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Clásicos del cine y la Tv. El Gran Lebowski

16 Abr

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Fotograma de El Gran Lebowski

Fotograma de “El Gran Lebowski”, de los hermanos Coen. Fuente: Internet.

Se cumplen veinte años del estreno de El Gran Lebowski, la hilarante cinta que los hermanos Coen rodaron en 1998. La película, que reunía un buen puñado de actores secundarios de lujo pronto se convirtió en un film de culto para toda una generación.  A la espera del estreno de Going Places, un spin off que no termina de ver la luz, repasamos una de las historias más rocambolescas contadas en la gran pantalla para el público adulto.

→Ficha técnica: La película, producida por Working Title Films y dirigida por Joel y Ethan Coen se estrenó en el Festival de Sundance en 1998. La comedia, de 118 minutos de duración, recibió financiación por un valor de 15 millones de dólares y generó unas ganancias mundiales superiores a los 46 millones. Según sus directores y guionistas, la estructura del guion se inspiró en las novelas policíacas de Raymond Chandler. La banda sonora fue compuesta por Carter Burwell aunque se incluyeron canciones de Bob Dylan, Creedence Clearwater Revival, los Eagles, Santana, Nina Simone o los Gipsy Kings, entre otros.

→Argumento: “El Nota” (Jeff Bridges) un cuarentón desempleado residente en Los Ángeles es confundido con un millonario cuya joven esposa acaba de ser secuestrada. De forma un tanto confusa, “El Nota” acaba aceptando participar en la operación de rescate hasta que uno de sus descerebrados amigos, un veterano de Vietnam (John Goodman), decide quedarse con el dinero. Entremedias surgen otros personajes que complican la trama (la hija del millonario interpretada por Julianne Moore, un grupo de “amenazantes” filósofos nihilistas) hasta que todo se resuelve de forma trágica e inesperada.

→Escena de El Gran Lebowski en la que “El Nota” (Jeffrey Lebowski) conoce al millonario Lebowski y a su joven esposa Bunny. Fuente: You Tube.

→¿Cómo acusa el paso del tiempo?: El Gran Lebowski es una de esas películas que toda una generación de espectadores siempre recordará sin importar el número de años transcurridos desde su estreno. En 1998 la cinta obtuvo una recaudación en taquilla más bien discreta, teniendo en cuenta que se trataba de una producción independiente, si bien firmada por los ya pujantes hermanos Joel y Ethan Coen quienes acababan de obtener un Óscar por Fargo. La crítica fue un tanto irregular pero con los años, El Gran Lebowski ha pasado de ser una cinta de culto a un clásico del cine indie de los noventa.

→Está de actualidad por: su aniversario y el esperado estreno del film Going Places, dirigido, escrito y protagonizado por el actor John Turturro, personaje secundario y estrafalario donde los haya de El Gran Lebowski. La película se anunció desde su preproducción como una historia derivada de la anterior, protagonizada por Jesús Quintana, el extravagante jugador de bolos latino que participaba en la historia de los hermanos Coen.

¿Qué fue de sus personajes?

Jeff Bridges

Jeff Bridges

El actor Jeff Bridges. Autor: Tomdog (Licencia CC).

Al veterano actor Jeff Bridges le ha ido muy bien desde que interpretase a “El Nota” en El Gran Lebowski. En el año 2009 consiguió el Óscar a mejor actor por otro personaje difícil de olvidar, el alcoholizado cantante ficticio de country Bad Blake en Corazón Rebelde (Crazy Heart). Últimamente Bridges ha ido encadenando personajes complicados, que rayan el borde de la normalidad o con personalidades muy acusadas. Su último éxito es el film Comanchería por el que fue nominado a mejor actor secundario en los Óscar de 2017.

 

John Goodman

John Goodman

El actor John Goodman. Autor: Georges Biard (Licencia CC).

En El Gran Lebowski, Walter Sobchak (interpretado por John Goodman) es un arquetipo del exmilitar violento e intransigente, obsesionado con la religión, las armas y la seguridad que a pesar de ello vive dominado por su esposa. En 1998 John Goodman gozaba de una gran popularidad gracias a su participación en la serie de televisión Roseanne. Desde entonces no ha dejado de trabajar en cine y televisión e incluso ha prestado su voz como doblador en películas de animación. En el último año ha rodado cuatro filmes, entre ellos, la superproducción Kong: Skull Island (2017).

 

Steve Buscemi

Steve Buscemi

El actor Steve Buscemi. Autor: David Shankbone (Licencia CC).

A “Donny”, el personaje que le tocó interpretar a Steve Buscemi en El Gran Lebowski, se las dan todas en el mismo lado. Quizá por su frágil constitución física, a Buscemi le han caído encima los papeles más humillantes que han pasado por la mente de los hermanos Coen. Buscemi es otro actor prolífico que no pasa de interpretar papeles secundarios, aunque actúa  con maestría. En las últimas décadas ha alternado películas independientes (Big Fish, Hotel Transylvania) con  grandes producciones de Hollywood (Armageddon). También se ha subido al carro de las series (Los Soprano) y ha hecho alguna incursión en el terreno de la dirección.

Julianne Moore

Julianne Moore

Julianne Moore en la actualidad. Autor: Gordon Correll (Licencia CC).

Julianne Moore es otra triunfadora de Hollywood. Aunque en los años noventa no era demasiado conocida por el gran público, su carrera fue ascendiendo progresivamente. En El Gran Lebowski hacía de hippie trasnochada pero después fue elevando el nivel de sus interpretaciones.

Al cambiarse a la liga de las películas comerciales, Moore obtuvo popularidad pero también éxito de crítica: Hannibal, Las Horas o Los Juegos del Hambre-Sinsajo son solo algunas de sus películas más conocidas. Finalmente Moore se alzó con el Óscar a la mejor actriz en 2015 por su conmovedora interpretación de una profesora de universidad a la que le diagnostican Alzheimer en Siempre Alice (Still Alice).

John Turturro

John Turturro

John Turturro en el Festival de cine de Tribeca (2009). Autor: David Shankbone (Licencia CC).

A John Turturro no le sentó demasiado bien enterarse de que su personaje en El Gran Lebowski solo tenía un par de escenas en la película. Aun así decidió imprimirle su particular carácter y al final ha acabado siendo uno de los más recordados del film de los noventa. Tanto que el actor se ha pasado a la dirección para rodar un spin off con el personaje de “Jesús” como protagonista en Going Places, aun pendiente de estreno.

Turturro es otro de los incondicionales de los hermanos Coen quienes le ayudaron con la producción de su tercera película como director Romance & Cigarettes (2005). En los últimos años se ha centrado en producir, escribir y dirigir cine independiente con alguna participación como actor en exitosas películas de acción (véase la saga Transformers).

 

Philip Seymour Hoffman

Philip Seymour Hoffman

El actor Philip Seymour Hoffman en el año 2010. Autor: Justin Hoch (Licencia CC).

Los años noventa sirvieron de laboratorio para ensayar las grandes carreras de quienes una década después serían los grandes actores del principio del nuevo milenio. Philip Seymour Hoffman fue uno de ellos. En El Gran Lebowski hacía de asistente servicial del millonario  Lebowski.

Sus destacadas interpretaciones como actor secundario no dejaron a nadie indiferente (Magnolia, El Talento de Mr. Ripley, La Duda) si bien el actor se mantuvo algo encasillado en papeles no protagonistas hasta su fallecimiento por una sobredosis de heroína en el año 2014. A excepción de sus trabajadas encarnaciones del fundador de la cienciología en The Master (2012) y del escritor Truman Capote que le valió el Óscar a mejor actor principal en Capote (2005). La última película en la que participó fue el taquillazo Los Juegos del Hambre-Sinsajo (2015) en la que de nuevo coincidió con Julianne Moore.

+ info:

Curiosidades del rodaje:

Cartel de El Gran Lebowski

Cartel español de “El Gran Lebowski” (1998). Fuente: Internet.

El rodaje de El Gran Lebowski duró once semanas entre enero y abril de 1997 y se desarrolló íntegramente en la ciudad de Los Ángeles (centro y exteriores).

Una de las escenas se rodó en Johnny´s Coffee Shop, un bar de Hollywood que solo se utiliza para rodajes de películas. Es el mismo bar que aparece en Reservoir Dogs, Volcano y American History X.

Las escenas en que se representan los sueños psicodélicos de “El Nota” se rodaron en un hangar para aviones.

 

Jeff Dowd

Jeff Dowd, fuente de inspiración real para “El Gran Lebowski”. Fuente: Wikipedia (Licencia CC).

 

El personaje de “El Nota” (“The Dude” en el guion original) está inspirado en Jeff Dowd, un antiguo miembro del grupo anti-belicista Seattle Seven  apodado “The Dude” en la vida real.

Los hermanos Coen también tomaron como referencia a  Pete Exline, un veterano de la guerra de Vietnam amigo suyo.

Jeff Bridges confesó que se inspiró en su propio comportamiento en los años sesenta para meterse en la piel de “El Nota”.

 

 

→El personaje de Maude Lebowski (la hija del millonario Lebowski) está basado en la artista visual Carolee Schneemann, quien trabajaba colgada de un columpio, y en Yoko Ono, también artista conceptual y segunda esposa de John Lennon.

Julianne Moore. Rodaje El Gran Lebowski

La actriz Julianne Moore (Maude Lebowski) en un descanso del rodaje de “El Gran Lebowski”. Fuente: Internet.

→La mayoría de la ropa que luce Jeff Bridges en la película provenía de su propio vestuario.

Rodaje El Gran Lebowski. Jeff Bridges

Joel Cohen reparte indicaciones a Jeff Bridges durante el rodaje de “El Gran Lebowski”. Fuente: Internet.

→Desde el año 2002 se celebra en varias ciudades del mundo la Lebowski Fest en la que los fans de la película se reúnen anualmente para beber rusos blancos y jugar a los bolos como los personajes del film de los hermanos Coen.

Rodaje El Gran Lebowski. Bolera

Actores y equipo técnico preparan una escena de “El Gran Lebowski” en la bolera. Fuente: Internet.

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Clásicos del cine y la Tv. Blade Runner

12 Dic

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Escena de Blade Runner (1982)

Escena de Blade Runner (1982) dirigida por Ridley Scott. Fuente: Internet.

→Ficha técnica: Blade Runner es una película de la Warner Bros. dirigida por Ridley Scott, un grande del cine de acción que en 1981 rodaba su cuarta película en Hollywood. Del guion se ocuparon Hampton Francher y David Peoples, encargados de adaptar la novela de 1968 de Philip K. Dick, ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? La cinta, de 117 minutos de duración se rodó con un presupuesto de 28 millones de dólares y a duras penas logró recuperar la inversión inicial con la exigua recaudación obtenida durante su estreno en 1982 (33,7 millones de dólares). La banda sonora –new age- corrió a cargo de Vangelis, reciente ganador de un Oscar de la Academia por la película Carros de Fuego.

→Argumento: la película, una mezcla de géneros (neo-noir y ciencia ficción), presenta la acción en una futurible ciudad de Los Ángeles, en noviembre de 2019. La raza humana ha logrado replicarse en una nueva especie de androides, superiores en fuerza física pero no en emociones, que son empleados como esclavos en las colonias del espacio exterior. Tras una rebelión de androides, un comando rebelde de Nexus -6 llega a la Tierra poniendo en peligro la supervivencia de los humanos. Es entonces cuando entran en juego los blade runners, agentes especializados en cazar androides. Rick Deckard (Harrison Ford), detective de élite, debe localizar y “retirar” a los integrantes del comando, infiltrados entre los humanos.

→Tráiler de Blade Runner (Warner Bros., 1982). Fuente: You Tube:

→ ¿Por qué fue un éxito en su época?: A pesar del fracaso en las taquillas estadounidenses, la cinta fue aclamada por la crítica, sobre todo la europea. Los guionistas fueron capaces de hilar una historia difícil de asimilar por un público no familiarizado con la ciencia ficción y al mismo tiempo conseguir contentar a los seguidores del género, menos proclives a aceptar elementos del género policiaco. Ridley Scott ofrecía la visión de un futuro tecnológico decadente con dilemas éticos propios del siglo XXI a un público que había vivido la Guerra Fría y receptivo a la ciencia ficción distópica (poco después se estrenaría otro exitazo del cyberpunk, el primer Terminator de James Cameron, en 1984).

La película ganó tres premios BAFTA en 1982 al mejor diseño de vestuario y producción, así como a la mejor fotografía. También recibió dos nominaciones a los Oscar de 1983 en las categorías de mejores efectos visuales y dirección artística.

La ciudad de Los Ángeles reflejada en “Blade Runner” en el año 2019.

La ciudad de Los Ángeles reflejada en “Blade Runner” en el año 2019. Fuente: Internet.

→¿Cómo acusa el paso del tiempo?: La película fue considerada inicialmente un film de culto aunque ha acabado convirtiéndose en todo un clásico del séptimo arte. Blade Runner está clasificada entre las 10 mejores películas de ciencia ficción del American Film Institute y su éxito ha inspirado una secuela, Blade Runner 2049, estrenada en 2017. La nueva película, dirigida por el canadiense Denis Villeneuve, va camino de convertirse en otro clásico del cine del siglo XXI. La cinta protagonizada también por Harrison Ford y Ryan Gosling conserva el espíritu de la primera, tanto en la ambientación y los giros de novela negra como en las influencias filosóficas sobre el futuro de la raza humana (instinto de supervivencia, mortalidad vs. longevidad, libertad vs. dependencia).

Escenas de Blade Runner (1982) y Blade Runner 2049

Escenas de Blade Runner (1982) y Blade Runner 2049, ambas protagonizadas por Harrison Ford. Entre las dos tramas argumentales ha transcurrido un periodo de 30 años. Fuente: Internet.

→Tráiler de Blade Runner 2049 (Warner Bros., 2017). Fuente: You Tube:

→¿Qué fue de sus personajes?

El actor Harrison Ford.

El actor Harrison Ford. Autor: Fred946 (Licencia CC).

Harrison Ford: cuando Harrison Ford rodó Blade Runner, ya se había hecho mundialmente famoso por su papel de Han Solo en la saga de Star Wars y había comenzado ya a ser Indiana Jones. Los años ochenta y noventa sin duda fueron de Harrison Ford, que encadenó éxitos comerciales como El Fugitivo, Air Force One y Lo que la verdad esconde. En la actualidad, a sus 75 años, Ford sigue interpretando papeles protagonistas, tanto en las secuelas de Star Wars e Indiana Jones como en la última de Blade Runner. Continúa siendo uno de los actores de Hollywood más rentables en taquilla.

 

Sean Young en la actualidad.

Sean Young en la actualidad. Autor: lukeford.net (Licencia CC).

Sean Young: la actriz interpretó a Rachael, una androide experimental con recuerdos implantados que ejercía de secretaria en la Tyrell Corporation. Su papel fue clave para el desarrollo de la historia pero lo es aun más en la secuela de la original, Blade Runner 2049. La actriz obtuvo popularidad en la década de los ochenta y principio de los noventa con películas como Dune, de David Lynch (también de ciencia ficción), Wall Street, de Oliver Stone o la comedia Ace Ventura. Con los años Young ha ido cayendo en el olvido, aunque la actriz se mantiene en activo con participaciones en películas independientes y en series de televisión.

 

 

El actor Rutger Hauer.

El actor Rutger Hauer. Autor: Odessa International Film Festival. (Licencia CC).

Rutger Hauer: el actor de origen holandés dio vida a Roy Batty, el jefe del comando rebelde de Nexus-6. Resulta curioso que, en el empeño por humanizar a los androides, a estos se les atribuyera hasta nombre y apellidos. Hauer también se hizo un nombre en Hollywood a raíz de su participación en Blade Runner, papel por el que continúa siendo conocido por el gran público. Es un actor secundario prolífico que ha formado parte del reparto de filmes tan conocidos como Lady Halcón o Batman Begins o de la serie de televisión True Blood (sexta temporada).

 

El actor estadounidense de origen mexicano Edward James Olmos.

El actor estadounidense de origen mexicano Edward James Olmos. Autor: U.S. Navy (dominio público).

Edward James Olmos: en la película encarnó al policía “Gaff”, compañero de Rick Deckard, pero su papel más conocido fue el del teniente Castillo en la serie de televisión de los ochenta Corrupción en Miami. Posteriormente interpretó al padre de la cantante Selena en la película homónima de 1997. Hace una década el actor se pasó a la pequeña pantalla en las series Dexter y Agents of S.H.I.E.L.D.

 

 

 

La actriz Daryl Hannah

La actriz Daryl Hannah en una imagen actual. Autor: World Travel & Tourism Council (Licencia CC).

Daryl Hannah: fue “Pris” en Blade Runner, un “modelo básico de placer”, según rezaba el guion. Es decir, una mujer objeto, aunque también fue la combativa pareja del androide Roy Batty. En 1982, Daryl Hannah era todavía una joven actriz desconocida en Hollywood. La fama no le llegaría hasta dos años después cuando intervino en la comedia Splash interpretando a una sirena. Daryl Hannah también triunfó en los ochenta y noventa en películas como Magnolias de Acero, Wall Street o Kill Bill de Quentin Tarantino. En la actualidad, Hannah triunfa en la serie de televisión Sense 8.

 

 

+ info:

→Curiosidades del rodaje:

Cartel de Blade Runner, The Final Cut (2007).

Cartel de Blade Runner, The Final Cut (2007). Fuente: Internet.

El título inicial de la película era Dangerous Days, aunque finalmente se optó por Blade Runner, el título de una novela de William S. Burroughs (Blade Runner: A movie).

Existen siete versiones de Blade Runner: la versión inicial de 1982 destinada a proyecciones internacionales, otra versión de ese mismo año para salas estadounidenses, una versión especial para televisión, dos versiones no autorizadas empleadas en preestrenos y festivales de cine, el Director´s Cut de 1992 y, finalmente, The Final Cut lanzada al mercado en 2007 con motivo del 25 aniversario de la película.

 

Harrison Ford en el set de rodaje

Harrison Ford en el set de rodaje con el director, Ridley Scott. Fuente: Internet.

La narración en primera persona de la película se introdujo como una exigencia de los productores tras unas pruebas de audiencia. La voz en off no gustó nunca a Ridley Scott ni tampoco a Harrison Ford por lo que fue definitivamente suprimida en la versión del director, el Director´s Cut de 1992.

En esta versión también se eliminó el final de la historia proyectada en los cines en 1982. Este final se rodó con planos no utilizados de la película El Resplandor de Stanley Kubrick, debido a recortes en el presupuesto.

 

Harrison Ford, Rutger Hauer y Ridley Scott durante el rodaje de Blade Runner.

Harrison Ford, Rutger Hauer y Ridley Scott durante el rodaje de Blade Runner. Fuente: Internet.

El primer actor considerado para interpretar el papel de Rick Deckard fue Robert Mitchum. Otros fueron Sean Connery, Jack Nicholson, Paul Newman, Clint Eastwood, Peter Falk, Al Pacino, Nick Nolte, Burt Reynolds, Christopher Walken, Arnold Schwarzenegger y Dustin Hoffman.

Harrison Ford aceptó el papel del detective Rick Deckard animado por el cambio de registro, ya que el actor buscaba protagonizar un drama tras el éxito alcanzado en la saga de Star Wars. Pero pronto se desilusionó ante las exigencias de un director puntilloso, los problemas de presupuesto y las dificultades del rodaje.

 

 

Escena de Blade Runner protagonizada por la actriz Sean Young.

Escena de Blade Runner protagonizada por la actriz Sean Young. Fuente: Internet.

Sean Young, chocó durante el rodaje con el director, Ridley Scott, y con su compañero de reparto, Harrison Ford, debido a su inexperiencia como actriz. Young tenía 22 años cuando rodó Blade Runner y era solo su tercera película.

La actriz fue caracterizada como una mujer fatal de novela negra y con un  estilismo propio de los años cuarenta.

 

Escena del rodaje de Blade Runner.

Escena del rodaje de Blade Runner. La actriz Daryl Hannah, caracterizada como la replicante “Pris” aparece en primer término. Fuente: Internet.

La actriz Daryl Hannah, que interpretaba a una replicante rebelde en Blade Runner, fue maquillada con aerosoles basándose en el personaje central de Nosferatu, vampiro de la noche, un film de Werner Herzog estrenado en 1979.

La actriz tuvo que seguir una coreografía para evitar que sus ojos resultasen dañados mientras se aplicaba la tinta negra ante la cámara.

Clásicos del cine y la Tv. Qué bello es vivir

24 Dic

Felices fiestas desde Blogosphera

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Fotograma de Qué bello es vivir.

Fotograma del clásico “¡Qué bello es vivir!” Imagen de dominio público.

Las fiestas navideñas suelen llegar cargadas de tradiciones más o menos aceptadas por cada tipo de público, aunque si hay algo que marca la temporada es la programación especial que emiten las cadenas de televisión durante esas esperadas fechas del año. En la actualidad, Qué bello es vivir ha quedado posiblemente desbancada por títulos más actuales como Solo en Casa, Los fantasmas atacan al Jefe o cualquier otra película navideña de sobremesa, anónima y almibarada, emitida durante la siesta. Sin embargo, hubo un tiempo en que el clásico de Capra se emitió tanto por televisión que acabó convirtiéndose en una referencia universal para obras posteriores.

→Ficha técnica: Qué bello es vivir fue la primera y última ocasión en que Frank Capra produjo, dirigió y escribió al mismo tiempo una película. El guion, basado en una obra original, fue adaptado por el propio Capra y por Frances Goodrich, Albert Hackett y Jo Swerling, quienes no aparecen en los títulos de crédito de la película. La productora Liberty films fue la encargada de materializar una película rodada en 1946 con un presupuesto de algo más de 3 millones de dólares. La película “It´s a wonderful life”, traducida al español por Qué bello es vivir, fue también adaptada a la radio y locutada por sus protagonistas, James Stewart y Donna Reed, al año siguiente de su estreno en la gran pantalla.

→Argumento: La trama argumental de Qué bello es vivir se inspira en narraciones clásicas como Cuento de Navidad de Charles Dickens. En concreto, la historia se basa en el relato The Greatest Gift escrito por Philip Van Doren Stern en 1943. Narra la historia de un futuro alternativo en el que un atribulado George Bailey, personaje interpretado por James Steward, desearía no haber nacido. Durante 130 minutos los espectadores pasan revista a la bondadosa y sacrificada vida de Bailey, su desesperado intento de suicidio y su redención gracias a las bondades de la raza humana.

→¿Por qué fue un éxito en su época?: A pesar de que la película se rodó con grandes expectativas, lo cierto es que no fue un éxito en taquilla y no  recuperó la inversión inicial de 3,7 millones de dólares, que es lo que costó producirla. Los críticos calificaron Qué bello es vivir de empalagosa y ni siquiera se estrenó en Navidades, probablemente la época que hubiera resultado más idónea desde un punto de vista comercial y argumental. A pesar de ello el film estuvo nominado a cinco premios de la Academia entre ellos a mejor película, director y actor. Solo obtuvo un reconocimiento en las categorías técnicas.

→¿Cómo acusa el paso del tiempo?: Qué bello es vivir experimentó un renacer a partir de 1974, cuando la película se convirtió en una obra de dominio público por un olvido de la productora Republic Pictures al no renovar los derechos de autor. Desde entonces exhibir gratis y ver Qué bello es vivir en televisión la víspera de Nochebuena se convirtió en una tradición navideña más. La película comenzó a emitirse con regularidad  en las cadenas de televisión de todo el mundo y ha sido seguida por más espectadores a lo largo del tiempo que en el momento de su estreno en los años cuarenta. Sin embargo cuando la productora propietaria de los derechos de emisión logró recuperar el copyright en 1993 la película volvió al ostracismo mediático.

¿Qué fue de sus protagonistas?

El actor James Stewart

El actor James Stewart en una imagen promocional. Imagen de dominio público.

James Stewart: el ganador del Oscar en 1940 por Historias de Filadelfia interpretó el papel protagonista de George Bailey en Qué bello es vivir. Stewart, que había sido piloto de bombarderos durante la Segunda Guerra Mundial, fue actor fetiche de Frank Capra aunque trabajó con otros grandes directores de Hollywood, entre ellos, Billy Wilder, John Ford y Alfred Hitchcock. Entre sus éxitos más populares se encuentran clásicos como El hombre que mató a Liberty Balance, Vértigo o La Ventana indiscreta. Qué bello es vivir fue su película preferida y el actor se opuso vehementemente a que la película (en blanco y negro) se colorease más adelante. Murió en 1997 a los 89 años, enfermo de Alzheimer y  a causa de un infarto de miocardio, tras setenta largas décadas de trabajo en Hollywood.

 

La actriz Donna Reed

Imagen promocional de Donna Reed en 1958 para su show de Tv, The Donna Reed Show. Imagen de dominio público.

Donna Reed: la actriz participó en Qué bello es vivir en sustitución de Jean Arthur, la primera opción de Frank Capra para interpretar el papel femenino protagonista. Para Donna Reed este fue su primer papel protagonista en la gran pantalla. Fue una actriz popular gracias a su belleza y a los papeles de joven ingenua que le tocó interpretar en las décadas de 1950 y 1960. En 1953 obtuvo el Oscar a la mejor actriz de reparto por su papel de prostituta en la película De aquí a la eternidad. Se retiró en los años setenta, aunque la célebre serie de televisión de los ochenta Dallas, la recuperó temporalmente para el gran público. Falleció en 1986, a los 64 años, víctima de un cáncer de páncreas.

 

El actor Lionel Barrymore.

El actor estadounidense Lionel Barrymore. Imagen de dominio público.

Lionel Barrymore: el tío abuelo de la actriz Drew Barrymore encarnó el papel del villano Henry Potter en Qué bello es vivir. A partir de entonces rodó solo seis películas más antes de su fallecimiento en 1954 a los 76 años, por un ataque al corazón. Barrymore, hermano de los también actores Ethel y John Barrymore, ya había ganado un Oscar al mejor actor por su papel de abogado alcohólico en Alma Libre, una película de 1931. Cuando rodó Qué bello es vivir Barrymore era ya un actor consagrado con múltiples intervenciones en filmes de Hollywood desde la década de 1910.

 

 

El actor Thomas Mitchell.

El actor Thomas Mitchell. Imagen de dominio público.

Thomas Mitchell: Frank Capra impulsó su carrera con un papel en la película Lost Horizon en 1937. Desde entonces Mitchell trabajó en una serie de películas de éxito con los actores más reputados de su tiempo. En 1939 consiguió el Oscar al mejor actor de reparto (por Stagecoach, 1939) y en 1946 volvió a estar a las órdenes de Capra interpretando el papel secundario del tío Billy en Qué bello es vivir. Durante las décadas de 1950 y 1960 se hizo popular en televisión y en teatro interpretó el papel del célebre detective Colombo. Falleció en 1962, a los 70 años, víctima del cáncer.

 

Henry Travers en el film “The Bells of Saint Mary´s” (1945). Imagen de dominio público.

Henry Travers en el film “The Bells of Saint Mary´s” (1945). Imagen de dominio público.

Henry Travers: el británico Henry Travers encarnó al ángel Clarence en Qué bello es vivir. Fue una de las últimas interpretaciones de su carrera ya que el actor se retiró el mismo año en que se estrenó la película.  El papel del ángel Clarence fue el más conocido en la trayectoria de Travers, actor de cine y de teatro que había participado en treinta producciones desde su debut en la gran pantalla con El hombre invisible en 1933. Fue nominado al Oscar como mejor actor secundario por La señora Miniver en 1942.  Travers falleció en 1965 a los 91 años.

+ info:

→Curiosidades del rodaje:

Rodaje de "Qué bello es vivir"

Frank Capra y James Stewart durante el rodaje de “Qué bello es vivir”. Fuente: Internet.

El papel de George Bailey había sido inicialmente escrito para Cary Grant por otro estudio de Hollywood, pero al pasar el proyecto a manos de Capra, este lo reescribió para Stewart. En 1946, James Stewart acababa de volver de combatir como soldado en la Segunda Guerra Mundial y se sentía desentrenado. Stewart no quiso participar en Qué bello es vivir por temor a no estar a la altura, pero el actor Lionel Barrymore acabó convenciéndole para que aceptase el papel.

Donna Reed fue la última opción para interpretar a Mary, la esposa de George Bailey. Ginger Rogers rechazó el papel y las actrices Jean Arthur y Laraine Day estaban por entonces comprometidas con otras producciones.

La película fue rodada durante una ola de calor en California y el equipo de producción inventó un nuevo y silencioso sistema para crear nieve artificial que permitía registrar los diálogos sin ruido exterior. Se empleó una mezcla de solución jabonosa y espuma antiincendios expulsada a alta presión. El invento obtuvo un Oscar a los mejores logros técnicos.

 

Cartel español de "Qué bello es vivir"

Cartel español de “Qué bello es vivir”. Fuente: Internet.

El set de rodaje tardó dos meses en construirse en las inmediaciones de un rancho en propiedad de la distribuidora de la película, la RKO, en California. Incluía todo un barrio residencial con zonas industriales incluidas.

En una escena en la que el tío de George Bailey sale borracho de su casa se oye un estruendo de fondo seguido de un “¡Estoy bien!”. La culpa fue de un miembro del equipo de rodaje que tropezó cuando los actores principales estaban rodando una escena. Capra decidió mantenerla tal cual y adaptarla para que pareciese parte de la trama.

 

Clásicos del cine y la Tv. Top Gun

21 Ago

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Imágenes promocionales de “Top Gun” (1986)

Imágenes promocionales de “Top Gun” (1986). Fuente: Internet.

El 21 de agosto de 1986 se estrenaba en España Top Gun, otra película popular  y taquillera de la Paramount, con el añejo subtítulo de “ídolos del aire”. Tres meses antes en Estados Unidos la película había cosechado un fenomenal éxito de público y en España competía con pesos pesados del verano como Pesadilla en Elm Street 2, Los inmortales o Karate Kid II. Tres décadas después de su estreno recordamos aquel año como uno de los más rentables para la industria del cine (también se estrenaron Nueve semanas y media, Aliens el regreso o Esta casa es una ruina) pero sobre todo como el año en que Tom Cruise se convirtió en el ídolo adolescente por antonomasia en la célebre Top Gun.

→Ficha técnica: El film fue producido por Jerry Bruckheimer, un señor de los anillos de Hollywood, y dirigido por el desaparecido Tony Scott, uno de los directores de películas de acción más sólidos de los años ochenta y noventa. Hace tres décadas los guionistas Jim Cash y Jack Epps Jr. lograron cautivar durante una hora y cuarenta y nueve minutos a una audiencia poco exigente con diálogos chulescos entre machos alfa y topicazos proferidos por personajes con tres nombres: el de pila (que solo aparecía en los títulos de crédito), el apodo (“Chipper,“Stinger” o “Wolfman”, lo mismo daba) y el apellido (que se anunciaba cosido en los uniformes militares).

La banda sonora sí que fue un acierto y sin duda contribuyó al éxito comercial de la película. El OST compendiaba temas archiconocidos como el You´ve lost that loving feeling de los Rightous brothers y otros originales de bandas de un solo éxito como Take my breath away del  grupo Berlin, autores del tema principal de la película. El tema ganó el Oscar a la mejor canción original en la edición de 1987.

→Escena de Top Gun en la que Tom Cruise intenta seducir a Kelly McGillis cantando el tema de los Rightous brothers You´ve lost that loving feeling. Fuente: You Tube.

 

→Argumento: la historia que se cuenta en Top Gun es manida pero logra enganchar al espectador apelando a emociones primarias como el instinto de supervivencia o el afán de superación: Pete Mitchell, un teniente de las fuerzas aéreas estadounidenses obviamente talentoso y ultracompetitivo, es enviado a completar su formación en una escuela de élite en Miramar (California) donde se enfrentará a temidos rivales, comprenderá el sentido de la amistad y se enamorará de su instructora civil saltándose casi siempre las leyes de lo establecido. “Su ego extiende cheques que su bolsillo no puede pagar” le advierten a Tom Cruise-“Maverick” cuando casi estrella inconscientemente un caza de cientos de miles de dólares.

→Traíler de Top Gun. Fuente: You Tube.

→¿Por qué fue un éxito en su época?: La película recaudó alrededor de 360 millones de dólares en todo el mundo y puso de moda la estética militar con cazadoras “bomber” y gafas de sol “Ray Ban” modelo aviador. La “topgun manía” que generó el film solo se comprende en un contexto económico y social como el de los años ochenta, dominado por el “american way of life”. La  competitividad entre los buenos y los mejores, la cultura del éxito y el predominio de lo masculino eran aceptados como un juego por un público acomodado y sin preocupaciones en el pico más alto de la sociedad de consumo que florecía en los prósperos años ochenta. Una época en la que la guerra de Vietnam empezaba ya a quedar lejos y anterior a las dos guerras del golfo, Irak, Afganistán y el 11-S.

→¿Cómo acusa el paso del tiempo?: Durante años Top Gun se fue reponiendo en televisión como un blockbuster de fin de semana pero con el paso de los años ha ido desapareciendo discretamente de la parrilla televisiva. Lo cierto es que la película se ha convertido en una producción más nostálgica que otra cosa, y no parece que sus tópicas escenas de acción sean capaces de superar los efectos digitales de las películas del género actuales. Desde hace un tiempo se habla de la posibilidad de rodar una secuela de Top Gun en un contexto más actual y en el que Tom Cruise tendría que vérselas no con un equipo humano de rivales sino con una moderna unidad de drones.

→¿Qué fue de sus protagonistas?

Tom Cruise en la actualidad

Imagen actual de Tom Cruise. Fuente: Gage Skidmore (Licencia CC).

Tom Cruise: ¿Quién le iba a decir a Tom Cruise que treinta años después de interpretar a Pete “Maverick” Mitchell iba a seguir haciendo de héroe de acción en películas para adolescentes, bien pasada la cincuentena? A pesar de que Cruise sea el eterno aspirante al Oscar, su carrera artística ha sido fulgurante y ha logrado mantenerse como uno de los actores más solventes en cuanto a facturación en taquilla se refiere. Algunos recientes excesos con el botox han transformado sus rasgos más característicos pero en esencia Tom Cruise sigue siendo uno de los símbolos de Hollywood más reconocibles. El actor se ha mostrado favorable a interpretar de nuevo a “Maverick” en la secuela de Top Gun que estaría producida de nuevo por Jerry Bruckheimer.

La actriz Kelly McGillis en la actualidad

La actriz Kelly McGillis en la actualidad. Fuente: Internet.

Kelly McGillis: la actriz interpretaba a la chica de la película, la instructora de vuelo y astrofísica Charlotte “Charlie” Blackwood.  McGillis hizo alguna película reseñable durante los ochenta (Único testigo, Acusados) pero su estrella fue apagándose durante la siguiente década. Se recicló como actriz en miniseries y películas para la televisión por cable con un éxito relativo pero con el tiempo decidió dedicarse más a sus hijas y a sus dos maridos. En el año 2010 se casó por tercera vez con una mujer aunque se divorció dos años después. En la actualidad trabaja como actriz de teatro.

Anthony Edwards en 2013

Anthony Edwards en el Museo de las Fuerzas Aéreas estadounidenses en 2013. Imagen de dominio público.

Anthony Edwards: el fallecimiento de Nick“Goose” Bradshaw fue como la muerte de Chanquete en “Verano Azul” (otra serie mítica de los ochenta) pero a lo grande. O sea, un hito en la historia del séptimo arte. Afortunadamente, la audiencia se repuso de tan trágica pérdida con otro personaje popular interpretado por Edwards en Urgencias la exitosa serie de comienzo del milenio que hizo famoso a George Clooney. En ella, Edwards interpretaba a un carismático doctor que -atención spoiler- también acababa falleciendo víctima de un atropello. Su papel le valió un Globo de Oro al mejor actor de serie de televisión en 1998 y le convirtió en uno de los mejor pagados de la pequeña pantalla.

Meg Ryan en 2010

Meg Ryan en el año 2010. Fuente: David Shankbone (Licencia CC).

Meg Ryan: Top Gun fue solo la tercera película  en la que Meg Ryan participaba como actriz profesional. Pero su personaje florero de Carole Bradshaw le abrió las puertas a una serie de papeles femeninos que acabaron por convertirla en la novia de América antes de que Julia Roberts hiciera su aparición en los noventa. Cuando Harry conoció a Sally, Algo para recordar o Tienes un e-mail son solo algunos de los títulos más conocidos por el gran público. Ryan sigue siendo la reina de las comedias románticas de Hollywood, aunque ha perdido gran parte de su frescura por culpa de algún que otro exceso con el bisturí.

Val Kilmer en 2015

Val Kilmer durante su convalecencia en 2015. Fuente: Internet.

Val Kilmer: Tom “Iceman” Kasanzsky fue el personaje que colocó a Val Kilmer en la galería de la fama. A partir de Top Gun encadenó éxitos comerciales durante casi dos décadas como Willow, Tomstone, Batman forever o El santo. Con la llegada del milenio, su carrera derivó inexplicablemente hacia películas de segunda categoría, aunque el actor no ha dejado de trabajar en el cine y la televisión hasta la actualidad. Las últimas noticias alertaban sobre su estado de salud, aunque parece que el actor está ya en proceso de recuperación de un cáncer de garganta que padeció el pasado año. También se ha mostrado entusiasta sobre su participación en la secuela de Top Gun.

 

Tom Skerritt en 2014

Tom Skerritt durante una conferencia en la Comic-con en el año 2014. Fuente: Gage Skidmore (Licencia CC).

Tom Skerritt: el veterano intérprete, de 82 años, es el actor secundario por excelencia. Su personaje de Mike “Viper” Metcalf, el protector de Tom Cruise en Top Gun, fue uno de los más reconocidos de su carrera. Skerritt formó parte de la exitosa M.A.S.H. (otra gran película bélica de 1970), del primer Alien de 1979 y fue coprotagonista de Poltergeist III, ya en los ochenta. En la década de los noventa siguió siendo reclamado en producciones de todo tipo, desde películas de ciencia ficción  (Contact) hasta costumbristas series de televisión (Picket Fences). Skerritt sigue en activo como carismático narrador y actor de reparto en producciones difundidas en Estados Unidos.

+ info:

→Curiosidades del rodaje:

La película iba a llamarse inicialmente Top Guns e incluir las peripecias de Tom Cruise  y Val Kilmer quienes en un principio no se mostraron interesados en participar en el film. Tony Scott, el director, que escribió el papel principal para Tom Cruise, logró finalmente convencer a ambos. Tom Cruise acabó cobrando un millón de dólares de la época.

Tom cruise y Tony Scott.

Tony Scott y Tom Cruise en un momento del rodaje de “Top Gun”. Fuente: Internet.

Tony Scott llegó a dimitir tres veces a lo largo del rodaje por desavenencias con los productores. Finalmente logró que Val Kilmer resultase elegido como rival de Tom Cruise y que Kelly McGillis se incorporara al rodaje para equilibrar la  balanza de sexos. También consiguió mostrar el vestuario de la actriz tal y como aparece en la película a pesar de la oposición inicial de los productores a quienes su ropa les resultaba demasiado sexy y vulgar.

Tom Cruise bromeando junto a Don Simpson, uno de los productores de “Top Gun”, en un descanso del rodaje de la película.

Tom Cruise bromeando junto a Don Simpson, uno de los productores de “Top Gun”, en un descanso del rodaje de la película. A la dcha., escena que muestra la estética de vestuario del film. Fuente: Internet.

Las escenas de acrobacias aéreas fueron rodadas por los propios protagonistas. Solo Anthony Edwards logró mantener su centro de gravedad y no vomitar como el resto de sus compañeros. Uno de los pilotos reales contratados para rodar las escenas más arriesgadas murió durante el rodaje al estrellar el caza en el que volaba debido al peso de las cámaras de grabación.

Los responsables de la producción pidieron a Tom Cruise y a Val Kilmer que no se relacionasen durante el rodaje con el fin de acentuar en pantalla la rivalidad entre sus personajes. Cuando el equipo y el elenco de actores salían a divertirse en sus ratos libres lo hacían en dos grupos separados.

Tom Cruise y Val Kilmer

Fotograma de “Top Gun” en el que los personajes interpretados por Tom Cruise y Val Kilmer se reconcilian. Fuente: Internet.

El romance entre los personajes de “Goose” y Carole Bradshaw traspasó la pantalla y se convirtió en un idilio real entre Anthony Edwards y Meg Ryan, aunque la pareja de actores rompió al año siguiente.

Tom Cruise utilizó alzas (un clásico) en las escenas que compartía con Kelly McGillis, que mide diez centímetros más que el actor.

Tim Robbins interpretó un personaje tan secundario en Top Gun que ni siquiera llegó a emitir un solo sonido articulado en toda la película. Al ahora reconocido actor y director de cine le tocó interpretar el papel de un aspirante a aviador de élite que hacía bulto en la célebre academia de Top Gun.

Escenas de “Top Gun”: una clase en la mítica academia del aire.

Escenas de “Top Gun”: una clase en la mítica academia del aire y reprimenda ante los mandos (los secundarios de lujo Tom Skerritt -sentado- y Michael Ironside). Fuente: Internet.

La difusión de la película multiplicó por cinco el número de voluntarios que se alistaron en las fuerzas aéreas del ejército estadounidense. Quizá para frenar la avalancha de voluntarios, el premio Top Gun, un reconocimiento real, fue suprimido por la Armada de los Estados Unidos poco después del estreno de la película.

Roman Polanski y la trilogía de los apartamentos

31 Oct

Clásicos del cine y la TV

Autora: Samia Benaissa Pedriza

La trilogía de los apartamentos

La “trilogía de los apartamentos” de Roman Polanski: de izda. a dcha. y de arriba abajo, La semilla del diablo (1968), El quimérico Inquilino (1976) y Repulsión (1965). Fuente: Internet.

Halloween ha inspirado un buen número de películas de todos los géneros, pero ningunas tan inquietantes como las que se hacían en los años setenta.

En 2015 se cumplen cincuenta años del estreno de Repulsión (1965), la primera de las tres películas que forman la denominada “trilogía de los apartamentos” del director  polaco-francés, Roman Polanski. A este clásico del cine le siguieron La semilla del diablo (Rosemary´s baby)  en 1968 y El quimérico inquilino  (Le locataire) en 1976. Tres películas con un denominador común: el desasosiego interno de unos personajes que pierden el control de la realidad y de sus sentimientos más primarios. Y es que, como  dice Isabel Allende “el miedo es más fuerte que el deseo, el amor, el odio, la culpa y la rabia”.

Ficha técnica: Al igual que Woody Allen, Roman Polanski también creó su particular serie de películas rodadas en distintas ciudades cosmopolitas. El argumento de Repulsión se desarrollaba en Londres, la tragedia de Mia Farrow en La semilla del diablo ocurrió en Nueva York y las alucinaciones que padeció el propio Polanski en El quimérico inquilino tuvieron lugar en un París gris y de clase media-baja.

Repulsión fue rodada en 1965 con un interés meramente lucrativo: Polanski reconoció que la idea era recaudar fondos para financiar otra película suya, Cul-de-Sac, mucho menos comercial. Con un presupuesto de 300.000 dólares de la época, la película logró recaudar más de tres millones. Repulsión fue el segundo largometraje dirigido por Roman Polanski y el primero que rodó en inglés. Con él obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín de 1965.

La semilla del diablo también fue rodada en inglés a partir de la adaptación de una novela de Ira Levin, por la que Polanski fue nominado  al Oscar, en la categoría de mejor guion adaptado.  El film supuso además su debut como director en Hollywood.

El quimérico inquilino se rodó originalmente en inglés aunque posteriormente se dobló al francés para facilitar la comercialización de la cinta en Europa y en Francia, el país de residencia del director desde finales de los años setenta. La película también es el resultado de una adaptación literaria, la de la novela Le locataire chimérique (1964) de Roland Topor.

Argumento: Sin duda, el miedo es el ingrediente que adereza con mayor intensidad la “trilogía de los apartamentos”. En Repulsión una joven Cathérine Déneuve se vuelve peligrosamente paranoica en un pisito londinense, mientras que en El Inquilino, es el propio Roman Polanski -en el único papel como actor de su carrera- quien sufre los efectos de la esquizofrenia en un apartamento alquilado en un barrio pobre de París. En La semilla del diablo, Mia Farrow también debe enfrentarse a unos vecinos un tanto peculiares, que le harán sospechar de todo y de todos en una confortable  vivienda de un barrio burgués de Nueva York.

→Vídeo. Traíler de Repulsión. Roman Polanski, 1965. Fuente: You Tube. Duración: 03:16 minutos. Carol Ledoux no puede superar el rechazo sexual que le producen los hombres. Así que dominada por su fobia comete “algún que otro” asesinato en un práctico apartamento londinense.

→Vídeo. Tráiler de La semilla del diablo. Roman Polanski, 1968. Fuente: You Tube. Duración: 02:39 minutos. Mia Farrow es una inocente ama de casa que acaba de mudarse a una torre de pisos en Manhattan. Pronto empieza a sospechar que sus vecinos han urdido una conspiración para hacerse con el bebé que espera.

→Vídeo. Traíler de El inquilino. Roman Polanski, 1974. Fuente: You Tube. Duración: 01:26 minutos. Roman Polanski interpreta a al oficinista Trelkovsky, un  ser insignificante que acaba de instalarse en un apartamento cuya antigua inquilina intentó suicidarse tirándose por la ventana. En su mente, la identificación con la víctima es tal que Trelkovsky acaba corriendo su misma suerte con mucho humor negro.

¿Por qué fueron un éxito en su época?: La semilla del diablo fue rodada con un presupuesto de 3.200.000 dólares y probablemente sea la película más conocida de las que componen la “trilogía de los apartamentos”. El film puede calificarse como de factura americana, básicamente por su presupuesto (más de tres millones de dólares) y su cuidada producción.

Por aquel entonces, el elenco de actores de la película no era tan célebre como lo fue después. En 1974, Mia Farrow era más conocida por ser la esposa de Frank Sinatra que por sus dotes artísticas, aunque comenzaba a resultar una actriz popular para el público, sobre todo en el campo televisivo.  Sin embargo, fue la interpretación de la secundaria Ruth Gordon  la que obtuvo mayor reconocimiento, con un Oscar a la mejor actriz de reparto.

La película significó el salto a la fama de Polanski y contó con el apoyo del público y de la crítica.

Escena de la-semilla-del-diablo

Escena de “La semilla del diablo” (1968) con Mia Farrow. Fuente: Internet.

Repulsión y El inquilino quimérico tuvieron un éxito dispar, ya que la primera contaba con el aliciente de su actriz protagonista, una Cathérine Deneuve situada en lo más alto de su carrera, mientras que la segunda incluyó un reparto europeo poco conocido, a excepción del propio Roman Polanski, que se reservó  el papel protagonista y que interpretó de forma un tanto irregular.

Escena de “Repulsión” (1965).

Escena de “Repulsión” (1965) con Catherine Deneuve. Fuente: Internet.

Escena de “El quimérico inquilino” (1976).

Escena de “El quimérico inquilino” (1976). El personaje interpretado por Roman Polanski se enfrenta a la realidad. Fuente: Internet.

Las películas de la “trilogía de los apartamentos” se beneficiaron del interés de los espectadores por unos géneros –terror, suspense y thrillers- que estaban en pleno auge a finales de los años sesenta y durante toda la década de los setenta.

¿Cómo acusan el paso del tiempo?:

A pesar de su éxito comercial inicial, Repulsión no ha acabado siendo una de las películas más conocidas del director de cine polaco. El film podría ser considerado como un intento de Polanski por acercarse al cine de terror psicológico de  Alfred Hitchcock. Aunque, vista con una perspectiva de cincuenta años, la cinta puede resultar algo lenta de digerir por sus escasos diálogos. Por otra parte, Repulsión ofrece la oportunidad de presenciar una de las mejores actuaciones de Cathérine Deneuve en una carrera que en los últimos años no se ha caracterizado por papeles de  gran calado.

La semilla del diablo, por el contrario, se ha convertido en un clásico del cine de terror y es uno de los títulos más conocidos de la filmografía de Roman Polanski. Aunque el gusto por el ocultismo  surgiera en los espectadores de los años setenta, la inclusión de la cinta dentro de la categoría de “cine satánico”, ha permitido que a día de hoy esta sigua captando adeptos, sobre todo entre el público de culto.

El inquilino quimérico fracasó en el Festival de Cannes de 1976 donde se presentó en competición oficial.  En su época, supuso un extraordinario fiasco comercial y de crítica aunque con el paso de los años, el film ha ido ganando adeptos.  Muchos fans de Polanski consideran que la película es una de las mejores de su filmografía y en la actualidad se ha convertido, paradójicamente, en una popular película de culto.

¿Qué fue de sus protagonistas?

Cathérine Deneuve

Catherine_Deneuve

La actriz francesa Cathérine Deneuve. Fuente: Internet.

Cuando Cathérine Deneuve, hija de actores, se puso a las órdenes de Roman Polanski en Repulsión, la actriz ya había rodado una quincena de películas. Cuantitativamente, Deneuve tenía más experiencia en el mundo del celuloide que el cineasta de origen polaco pero fue su dirección la que logró obtener de la actriz una de las mejores interpretaciones de su carrera.

Tras Repulsión, Cathérine Deneuve ha seguido trabajando sin descanso hasta la actualidad, aunque en los últimos años a un ritmo menos frenético y ocupando papeles  menos relevantes. El momento álgido de su carrera lo alcanzó durante la década de los sesenta cuando se convirtió en la musa de Luis Buñuel (Belle de Jour, 1967; Tristana, 1970). De su filmografía destacan las películas El último metro con la que obtuvo el César a la mejor actriz en 1981, e Indochina, que le valió otro César y una nominación al Oscar a mejor actriz en 1992.

Mia Farrow

 La actriz Mia Farrow

La actriz Mia Farrow en la actualidad. Fuente: Internet.

La actriz es hija de un director de cine australiano y de la actriz irlandesa Maureen O´Sullivan (la “Jane” de Tarzán), por lo que desde su más tierna infancia ha estado vinculada al cine. Su participación en La semilla del diablo constituyó su segunda incursión en la gran pantalla, tras una primera película rodada por su padre (John Paul Jones, 1959) y alcanzar cierto nivel de popularidad en un serial emitido en la televisión americana en los años setenta (Peyton Place).

Aunque la carrera de Mia Farrow no despegó realmente hasta que conoció al cineasta Woody Allen, quien la convirtió en una de sus musas. Participaron juntos en casi una decena de películas durante toda la década de 1980 y principio de los noventa. En aquella época rompieron su relación artística y sentimental tras descubrirse la relación de Allen con la hija adoptiva de Farrow y acusarle esta última de cometer abusos sexuales con otra de sus hijas adoptivas, por entonces, menor de edad. En la actualidad Mia Farrow está centrada en colaborar con diversas organizaciones humanitarias y es embajadora de buena voluntad de UNICEF. Su última participación en el cine data del año 2011 (Arthur y la guerra de los dos mundos).

Isabelle Adjani

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La actriz francesa de origen argelino y alemán, Isabelle Adjani. Fuente: Internet.

Una joven y casi desconocida Isabelle Adjani interpretaba el personaje de Stella en El quimérico inquilino. Su interpretación fue básicamente la de una actriz secundaria en una película doméstica rodada en inglés en la que no destacaba especialmente. Sin embargo, Adjani había sido nominada  un año antes como mejor actriz extranjera a los Oscar de 1975 por interpretar a la hija de Víctor Hugo en un film de François Truffaut (Diario íntimo de Adèle H.).

En la década de los ochenta Adjani fue una presencia contante y reconocida en el cine y el teatro francés. Hasta la fecha ha conseguido cinco premios César como actriz principal. En los años noventa protagonizó una sonada ruptura con el actor Daniel Day-Lewis con quien tiene un hijo de 20 años. Desde entonces selecciona mucho los trabajos en los que participa, por lo que no es habitual verla con frecuencia en el cine actual.

Roman Polanski

Roman_Polanski

El cineasta Roman Polanski, de 82 años de edad. Fuente: Internet.

Polanski, de origen judío, sobrevivió al régimen nazi haciéndose pasar católico en distintas familias de acogida durante la Segunda Guerra Mundial. Tras la contienda comenzó a dirigir cortometrajes y un largo, El cuchillo en el agua, que en 1963 le valió la nominación al Oscar a mejor película extranjera (Polonia). Esa notoriedad  internacional le abrió las puertas de la industria del cine europeo con el  film Repulsión (1965). Tras esa película dio el salto a Hollywood con El Baile de los Vampiros (1967).

Un año después del estreno de La semilla del diablo, la segunda esposa de Polanski, Sharon Tate, fue salvajemente asesinada por los integrantes de una secta satánica presidida por Charles Manson.  La actriz estaba embarazada de ocho meses y medio. Polanski  se mantuvo inactivo hasta 1971, aunque las películas que dirigió durante aquella década, no fueron las más aclamadas por la crítica.

En 1977 el director fue acusado de haber cometido abusos sexuales contra una menor de trece años en casa del actor Jack Nicholson. Mientras estaba en libertad bajo fianza, Polanski decidió huir de Estados Unidos y nunca más ha vuelto a pisar suelo estadounidense. Desde entonces ha dirigido películas con un éxito irregular. Entre ellas, Tess (1979), dedicada a Sharon Tate, La novena puerta (1999) o El pianista, con la que obtuvo el Oscar al mejor director en 2002, aunque no pudo ir a recogerlo por ser un prófugo de la justicia.

+ info:

Curiosidades del rodaje:

Escena del rodaje. “Repulsión” (1965)

Escena del rodaje. “Repulsión” también se rodó en exteriores, en las calles de Londres. Fuente: Internet.

El guion de Repulsión fue escrito en solo 17 días por Roman Polanski y Gérard Brach. La película fue un encargo de la productora británica Compton Group (dedicada a comercializar filmes de contenido erótico). Querían que Polanski hiciera una película de terror sin demasiadas pretensiones pero que fuese capaz de facturar grandes cifras en taquilla. Obviamente, Polanski creó una obra totalmente diferente a la esperada.

El argumento de Repulsión ha servido de inspiración a artistas de distintos géneros. El video clip del tema Hanging Around del grupo The Cardigans está inspirado en la película y el film Cisne negro  (2010) bebe directamente de su fuente.

Escena del rodaje de La semilla del diablo (1968)

Mia Farrow recibe instrucciones del director, Roman Polanski, durante el rodaje de La semilla del diablo. Fuente: Internet.

Robert Redford y Jack Nicholson fueron las primeras opciones para interpretar al marido de Mia Farrow en La Semilla del diablo. Pero finalmente fue John Cassavetes el elegido por decisión de Polanski.

Mia Farrow tuvo que lucir una peluca durante la primera parte de la película para ocultar su corte de pelo a lo “garçon”. En la segunda parte, se la pudo ver ya con su look real, que anunciaron como la “última moda de Vidal Sassoon”.

Frank Sinatra, marido de la actriz Mia Farrow, le pidió el divorcio ante el equipo de rodaje de La semilla del diablo, disgustado porque Farrow había retomado su carrera como actriz. Farrow le suplicó al productor Robert Evans que rescindiera su contrato, aunque este la convenció para continuar. Le aseguró que por su trabajo obtendría una nominación al Oscar a la mejor actriz, algo que finalmente no sucedió. Sinatra y Farrow se divorciaron durante el rodaje de la película.

Escena del rodaje. El quimérico inquilino (1976)

Escena del rodaje de “El quimérico inquilino” (1976) junto a Isabelle Adjani. Fuente: Internet.

A pesar de que Roman Polanski fue el actor principal de El quimérico inquilino, su nombre solo aparece como director en los títulos de crédito de la película.

Philippe Sarde, encargado de la banda sonora de El quimérico inquilino, decidió utilizar una armónica de cristal – un instrumento que muy pocos músicos saben tocar- para componer la música de fondo de la película. Se inspiró en el sonido provocado por Polanski cuando este rozó una copa de cristal en un restaurante.

 

Clásicos del cine y la Tv. Doctor Zhivago

18 Jul

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Fotograma de Doctor Zhivago.

Fotograma de Doctor Zhivago, dirigida por David Lean (1965). Fuente: Internet.

El fallecimiento del actor Omar Sharif coincide con el cincuentenario de Doctor Zhivago, la película de 1965 por la que obtuvo un mayor reconocimiento como actor protagonista. Hace cinco décadas Doctor Zhivago obtuvo cinco premios de la academia de Hollywood, entre ellos el de mejor guion adaptado y mejor banda sonora. Aunque no se alzó con el galardón a la mejor película, Doctor Zhivago se mantiene a día de hoy en Estados Unidos como la octava película más taquillera de todos los tiempos.

→Ficha técnica: Doctor Zhivago fue producida por la Metro-Goldwyn-Mayer a través de Carlo Ponti (marido de Sofía Loren) y David Lean, quien se reservó la dirección del film. Robert Bold se encargó de adaptar el guion sobre la base de la novela del escritor ruso Boris Pasternak, del mismo título. Tanto el guion adaptado como la novela fueron premiados por la crítica especializada. El primero con un Oscar y la segunda con el premio Nobel de Literatura en el año 1958. La banda sonora del film, también oscarizada, estuvo a cargo del compositor Maurice Jarre, quien compuso el célebre y recordado tema principal de la película.

→Vídeo. “La canción de Lara”, tema principal de Doctor Zhivago. Fuente: You Tube. Duración: 02:32 minutos.

 

→Argumento: La originalidad de Doctor Zhivago reside en su estructura narrativa, organizada en tres partes a modo de obra de teatro. Los hechos se desarrollan a lo largo de las tres primeras décadas del siglo XX en uno de los períodos más convulsos de la historia de Rusia. Los protagonistas, Omar Sharif y Julie Christie viven una historia de amor prohibida durante la primera guerra mundial, la llegada de la revolución bolchevique y finalmente la guerra civil rusa. La búsqueda de la hija ilegítima de la pareja por su tío, un militar de la KGB, a finales de los años cuarenta desencadena la narración en flashback de este drama clásico.

Fotograma de Doctor Zhivago. Ataque de los cosacos en Moscú.

Fotograma de Doctor Zhivago. Ataque de los cosacos en Moscú. (Dominio Público).

→¿Por qué fue un éxito en su época?: Doctor Zhivago fue una de las grandes producciones de Hollywood, nominada entre otras categorías a la de mejor película, director y actor principal tanto en los Oscar como en los Globos de Oro de 1966 donde resultó ganadora de forma indiscutible. Aprovechó el tirón comercial de su protagonista, Omar Sharif, que había participado con éxito en otra grandísima película de David Lean, Lawrence de Arabia, dos años antes.

El éxito de Doctor Zhivago se explica en parte por el impulso dado al proyecto por Carlo Ponti, que quedó fascinado con la novela de Pasternak y compró los derechos para adaptarla al cine. Ponti encerró a Robert Bold durante doce meses en un hotel de Madrid hasta que pulieron cada una de las frases de la película.

Por su parte, David Lean repitió el equipo técnico de Lawrence de Arabia, con la que había conseguido siete premios Oscar en 1963, con la intención de repetir la jugada. Y lo cierto es que esta le salió casi perfecta. Para reducir gastos la producción se trasladó a España, donde en la época era mucho más barato rodar manteniendo una alta calidad técnica y artística.

Escenas rodaje Doctor Zhivago

Fotos del rodaje de Doctor Zhivago en España. A la izda., Geraldine Chaplin y Julie Christie. A la dcha., Omar Sharif junto al director David Lean en exteriores (Soria). Fuente: Internet y Teodoro de Miguel (Licencia CC).

→ ¿Cómo acusa el paso del tiempo?: La película sigue siendo uno de los mayores éxitos de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), a pesar de sus 197 minutos de duración (más de tres horas de metraje). El film fue rodado en Metrocolor, un sistema de filmación característico de la MGM y contó con la dirección de fotografía de Freddy Young (también oscarizado en 1965) y Juan Gyenes, un fotógrafo de origen húngaro-español que realizó unas magníficas fotos de estudio en blanco y negro de los actores protagonistas.

Escenas del rodaje en Madrid. Doctor Zhivago

Geraldine Chaplin junto a Omar Sharif en Doctor Zhivago. A la dcha., el elenco de la película en un descanso del rodaje. Fuente: Internet.

El éxito inicial de taquilla de Doctor Zhivago (111 millones de dólares de la época) aumentó con el paso del tiempo gracias a los múltiples reestrenos internacionales de la película. A día de hoy sigue reemitiéndose en televisión como uno de los grandes clásicos de la historia del séptimo arte. En la actualidad una exposición en Madrid, sede principal de las filmaciones, recuerda de forma conmemorativa cómo se desarrolló el rodaje.

→¿Qué fue de sus protagonistas?

Los protagonistas de Doctor Zhivago en 1965.

Los protagonistas de Doctor Zhivago en 1965. De izda. a dcha. y de arriba abajo, Omar Sharif, Julie Christie, Geraldine Chaplin, Alec Guinnes, Tom Courtenay y Klaus Kinski. Fuente: Internet.

Omar Sharif

Omar_Sharif

Omar Sharif en 2013. Autor: Georges Briard (Licencia CC).

El actor de origen egipcio falleció el 10 de julio de 2015 a la edad de 83 años. Recientemente había sido diagnosticado de Alzheimer. Doctor Zhivago supuso su consagración internacional como actor tras su nominación al Oscar por Lawrence de Arabia en 1963. En 1966 obtuvo el Globo de Oro al mejor actor por su interpretación del torturado médico Yuri Zhivago.

En Doctor Zhivago el actor contó que tuvo que hacer un gran ejercicio de contención a la hora de expresar sus emociones por orden del director, David Lean. Algo que en algunas escenas como la de la represión cosaca de manifestantes en Moscú, le llegó a producir cierta frustración, sobre todo porque Doctor Zhivago era su primer papel como protagonista.

La carrera de Omar Sharif comenzó a declinar en los años ochenta y en los últimos años, ha resultado un tanto irregular aunque, entre las más recientes participaciones del actor destaca su interpretación en el Señor Ibrahim y las flores del Corán (2003).

Julie Christie

Julie Christie

La actriz Julie Christie en la actualidad. Fuente: Internet.

La actriz británica de 74 años, interpretó el papel de Lara Antipova, la amante de Yuri Zhivago y esposa del líder bolchevique Antipov en Doctor Zhivago, su segunda película como actriz principal en una producción de Hollywood. Pero hasta la tercera no llegó la vencida, ya que fue su interpretación en Darling (1965) la que le valió el Oscar a la mejor actriz.

Su carrera artística se ha mantenido constante a lo largo de las décadas, con apariciones no demasiado llamativas en cintas de todo tipo, desde la franquicia de Harry Potter hasta películas del cine independiente como La vida secreta de las palabras (2005) de Isabel Coixet. En 2007 se hizo con el Globo de Oro por Lejos de ella (Away from her).En la actualidad reside en Alicante (España) junto a su marido, Duncan Campell, periodista de The Guardian.

Geraldine Chaplin

Geraldine Chaplin

Geraldine Chaplin en 2012. Fuente: Festival Internacional de cine de Odessa (Licencia CC).

Geraldine Chaplin es hija de Charles Chaplin, uno de los mitos más apreciados del cine del siglo XX. A mediados de los años sesenta Geraldine comenzaba su carrera de actriz y con Doctor Zhivago entró por la puerta grande al ser nominada a nueva estrella del año en los Globos de Oro de 1966.

Su primer y fugaz contacto con España se convirtió más adelante en una estrecha relación con el país. Estuvo casada durante nueve años con el director de cine Carlos Saura con quien tuvo un hijo, y en la actualidad sigue participando en una gran variedad de producciones españolas rodadas en castellano, idioma que habla con gran fluidez. Geraldine Chaplin es habitual en papeles secundarios del cine británico, francés, suizo y estadounidense. Es madre de la actriz Oona Chaplin, una joven promesa del cine actual.

Tom Courtenay

Tom_Courtenay

El actor de cine y teatro Tom Courtenay. Fuente: Georges Briard (Licencia CC).

El actor interpretó a uno de los villanos de Doctor Zhivago, el joven idealista Pavel Antípov, prometido y más tarde esposo de Lara Antipova y que con el devenir de los acontecimientos se convierte en un insensible cabecilla del Ejército rojo, el comisario del pueblo Strélnikov.

La carrera de este actor inglés fue en ascenso durante la década de los años sesenta. A partir de entonces se concentró en el teatro, su verdadera pasión. Ha participado en adaptaciones para la televisión británica y algunas películas destacables para la gran pantalla como la primera obra del actor Dustin Hoffman como director, Quartet (2012).

Alec Guinness

Alec_Guinness

El actor británico Alec Guinness. Autor: Allan Warren (Licencia CC).

Guiness representa el hilo conductor de la historia relatada en Doctor Zhivago. Su personaje del teniente general Yevgraf Andréyevich Zhivago, medio hermano de Yuri, es el primero que aparece en escena.

Alec Guiness es toda una leyenda del cine. De origen inglés, desarrolló una exitosa carrera tanto en el cine como en el teatro donde interpretó papeles de lo más variopinto, demostrando una extraordinaria versatilidad artística. En 1957 ganó un Oscar y un Globo de Oro por su interpretación principal en el Puente sobre el río Kwai, aunque su papel más popular y el que más beneficios económicos sigue reportando a sus herederos es el del maestro  jedi Obi-Wan Kenobi en La Guerra de las Galaxias (1977) de George Lucas. Falleció en el año 2000 a los 86 años de edad.

Klaus Kinski

Klaus_Kinski

Klaus Kinski en el Festival de Cannes. Autor: Georges Briard (Licencia CC).

En Doctor Zhivago, al por entonces joven actor alemán Klaus Kinski, le tocó interpretar un papel secundario, el del anarquista disidente y contestatario Kostoyed Amursky, en el tren que transporta a Yuri Zhivago y su familia a los Montes Urales en su huida del régimen.

Kinski debutó en el cine en 1948 con pequeños papeles que más adelante se convirtieron en secundarios destacables. El actor lamentaba haber sido encasillado en roles complejos, de individuos neuróticos o psicópatas, aunque lo cierto es que su comportamiento fuera de los platós -grosero y agresivo según muchos- también ayudó a fomentar esa fama. Conectó especialmente con el director de cine de terror español Jesús Franco y con el también cineasta Werner Herzog. Es el padre de la actriz Natassja Kinski. Falleció en 1991 a los 65 años de edad.

+ info:

Curiosidades del rodaje:

Doctor Zhivago fue rodada entre Madrid, Soria y Salamanca entre el 28 de diciembre de 1964 y el 10 de octubre de 1965. Los exteriores fueron rodados en la provincia de Soria siguiendo el recorrido del ferrocarril que aparece en la película. Salamanca sirvió de localización a la presa hidráulica de las escenas iniciales y finales del film.

Las escenas de Moscú fueron rodadas en un descampado de 300 metros de largo, adyacente al camino del cementerio del barrio de Canillas en el noreste de la capital. En el verano de 1965 se empezaron a construir los decorados de la película que incluían una calle llena de edificios, una línea de tranvía (cedida por la empresa municipal de transportes de Madrid) y una reproducción del Kremlin.

Construcción de los decorados de “Doctor Zhivago” en el descampado de Canillas (Madrid) en 1965

Construcción de los decorados de “Doctor Zhivago” en el descampado de Canillas (Madrid) en 1965. En la actualidad es la calle Silvano de Madrid, arteria principal de un barrio residencial y un centro comercial. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Los decorados cubrieron una superficie de 20.000 metros cuadrados. La localización fue elegida por su proximidad a los estudios CEA, situados en el actual emplazamiento del hospital Nuestra Señora de América en Madrid.

Clásicos del cine y la Tv. Casablanca

24 May

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Escena de “Casablanca” con el reparto estelar.

Escena de “Casablanca” con el reparto estelar: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid y Claude Reins. Fuente: http://www.joblo.com (Licencia CC).

La última edición del festival de Cannes ha querido homenajear  a la actriz sueca Ingrid Bergman con motivo del centenario de su nacimiento. Durante doce días, un cartel a gran escala de la actriz ha presidido los acontecimientos del festival con más historia del continente europeo desde que se inaugurara en 1946. Desde Blogosphera recordamos a la actriz revisitando la película con la que obtuvo una mayor proyección artística y gracias a la cual ocupa un lugar de honor en los anales del séptimo arte: Casablanca.

→Ficha técnica: 102 minutos bastaron para que el director Michael Curtiz pasara a la posteridad con una película de la Warner Brothers del año 1942, ambientada en la Segunda Guerra Mundial y rodada en su época real. Con un presupuesto de tan solo 1 039 000 millones de dólares de la época, Casablanca obtuvo el Oscar a la mejor película, al mejor director y al mejor guion adaptado por Howard Koch y Casey Robinson.

→Argumento: El argumento de Casablanca está inspirado en la obra de teatro de Murray Burnett y Joan Alison, Todos vienen al café de Rick. Humphrey Bogart en el papel de Rick e Ingrid Bergman en el de Ilsa, viven un amor imposible en Casablanca, ciudad gobernada por las autoridades francesas y ocupada por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial. La trama se centra en la decisión de Rick de renunciar al amor de Ilsa o ayudarla a escapar de Casablanca junto a su marido, un valorado líder de la resistencia.

Escena de Casablanca en el café de Rick.

Escena de Casablanca en el café de Rick. (Imagen de dominio público).

Escena de Casablanca entre Rick y el señor Ferrari.

Escena de Casablanca. Rick conversa con el señor Ferrari (el actor Sydney Greenstreet), dueño de un club de la competencia (Imagen de dominio público).

→¿Por qué fue un éxito en su época?: El éxito de Casablanca fue una sorpresa inicial para sus productores, quienes no esperaban demasiado de ella. El film era uno más de los tantos que se producían en la industria  del cine de Estados Unidos en los años cuarenta. Lo habitual era que las películas contasen con estrellas carismáticas que atrajesen  a las masas mediante historias dramáticas con las que el público pudiera identificarse fácilmente. La mayoría eran producciones sin demasiadas pretensiones.

Sin embargo, Casablanca destacó por la calidad de las interpretaciones de sus actores principales, la excelente dirección y el buen trabajo realizado por los guionistas que dieron lugar a célebres diálogos que a día de hoy aun recordamos, más de siete décadas después (“Siempre nos quedará Paris”, “Esta va por ti, muñeca”, “Louis, pienso que este es el comienzo de una bella amistad”).

→¿Cómo acusa el paso del tiempo?: Casablanca es una de las películas más vistas por los espectadores de cine y televisión de todos los tiempos. La película ha alcanzado la categoría de clásico del cine por méritos propios y sigue de plena actualidad en el año 2015 en el marco de las celebraciones por el 70 aniversario del final de la Segunda Guerra Mundial.

La película nació ya con fines propagandísticos en 1942. Su preestreno se celebró en noviembre de ese año para hacerlo coincidir con la ocupación del norte de África y  de la ciudad de Casablanca por las fuerzas aliadas. Sin embargo, a las tropas estadounidenses desplazadas a Europa no les dejaron ver la película porque su gobierno consideró que esta podría generar sentimientos en contra del gobierno francés colaboracionista de Vichy.

La admiración del público y el respeto de los cineastas por Casablanca es tal que nadie se ha atrevido a día de hoy a rodar una nueva versión o una secuela de la película. En los años ochenta se coloreó la cinta, pero la iniciativa no tuvo demasiada aceptación entre el público, que sigue prefiriendo verla en blanco y negro.

→Ver escena de Casablanca: despedida entre Rick Blaine e Ilsa Lund en el aeropuerto de Casablanca. Fuente: You Tube. Duración: 02:29 minutos:

 

¿Qué fue de sus protagonistas?

El elenco de Casablanca.

De izda. a dcha. y de arriba abajo: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Claude Reins, Paul Henreid y Dooley Wilson ( Imágenes de dominio público).

→Humphrey Bogart: el actor interpretaba a Rick Blaine, un enigmático empresario de clubs norteamericano afincado en Casablanca. El filme supuso la consolidación de Bogart  como estrella de Hollywood y el  inicio de una carrera como galán de cine, ya que hasta entonces solo había dado vida a gánsteres sin carisma y ni siquiera apellido.

En 1951 obtuvo el Oscar al mejor actor por La Reina de África.  En la década de los cincuenta siguió rodando películas de éxito comercial con actrices de la era dorada de Hollywood como Audrey Hepburn,  Ava Gardner o Lauren Bacall, su cuarta esposa y madre de sus dos hijos. Bogart falleció en 1957 a consecuencia de un cáncer de esófago. Tenía 57 años.

→Ingrid Bergman: para la actriz sueca Casablanca representó su salto a la fama. Su debut en Hollywood en el año 1939 había pasado sin pena ni gloria, pero la química con su compañero de reparto en Casablanca y el inesperado éxito de la película hizo que ambos se convirtieran  en personajes populares.

Ilsa Lund solo fue uno de los múltiples personajes que la actriz interpretó a lo largo de su prolífica carrera. Bergman obtuvo tres premios de la Academia y cinco Globos de Oro.

Fue una de las actrices fetiche de Alfred Hitchcock y de su relación con el director Roberto Rossellini quedaron seis películas independientes, tres hijos y un escándalo. La actriz, casada y madre de una hija, quedó embarazada del director italiano durante el rodaje de una de sus películas.  Bergman abandonó a su esposo para casarse con Rossellini, de quien se divorciaría en 1957. La actriz fue declarada persona non grata en Estados Unidos.

Bergman falleció en 1982 el día de su 67 cumpleaños a causa de un cáncer de mama.

→Paul Henreid: el actor de origen austríaco interpretaba al marido de Ingrid Bergam, Victor Laszlo, un miembro destacado de la resistencia checa. Inicialmente Henreid rechazó participar en la película y no mantuvo buenas relaciones con los protagonistas durante el rodaje. Henreid consideraba a Bogart un actor mediocre.

Paul Henreid participó en un buen número de películas de Hollywood en las siguientes dos décadas junto a actores y actrices de la talla de Bette Davis, Katharine Hepburn, Frank Sinatra o Gina Lollobrigida. En los años sesenta se pasó a la dirección de películas y series de televisión.

Falleció en 1992 a consecuencia de una neumonía a los 84 años.

→Claude Rains: el secundario Claude Rains era el capitán Louis Renault, un militar francés que jugaba a dos bandas con franceses y alemanes. Rains era en realidad un actor inglés que curiosamente había alcanzado el grado de capitán durante su participación como soldado en la Primera Guerra Mundial.

Rains ha pasado a la posteridad por la última escena de Casablanca, en la que su personaje se redime al salvar a Humphrey Bogart de una detención segura. Volvió a trabajar con Ingrid Bergman en Encadenados, un film de Alfred Hitchcock en el que también participaba Cary Grant y en el que curiosamente interpretaba a un nazi.  Su colaboración más habitual en el cine fue con la actriz Bette Davis, y su reconocimiento fue tal que se convirtió en el primer actor que cobró un millón de dólares por película. Estuvo nominado cuatro veces a los premios Oscar pero no logró hacerse con la estatuilla en ninguna ocasión.

Falleció en Estados Unidos en 1967 tras sufrir una hemorragia abdominal a los 77 años.

→Arthur Dooley Wilson: el actor interpretaba al celebérrimo pianista Sam, un personaje secundario que ha pasado a la posteridad por dar las réplicas más conocidas de la historia del cine a Ingrid Bergman y Humphey Bogart. Wilson no sabía tocar el piano (era batería), por lo que en la película solo finge tocarlo. Tampoco cantaba en directo As time goes by. Lo que se escucha en la película es una grabación previa de su propia voz.

Dooley Wilson fue un actor de teatro y musicales que tras Casablanca rodó 13 películas más y una serie de televisión. Durante los años cuarenta trabajó en cine y teatro con grandes actores como Bob Hope y Orson Welles. Falleció en 1953 a la edad de 67 años poco después de retirarse profesionlamente.

Ver clip de As time goes by, interpretada por Dooley Wilson en Casablanca. Fuente: You Tube. Duración: 03:04 minutos:


+ info:

Anécdotas del rodaje:

Rodaje de Casablanca

Rodaje de Casablanca. Fuente: skryencoenfil.wikispaces.com (Licencia CC.)

El rodaje de Casablanca duró algo más de dos meses (entre mayo y agosto de 1942). Toda la película se rodó en interiores, excepto una escena en el aeropuerto de Van Nuys (California). Se reciclaron decorados de otra película (The Desert  Song) y se prefabricaron otros para ambientar las escenas de París y del café de Rick. La escena final se rodó con niebla para disimular que el avión que aparece era de cartón.

 

Cartel de Casablanca

Cartel de Casablanca (1942).

Casablanca reunió a un casting  de lo más internacional. De hecho, solo cuatro actores del reparto eran de nacionalidad estadounidense (Bogart, Dooley Wilson, Dan Seymour (el portero Abdul)  y Joy Page, hija del presidente de la Warner Bros., que interpretaba el papel de una refugiada búlgara).

El cartel original de la película era en blanco y negro e incluía al reparto principal de actores. Se diseñaron otros carteles  en color con los rostros de Humphrey Bogart e Ingrid Bergman distribuidos fuera de EE.UU. En España la película no se estrenó hasta el año 1946. La censura suprimió las alusiones al pasado de Rick como excombatiente de la República española.

Escena de Casablanca (Paris).

A Ilsa Lund y Rick Blaine siempre les quedará París. (Imagen de dominio público).

Ingrid Bergman era cinco centímetros más alta que Humphrey Bogart, por lo que a este último tuvieron que izarle sobre ladrillos y sentarle encima de cojines para aparentar ser más alto en las escenas en las que aparecían juntos. Ingrid Bergman aparecía en casi todos los planos mostrando su perfil izquierdo, su preferido. A la actriz también se le aplicaron filtros de luz para resaltar sus ojos.

 

En el “Café de Rick”.

El pianista Sam en acción en el “Café de Rick”. Fuente: Internet.

El famoso tema As time goes by de Herman Hupfeld que se escucha durante el metraje  estuvo a punto de ser eliminado por Max Steiner, el director musical de la película y responsable de la banda sonora de Lo que el viento se llevó. La canción se mantuvo ante la imposibilidad de volver a grabar las escenas en las que aparecía Ingrid Bergman, que ya se había cortado el pelo para su próxima película, Por quién doblan las campanas.

Tócala otra vez, Sam”, en realidad no es una cita exacta de la película. Ingrid Bergman le pide al pianista Sam que  toque  As time goes by una vez: “Tócala una vez, Sam, en recuerdo de los viejos tiempos”. Pero Sam se muestra evasivo y el personaje de Ilsa Lund insiste: “Tócala, Sam. Toca As time goes by”.

Final de “Casablanca” en el aeropuerto.

Final de “Casablanca” en el aeropuerto. (Dominio público).

 

La frase final de la película (“Louis, pienso que este es el comienzo de una bella amistad”) se les ocurrió a los guionistas después de finalizado el rodaje por lo que Bogart tuvo que doblarla un mes después de acabar la película.

 

 

Clásicos del cine y la TV. Serie Twin Peaks

19 Abr

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Laura Palmer

El asesinato de Laura Palmer conmocionó a los habitantes de Twin Peaks. Fuente: Internet.

La cadena de televisión estadounidense Showtime anunció  hace unos meses que la serie Twin Peaks, un icono de los noventa, volvería a las pantallas de los telespectadores en 2016. Ahora la preproducción de la tercera temporada de la serie ya está en marcha. Y esta vez se anuncia un final cerrado que resolverá las numerosas incógnitas que se dejaron abiertas en el último capítulo emitido hace ya… veinticuatro largos años.

Ficha técnica: Twin Peaks fue una creación original del director de cine David Lynch. Cada capítulo de la serie fue filmado por un director diferente siguiendo una misma línea argumental (la actriz Diane Keaton dirigió un capítulo de la segunda temporada). Los exteriores fueron rodados en la frontera entre Estados Unidos y Canadá en paisajes naturales que constituyeron un factor fundamental de la trama.

Argumento: Laura Palmer, una niña bien de una pequeña población del norte de EE.UU. aparece asesinada a la orilla del río. El agente especial del FBI Dale Cooper es enviado para investigar las causas de su muerte y desenmascarar a su asesino. La historia va complicándose y dando pie a la aparición de personajes de lo más variopinto como un por entonces desconocido David Duchovny -un agente del FBI travestido de mujer-, la excéntrica “lady leño”, o el propio David Lynch, encarnando a otro peculiar agente del FBI con problemas de sordera.

¿Por qué fue un éxito en su época?: Los insólitos personajes, la ambientación surrealista y los originales guiones escritos a dos manos por David Lynch y Mark Frost impactaron en la audiencia de los noventa. Además, en cada capítulo reinaba una atmósfera de misterio y ocultismo mezclada con un brillante humor negro. En definitiva, la serie mostró un desfile extraordinario de personajes antagónicos que reflejaban la compleja condición humana y la lucha atemporal entre el bien y el mal.

La serie nos ha dejado diálogos tan asombrosos como estos:

Agente Dale Cooper (Kyle MacLachlan): “Durante la investigación de la muerte de Laura he seguido las directrices del FBI, técnicas deductivas, métodos tibetanos, instinto y suerte. Pero ahora voy a necesitar un nuevo elemento, algo que a falta de otra definición voy a llamar magia”.

Agente Gordon Cole (David Lynch): “La palabra casualidad -no sé por qué- me recuerda a las salchichas. No me preocupa su calidad pero me gustan fritas”.

→Ver serie Twin Peaks resumida en siete minutos. Fuente: You Tube.

→Entrevista reciente con los actores que interpretaron a Audrey Horne,  Laura Palmer y Lelan  Palmer. En ella relatan sus escenas y momentos favoritos de la serie. Fuente: You Tube. Duración: 04:54 minutos.

¿Cómo supera el paso del tiempo?: Obviando la estética e indumentaria de los noventa, Twin Peaks lo supera con creces. Podría considerarse una serie de culto para fans de David Lynch, pero su influencia en la historia de la ficción televisiva es incontestable. Un cuarto de siglo después de su estreno, el espectador sigue disfrutando del absurdo de sus diálogos, de su bella escenografía, de la envolvente banda sonora y del carisma de sus protagonistas convertidos ya en mitos de la pequeña pantalla. El interés que aun suscita Twin Peaks entre los espectadores de toda una generación justifica sin lugar a dudas la futura continuación de la serie.

¿Qué fue de sus protagonistas?

Por Twin Peaks pasaron tantos personajes secundarios que enumerarlos sería una tarea demasiado ardua. Algunos de ellos fueron los actores Billy Zane o Heather Graham (la novia de Dale Cooper en los episodios finales de la serie) que comenzaban a ser populares a principio de los noventa. Pero si de alguien nos acordamos es de los actores que sustentaron el núcleo de la historia:

Reparto de la serie Twin Peaks

Elenco de la serie Twin Peaks en la actualidad: de izda. a dcha. y de arriba abajo Kyle MacLachlan, Sheryl Lee, Ray Wise, Sherilyn Fenn, Dana Ashbrook, Lara Flynn Boyle y Michael Ontkean. Fuente: Internet y Wikipedia (Licencia CC).

Kyle MacLachlan: el actor interpretó el papel protagónico del agente Dale Cooper, encargado por el FBI de resolver el asesinato de Laura Palmer. Cooper se comunicaba por dictáfono con la misteriosa Diane, la secretaria invisible. Tras el final de la serie en 1991, MacLachlan vivió su mejor época profesional y posteriormente supo adaptarse a los nuevos formatos televisivos. Le hemos visto en las series Mujeres Desesperadas y Sexo en Nueva York. El actor ha confirmado su participación en la nueva temporada de Twin Peaks: “estoy muy emocionado por el regreso a ese extraño y maravilloso mundo”, ha asegurado.

Sheryl Lee: la protagonista cadáver de la serie, Laura Palmer, fue interpretada por Sheryl Lee. Además la actriz asumió el papel de Maddy Ferguson, la prima de Laura de visita en Twin Peaks. La carrera artística de Lee se ha visto afectada recientemente por una enfermedad que le impide actuar (neutropenia) y que la ha llevado a la ruina económica. Quizá para aliviar sus deudas, la actriz participará en la nueva temporada de la serie de David Lynch.

Ray Wise: el padre de Laura Palmer ha pasado ya a la historia de la televisión gracias a Twin Peaks. Wise ha participado en un buen número de películas y series de televisión (Mad Men, Embrujadas) desde que formara parte del reparto de Twin Peaks pero siempre será recordado por su papel de progenitor trastornado de la no tan inocente Laura Palmer.

Michael Ontkean: el actor interpretaba en la serie al sheriff Harry S. Truman, una suerte de imitación rural del profesor Watson. El sheriff le siguió la corriente al agente Cooper hasta el final incluso cuando todo se descontroló imprevisiblemente. Ontkean ha colaborado en películas y alguna serie de televisión sin demasiada relevancia hasta la fecha. Formó parte de la película que David Lynch filmó en 1992 sobre la última semana de vida de Laura Palmer, pero sus escenas fueron descartadas en el montaje final.

Dana Ashbrook: el chico con el corte de pelo más imitado de los noventa interpretó el papel de Bobby Briggs, el novio “malote” de Laura Palmer. Ashbrook, que ha tenido una carrera constante pero no demasiado reconocida desde que finalizase la grabación de la serie, ha confirmado su participación en la tercera temporada de Twin Peaks.

Sherilyn Fenn: en Twin Peaks, la actriz era Audrey Horne, la sensual y astuta hija del propietario del hotel donde se desarrollaba buena parte de las tramas. Horne participó en algunos telefilmes (interpretó a Elisabeth Taylor gracias a su parecido con la actriz) y películas de David Lynch con posterioridad pero desde hace años no interpreta un papel reseñable. También participará en la nueva entrega de Twin Peaks.

Lara Flynn Boyle: Donna Hayward era la mejor amiga de Laura Palmer que decide investigar su muerte por su cuenta. La actriz consiguió todos los papeles que quiso durante la década de los noventa en el cine, pero su estrella se apagó en cuanto cumplió los cuarenta. Desde entonces anda prácticamente desaparecida del mundo del celuloide, aunque sus excesos con el bótox puede que tengan parte de culpa.

+ info:

El final de la serie dejó un sabor agridulce por no decir directamente amargo en los espectadores. En la lucha entre el bien y el mal, el primero no sale bien parado y la serie dejó muchas puntadas sin dar en su último episodio. “Dentro de 25 años te volveré a ver” le dijo Laura Palmer al agente Cooper en los momentos finales de la serie.

La nueva temporada de Twin Peaks se desarrollará en el momento actual y contará con nueve episodios que finalmente no serán dirigidos por David Lynch tras su reciente retirada del proyecto. El guion y la producción correrán de nuevo, eso sí, a cargo del creador original Mark Frost. Los productores han anunciado la incorporación de más personajes originales.

En agosto de 2014 se celebró un festival de Twin Peaks en Estados Unidos. En la reunión con los fans de la serie participaron actores del reparto como Chris Mulkey, Kimmy Robertson, Charlotte Stewart, Wendy Robie y Sherilyn Fenn. Puede verse el vídeo del encuentro en este enlace.

Clásicos del cine y la TV. Serie V. Los visitantes

26 Feb

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Imagen promocional de la serie V-Los Visitantes.

Imagen promocional de la serie V-Los visitantes (1983-1985). De izda. dcha. June Chadwick, Jeff Yagher, Blair Teffkin y Jane Badler. Abajo, Mark Singer y Faye Grant. Fuente: FrikArte (Licencia CC).

Hace 30 años se estrenaba en España la serie V-Los Visitantes. Era el 02 de febrero de 1985 y durante seis meses una audiencia millonaria no pudo resistirse a contemplar un espectáculo semanal de ciencia-ficción inquietante sobre una realidad distópica y aterradora para el futuro de la raza humana.

A principio de los años ochenta, un ejército de extraterrestres con aspecto humanoide y mucho que esconder invadía la Tierra en aparente son de paz. Cuando las sospechas sobre sus verdaderas intenciones comienzan a levantarse, surge un grupo de disidentes llamados “La Resistencia”.

→Ver vídeo. Así comenzaban los capítulos de V. Fuente: You Tube. Duración: 02:06 minutos.

→  Ver vídeo. Primer contacto con los extraterrestres. Fuente: You Tube. Duración: 02:39 minutos.

→Ficha técnica: el creador de la serie emitida originariamente en Estados Unidos de 1983 a 1985 fue Kenneth Johnson. El director y guionista tenía en mente una serie de tipo político, centrada en el abuso de poder de los totalitarismos e inspirada en la novela de 1935It Can’t Happen Here, de  Sinclair Lewis.

Ante el rechazo de los productores de la cadena NBC, Johnson decidió cambiar de género, aprovechando el tirón de las películas de ciencia ficción generado por la trilogía de La Guerra de las Galaxias. La serie se editó en formato de miniserie en dos temporadas, a la que siguió una tercera convencional con 13 episodios. La trama del último capítulo quedó inconclusa tras la abrupta suspensión del serial en 1985.

→Argumento: Los visitantes, llegados del cuarto planeta de la estrella Siro, vestían con estética militar y neonazi y eran en realidad reptiles disfrazados de humanos que venían a apoderarse de las reservas de agua del planeta.  También pretendían esclavizar a los humanos que además les servían de alimento (aparte de ratones, aves e insectos varios).   

La lagarta Diana al natural.

La lagarta Diana al natural. Fuente: FrikArte (Licencia CC).

Entre los momentos estelares de la serie figuran el nacimiento de Elisabeth,  la “niña de las estrellas”, un híbrido de humano y reptil con poderes extrasensoriales, la escena de la comandante Diana comiéndose una rata y los instantes en que los visitantes eran descubiertos mostrando su verdadero aspecto de reptil.

→Ver video. El parto de Robin: nacimiento de Elisabeth, la “niña de las estrellas”, y su gemelo. Fuente You Tube. Duración: 03:21 minutos.

En el último capítulo de la tercera temporada, titulado “El regreso”, Diana organiza un complot fallido contra el líder de los visitantes, que había llegado a la Tierra para firmar la paz. A cambio, Elisabeth (ya adulta, tras su asombrosa y veloz metamorfosis de niña a mujer en un reptil cambio de piel) debía partir con los visitantes.

→ ¿Por qué fue un éxito en su época?: A principios de los años ochenta la Guerra Fría estaba casi descongelada, pero aquellas historias de ciudadanos atrapados entre sistemas políticos enfrentados todavía seguía interesando a los espectadores. La serie de Kenneth Johnson incorporaba los clásicos elementos de todo régimen dictatorial que se precie: censura de los medios de comunicación, lavado de cerebro, propaganda política y movimientos de resistencia. Además, los responsables de la producción consiguieron crear un clima inquietante y amenazador en cada capítulo que funcionaba muy bien entre el público objetivo.

Símbolos de La Resistencia y de los Visitantes.

Símbolos de La Resistencia y de los Visitantes (dcha.). Imágenes de dominio público.

Hay que admitir que los por entonces sorprendentes efectos especiales y la potente campaña de márquetin lanzada a 80 millones de espectadores -solo en Estados Unidos- contribuyeron al éxito de la serie. La audiencia infantil y juvenil,  fascinada ya por aquel entonces por películas como ET, El Extraterrestre o El Retorno del Jedi, disfrutaba todas las semanas de un nuevo episodio de ciencia ficción desde la comodidad de sus casas. Las fotos, pegatinas, cromos y cómics sobre la serie se convirtieron por aquel entonces en moneda de cambio de muchos recreos escolares.

→ ¿Cómo acusa el paso del tiempo?:   Los que más han sentido la entrada en la edad adulta de la serie V han sido sus efectos especiales.  Vistos con una diferencia de tres décadas, ahora alcanzarían el calificativo de irrisorios y se acercarían bastante a la serie B. En su favor se puede alegar que algunos estaban hechos a mano sobre el metraje, como los rayos de las pistolas de los visitantes.  Y hasta puede que sirviesen de inspiración para el primer Terminator de James Cameron en 1984. ¿Alguien recuerda la escena en la que Arnold Schwarzenegger se cosía las heridas de la cara mostrando parte de su esqueleto robótico de metal? Puro V.

→Ver vídeo. La actriz Jane Badler explica en el programa El Hormiguero (Antena 3) como se rodaron los efectos especiales de su famosa escena comiendo una rata. Fuente: You Tube. Duración: 12:30 minutos.

→ ¿Qué fue de sus protagonistas?

Miembros de la Resistencia

Actores de

De izda. a dcha. Faye Grant junto a su exmarido Stephen Collins, Mark Singer y Michael Ironside. Debajo, Jeff Yagher y Blair Tiffkin en la actualidad. Fuentes: Internet y Wikipedia (Licencia CC).

Marc Singer: El actor, de 66 años de edad en la actualidad, ya era conocido antes de V por su papel en el film  El señor de las bestias. En V interpretaba al líder de la resistencia, el reportero gráfico Mike Donovan. Singer siguió trabajando en series de éxito como Dallas, Hotel  o Se ha escrito un crimen. En los años noventa, la popularidad del actor canadiense cayó en picado, aunque Singer ha seguido trabajando hasta el momento actual. El año pasado se supo que iba a ser contratado para interpretar el papel del General Matthew Shrieve en la tercera temporada de la serie de televisión  Arrow.

Faye Grant: La actriz que interpretaba a la doctora Julie Parrish, colíder de la Resistencia, tiene ahora 57 años. Y es más conocida por ser la reciente exesposa del también actor Stephen Collins, acusado de haber cometido abusos sexuales sobre mujeres menores de edad. Grant fue la que comunicó públicamente los presuntos delitos cometidos por su marido, lo que provocó la apertura de una investigación policial.

Michael Ironside: Enumerar las series y películas de éxito en las que Michael Ironside ha participado sería demasiado largo (Top Gun, Total Recall,  X-Men First Class, El Equipo A, Mujeres Desesperadas, etc.). Se trata, como su compañero Robert Englund, de un secundario de lujo que ha estado trabajando en Hollywood antes, durante y después de V sin descanso.  Curiosamente, los actores de reparto de la serie son los que más reconocimiento profesional han alcanzado con el paso del tiempo.

Jeff Yagher: A los 54 años, Jeff Yagher, aun conserva gran parte de su parecido físico con el personaje de Kyle Bates. En V, Kyle era el hijo de un mandamás, pareja sentimental de Robin, la madre de Elisabeth, y novio de esta última cuando la niña se convierte en adulta ipso facto tras un cambio de piel bastante desagradable. Todo muy disparatado.

Las apariciones de Yagher en la pequeña pantalla desde V han sido bastante discretas. Su nombre figura en series como Se ha escrito un crimen y más recientemente, en A diez metros bajo tierra. En el cine, ha hecho alguna película no reseñable. En la actualidad compagina su trabajo como actor con la escultura de figuras de resina que también comercializa.

Blair Teffkin: La joven madre de Elisabeth  en V tiene ya 54 años. Además de actriz, Teffkin  es cantante y ha editado varios discos, al igual que su compañera Jane Badler (Diana). Tefkkin ha seguido trabajando como secundaria en la gran pantalla junto a actores de renombre como Gwyneth Paltrow, James Spader o Charlie Sheen. Su máximo nivel de popularidad lo alcanzó con la película  A Sinful Life. En los últimos años se ha dedicado más a la música que al cine.

Visitantes

Actores de los Visitantes en V

De izda. a dcha, Jane Badler y Jennifer Cooke en la actualidad. Debajo, June Chadwick y Robert Englund. Fuentes: Internet y Wikipedia (Licencia CC).

Jane Badler: Parece mentira pero la malvada Diana tiene ya 61 años, aunque no los aparente. La actriz y cantante ha seguido trabajando con éxito en su actual país de residencia, Australia. Aunque participó en algunas series de éxito como Falcon Crest, Hollywood no era para ella. Sin embargo Badler ha estado colaborado en producciones extranjeras con cierta frecuencia. En 1989 hizo dos películas en España y en este año 2015 está rodando otro nuevo proyecto en nuestro país, la película “De chica en chica” de la directora novel Sonia Sebastián.

June Chadwick: La actriz interpretaba a Lydia, la rival de Diana. Treinta años después está irreconocible, aunque el paso del tiempo, las operaciones estéticas y el cambio de look lo expliquen todo. Chadwick, al igual que muchos de sus compañeros en V, ha seguido vinculada con el género de la ciencia ficción desde finales de los años ochenta hasta su participación más reciente como dobladora en el video juego de Star Trek (2001). En su momento colaboró como actriz invitada en series de la época de gran popularidad como El Equipo A, MacGyver y Se ha escrito un crimen.

Robert Englund: ¿Qué se puede decir de Freddy Krueger? El papel de su carrera le llegó a Englund mientras se rodaba la serie V en 1984. En V-Los Visitantes, Englund interpretaba a Willy, un lagarto de la Quinta Columna, aliado de los humanos y de la Resistencia.

Con 67 años, el protagonista de la saga de Pesadilla en Elm Street ha conseguido no encasillarse. Le hemos visto en televisión en las últimas producciones de Mentes Criminales, Bones y Supernatural. En 1996 participó como villano en la película española La Lengua asesina (otro largometraje que también rayaba la serie B).

Jennifer Cooke: En V, el personaje de la exótica Elisabeth Maxwell, hija de Robin y de un extraterrestre lagarto, era bastante sugerente. La actriz que interpretaba a Elisabeth en su etapa adulta era Jennifer Cooke, una típica rubia de Hollywood que, contra todo pronóstico, acabo pronto su carrera como actriz profesional. Después de V, Cooke participó en un par de series de televisión y se significó con un papel secundario en la sexta secuela de Viernes 13.

Se retiró de la interpretación a mediados de los años ochenta. En la actualidad vive con su marido, un empresario del té,  y sus cinco hijos en Colorado (EE.UU). En 1995 publicó  un libro prescindible de recetas de cocina hechas a base de té.

+ info:

→Ver vídeo. La serie V contada en nueve minutos. Fuente: You Tube. Duración: 09:26 minutos.

*Anécdotas del rodaje: Jane Badler ha confesado que pasaba verdadero hambre para poder entrar en los ajustados uniformes de licra de los visitantes. La escena de la rata también se rodó con mucha presión para la actriz que tuvo que consumir Valium para tranquilizarse. Se le colocó un cuello falso relleno de tubos por los que se bombeaba aire. El movimiento debía simular el paso del animal por la garganta de Diana.

El equipo de actores no estaba demasiado unido. Mark Singer y Jane Badler no se han vuelto a ver desde que finalizó el rodaje del último episodio, hace ahora 30 años. Sin embargo, Badler sí se ha reencontrado recientemente con June Chadwick, su rival en la serie.

*Final de la serie original: su creador, Kenneth Johnson, reveló que pensaba finalizar la serie enviando al heredero  del líder de los visitantes a la Tierra. Tras un contacto productivo con la Resistencia  y garantizar esta su regreso sano y salvo, el dirigente supremo ordenaría el fin de las hostilidades.

Ese final no llegó a rodarse nunca, pero Johnson se resarció publicando un libro en 2008 (The Second Generation) que continuaba su serie de televisión. La acción se sitúa dos décadas más tarde -alrededor de 2005- en un mundo aun invadido por los reptiles. La Resistencia, a punto de ser vencida, mantiene la esperanza gracias a un nuevo extraterrestre aliado.

*Final en España: la revista Teleindiscreta publicó tres cómics adicionales tras el final de la serie. En ellos se ilustraba la nueva vida de Elisabeth y Kyle en el planeta de los visitantes. El argumento, pura ficción de los dibujantes de la revista, contribuyó a alimentar los rumores sobre el verdadero final de la serie, que no llegó jamás a atar todos los cabos sueltos.

*En el año 2009 la cadena ABC emitió un remake de la serie con algunos cambios respecto a  la miniserie original. La comandante ya no era Diana sino Anna y los alienígenas llevaban años introduciéndose de incógnito en las filas del poder humano (¿no es el mismo argumento de Men in Black?). Como guiño al pasado, Jane Badler, la actriz que hizo de Diana, interpreta el papel de madre de Anna, la nueva protagonista. La serie solo duró dos temporadas.

Clásicos del cine y la Tv. Fargo (1996)

18 Ene

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Fotograma de Fargo (1996)

Frances McDormand interpreta a una policía local embarazada encargada de resolver los asesinatos cometidos en Fargo. Fuente: http://www.tvtropes.org (Licencia CC).

Blogosphera inaugura nueva sección: los clásicos del cine y la Tv de los últimos tiempos. Se trata de un nuevo espacio en el que revisitar las series, películas y documentales que han marcado una época en la memoria reciente de los espectadores y que vuelven a estar de actualidad.

La primera entrega de esta serie es Fargo, una película de los hermanos Coen producida en 1996 y cuyo remake en versión serie de televisión acaba de obtener el premio a la mejor miniserie en la última edición de los Globos de Oro.

→Ficha técnica: La película fue producida y escrita a dos manos por los hermanos Joel y Ethan Coen, aunque como es habitual, Joel se reservó la dirección. Es una cinta de 1996 nominada a siete Óscars. Obtuvo dos al mejor guion y a la mejor actriz para Frances McDormand.

→Argumento: El film se inspiró en hechos reales acaecidos en Minnesota (EE.UU.) en 1987. Acosado por las deudas, el vendedor de coches Jerry Lundegaard (William H.Macy) ordena secuestrar a su esposa con el fin de cobrar un cuantioso rescate. El millón de dólares iba a ser pagado por su suegro, un rico y peculiar empresario, pero todo se complica cuando Lundegaard decide cambiar de planes.

Steve Buscemi en Fargo (1996).

Steve Buscemi a punto de cometer su primer asesinato en Fargo. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

¿Por qué fue un éxito en su época?: Por su humor negro, la exaltación de lo absurdo y la crítica social teñida de relato costumbrista. A destacar el desfile de personajes tipo y las escenas en que la mujer del personaje interpretado por William H. Macy intenta escapar a ciegas de sus captores.

¿Cómo acusa el paso del tiempo?: La trama sigue atrapando al espectador desde el primer minuto y los diálogos de autor de los noventa mantienen su frescura. Uno casi no se da cuenta de que han pasado casi veinte años. La escena inicial de Fargo acompañada por el tema principal de la banda sonora producida por Carter Burwell ha ascendido ya a la categoría de icono audiovisual.

→Ver Vídeo: Fargo (película) resumida en seis minutos. Fuente: You Tube.

¿Qué fue de sus protagonistas?

→ Leer crítica completa de Fargo (1996).