cendrars, Henry-Martin Barzun) para referirse a la modernidad en términos generales (es decir, la ruptura con todas las formas conocidas de interpretar el arte).

Cendrars y Delaunay, dos buenos amigos que había presentado el poeta Guillaume Apollinaire, trataron de explicar que su creación común representaba una forma inédita de contemplar la poesía y la pintura desde una nueva perspectiva sonora y visual. Pero, a pesar de los esfuerzos, el poema no suscitó buenas críticas.

→Fragmento del poema La prosa del transiberiano y de la pequeña Jeanne de Francia:

Le Kremlin était comme un immense gâteau tartare croustillé d’or,

Avec les grandes amandes des cathédrales, toutes blanches

Et l’or mielleux des cloches…

Un vieux moine me lisait la légende de Novgorod

J’avais soif

Et je déchiffrais des caractères cunéiformes

Puis, tout à coup, les pigeons du Saint-Esprit s’envolaient sur la place

Et mes mains s’envolaient aussi avec des bruissements d’albatros

Et ceci, c’était les dernières réminiscences

Du dernier jour

Du tout dernier voyage

Et de la mer.

→Traducción libre al castellano (Autora: Samia Benaissa Pedriza):

El Kremlin era como un inmenso pastel tártaro con crocante de oro

Con esas almendras grandes de las catedrales, tan blancas

Y el oro meloso de sus campanas…

Un monje anciano me leía la leyenda de Novgorod

Estaba sediento

Y descifraba unos caracteres cuneiformes

Cuando, de pronto, las palomas del Espíritu Santo echaron a volar sobre la plaza

Y mis manos también se izaron con el crujido de un albatros

Siendo estas, las últimas reminiscencias

Del último día

Del último y definitivo viaje

Y del mar.

→Poema completo “Prose du Transsibérien et de la petite Jeanne de France”, perteneciente al libro recopilatorio Du monde entier au coeur du monde (Blaise Cendrars, 1913):

Prose du Transsibérien (Cendrars, 1913)

Sonia Delaunay siguió trabajando en el concepto de simultaneidad, que aplicó a gran parte de sus manifestaciones artísticas, incluida la moda. Con el estallido de la revolución rusa en 1917, el matrimonio de artistas formado por Robert y Sonia Delaunay decidió instalarse en España. En Madrid, Sonia comenzó a diseñar vestidos para las mujeres de la alta burguesía con tanto éxito que terminó abriendo varias boutiques y los ingresos obtenidos por esta actividad se convirtieron en el sustento principal de la familia. Blaise Cendrars le dedicó su poema “Sur la robe elle a un corps”, inspirado en los vestidos “simultáneos” de la artista.

Contrastes simultáneos. Delaunay 1913

A la izda., “Contrastes simultáneos” (Sonia Delaunay, 1913). A la dcha., “Vestido simultáneo” (Sonia Delaunay, 1913). Fuente: Prensa Museo Thyssen-Bornemisza.

 

Vestidos simultáneos. Delaunay 1925-

A la izda., “Vestidos simultáneos (Tres mujeres, formas, colores)” pintado en 1925 por Sonia Delaunay. A la dcha., abrigo bordado diseñado para la actriz Gloria Swanson por Delaunay en 1925. La prenda está inspirada en el cuadro anterior. Fuente: Prensa Museo Thyssen-Bornemisza.

+ info:

Blaise Cendrars

El escritor Blaise Cendrars. Imagen de dominio público.

El escritor francés de origen suizo Frédéric-Louis Sauser (1887-1961), más conocido por su nombre artístico Blaise Cendrars, es popular por sus obras inspiradas en viajes reales e imaginarios, escritas tanto en verso como en prosa.

Obligado a cursar estudios de comercio por sus padres, a los 16 años huye junto a un traficante y llega hasta Rusia donde aprende el oficio de joyero. En 1912, seguro de su nueva vocación de escritor, se instala en París donde funda la revista Les Hommes Nouveaux y conoce a Robert y Sonia Delaunay.

 

Sonia Delaunay

La pintora Sonia Delaunay. Fuente: Internet.

Sonia Delaunay: su verdadero nombre era Sarah Ilínichna Stern (1885-1979) y había nacido en Ucrania, aunque se dio a conocer como la pintora y diseñadora Sonia Delaunay. Junto a su segundo marido el artista Robert Delaunay, creó el “Simultaneísmo”, una nueva corriente nacida a partir del arte abstracto de comienzos del siglo XX del que ambos fueron también importantes representantes.

→Visita virtual a la exposición “Sonia Delaunay. Arte, diseño y moda”. Museo Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado, 8. Madrid. Hasta el 15 de octubre 2017.

Exposición Retorno a la belleza. Arte italiano de entreguerras

18 May

Agenda cultural

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Descanso. Pompeo Borra.

“Descanso” (1933). Autor: Pompeo Borra. Cuadro de la exposición “Retorno a la belleza”.

La exposición de la Fundación Mapfre Retorno a la belleza es un compendio de obras de los artistas italianos empeñados en recuperar del arte la belleza y la armonía perdidas tras la llegada de las vanguardias, al término de la Primera Guerra Mundial.

El esteticismo de los pintores italianos del período de entreguerras se expresa en una serie de corrientes como el denominado “realismo mágico” y la pintura metafísica así como las creaciones del grupo Novecento. Se trata de dar una nueva vuelta de tuerca al clasicismo y a la tradición: retratos, paisajes, naturalezas muertas y bodegones, desnudos y alegorías reinterpretados a principios del siglo XX con el impulso que tenía Italia tras haber ganado la guerra.

La llegada del fascismo a Italia supuso intervenir en el desorden económico y social del país surgido tras la posguerra, aunque más tarde la situación política degenerase en una dictadura personalizada en la figura de Benito Mussolini. La propaganda del régimen se esforzaba por crear una imagen exterior de Italia fuerte y potente desde todos los puntos de vista: militar y económico pero también cultural, social y deportivo. Una Italia monumental fue construyéndose poco a poco entre estadios, grandes edificios y coliseos.

La grandeza italiana, comparable en cierta medida a la Francia de Napoleón, se plasmó en grandes obras de pintores como Giorgio di Chirico, Mario Sironi, Ubaldo Oppi, Felice Casorati o Cagnaccio di San Pietro.

Algunas de las producciones artísticas de los años treinta retornan al clasicismo más puro mientras otras no dejan de incorporar influencias de las vanguardias más recientes: la ensoñación del surrealismo, las figuras geométricas del cubismo o la presencia de máquinas, vehículos o trenes propia del futurismo italiano.

Plaza de Italia. Giorgio di Chirico

La Italia monumental se representa de forma presurrealista en esta obra de Giorgio di Chirico. “Plaza de Italia” (1924-1925) recibe al visitante de la exposición “Retorno a la belleza” en la Fundación Mapfre. Autora fotografía: Samia Benaissa Pedriza.

Si bien los temas expuestos en las pinturas pueden resultar banales, no lo es tanto su forma de expresión artística. Un retrato de la esposa del marchante de arte de Felice Casorati muestra algo más que la imagen de una señora burguesa. El uso de la perspectiva, la geometría y la densidad del color convierten al género en algo que supera la mera representación de una determinada clase social. De Casoreti también es el llamativo retrato del niño Renato Gualino, elaborado entre los años 1923 y 1924.

Retrato Teresa Madinelli.

Retrato de la señora Teresa Madinelli (1918-1919). Autor: Felice Casoreti.

 

Retrato de Renato Gualino

Retrato de Renato Gualino (1923-1924). Autor: Felice Casoreti.

De Cagnaccio di San Pietro es Primo Denaro, una obra de 1935 que no muestra el clásico desnudo femenino de bañistas sino el abandono físico de aquellas mujeres que se ven obligadas a vender su cuerpo por dinero. El dramatismo se expresa mediante el uso del color y el contraste entre la luz que parece emanar de la figura humana representada y la oscuridad del fondo.

“Primo denaro”

“Primo denaro” (1935). Autor: Cagnaccio di San Pietro.

El uso del color y de la iluminación es común tanto en di San Pietro como en Ubaldo Oppi, ambos exponentes del “realismo mágico”. Oppi pintó retratos pero también naturalezas muertas y en ambos casos jugaba con la luz y el color para crear perspectivas y destacar las figuras del primer plano. Una mujer de piel blanca podía brillar de la misma manera que una flor cortada y sumergida en un jarrón de agua opaca sobre un fondo oscuro.

Retrato de Laura. Oppi

Retrato de Laura (1924). Autor: Ubaldo Oppi.

Oppi también perteneció al grupo Novecento junto a Mario Sironi, quien destaca por su formalismo, el uso del claroscuro, la geometría y la representación de los paisajes urbanos de su tiempo. Posiblemente sea este grupo de pintores el que más cerca estuvo de representar pictóricamente las ideas difundidas por la propaganda nacionalista de Mussolini.

Periferia con camión. Mario Sironi.

Periferia con camión (1920). Autor: Mario Sironi.

El arquitecto. Mario Sironi.

El arquitecto (1922-1923). Autor: Mario Sironi.

La muestra se completa con obras de otros artistas no incluidos en estos movimientos como Pompeo Borra, Gisberto Ceracchini o Marino Marini.

+ info:

→Exposición de la Fundación Mapfre Retorno a la belleza. Obras maestras del arte italiano de entreguerras. Hasta el 4 de junio de 2017.  Paseo de Recoletos, 23. Madrid. Lunes de 14:00 a 20:00 (entrada gratuita), martes a sábado de 10:00 a 20:00. Domingos y festivos de 11:00 a 19:00.

80 aniversario de los bombardeos de Guernica

26 Abr

Una imagen o mil palabras

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El guernica de Pablo Picasso.

El Guernica de Pablo Picasso. Fuente: Museo nacional Centro de Arte Reina Sofía.

El 26 de abril de 1937 la legión Cóndor alemana y la Aviación Legionaria italiana bombardearon la ciudad vasca de Guernica, defendida por los partidarios del gobierno republicano durante la Guerra Civil española. Los centenares de muertos que el ataque militar provocó, el miedo, la destrucción y el sufrimiento fueron inmortalizados en un cuadro de Pablo Picasso, destinado a convertirse en un icono del siglo XX.

La simbología del Guernica es peculiar y variada: seres humanos y animales reunidos en un mismo escenario representando escenas de La pietà, la destrucción de las artes o los fusilamientos del Tres de Mayo mezclados con el cubismo y la vida privada de Pablo Picasso.

Una única imagen para expresar el horror total de las guerras, sin palabras.

Los bombardeos sobre Guernica

Guernica no poseía ningún tipo de defensa antiaérea lo que facilitó la destrucción de la ciudad por las potencias aliadas de las tropas nacionales lideradas por el General Franco: la Alemania nazi y la Italia de Benito Mussolini. El ataque a Guernica se efectuó en tres fases que ocuparon desde las 15:30 hasta las 20:30 horas. Desde el cielo se lanzaron bombas incendiarias, seguidas de otras explosivas y de ametrallamientos sobre la población.

El 70% de los edificios quedaron destruidos y los historiadores estiman el número de víctimas mortales en 126, aunque el gobierno republicano afirmase que se produjeron más de 1.500. El eficaz sistema de alertas y refugios de la ciudad favoreció que se registrase un reducido número de bajas civiles.

Guernica bombardeada. 1937

La ciudad de Guernica, destruida por los bombardeos de la aviación alemana en 1937. Fuente: Archivos Federales de Alemania (Licencia CC).

El bombardeo de Guernica, a pesar de no ser ni el primero ni el más mortífero que sufriría la población española durante la Guerra Civil fue tomado como un símbolo intelectual del antibelicismo. El propio General Franco quedó sorprendido por la virulencia del ataque alemán y los efectos de la destrucción masiva de la ciudad. La propaganda franquista incluso llegó a negar la autoría de los bombardeos, atribuyéndola al propio ejército republicano. Los hechos solo se reconocieron en 1971, cuatro años antes del final de la Dictadura franquista.

+ info:

El Guernica fue un encargo del gobierno de la Segunda República española para ser exhibido durante la Exposición Internacional de 1937 en París. El objetivo era suscitar las simpatías de la comunidad internacional hacia los intereses republicanos durante la Guerra Civil.

Pablo Picasso

El pintor malagueño Pablo Picasso. Imagen de dominio público.

Pablo Picasso no era particularmente proclive al gobierno republicano pero aceptó el encargo convencido por sus amigos el pintor y político Josep Rinau  (quien le había concedido a Picasso el cargo de director honorario del Museo del Prado) y los escritores Max Aub y José Bergamín. Picasso solo aceptó ser pagado por los materiales utilizados para elaborar el mural.

El cuadro fue pintado en tan solo dos meses, entre mayo y junio de 1937, inmediatamente después del bombardeo de la ciudad de Guernica por la aviación alemana e italiana en abril de ese mismo año. El cuadro original mide 3.49 metros de alto por 7.76 de ancho. Desde 1981 está expuesto en el museo nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

Exposición. Renoir: intimidad

19 Ene

Agenda cultural

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Pierre-Auguste Renoir en 1910

Retrato fotográfico del pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir hacia 1910. El artista posa en la intimidad de su taller. Fuente: Biblioteca Nacional de Francia. Imagen de dominio público.

Pierre-Auguste Renoir no siempre fue un pintor reconocido, ni siquiera cuando ya se había abierto camino en la profusa escena artística francesa de finales del siglo XIX. La exposición Renoir: intimidad reúne una muestra de obras que tienen en común la expresión de lo privado: retratos de la alta sociedad, paisajes subjetivos, escenas familiares y desnudos de bañistas. Pero Renoir, que destacaba por su originalidad a la hora de abordar temas poco comunes en el impresionismo (la figura humana, el desnudo femenino), no siempre fue comprendido por público y crítica. Como muestra tres retratos de encargo que el pintor ejecutó entre 1870 y 1890 que no siempre dejaron satisfechos a sus propietarios:

L’Algérienne (1870)

L´Algérienne. Renoir 1870

L´Algérienne. Retrato de Pierre-Auguste Renoir (1870). El cuadro pertenece al Fine Arts Museum de San Francisco. Imagen de dominio público.

El retrato que Renoir pintó de Rebecca Clémentine Valensi Stora fue repudiado tanto por la modelo como por su autor. La Sra. Stora, una mujer judía residente en Argelia durante la época posterior a la colonización francesa del país, llegó a decir de él que era “horrible”. En 1893 su propietaria lo vendió al retratista Paul Helleu por unos escasos 300 francos, a pesar de que las obras de Renoir ya alcanzaban una alta cotización. Finalmente Helleu se lo vendió a Claude Monet quien lo exhibió en la exposición de Orientalistas franceses de 1906.

El cuadro fue pintado en un estilo alejado del impresionismo, con rasgos clásicos que el propio Renoir rechazaría más tarde. La obra pertenece al movimiento orientalista que otros pintores como Ingres o Delacroix habían explorado a principios del siglo XIX. Los ropajes que la modelo llevaba puestos eran los típicos del país africano y el retrato se pintó en París, a donde los Sres. Sora se habían trasladado a finales de la década de 1860 por el rechazo a la comunidad judía residente en Argelia. La intensidad de los colores que Renoir y otros impresionistas plasmaron en sus cuadros es fruto de la inspiración que el país norteafricano ejerció en ellos.

Retrato de la Sra. Paulin (1885-1890)

Retrato de la Sra. Paulin. Renoir 1885-1890

Retrato de la Sra. Paulin (1885-1890) pintado por Pierre-Auguste Renoir. La obra pertenece a The Israel Museum de Jerusalén. Imagen de dominio público.

Veinte años separan a “L´Algérienne” de este retrato de la Sra. Paulin, la esposa burguesa de un amigo  de Renoir. Se trata de un retrato que bien pudo realizar Renoir sin un encargo previo, a diferencia de otros muchos que pintó sobre las clases sociales acomodadas del París de finales del siglo XIX. En ambos retratos permanecen constantes las pinceladas gruesas, los colores intensos y el contraste con la piel pálida de las figuras representadas. Pero el retrato de la Sra. Paulin expresa ya una contención y unos trazos rápidos mucho más propios del impresionismo.

Retratos de Charles y Georges Durand-Ruel (1882)

Retrato de los hermanos Durand-Ruel

Charles y Georges Durand-Ruel (1882) retratados por Pierre-Auguste Renoir. Imagen de dominio público.

En 1882, Renoir todavía pintaba cuadros impresionistas a su manera, un estilo influido por modos clásicos de reflejar la realidad. En 1881 Renoir hizo un viaje a Italia y quedó impresionado por las obras de Rafael. Sin embargo, el retrato de Charles y Georges Durand-Ruel fue el último que el pintor francés dedicó a esa forma tan peculiar de interpretar el impresionismo. El cuadro fue un encargo del marchante de arte Paul Durand-Ruel, quien le pidió a Renoir que pintara varios retratos de su familia.

La obra muestra a los dos hijos adolescentes de Durand-Ruel, de dieciséis y diecisiete años, sentados en el jardín de la casa de verano de la familia en Dieppe. Al patriarca, que conocía al pintor y le compraba cuadros, no le gustó sin embargo que Renoir pintase un retrato de sus vástagos al aire libre. Lo habitual entre las clases adineradas era componer retratos en interiores que mostrasen a sus protagonistas en escenarios propios de su estatus social. En el cuadro se puede apreciar el contraste entre los rostros bien dibujados de los retratados y sus trajes, menos precisos en su trazado, así como el difuso fondo floral.

+ info:

Exposición Renoir: intimidad. Museo Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado, 8. Madrid. Hasta el 22 de enero de 2017. Lunes a domingo de 10:00 a 19:00.

Retrato de Paul Durand-Ruel, Renoir 1910

Retrato de Paul Durand-Ruel pintado por Renoir en 1910. Imagen de dominio público.

→En 2015 se creó en Estados Unidos la plataforma “Renoir apesta como pintor”, en contra del estilo de expresión pictórica del artista francés. Fue precisamente en Estados Unidos y gracias al apoyo y difusión de su obra por el marchante de arte Paul Durand-Ruel donde las obras de Renoir comenzaron a resultar reconocidas. Los tres hijos de Durand-Ruel, Joseph, Charles y Georges fueron los encargaron de promocionar las obras de los autores impresionistas en su galería de Nueva York.

 

 

En defensa de Gustave Caillebotte

30 Nov

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Piraguas en el río Yerres

“Piraguas en el río Yerres” (1877). Gustave Caillebotte. Copyright: Washington National Gallery of Art. Cuadro expuesto en la primera exposición retrospectiva de Caillebotte en España.

Mientras 2016 se va cerrando con conmemoraciones pictóricas varias y el transcurso del tiempo contribuye a poner a cada genio en su sitio, surge la oportunidad de reivindicar la figura de Gustave Caillebotte, pintor impresionista zaherido por sus contemporáneos y recuperado por las generaciones futuras de finales del siglo XX. Una exposición itinerante organizada por el Museo de los impresionismos de Giverny el Museo Thyssen-Bornemizsa ha sido el evento más mediático, pero no el único. Conferencias, reportajes y críticas especializadas sobre Caillebotte y su obra se han ido sucediendo para difundir y poner en valor la producción de un artista original, tanto por su técnica como por su condición social.

Caillebotte y la Nueva Pintura

Los acuchilladores de parqué

“Los acuchilladores de parqué” (1875). Gustave Caillebote. Copyright: París, Comité Caillebotte.

El cuadro Los acuchilladores de parqué, uno de los primeros ensayos de Caillebotte con la pintura, fue rechazado en el Salón Oficial de 1875 por referir una temática demasiado trivial y alejada de los cánones de la alta burguesía. Caillebotte, a pesar de pertenecer a una familia acaudalada y no tener la obligación de trabajar para sobrevivir, no era ajeno a entornos sociales más bajos que otros pintores, mucho menos favorecidos económicamente, evitaban retratar. Irónicamente, Los acuchilladores de parqué se ha convertido 140 años después en uno de los cuadros más emblemáticos de Gustave Caillebotte.

Precursor de la fotografía

Remero con sombrero de copa

“Remero con sombrero de copa” (1878). Gustave Caillebotte. Copyright: RMN-Grand Palais.

Al pintor y mecenas francés algunos críticos le reprochaban la precisión fotográfica de sus cuadros. El escritor naturalista Emile Zola dijo de sus pinturas en 1876 que eran “totalmente antiartísticas, demasiado transparentes y exactas” y que “la fotografía de la realidad cuando no se ve reforzada por el talento artístico resulta algo vergonzoso”. Zola, experto en describir con la pluma el realismo social de las clases obreras fue uno de los más destacados detractores de Caillebotte. Aunque más tarde fueran el uso de la perspectiva y el enfoque en picado de muchos de sus cuadros las características más apreciadas del pintor francés.

Luces y sombras

Ropa blanca secándose al viento

“Ropa blanca secándose al viento” (1888). Gustave Caillebotte. Imagen de dominio público.

Si hay algo por lo que destacan las obras de Gustave Caillebotte son los toques de luz estratégicamente logrados mediante pinceladas cargadas de blanco o amarillo y  los juegos de luces y sombras, poco frecuentes en el impresionismo. Era especialmente habilidoso a la hora de difuminar colores para crear cielos y fondos sobre los que destacaban el resto de las figuras o de los paisajes rupestres que pintaba a orillas del Sena.

La paleta de colores

El Boulevard, visto desde arriba

“El boulevard, visto desde arriba” (1880). Gustave Caillebotte. Copyright: París, Comité Caillebotte.

De Caillebotte se decía que abusaba de los tonos apagados, de los grises y de los azules: “todo es azul en él, asusta pensar lo que se puede gastar en azul cobalto, en azul ultramar y en añil”, ironizaba el pintor Louis Leroy en el periódico Le Charivari.  A pesar de las críticas, las pinturas plomizas del parisino Boulevard Haussman que Caillebotte elaboró fueron las más apreciadas por la crítica a partir de los años 1970. Más adelante Caillebotte introduciría el color y los contrastes entre vivos rojos y verdes en la última etapa de su producción artística, cuando se dedicó casi en exclusiva a representar las plantas que hacía crecer en su invernadero del Petit Gennevilliers.

Un mecenas generoso

Girasoles. Jardín de Petit Gennevilliers

“Girasoles. Jardín de Petit Gennevilliers” (1885). Gustave Caillebotte. Imagen de dominio público. La residencia del pintor fue totalmente destruida por los bombardeos aéreos que tuvieron lugar en 1944 durante la Segunda Guerra mundial.

Los enemigos de Caillebotte le reprochaban su escaso amor por el trabajo. Consideraban que el rico heredero empleaba demasiado tiempo en otras ocupaciones como la horticultura, el coleccionismo de sellos o la construcción de veleros de competición. La realidad fue que a Caillebotte, con una producción cercana a los 500 cuadros, el destino no le concedió más tiempo para trabajar pues murió a los 45 años de edad a causa de un derrame cerebral. El artista legó al Estado francés su colección personal de cuadros impresionistas de Renoir, Monet, Cézanne o Pisarro, artistas que Caillebotte había ayudado y financiado generosamente en vida y que constituye la base del actual Museo de L´Orangerie de París.

+ info:

Caillebotte. Autoretrato

Autorretrato de Gustave Caillebotte (1889). Imagen de dominio público.

Gustave Caillebotte (1848-1894) no tuvo la oportunidad de presenciar el nacimiento del nuevo siglo (XX). A pesar de ello fue un hombre avanzado por la introducción de técnicas e ideas novedosas en la corriente impresionista que no siempre fueron bien recibidas. Su evolución como artista plástico fue amplia en un tiempo corto, desde la representación de distintos ambientes sociales hasta el uso de la luz, el color y la perspectiva. Caillebotte dejó inacabada su última obra, unos paneles de margaritas para las puertas del comedor de su casa en Petit Gennevilliers (Francia). Más tarde Claude Monet, su gran amigo, retomaría su idea para crear sus composiciones de gran formato.

Caillebotte no comenzó a ser reconocido internacionalmente hasta el último cuarto del siglo XX en Estados Unidos. Francia, su país de origen, organizó la primera exposición retrospectiva del artista en 1994 pero hubo que esperar al nuevo milenio para que la figura de Caillebotte se reivindicara y apreciara también en el mercado del arte. La primera exposición retrospectiva de Gustave Caillebotte en España se ha celebrado en 2016 con una discreta muestra de 65 cuadros en el Museo Thyssen-Bornemisza.

Exposición Caillebotte, pintor y jardinero

Entrada a la exposición “Caillebotte, pintor y jardinero” con una reproducción en gran tamaño de “Calle de París, tiempo lluvioso”, boceto (1877). Museo Thyssen-Bornemisza. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→Visita virtual Caillebotte, pintor y jardinero (Museo Thyssen-Bornemisza)