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Crítica de cine. Rocketman

25 Jun

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Escena musical del film Rocketman. Fuente: Internet.

Que un biopic sobre una rutilante estrella del rock acabe bien no es lo habitual. Que esta haya sobrevivido a sus excesos sin ingresar en el famoso club de los 27 tampoco es frecuente y que además haya dado su aprobación a la película sobre su vida, es casi algo insólito.

Rocketman, la biografía cinematográfica de Elton John, llega en la temporada final de películas musicales estrenadas en los últimos tiempos de la mano de Dexter Fletcher, el responsable del penúltimo éxito de taquilla, la oscarizada Bohemian Rhapsody. Aunque, a estas alturas, el film corría el riesgo de convertirse en la cola de un cometa agonizante, la realidad es otra bien distinta. Es indudable que la figura de Elton John sigue conservando intacto su poder para atraer a las masas, cincuenta años después de su debut en el Londres de los años sesenta. Y su inminente y gozosa retirada de los escenarios resulta ser un argumento más que convincente para acudir a las salas, tanto para sus seguidores habituales como para aquellos que, por edad, no conocieron sus mejores tiempos.

→Trailer oficial de Rocketman. Fuente: YouTube.

 

El encargado de dar vida en la pantalla a semejante coloso de la música es Taron Egerton, un actor no demasiado conocido, que consigue estar a la altura de lo esperado. Siempre se agradece que la persona que encarna al ídolo sea capaz de cantar en un registro de voz suficiente para dar credibilidad a la historia. En este caso, Egerton, sin ser Elton John, da la talla, tanto a nivel vocal como interpretativo, superando el trance que supone participar en una película musical. Porque, no nos engañemos, Rocketman es una película de género. En ella hay numeritos musicales, bailes coreografiados y mucha psicodelia. Además de plumas, lentejuelas y glitter hasta decir basta.

→Taron Egerton interpreta el tema principal Rocket Man en la película homónima sobre la vida de Elton John. Fuente: YouTube.


El argumento, por manido que resulte, sirve para novelar con divertimento la complicada infancia y desenfrenada juventud de Elton John, aunque quizá pierda la oportunidad de retratar con mayor detalle el proceso de composición musical, así como una época social, el último cuarto del siglo XX, especial y dichosamente repleto de talentos artísticos y musicales que interactuaron con el cantante. Quizá la narración se centre demasiado en describir el ascenso y bajada a los infiernos de Reginald Kenneth Dwight, sin profundizar en otro tipo de relaciones que no sean las familiares y personales del cantante. De entre todas, bien cabe destacar la amistad indestructible con Bernie Taupin, su apreciado letrista, que, gracias a este nuevo revival, retoma ahora un merecido protagonismo.

Elton John y Bernie Taupin en los años setenta. Dcha., Taron Egerton (con gafas) y Jamie Bell interpretando a sendos personajes en Rocketman. Fuente: Internet. Cantante y letrista nunca trabajaron juntos en un mismo lugar. Taupin le enviaba a Elton John sus letras en primer lugar y a continuación este componía una melodía inspirada.

La historia, de corte circular (empieza y termina en la clínica de desintoxicación a la que acude Elton John), finaliza en 1983, con el regreso del cantante a los escenarios y la edición de Too Low For Zero, el exitoso álbum que supuso su reconciliación con Bernie Taupin y su reinvención musical junto a la que fuera su banda en los años setenta. La película se toma algunas licencias narrativas (en la vida real Elton John no fue a rehabilitación hasta 1990 y no tomó prestado su nombre de John Lennon, sino de otro cantante, Long John Baldry) y obvia las tres décadas posteriores, que, si bien no han representado lo mejor de la carrera del artista, sí son dignas de mención, sobre todo teniendo en cuenta que sir Elton John obtuvo un Oscar en 1995 (monopolizando las nominaciones a mejor canción con tres temas propios de la banda sonora de El Rey León).

→Vídeoclip de “I´m still standing”, tema perteneciente al álbum de Elton John, Too Low for Zero (1983). El rodaje tuvo lugar en Cannes y Niza (Francia). Fuente: YouTube. El vídeo es recreado en las escenas finales de Rocketman.


La película casi resulta extravagante por su final feliz, su alegría y su ingenuidad, aunque el drama y la desilusión se instalen inopinadamente en algunos momentos interpretativos clave. Como la vida de sir Elton John, todo un superviviente.

Valoración: 3,5 estrellas/5

+ info:

Cartel promocional de Rocketman. Fuente: Internet.

Rocketman se estrenó en España el 31 de mayo de 2019. Su director es Dexter Fletcher, el cineasta encargado de finalizar el rodaje de Bohemian Rhapsody, tras el despido de Bryan Singer. El film está protagonizado por Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden y Bryce Dallas Howard. Narra la vida del cantante Elton John en clave musical, desde que tenía ocho años hasta los 36 (43 en la vida real), cuando decide ingresar en una clínica de desintoxicación para superar sus adicciones al alcohol, el sexo y las drogas, tras décadas de descontrol, dudas sobre su orientación sexual y una profunda desafección familiar.

Elton John y Bernie Taupin grabaron un tema nuevo para la banda sonora original de Rocketman, (I´m gonna) Love me again. La canción, de inspiración sesentera y que suena en los títulos de crédito de la película, está interpretada a dúo por el propio Elton John y Taron Egerton.

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Parecidos razonables. Raphael vs. Jim Morrison

8 Dic

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El cantante Raphael y el front man de The Doors, Jim Morrison (dcha.)

El cantante Raphael y el front man de The Doors, Jim Morrison (dcha.). Fuente: Internet.

El año1943 fue un período especialmente prolífico para la historia de la música. Y no porque en aquel año se editaran éxitos memorables sino porque llegaron al mundo dos figuras especialmente relevantes: Jim Morrison y Raphael. Histriónicos y carismáticos, morfológicamente, podrían ser dos caras de una misma moneda, el doble rostro de Jano o Narciso y su reflejo. Aunque subjetiva y artísticamente hablando, pertenezcan a galaxias muy lejanas (o quizás, no tanto):

→Raphael

Nombre completo: Miguel Rafael Martos Sánchez. Raphael es su nombre artístico. Cambió la grafía de su nombre a -ph- inspirado por la denominación de su primera discográfica (Philips Records).

Fecha de nacimiento: Raphael nació el 5 de mayo de 1943 en Linares (Jaén, España) en el seno de una familia de clase humilde de cuatro hermanos. Raphael, el tercer hijo de una ama de casa y un obrero de la construcción de la España franquista, pronto se trasladó a Madrid con su familia. Allí, siendo un niño, destacó por sus aptitudes vocales, primero en un coro religioso y posteriormente, a los nueve años, en Festival de escolanías infantiles de Salzburgo (Austria), que ganó.

Profesión: Cantante de canción melódica y pop. Actor protagonista en teatro y películas musicales.

Trayectoria: A principio de los años sesenta, y tras participar en multitud de concursos radiofónicos, Raphael consiguió firmar su primer contrato discográfico. Por aquella época también conoció a Manuel Alejandro, un músico desconocido, que se convertiría con el tiempo en su productor de cabecera. Su triunfo en el festival de Benidorm le permitió adquirir relevancia nacional. Y en 1965 sacaría al mercado “Raphael canta la navidad”, un disco temático que incluía el célebre villancico del tamborilero, un imprescindible de sus galas anuales en la televisión pública española. En 1966, “El niño de Linares” representó a España en el festival de Eurovisión y actuó en su primera película musical.

A partir de 1967 su carrera despegó internacionalmente, tras una nueva participación en Eurovisión y su actuación en El show de Ed Sullivan. Raphael, convertido ya en un icono, ha seguido encadenando giras, discos y películas hasta la actualidad. Pasado el bache artístico de los setenta, en el año 2000 protagonizó el musical Dr. Jekyll y Mr. Hide con gran éxito de público y crítica. Tras su última reinvención musical, representa ahora una figura esencial para los fans de la música indie.

Vida privada: En 1972 Raphael contrajo matrimonio con la aristócrata y periodista Natalia Figueroa, con quien tiene tres hijos. La boda, celebrada en secreto en Venecia por la oposición de la familia de la novia, ocasionó un gran revuelo mediático.

A mediados de los años ochenta, en plena resurrección musical, el cantante contrajo una hepatitis B agravada por un elevado consumo de alcohol durante las giras. La enfermedad derivó en una cirrosis hepática y fue necesario someter al cantante a un trasplante de hígado en el año 2003. A partir de esa fecha, el artista asegura estar viviendo una segunda vida.

Está de actualidad por: la edición de su último trabajo discográfico, Raphael REsinphónico (2018), en el que ha vuelto a grabar sus grandes éxitos con una orquesta sinfónica incorporando música electrónica. Además, Raphael vuelve a estar de exitosa gira mundial con esta última producción.

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Los cantantes Raphael (izda.) y Jim Morrison.

Los cantantes Raphael (izda.) y Jim Morrison. Fuente: Internet.

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→Jim Morrison

Nombre completo: James Douglas Morrison.

Fecha de nacimiento: Jim Morrison nació el 8 de diciembre de 1943 en Melbourne (Florida, EE.UU.) en uno de los destinos provisionales de su padre, un almirante de la Marina estadounidense. Morrison fue el primer hijo de una familia acomodada de tres hermanos, aunque las desavenencias con su estricto progenitor hicieron que pronto cortara los lazos con su familia. El artista falleció el 3 de julio de 1971, en París, a causa de un paro cardíaco, probablemente relacionado con el consumo de estupefacientes.

Profesión: cantante, compositor y poeta. Jim Morrison se graduó en cinematografía en la Universidad de California (UCLA) en 1965.

Trayectoria: el histórico encuentro entre Jim Morrison y Ray Manzarek en la playa de Venice en el verano de 1965 dio lugar a la creación de una de las bandas más relevantes de la historia del rock. The Doors, así nombrados en honor a un ensayo de Aldous Huxley, editaron seis discos de estudios y un directo antes del fallecimiento de su cantante en 1971. Morrison fue el creador de las letras y poemas musicalizados que posteriormente interpretaba de forma tan teatral en el escenario. El cantante fue el inventor del crowd surfing (salto desde el escenario al foso ocupado por el público de las primeras filas) y The Doors son considerados los padres del rock psicodélico.

En vida, Jim Morrison publicó dos libros de poemas (The Lords y The New Creatures), claramente influenciados por la generación beat y la imaginería de los poetas franceses del siglo XIX. Tras su muerte se publicaron otros dos volúmenes inéditos de poesía, Wilderness y The American Night. En 1969 rodó una película documental, HWY, an American Pastoral, protagonizada por él mismo, al tiempo que The Doors componían L´America para la banda sonora de un film de Antonioni (Zabriskie Point), que finalmente no llegó a incluirse. Siempre vinculado al séptimo arte, Morrison también participó como actor secundario en producciones cinematográficas de los años sesenta. Aunque su verdadera vocación era la literatura.

Tras acordar un parón indefinido con su banda, en 1971 decidió instalarse en París para escribir poesía y escapar del escándalo generado por la presunta exposición de sus genitales durante un concierto en Miami. Morrison había apelado su condena a seis meses de trabajos forzados cuando falleció inesperadamente.

Vida privada: Jim Morrison experimentó con todo tipo de drogas, a excepción de las duras, ya que padecía belonefobia (pánico a las agujas). Sus mayores adicciones fueron al alcohol y a la cocaína. Su carácter introvertido y al mismo tiempo provocador generaron todo tipo de anécdotas, como sus primeras actuaciones de espaldas al público o sus temibles caídas de las cornisas de los hoteles, por las que solía pasear, a menudo en estado de embriaguez.

Jim Morrison fue el sex-symbol de una generación y sus affaires fueron múltiples, aunque el cantante decidió compartir oficialmente su ajetreada vida sentimental con Pamela Courson, una estudiante de arte a la que conoció en su etapa universitaria. A Pamela, su “compañera cósmica”, le dedicó un buen puñado de canciones y la nombró heredera universal de su fortuna. Sin embargo, Courson, fallecida por sobredosis en 1974, vivió sus últimos días sin apenas recursos, ya que la familia de Morrison impugnó el testamento. En la actualidad, los bienes y derechos de autor de Jim Morrison se reparten entre las dos familias.

Está de actualidad por: en el año 2018 los seguidores de Jim Morrison celebran el que hubiera sido el 75 aniversario del nacimiento del cantante. En 2017, los miembros supervivientes de The Doors celebraron en Venice (California) los 50 años transcurridos desde la edición del primer álbum de la banda, el homónimo y transgresor, The Doors.

Diferencias y semejanzas

Raphael (izda.) y Jim Morrison en 1967.

Raphael (izda.) y Jim Morrison en 1967. Fuente: Internet.

Resulta sorprendente descubrir el parecido físico que existe entre el Raphael de los años sesenta y Jim Morrison, líder y compositor de The Doors. Nacer el mismo año es ya una coincidencia, dedicarse a la misma profesión también añade puntos y padecer el mismo tipo de adicción (aunque en etapas diferentes de su vida) no deja de ser significativo.

El éxito internacional de Raphael le llevó hasta El Show de Ed Sullivan, el programa de variedades del domingo por la tarde más visto en Estados Unidos. The Doors también fueron invitados, pero mientras Raphael cantó lo que le pidieron hasta en tres idiomas diferentes, la banda de rock más potente del país decidió cambiar el guion. El resultado fue muy diferente ya que Raphael volvió dos veces más, pero The Doors fueron censurados por la cadena tras negarse a cambiar la letra de Light my fire. El responsable directo: Jim Morrison.

La teatralidad también es un rasgo muy presente en la manera de interpretar de Raphael y Jim Morrison. Pero también se aprecian diferencias, puesto que las danzas chamánicas de Jim Morrison poco tienen que ver con el amaneramiento de Raphael, que en su día dio lugar a rumores sobre su homosexualidad. Algo negado por el cantante y opuesto a la realidad de una vida sentimental estable junto a la que es su esposa desde hace más de cuarenta años.

Resulta tentador preguntarse qué hubiera sido de la carrera de Jim Morrison si aún siguiera vivo. Surgen dudas sobre si habría logrado mantener el nivel de repercusión que Raphael ha alcanzado en España y Latinoamérica. Un hito que muy pocos artistas de su generación han conseguido. Pero sí se puede imaginar como sería su aspecto físico con 75 años: seguro que muy, muy parecido al de Raphael.

Pearl Jam en concierto. Mad Cool Festival 2018

15 Jul

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Pearl Jam en el Mad Cool Festival 2018.

Pearl Jam en el Mad Cool Festival 2018. Fuente: You Tube.

Todo lo que se dice de Pearl Jam es cierto: gran grupo, excelentes músicos, maquinaria de perfecto engranaje, setlist contundente, muy buen sonido (punto positivo para la organización) y gran carisma de su líder, Eddie Vedder, que apareció en el escenario principal del Mad Cool con puntualidad y excelentes condiciones vocales. Si a lo anterior se le suma una escenografía elegante y minimalista con una iluminación efectista, se crea una puesta en escena al servicio de la música y no al contrario.

El bajista Jeff Ament tocando “Why go”

El bajista Jeff Ament tocando “Why go” en el monumental escenario del festival. Fuente: You Tube.

Pearl Jam en el escenario Mad Cool.

Pearl Jam en el escenario Mad Cool. Fuente: Internet.

La primera parte del concierto, comenzó suave y entre sombras con “Release” y “Elderly woman behind a counter in a small town”, dos temas de los álbumes seminales Ten (1991) y Vs (1993). A los temas acústicos les siguieron clásicos cañeros que todos esperábamos escuchar, como “Animal”, “Corduroy” o “Even Flow” retransmitidos en blanco y negro por las pantallas gigantes como si fueran videoclips añejos cubiertos por una pátina de tiempo.

Matt Cameron y Eddie Vedder durante un momento del concierto (dcha.) y Jeff Ament al bajo.

Matt Cameron y Eddie Vedder durante un momento del concierto (dcha.) y Jeff Ament al bajo. Fuentes: Samia Benaissa Pedriza- You Tube.

Pearl Jam tocando “Corduroy” en el Mad Cool Festival.

Pearl Jam tocando “Corduroy” en el Mad Cool Festival. Fuente: You Tube.

Visión del grupo del escenario durante “Even Flow”.

Visión del grupo del escenario durante “Even Flow”. Fuente: You Tube.

Del presente más cercano solo se escucharon el muy punk “Mind your matter”, la bellísima “Sirens” y “Lightning Bolt” todas ellas del álbum homónimo de 2013. Eddie Vedder dedicó “Can´t deny me”, un single recién sacado del horno, a las “mujeres fuertes del público que van a cambiar el mundo”.

Pura Gestualidad. Eddie Vedder en “Alive” y “Even Flow”.

Pura Gestualidad. Eddie Vedder en “Alive” y “Even Flow”. Fuentes: Samia Benaissa Pedriza- You Tube.

El cantante, Eddie Vedder, plenamente recuperado de su reciente afonía, saludó a la audiencia, botella en mano, recordando la primera vez que tocaron en Madrid, en la mítica sala Revolver. En un español mejorable, introdujo también un vídeo de los actores Javier Bardem y Luis Tosar en contra de los abusos sexuales.

Eddie Vedder durante uno de los discursos que dio ante la audiencia del Mad Cool.

Eddie Vedder durante uno de los discursos que dio ante la audiencia del Mad Cool. Fuente: You Tube.

El líder de Pearl Jam saludando al público madrileño.

El líder de Pearl Jam saludando al público madrileño. Fuente: Internet.

La segunda parte incluyó un cambio de registro con una impresionante versión de “Eruption”, un tema de Van Halen para lucimiento del guitarrista Mike McCready, “Do the evolution”, “Porch” y el archiconocido “Jeremy”. Tras hora y media de concierto, la banda se despedía, aunque los asistentes sabíamos que aun les quedaba mucho más por dar.

Mike McCready estuvo sobresaliente en “Eruption”.

Mike McCready estuvo sobresaliente en “Eruption”. Fuente: You Tube.

Actuación estelar de McCready en “Even Flow”.

Actuación estelar de McCready en “Even Flow”. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Baño de multitudes del guitarrista de Pearl Jam.

Baño de multitudes del guitarrista de Pearl Jam. Fuente: You Tube.

Los bises sirvieron para calmar un poco los ánimos de una audiencia enfervorizada, aunque el sosiego duró poco al encarar dos trallazos de Vs y Ten (“Rearview mirror” y “Alive”, interpretado por Vedder con la misma rabia contenida que en el famoso vídeo de la MTV). Siguiendo el guion habitual, la banda puso la guinda al pastel musical con una versión de su adoradísimo Neil Young, el “Rockin in the free world” que ya casi han hecho suya.

Pearl Jam interpretando “Alive” en el escenario Mad Cool.

Pearl Jam interpretando “Alive” en el escenario Mad Cool. Fuente: You Tube.

→Vídeo. “State of love and trust”. Pearl Jam. Mad Cool Festival 2018. Fuente: You Tube. MariskalRockTv.

Pearl Jam ofrecieron un auténtico festival de buenas canciones que sonaron frescas y sin tufo a revival casi treinta años después de haber sido compuestas. Las dos horas de concierto supieron a poco tras once años sin visitar la ciudad, aunque el grupo cumplió ampliamente las expectativas del respetable. Habrá que hacer campaña para un próximo regreso a España de los últimos supervivientes del grunge, pero esta vez, a ser posible, en un recinto menos masificado.

80.000 personas asistieron al concierto de Pearl Jam en Madrid, tras más de una década de ausencia.

80.000 personas asistieron al concierto de Pearl Jam en Madrid, tras más de una década de ausencia. Fuente: Internet.

+ info:

Set list del concierto de Madrid.

Set list del concierto de Madrid. Fuente: Facebook de Pearl Jam.

El concierto de Pearl Jam en Madrid se celebró el 12 de julio de 2018 en el recinto Mad Cool en Valdevebas. Duración: 2 horas y 5 minutos (de 23:30 a 01:35 horas).

→Set List: 01. Release. 02. Elderly woman behind the counter of a small town. 03. Given to fly. 04. Lukin. 05. Corduroy. 06. Why go. 07. Animal. 08. Even flow. 09. Mind your manners. 10. Lightning bolt. 11. Eruption (versión de Van Halen). 12 Jeremy. 13. Can´t deny me. 14. Do the evolution. 15. Wasted reprise. 16. Better man. 17. Porch. Bises: 18. Just breathe. 19. Sirens. 20. Black. 21. State of love and trust. 22. Rearview mirror. 23. Alive. 24. Rockin in the free world.

→Mad cool Festival:

Entrada al Festival Mad Cool 2018.

Entrada al Festival Mad Cool 2018. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Pearl Jam fueron cabezas de cartel del primer día del Mad Cool Festival, celebrado en Madrid en su tercera edición del 12 al 14 de julio de 2014. El record de asistencia (240.000 personas acudieron a la cita) generó atascos y colas para entrar, por lo que muchos asistentes se perdieron actuaciones largamente esperadas.

El plantel de artistas fue de primer nivel: Pearl Jam, Alice in Chains, Jack White, Queens of the Stone Age y Depeche Mode, compartieron escenario con bandas emergentes, aunque se programaron incomprensibles combinaciones de artistas (Tame Impala- Pearl Jam en la inauguración del festival o Arctic Monkeys-Alice in Chains el segundo día).

Tame Impala tocaron justo antes que Pearl Jam en el escenario “Madrid”.

Tame Impala tocaron justo antes que Pearl Jam en el escenario “Madrid”. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El festival reunió a dos tipos de público: uno minoritario, que acudía al festival a disfrutar de sus bandas y no solo a escuchar música de fondo, y otro mayoritario, formado por individuos disfrazados con pelucas que ni siquiera miraban el escenario y cuyo único objetivo era colgar la foto en Instagram.

Los seguidores de Pearl Jam ocupando posiciones durante los preparativos del escenario principal.

Los seguidores de Pearl Jam ocupando posiciones durante los preparativos del escenario principal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La visibilidad del concierto de Pearl Jam se vio notablemente reducida por el excesivo número de asistentes.

La visibilidad del concierto de Pearl Jam se vio notablemente reducida por el excesivo número de asistentes. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Original o copia. Van Morrison vs. Patti Smith

27 Jun

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Van Morrison y Patti Smith en directo.

Van Morrison y Patti Smith en directo. Fuente: Internet y Wikipedia (Licencia CC).

Hace 55 años Van Morrison componía Gloria en el verano de 1963 con su primer grupo de música, The Monarchs. El León de Belfast solo tenía 18 años pero creó una de las canciones de garaje rock más versionadas de la historia.

Posiblemente la versión más conocida y original de todas sea la que Patti Smith incluyó en su álbum de debut, Horses, en 1975. De la Gloria original, la neoyorquina solo dejó el chasis, es decir la música y su pegadizo estribillo. Para el resto de la letra se inspiró en un poema escrito por ella misma en 1970, Oath. De él sacó la conocida e irreverente estrofa “Jesus died for somebody´s sins but not mine” (Jesús murió por los pecados de los demás, pero no por los míos) que se escucha al principio de Gloria.

Para rizar el rizo, Smith editó otro tema, Land, también incluido en Horses, que si no es una autoversión de Gloria, que bajen del olimpo los dioses del rock y sentencien. De hecho, Patti Smith suele encadenarlas sin pudor en sus shows en directo. Junto al sencillo Horses, forman una trilogía imprescindible en sus conciertos desde hace más de cuarenta años.

Gloria, compuesta por Van Morrison e interpretada en directo en el año 2008. Fuente: You Tube.

→Audio de Gloria (Van Morrison). Fuente: You Tube.

→Land + Gloria, versionada por Patti Smith y cantada en directo en 2016. Fuente: You Tube.

→Audio de Gloria (Patti Smith). Fuente: You Tube.

→Audio de Land (Patti Smith). Fuente: You Tube.

Valoración

El tema de Van Morrison, a buen seguro seguirá reportando pingües beneficios por derechos de autor, porque sigue sonando fresco más de medio siglo después de haber sido compuesto. La canción incluye unos de los acordes más simples y efectistas jamás tocados, variando solo el ritmo, pero es un hit en toda regla. Posiblemente el secreto de su éxito sea el lema “menos es mas”, además del extraordinario vozarrón de su intérprete. El original es bueno pero la controvertida versión de Patti Smith le añade imaginación y creatividad, protesta y actitud roquera, valores que, a juicio de muchos, hacen que supere al original.

+ info:

→Gloria se publicó por primera vez en el álbum del grupo Them, The Angry Young Them en julio de 1964. Them fue el tercer grupo al que Van Morrison se unió en tan solo 12 meses. Dos años después iniciaría su carrera en solitario. La canción, de una duración inicial de 2:38 minutos superaba el cuarto de hora en directo.

En 1965 The Grants hicieron la primera versión del tema. Posteriormente se fueron sucediendo hasta casi un centenar de versiones por artistas de la talla de The Doors, Jimi Hendrix, The Rolling Stones, Tom Petty o AC/DC.

El tema original de Them solo alcanzó la posición 93 en el Billboard Hot 100, mientras que la versión de The Shadows of Knight, editada solo dos años más tarde alcanzó el número diez, la posición más alta lograda por Gloria en la clasificación. Solo las versiones de Patti Smith y The Shadows of Knight tuvieron el honor de formar parte de las 500 canciones más influyentes que forman parte del Salón de la Fama del Rock and Roll.

Land, un tema original de Patti Smith, incluido en su disco de debut Horses (1975) dura 9 minutos y narra la historia de Johnny, un personaje torturado, víctima de abusos sexuales, inspirado en la novela de William Burroughs, The Wild boys. El tema tiene una estructura en tres partes: Horses, Land of 1000 dances (sí, otra versión soul, esta vez de Chris Kenner) y La Mer (de). La letra contiene referencias a la muerte de Jimi Hendrix y a Arthur Rimbaud, uno de los poetas preferidos de Patti Smith.

Bon Jovi al completo en el Rock and Roll Hall of Fame

18 Abr

Una imagen o mil palabras

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bon Jovi 2018

La formación original de Bon Jovi en el Rock and Roll Hall of Fame. Fuente: Twitter de la banda.

Han hecho falta 24 años para ver de nuevo a Bon Jovi agrupados en su formación original. Desde que Alec JohnSuch fuera expulsado de la banda en 1994 y Richie Sambora hiciera mutis por el foro hace cinco años durante el Because we can Tour, no habíamos vuelto a ver al grupo reunido al completo.

La imagen de la banda sobre el escenario del Public Auditorium de Cleveland, lugar donde tuvo lugar la ceremonia de introducción al Rock and Roll Hall of Fame, vale, por lo tanto, su peso en oro. A los inevitables pero emotivos discursos, siguió una actuación en directo algo pintoresca por lo sorprendente de la situación: una banda duplicada, formada por dos bajistas, dos baterías, dos guitarristas principales y otro rítmico que desde hace poco sustituye a Jon Bon Jovi mientras canta.

→Vídeo. Bon Jovi sobre el escenario del Public Auditorium de Cleveland. Fuente: You Tube.

Y es que el tiempo, como se encargó de subrayar el propio Jon Bon Jovi, no pasa en balde.  “En determinado momento, nos encontramos David (teclista) y yo solos sobre las tablas, como si fuésemos una banda de versiones”, confesó el líder de la banda ante un público entregado. Una situación que se dio cuando el batería Tico Torres tuvo que ser intervenido de urgencia en dos ocasiones en medio de la gira del grupo de 2013 y sustituido durante once conciertos.

Bon Jovi en el Hall of Fame

Los integrantes de Bon Jovi durante su discurso de agradecimiento. Fuente: Internet.

Entrar en el Rock and Roll Hall of Fame es todo un honor para cualquier banda o solista que se precie, aunque también un motivo de preocupación por el mero hecho de formar parte en vida de la añosa historia del Rock. Un género que en el nuevo milenio parece abocado a la extinción, pero que es aun venerado por un Rock and Roll Hall of Fame convertido casi en un cementerio de elefantes para viejas glorias.

→Richie Sambora: “Es sin duda un honor ser reconocido por el Salón de la Fama del Rock and Roll. Pienso en mis héroes y también colegas que han sido reconocidos antes que yo, y es genial estar junto a ellos.”

A Bon Jovi les quedan todavía bastantes años para jubilarse, sobre todo teniendo en cuenta como estiran los grandes grupos sus carreras ante la ausencia de recambio generacional. La banda cuenta con el apoyo incondicional de sus fans, aunque la energía no sea la misma y su música actual esté transitando caminos demasiado allanados para una formación de su calibre.

+ info:

Museo Rock and Roll Hall of Fame

Exteriores del museo del Rock and Roll Hall of Fame en Cleveland. Fuente: Andrew Hitchcock (Licencia CC).

La ceremonia de introducción de Bon Jovi en el Rock and Roll Hall of Fame tuvo lugar el 14 de abril de 2018 en el Public Auditorium de Cleveland. Howard Stern fue el encargado de presentar a la mítica banda de New Jersey. En la misma ceremonia fueron introducidos los grupos The Cars, Dire Straits, The Moody Blues y las cantantes Nina Simone y Sister Rosetta Tharpe.

Para poder ingresar en el exclusivo club de bandas del Rock and Roll Hall of Fame deben haber pasado 25 años desde la primera edición de un disco del artista y resultar ganadora en una votación de expertos. Bon Jovi sacó al mercado su primer LP en 1984 (el homónimo Bon Jovi).

El último disco publicado de Bon Jovi es This house is not for sale (2016), grabado en los mismos estudios de sus inicios y con su productor de cabecera John Shanks. En esta ocasión, el grupo salió de gira de presentación del disco solo en Estados Unidos.

El origen de los grandes nombres del rock (I)

25 Mar

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Disco vinilo.

Disco vinilo. Fuente: Internet

Títulos de canciones más o menos conocidas, álbumes de artistas célebres, libros y poemas clásicos, comentarios en apariencia irrelevantes y hasta algún personaje real han servido de inspiración para bautizar a las que con el tiempo se convertirían en las grandes bandas de rock del siglo XX. El pasado y el presente, el azar y la cultura popular de los últimos tiempos se retroalimentan en un viaje ecléctico y sorprendente por los orígenes de la música moderna.

The Rolling Stones

The Rolling Stones y Muddy Waters

The Rolling Stones en 1962. A la dcha. portada del disco “The best of Muddy Waters” (1958). Fuente: Internet.

En 1962, Mick Jagger, Keith Richards y Brian Jones vivían juntos en un apartamento londinense. Tenían un grupo de rock pero no se les había ocurrido aun ponerle un nombre. Cuando se vieron en la tesitura de tener que anunciar su primer bolo serio a  la revista  musical Jazz News no supieron qué decir. El interlocutor esperaba al teléfono una respuesta y como suele ocurrir en las películas, dieron el primer nombre que se les pasó por la cabeza. En el suelo de la habitación, entre trastos varios, estaba tirada la cubierta del disco “The best of Muddy Waters” y el primer single era “Rollin´ Stone”. Le añadieron un plural mayestático y la banda empezó a rodar. Literalmente. El resto ya es historia.

The Doors

La banda de rock The Doors y el ensayo The Doors of perception

The Doors en el backstage de una actuación en 1966. A la dcha. primera edición de “Las puertas de la percepción” de Aldous Huxley (1954). Fuente: Internet.

En el verano de 1965 Ray Manzarek y Jim Morrison, estudiantes recién licenciados de la UCLA, pasaban el rato en la playa de Venice (California), reflexionando sobre su futuro. Morrison quería irse a Nueva York a hacer cine y Manzarek no tenía muy claro qué hacer con su vida. El que más tarde sería conocido como “Rey Lagarto” comenzó a recitar unos poemas que había escrito recientemente. Y a Manzarek, que había estudiado música clásica y tenía un grupo de poca monta con sus hermanos llamado Rick and The Ravens, se le encendió la luz. Le propuso a Morrison formar un grupo al que llamarían “The Doors”, como el ensayo de Aldous Huxley, The Doors of perception, una narración subjetiva sobre los efectos de las drogas (a su vez inspirado en un poema de William Blake de 1790 del libro The marriage of heaven and hell). Poco después las puertas del éxito se les abrieron solas.

The Beatles

The Beatles y Buddy Holly and the Crickets

Los integrantes de The Beatles en 1960 (Pete Best, George Harrison, John Lennon, Paul McCartney y Stuart Sutcliffe). A la dcha. Buddy Holly and the Crickets. Fuente: Internet.

Curiosamente fue Stuart Sutcliffe, el primer bajista del grupo el que le puso nombre a la banda más famosa de Liverpool. Durante una noche de insomnio se le ocurrió un juego de palabras con los términos “beetle” (escarabajo en inglés) y “beat” (ritmo). La idea se inspiraba en The crickets, la banda que acompañaba a Buddy Holly y que era la favorita de Sutcliffe, cuyo nombre aludía tanto al conocido juego inglés como al insecto que representa (un grillo). A John Lennon le pareció bien y una noche del año 1960, durante un paseo por la ciudad, les propusieron al resto del grupo llamarse “The Beatles”. A Paul McCartney y a George Harrison les sonó raro aunque lo aceptaron. No era la primera vez que la banda cambiaba de nombre: antes habían sido “The Quarrymen”, “Johnny and the Moondogs” y “The Silver Beatles”. La idea de Sutcliffe resultó ser todo un acierto y rápidamente dio lugar al nacimiento de otro célebre término: la “beatlemanía”.

Lynrd Skynrd

Lynrd Skynrd y Leonard Skinner

Con el tiempo, los integrantes de Lynrd Skynrd (izda.) hicieron las paces con su entrenador, Leonard Skinner (dcha.) del que tomaron prestado el nombre. Fuente: Internet.

El verano de 1964 vio nacer a la banda de rock sureño estadounidense conocida mundialmente por Lynrd Skynrd. Los nombres “My backyard”, “The Noble Five” y “One Percent” precedieron al definitivo “Lynrd Skynrd”, denominación adoptada en 1970 cuando la banda decidió “homenajear” a su profesor de gimnasia de la escuela secundaria, Leonard Skinner. El susodicho consiguió que expulsaran del centro a varios integrantes del grupo por llevar las patillas y el pelo demasiado largo.  Fue el vocalista Ronnie Van Zant quien durante un concierto anunció desde el escenario que desde ese momento pasarían a llamarse como su “querido” entrenador de baloncesto. En un principio la grafía adoptada fue “Lynard Skynard” aunque finalmente se suprimieron todas las vocales y se sustituyeron por -y- (en honor a The Byrds) para evitar demandas. Los de Jacksonville tuvieron que dar indicaciones fonéticas en su primer álbum de estudio sobre como pronunciar el nombre.

Aerosmith

Aerosmith. Harry Wilson. Arrowsmith

La banda de Boston, Aerosmith. A la dcha. el álbum “Aerial Ballet” (1968) de Harry Wilson inspirado en un número aéreo-circense que ejecutaban sus abuelos y la novela “Arrowsmith”, del premio Pulitzer Sinclair Lewis, escrita en 1925. Fuente: Internet.

Aerosmith surgió en 1970 de dos bandas que lideraban Steven Tyler y Joe Perry. La nueva formación no tenía todavía un nombre y fue el recientemente incorporado batería Joey Kramer quien tuvo la genial idea tras escuchar el álbum “Aerial Ballet” de Harry Wilson. Kramer mezcló las referencias aéreas con las de un libro de la escuela secundaria que todos odiaban: “Arrowsmith”.  Kramer cuenta que solía escribir la  palabra “Aerosmith” en todos sus cuadernos de clase. Antes la banda había considerado otros nombres menos originales como “The Bananas”, “Stit Jane” o “Spike Jones”. En su tour de despedida, la banda ha decidido seguir jugando con su nombre para rendirse un tributo final: “Aerovederci” es el título de la última gira mundial de los hard rockeros de Boston.

Led Zeppelin

La banda británica Led Zeppelin

El grupo británico Led Zeppelin en 1973. A la dcha. la portada del disco homónimo Led Zeppelin (1969), copiada según John Entwistle de una idea suya. El bajista de The Who también afirma que el nombre de Led Zeppelin fue una idea original propia. Fuente: Internet.

Cuando The Yardbirds se disolvieron a finales de los sesenta, su guitarrista Jimmy Page decidió formar un grupo propio. The New Yardbirds  nació de la unión de Page con Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham  pero ante los problemas legales que el apelativo podría causar, la banda empezó a buscar una manera alternativa de darse a conocer. En 1968 Keith Moon, batería de The Who, que colaboraba en una grabación de un tema de Jeff Beck junto a Page, John Paul Jones y John Entwistle, opinó que la nueva formación iba a fracasar y caer como un “globo de plomo” (“lead balloon”, en inglés) a lo que Entwistle añadió: un “zepelín de plomo” (“lead zeppelin”). The New Yardbirds se inspiraron de aquella broma tonta para resurgir fugazmente como “Lead Zeppelin”, hasta que el mánager del grupo, Peter Grant lo cambió por Led Zeppelin para evitar malsonancias en la pronunciación del nombre en EE.UU.

No obstante, John Entwistle, bajista de The Who afirma que fue a él a quien se le ocurrió el nombre de Led Zeppelin para un grupo que pensaba constituir al margen de su formación principal. Según Entwistle se lo comentó al futuro jefe de producción de la banda de Page, quien unos meses más tarde no solo le copió el nombre del grupo sino también la portada del disco que pensaba sacar al mercado.

The Who

La banda de rock británica The Who

The Who en el inicio de su carrera en los años sesenta. Dcha., cartel promocional de los dos singles que la banda sacó al mercado en julio de 1964 como The High Numbers. Fuente: Internet.

Durante dos años The Who no fueron The Who sino The Detours, la banda a la que Roger Daltrey pertenecía antes de conocer a John Entwistle en 1962. Tras las incorporaciones del guitarrista Pete Townshend y del batería Keith Moon, cambiaron su nombre por The Who en 1964. Al principio el nombre no les convencía demasiado, incluso llegaron a cambiarlo durante unos meses en el verano de ese mismo año por sugerencia de su mánager Peter Meaden. Sacaron dos singles bajo el nombre de The High Numbers pero tras la escasa acogida despidieron a Meaden y recuperaron su nombre artístico. The Who era la pregunta que se hacía el público cuando la banda era presentada en directo (¿Los “quien”?), cuando los cuatro integrantes de la formación británica eran aun unos completos desconocidos.

Original o copia. Radiohead vs. The Hollies

8 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Radiohead y The Hollies.

La banda de rock alternativo Radiohead (arriba) y los británicos The Hollies en los años setenta. Fuente: Internet.

Radiohead vuelve a estar de actualidad por la celebración de los veinte años de Ok Computer, su tercer álbum de estudio y con el que la banda se dio a conocer mundialmente. Antes la formación británica había editado Creep, un tema perteneciente a su disco de debut Pablo Honey, sospechosamente parecido a The air that I breathe una canción de The Hollies firmada nada menos que por Albert Hammond y  Mike Hazlewood en 1972. La publicación de Creep levantó serias dudas sobre si se trataba de una composición original, una versión o bien un plagio del tema de Hammond que The Hollies popularizaron en 1974. Hasta que la Justicia dictó sentencia.

Creep, de Radiohead (1993). Fuente: You Tube.

The air that I breathe de The Hollies (1974). Fuente: You Tube.

The air that I breathe de Albert Hammond (1972). Fuente: You Tube.

Valoración

Valorar si Creep es o no un plagio de The air that I breathe resultaría inútil teniendo en cuenta que hace años un tribunal británico de determinó que sí lo era. Las semejanzas son demasiado patentes como para negar la evidencia: la introducción del tema de Albert Hammond versionado por  The Hollies fue reflejada nota por nota en el puente de Creep. Incluso los propios Radiohead reconocen haber discutido acaloradamente en su día por editar el tema tal y como fue compuesto. Como fuera, solo podemos alegrarnos por la decisión final de publicarlo, ya que a pesar del plagio, de no hacerlo, la historia de la música se hubiera perdido un clásico de primer orden.

Obviando el respeto debido al gran Albert Hammond y a Mike Hazlewood, lo cierto es que The air that I breathe habría caído en el olvido si no hubiera sido por la famosa adaptación que Radiohead hicieron hace un cuarto de siglo. Veinticinco años después de su primera aparición como single en 1992, Creep se ha convertido ya en un clásico histórico y en un hit imprescindible para los fans de la banda.

+ info:

→Aunque Creep nunca alcanzó el número uno (su posición más alta fue el número dos del Billboard americano en el Hot Modern Rock Tracks) el tema obtuvo una enorme popularidad entre los seguidores del rock alternativo de los noventa.

En un principio la BBC se negó a radiarla por considerarla una canción depresiva. Paradójicamente, los propios Radiohead también llegaron a odiarla pero por considerarla demasiado comercial. De hecho la banda se negó a tocarla en directo hasta el año 2001. Fue escrita por el cantante de la banda, Thom Yorke, en 1992 aunque el guitarrista Jonny Greenwood también aparece en los títulos de crédito. En aquel año la canción pasó inadvertida hasta que un locutor de una radio estadounidense reparó en el tema y comenzó a difundirse por todo San Francisco.

De Creep se han hecho versiones por artistas consagrados como The Pretenders, Robbie Williams o Prince. Obtuvo el premio NME al mejor single.

The air that I breathe está incluida en el disco  de 1972 del cantautor Albert Hammond It never rains in Southern California (suyas son la música y la letra) y en el álbum Hollies que la banda del mismo nombre publicó en 1974 con la autorización de Hammond y Hazelwood. Al igual que Creep, de Radiohead, solo alcanzó el número dos en las listas de sencillos británicas y el número seis en el Billboard americano.

Cuando Albert Hammond y Mike Hazlewood se dieron cuenta de las semejanzas entre el tema que habían compuesto en la década de los setenta y el de Radiohead, iniciaron un proceso judicial para ser incluidos como coautores de Creep. La justicia finalmente les dio la razón.

Del tema de soft rock The air that I breathe se han hecho versiones por parte de Simply Red, K.D. Lang o Philip Everly.

Concierto de Santiago Auserón y la Banda Sinfónica Municipal de Madrid

22 Jul

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Santiago Auserón y la Banda Sinfónica Municipal de Madrid

Santiago Auserón acompañado de la Banda Sinfónica Municipal de Madrid en el auditorio Pilar García Peña. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

“Río Negro”, “La negra Flor”, “Reina Zulú”, resulta fácil adivinar cuál es el color favorito de Santiago Auserón. Vestido de noche una vez más, el músico deconstruyó temas de todas sus etapas creativas, desde Radio Futura hasta Juan Perro. Clásicos que se pudieron disfrutar ayer en el auditorio Pilar García Peña de Madrid reinterpretados magistralmente por la Banda Sinfónica Municipal.

En esta penúltima reinvención artística, Santiago Auserón puso toda la carne en el asador de una cálida noche de verano para desgranar una ristra de temas con significado, en los que cambió el continente pero no el contenido. Temas pegados a la actualidad social (“La misteriosa”, sobre la crisis del sector pesquero, “El desterrado”, dedicado a los refugiados) compartieron espacio y tiempo con éxitos comerciales (“No más lágrimas”, “El canto del gallo”, “Fonda de Dolores”) que fueron cantados, recitados y hasta declamados en latín e italiano.

Santiago Auserón en Hortaleza

Primer tramo del concierto en el auditorio Pilar García Peña. Fuente: Internet.

Santiago Auserón interpreta “La misteriosa”

Santiago Auserón interpreta “La misteriosa”, tema del álbum de Juan Perro “Cantares de vela” (2002). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Que Santiago Auserón es todo un personaje es de sobra conocido. Sus fieles seguidores ya están acostumbrados a su personalísimo discurso y verborrea, a medio camino entre el cultismo y los ademanes más teatrales que se puedan esperar de un músico de su talla. Una personalidad que se crece en el escenario y con la calurosa respuesta de su público.

Santiago Auserón en directo.

Santiago Auserón en el escenario del auditorio Pilar García Peña”. Fuente: Internet.

El concierto en el auditorio Pilar García Peña incluyó un repertorio ecléctico e innovador, totalmente en sintonía con lo que Auserón representa en el panorama musical actual. Durante más de hora y media, blues, swing, soul y ritmos latinos fueron entremezclándose de forma hábil y sin descanso hasta completar una quincena de temas elegidos con cabeza e interpretados con corazón. Comunicativo, de buen humor, con una voz rica en matices y capaz de brillar en casi cualquier estilo musical, Auserón deslumbró a los miles de asistentes reunidos en la noche madrileña. Estuvo soberbio en “Obstinado en mi error” y dando vida a “Annabel Lee” un tema inspirado en un relato de Edgar Allan Poe que el cantante lamentó no haber escrito él mismo. “Si no existieras habría que inventarte”, le gritaban desde las gradas, a lo que el artista respondió con sorna: “No exageremos”.

Concierto de Santiago Auserón en Madrid

El público disfrutó de una ambientación elegante que en ocasiones recordaba a la de las míticas orquestas de los años cincuenta. Fuente: Internet.

Tramo final del concierto

Durante la segunda parte del concierto sonaron los temas más aclamados por los asistentes. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Lo cierto es que el experimento musical que Santiago Auserón está llevando a cabo acompañado por distintas bandas sinfónicas locales no está exento de riesgo. En la actuación de Madrid pudo comprobarse la compenetración y admiración mutua que existe entre el cantante y los músicos de la orquesta, dirigida por el carismático Rafael Sanz-Espert. Unos músicos a los que Auserón alabó y sin los cuales la adaptación de temas universalmente insertos en la memoria colectiva no hubiera resultado tan exitosa. Aunque no siempre se puede contentar a todos: “mis seguidores más roqueros no entienden el proyecto sinfónico, ni los de Juan Perro que vuelva al rock indie. La curiosidad musical, la emoción y el atractivo de las sensaciones sonoras me pueden. Si lo hiciese sólo por dinero, habría respondido a alguna de las muchísimas propuestas que ha habido de rehacer Radio Futura”, asegura Auserón (El Mundo. 21.07.2017).

 →Vídeo. Santiago Auserón interpreta “No más lágrimas” en el Auditorio Pilar García Peña de Madrid. Fuente: You Tube.

Auserón evitó abordar en profundidad la etapa de Radio Futura, a pesar de que la mayoría de los asistentes esperaba escuchar algún tema de la banda de rock que lo hizo célebre y reconocido en la década de los ochenta. Sobre una posible reunión del grupo, el cantante no la descarta, pero la ve poco probable: “la única razón que podría llevar a una reunión sería que los miembros fundadores tuviesen ganas de hacerlo y, después de la desaparición de Enrique Sierra, ya hay un elemento muy complicado” (El Mundo. 21.07.2017).

Sin nostalgia, las canciones de Radio Futura fueron salpimentando el concierto hasta llegar a los bises: “bueno, un recordatorio de antaño”, anunció justo antes del final. Posteriormente sonó de forma improvisada “El desterrado”, un sencillo del último trabajo de Juan Perro, “El viaje”, cerrando así el círculo antes de que una larga y cerrada ovación entre público y músicos pusiera fin a la esperada cita.

→Vídeo. Último tema antes de los bises: “El canto del gallo” de Radio Futura en versión sinfónica. Fuente: You Tube.

+ info:

Cartel actuación Santiago Auserón Madrid 2017

Cartel de la actuación de Santiago Auserón en Madrid. Fuente: Facebook Santiago Auserón.

→Santiago Auserón en concierto con la Banda Sinfónica Municipal de Madrid. 21 de junio de 2017. Auditorio Pilar García Peña. Madrid.

→Duración: 1:40 horas. De 21:20 a 23:00 horas. El concierto tuvo que retrasarse 20 minutos debido a las largas colas de asistentes que aun rodeaban el auditorio a las 21:00, la hora de inicio prevista. El problema se hubiera resuelto si las puertas de entrada se hubieran abierto con suficiente antelación y no a las 20.50 horas.

→Setlist: 01. Río Negro. 02. Duerme zagal. 03. Pies en el barro. 04. La misteriosa. 05. Reina Zulú. 06. El mirlo del pruno. 07. No más lágrimas. 08. Obstinado en mi error. 09. Moon River (de Henry Mancini). 10. Fonda de Dolores. 11. Annabel Lee. 12. La negra flor. 13. El canto del gallo. Bises: 14. El desterrado. 15. La mala fama.

→Galería de fotos del concierto de Santiago Auserón en el auditorio Pilar García Peña.

→Santiago Auserón está de gira por España promocionando “El viaje”, su último trabajo discográfico firmado como Juan Perro, un álbum acústico de canciones compuestas entre 1997 y 2005 y grabado únicamente con voz y guitarra. La gira, que abarcará todo el año 2017, se alterna con actuaciones estelares junto a bandas sinfónicas de distintas ciudades de la geografía española y la participación en festivales de música indie como el Sonorama, que tendrá lugar del 10 al 13 de agosto en Aranda de Duero (Burgos).

→Vídeo. “Los inadaptados”, tema perteneciente al último trabajo de Juan Perro, “El viaje”. El tema está inspirado en la película “The Misfits” (Vidas rebeldes), última película en la que participó Marilyn Monroe, dirigida por John Huston en 1961. Fuente: You Tube.

Aero-Vederci, Aerosmith

30 Jun

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Aerosmith en Madrid, 2017

Aerosmith en el concierto que la banda dio en el Auditorio Miguel Ríos en Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Aerosmith son muy grandes. Ya lo eran en los setenta, ochenta y noventa y ayer noche en Madrid demostraron que lo siguen siendo también en el nuevo milenio. La banda de Boston volvió a reencontrarse con sus seguidores de la capital tras veinte años de ausencia y como presunta despedida de sus fans tras más de cuarenta años de envidiable carrera musical.

El inicio de una larga despedida

Ya lo anunciaron el año pasado en un vídeo muy de su estilo: “Aero-Vederci baby”, echamos el cierre que esto se acaba. Y Steven Tyler lo confirmó más tarde en el programa de radio de Howard Stern. Pero antes una última gira mundial. La de despedida. O no, quien sabe. Porque The Who llevan despidiéndose de sus fans desde 2014 y todavía siguen dando conciertos por el mundo. Y de Kiss se podría decir otro tanto.

Aerosmith iniciaron su gira europea de despedida el pasado 17 de mayo en Israel. Y oficialmente, el último concierto en la historia de la banda tendría que celebrarse el 8 de julio en Tenerife (España). Pero no parece que las cosas vayan a transcurrir de esa manera porque de momento Aerosmith estarán a finales de verano en el festival Rock in Río tocando junto a otros grandes del rock. El guitarrista Joe Perry no quiere ni oír hablar de un último concierto: “no puedo imaginar el último concierto de Aerosmith, pero estamos en el final de nuestra carrera, así que ¿quién sabe cuánto puede durar?” (The Arizona Republic. 25.03.2017).

→Video. Parodia en la que Aerosmith anuncian el inicio de su gira por Europa “Aero-Vederci”. Fuente: You Tube.

La cita más esperada

El fin de fiesta de una banda tan grande como Aerosmith no está defraudando a nadie. Y el concierto de Madrid no fue una excepción. Dos teloneros de lujo a falta de uno –Alter Bridge y Eclipse-, un intenso espectáculo musical que tiene bastante de teatral y más de 30.000 seguidores reunidos en Rivas (Madrid) con mucha guasa y ganas de diversión. Y eso a pesar del frío pelón que hizo tiritar hasta al mismísimo Steven Tyler:“It´s fucking cold!” se lamentó el líder de Aerosmith ante una audiencia congelada bajo un cielo plomizo a 16 grados de temperatura.

Público en Rivas

Público asistente al concierto de Aerosmith en Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Aerosmith son una banda generosa. Cedieron su escenario y sus recursos técnicos a sus teloneros quienes, a diferencia de otros conciertos multitudinarios, gozaron de la atención y el favor del público desde el primer momento. La banda de Myles Kennedy triunfó especialmente entre el respetable, quien más que a un concierto estelar, parecía estar asistiendo a un festival de rock en toda regla.

→Vídeo. La banda sueca Eclipse salió puntual al escenario a las 19:00. Entre otros temas tocaron “The Downfall of Eden”. Fuente: You Tube.

Alter Bridge

La banda de rock Alter Bridge en el escenario del auditorio Miguel Ríos. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Myles Kennedy posee una de las mejores voces de hard rock del panorama musical actual. Un talento que ha puesto al servicio de Alter Bridge, una banda sólida y solvente que logró conectar plenamente con el público durante la hora exacta que duró su actuación. Al finalizar, Kennedy y su grupo firmaron camisetas, repartieron setlists y regalaron púas a mansalva entre los privilegiados de las primeras filas.

→Vídeo. Alter Bridge interpretan “Blackbird” en el auditorio Miguel Ríos. Fuente: You Tube.

→Vídeo. Alter Bridge tocan “Show me a leader” ante un público entregado en Rivas. Fuente: You Tube.

Aerosmith

Dos décadas sin prodigarse por Madrid es mucho tiempo. Algunos ya casi habían perdido la esperanza de volver a ver a Aerosmith en directo desde la última vez que tocaron en 1997, en la exitosa época de Get a Grip y Nine Lives, durante el segundo renacer de la banda.

La expectación, por consiguiente, era máxima y la experiencia podría haber sido perfecta si no fuera por el atroz sonido del vetusto auditorio donde se celebró el show, un lugar prefabricado en medio de la nada, de difícil acceso y anticuado como pocos que no se merece en absoluto una banda de la talla de Aerosmith. Está claro que el auditorio Miguel Ríos no es el Hollywood Bowl, aunque algunos lo pretendan.

A las 22:10, con diez minutos de retraso sobre el horario previsto, las pantallas comenzaron a emitir la trayectoria de la banda en un microdocumental con imágenes. El preludio de un show más analógico que digital, que apostó claramente por las técnicas clásicas de realización televisiva en su retransmisión. Aerosmith aparecieron en el escenario dos minutos después entre el griterío generalizado del público.

Aerosmith saltan al escenario

Salida al escenario de Aerosmith en el concierto de Madrid. Fuente: http://www.20minutos.es (Licencia CC).

Steven Tyler demostró porqué sigue siendo una figura del rock admirada y respetada. Con 69 años nadie le tose encima. Conserva intacta la voz desgarrada, el carisma y la más que discutible estética setentera que sigue luciendo dentro y fuera de los escenarios. Aunque él puede permitírselo. Todo: porque Tyler se mostró gamberro, seductor, disfrutón, irreverente y hasta escatológico (mocos, eructos, tragos de cerveza regurgitada sobre el escenario y más). Lástima que su personalísima voz quedara reducida a un eco de la realidad por la deficiente acústica del recinto -incluso en la zona central-, hasta el punto de sonar igual con micrófono que con megáfono.

Steven Tyler. Madrid

Steven Tyler aseguró la diversión en el concierto que su banda dio en Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Joe Perry, que no le anda a la zaga aunque es más discreto y estiloso (apareció vestido con sombrero y abrigo monacal a lo Keanu Reaves/Neo en Matrix), dio una clase magistral de guitarra. Poses clásicas de estrella del rock, solos de guitarra bajo los focos, temas cantados en solitario, baños de multitudes entre las primeras filas, en definitiva que Perry, colíder de la banda, disfruta de lo lindo sobre el escenario y además se le nota.

Joe Perry. Madrid

Joe Perry en un momento estelar. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Sin desmerecer al bajista Tom Hamilton, al segundo guitarrista Brad Whitford y al batería Joey Kramer, que por algo llevan casi medio siglo tocando juntos por encima de peleas y reconciliaciones. Por cierto que Kramer fue el que más aplausos se llevó del público al final del concierto.

Joey Kramer. Madrid

El batería de Aerosmith Joey Kramer en un momento del show en Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

En una gira de estas características, la gente espera escuchar grandes hits, algún tema inédito de los inicios y poco más. Sobre todo teniendo en cuenta que el último disco que la banda sacó al mercado (Music from another dimention) fue en el año 2012 y que en su día ya hubo gira de presentación. Pero ya lo avisó Steven Tyler tras finalizar el tramo de la gira por Sudamérica: “la banda está imparable ahora mismo y en Europa vamos a hacer lo que mejor sabemos: dejar que hable la música y vivir al límite”.

Y tenía razón porque el repertorio fue ecléctico, algo sorprendente y muy potente. Sonaron los esperados éxitos de los setenta, ochenta y noventa (Dude (Looks like a lady), Eat the rich y Cryin´), pero también cinco versiones que bordaron (en especial el Come together de los Beatles y Remember (Walking in the sand) de The Shangri-Las, que volvieron a tocar en directo por primera vez desde el año 2000). Triunfó la música sin apenas alardes pirotécnicos y con gran ambientación (humo, confeti, piano de cola y el efecto ventilador, obra de la propia meteorología).

→Vídeo. Primer tema del concierto: “Let the music do the talking” (Aerosmith, Madrid 2017). Fuente: You Tube.

→Vídeo. El clásico “Dude (Looks like a lady)” suena a pleno gas en el auditorio Miguel Ríos. Fuente: You Tube.

→Vídeo. “Eat the rich” seguida de otro clásico de Aerosmith, “Cryin´” (Madrid, 2017). Fuente: You Tube.

Aerosmith Madrid

Aerosmith interpretando “Remember (Walking in the sand”) con Steven Tyler tocando la armónica (Madrid, 2017). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Sí se echaron de menos temas muy esperados como Janice´s got a gun, Shut up and dance y The Other Side en una actuación que quedó reducida a menos de dos horas por la inclemente temperatura que impidió a Steven Tyler terminar de interpretar Angel, a petición del público y al piano (voz y manos se le quedaron agarrotadas a medio tema) y que se transformó hábilmente en introducción de la espectacular Dream On.

Steven Tyler. Dream On.

Steven Tyler interpreta al piano “Dream On”, un clásico de 1973 que no ha envejecido (Madrid, 2017). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→Vídeo. Fragmento de “Angel” seguida  por “Dream On” en un mano a mano entre Steven Tyler y Joe Perry (Madrid, 2017). Fuente: You Tube.

→Vídeo. En el concierto de Aerosmith no podía faltar “I don´t want to miss a thing”, tema central de la película Armageddon (Madrid, 2017). Fuente: You Tube.

Sin tufo a naftalina, en plena forma y con las pilas cargadas Aerosmith pusieron punto final a casi dos horas de concierto con Mother PopCorn (una versión de James Brown) y Walk this way. Unos bises que supieron a poco y que los fans no quisieron interpretar como un adiós sino más bien como un “hasta la vista”.

¿Despedida de los escenarios?

Si Steven Tyler está en plenas facultades físicas y vocales, Joe Perry no se quiere retirar y el resto de miembros de la banda le secundan, ¿qué necesidad hay de ir provocando crisis cardíacas entre los fans? Se sabe que el pasado año Steven Tyler estuvo presentando su disco de country en solitario y que Joe Perry sigue en activo con su proyecto de banda alternativo, The Hollywood Vampires. Por ello nos preguntamos si de verdad estamos ante la gira de despedida definitiva de los escenarios de Aerosmith o si por el contrario, están siguiendo la estrategia de los toreros: hoy me retiro pero pasado mañana volveré.

Posiblemente ni ellos mismos lo sepan. Aunque se intuye que la banda ha querido darse un homenaje por tantos años de carrera y compartirlo con sus fans: “estamos haciendo una gira de despedida pero solo porque tocaba. No lo habíamos hecho nunca hasta ahora”, afirmaba Steven Tyler en el programa de Howard Stern (2016). Una idea que comparte el primer guitarrista Joe Perry: “vamos a ir a todos los sitios en los que hemos tocado y descubrir aquellos en los que nunca hemos estado. Siempre hay países nuevos a los que ir. ¿Es este el último tour? No lo sé, pero creo que no” (The Arizona Republic. 25.03.2017).

Esperemos que no lo sea, por el bien de la música y la salud mental de los fans. Aero-Vederci, Aerosmith.

+ info:

Aerosmith en cifras:

Aerosmith. Madrid. Rivas

Aerosmith en el concierto que dieron en Madrid (2017). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→La banda se formó en Boston en 1970, por lo que llevan 47 años de carrera. Steven Tyler se vanagloria de ser la única banda formada en los setenta que ha mantenido su formación original sin cambios.

→La media de edad de sus integrantes es de 66,4 años. El guitarrista rítmico Brad Whitford es el más joven con 65 años y Steven Tyler el mayor con 69.

→Aerosmith han editado 33 álbumes, entre discos de estudio, directos y recopilaciones. Por ellos han ganado cuatro premios Grammy, ocho American Music Awards, seis premios Billboard y 12 premios MTV. En el año 2001 fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame.

→La banda de rock ha salido de gira por el mundo en 29 ocasiones. Según declaraciones del guitarrista Joe Perry, tras aplazar el tramo norteamericano de su actual gira Aero-Vederci, la banda podría aprovechar el otoño para proyectar un nuevo disco.

→Aerosmith han vendido más de 100 millones de discos a lo largo de su trayectoria como banda de rock y han ganado 95 discos de oro, platino y multiplatino de la Record Industry Association of America, el mayor número registrado por una agrupación musical en la historia.

cartel gira Aero-vederci baby

Cartel de la gira europea de Aerosmith Aero-Vederci y del concierto de Madrid. Fuente: Internet.

Setlist del concierto de Aerosmith en Madrid:

01.Let the music do the talking. 02. Nine Lives. 03. Love in an Elevator. 04. Livin´ on the Edge. 05. Rag Doll. 06. Falling in love (Is Hard on the Knees). 07. Stop Messin´around (versión de Fleetwood Mac). 08. Oh Well (versión de Fleetwood Mac).09. Remember (Walking in the Sand) (versión de The Shangri-Las). 10. Sweet Emotion. 11. I Don´t want to miss a thing. 12. Come togheter (versión de The Beatles). 13. Eat the Rich. 14. Cryin´.15. Dude (Looks like a lady).

Bises: 16. Angel (Introducción fragmentada). 17. Dream On. 18. Mother Popcorn (versión de James Brown). 19. Walk this way.

 

Concierto de Guns´N´Roses en Madrid

5 Jun

En imágenes

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Guns´N´Roses saltaron al escenario del Vicente Calderón con “It´s so easy”.

Guns´N´Roses saltaron al escenario del Vicente Calderón con “It´s so easy”. Fuentes: Internet y Samia Benaissa Pedriza.

Pocas bandas pueden presumir de repertorio como Guns´N´Roses. Dos décadas sin estrenar un disco podrían resultar demasiado para cualquier otra banda de rock que solo se reúne por la pasta (exceptuando a los Rolling Stones). Pero no es el caso de los Guns que anoche ofrecieron un apabullante concierto en el estadio Vicente Calderón de Madrid con solo dos discos de 1987 y 1991 (Chinese Democracy no cuenta). Todo lo bueno de la banda angelina y poco o nada de lo malo se pudo ver y disfrutar ayer en otra cita musical histórica para la capital madrileña.

Los teloneros

La banda sigue presentando grandes bandas de acompañamiento en sus giras mundiales. El primer telonero, Tyler Bryant and The Shakedown salieron al escenario a las 19:30. Mientras Bryant levantaba los ánimos de un estadio aun a medio llenar, las colas en los accesos de entrada, en los baños y en las barras de bar recorrían el interior y el exterior de un Calderón blindado por la policía.

→Vídeo. Actuación de los teloneros Tyler Bryant and The Shakedown (tema: “Don´t mind the blood”). Fuente: You Tube.

Mark Lanegan, excantante de los Sreaming Trees, también salió puntual al escenario. A las 20:20 The Mark Lanegan Band dio comienzo a un repaso de temas de primer orden, entonados con esa voz rasposa marca de la casa y a los que solo el público de las primeras filas parecía prestar atención. Pero lo cierto es que Lanegan ofreció una dignísima actuación, al igual que Bryant.
→Vídeo. Mark Lanegan, segundo telonero de los Guns´N´Roses en Madrid. (tema: “Death´s head tatoo”). Fuente: You Tube.

Guns´N´Roses
A las 21:18 las pantallas del escenario del nuevo tour de los Guns´N´Roses se encendieron mostrando animaciones que anunciaban el inminente inicio del concierto. El adelanto sobre la hora de inicio anunciada (21:30) pilló a los asistentes desprevenidos y más que sorprendidos teniendo en cuenta los numerosos antecedentes sobre retrasos y cancelaciones de la banda en el pasado.

→Vídeo. Guns´N´Roses saltan al escenario con “It´s so easy”. Fuente: You Tube.

→Vídeo. “Chinese Democracy” fue el tercer tema del setlist interpretado por Guns´N´Roses. Fuente: You Tube.

Axl Rose
El icónico vocalista de los Guns´N´Roses no ha perdido (casi) sus excelentes capacidades vocales. Tampoco su actitud chulesca y desafiante, aunque se haya atemperado algo con el paso del tiempo. Axl nos regaló miradas maliciosas, sonrisas malévolas y un tocamiento de entrepierna como si todavía tuviera veinte años. Las mujeres del público aun le gritaban “guapo” y los hombres “guapa”, lo que demuestra que la envidia es un sentimiento colectivo y no privativo del sexo femenino.

 Axl Rose sobre el escenario del Calderón

Las cámaras pincharon constantes primeros planos de Axl Rose sobre el escenario del Calderón. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Axl Rose con bufande del Atlético de Madrid

Axl Rose se puso una bufanda del Atlético de Madrid que la peña de fútbol heavy “Sons of Atleti” le lanzó desde el foso. Fuente: Internet.

Axl Rose demostró que está hecho un showman de cuidado y que no ha olvidado cómo se conquista a una audiencia dándole una de cal y otra de arena. El señor Rose efectuó además siete cambios de vestuario (tiene una reputación que mantener), una cifra solo superada por el número de cambios de guitarra de su compañero Slash.

→Vídeo. Con “Welcome to the Jungle” Axl Rose volvió a demostrar quien manda. Le sigue “Double talkin jive” en la que comparte reinado con Slash a la guitarra.

Axl Rose toca el piano en “November Rain”

Axl Rose toca el piano en “November Rain” en el tramo final del directo. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Axl Rose interpretando magistralmente “Don´t cry”

Axl Rose interpretando magistralmente “Don´t cry”, el primer bis del concierto. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Slash

Sigue siendo uno de los mejores guitarristas de la historia del rock, aunque a veces se equivoque. Pero es tan virtuoso con las seis cuerdas que hace que resulte fácil lo difícil. Los primeros planos de los dedos de Slash recorriendo su Gibson parecían querer decir “ahí queda eso”. Impresionante también su solo de guitarra en la versión del tema de El Padrino, un clásico en los setlists de la banda.

La guitarra de Slash

Primer plano de la guitarra de Slash. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→Vídeo. Solo de Slash en el escenario del Calderón. Fuente: You Tube.

→Vídeo. Slash encadena el tema de El Padrino con “Sweet Child o´mine”. Fuente: You Tube.

En el escenario Slash iba pidiendo y dando guerra (“Sex” rezaba su camiseta sin mangas) aunque no pudiera con los kilos. Otro que tocó y se movió como en los noventa y que al final hizo incluso el pino puente (literalmente) ante un público boquiabierto.

Slash solo

Slash en una actuación estelar. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Duff McKagan

El bajista de los Guns´N´Roses no siempre ha sido un tipo con clase estilísticamente hablando (cuánto daño hicieron los peinados cardados y oxigenados de los ochenta), pero es el que mejor lleva el paso del tiempo. En excelente forma física, sin estridencias y siempre en su lugar, McKagan demostró ser todo un profesional muy querido por el público. Tuvo sus momentos de gloria con el respetable y hasta cantó un tema en solitario (Attitude) que le venía como anillo al dedo. Sabemos que se lleva mejor con Slash que con Axl pero en el concierto ni se notó.

El bajista Duff MacKagan

El bajista Duff McKagan conquistó al público del Vicente Calderón. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Duff MacKagan

Duff McKagan disfrutando sobre el escenario del Calderón. Fuente: Internet.

El escenario

Luces, pirotecnia, confeti, pantallas gigantes en HD y una versión renovada del universo cómic metalero son los elementos visuales sobre los que se sustenta la gira Not in this lifetime de los Guns´N´Roses. Una gira que se ha ido haciendo más y más grande conforme ha ido aumentando el número de conciertos contratados. Totalmente acorde con los nuevos tiempos pero conservando intacto el espíritu gamberro de la mítica banda de Los Ángeles.

Fondo escenario

Cada tema interpretado es reforzado por un fondo digital animado de tipo conceptual. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Fondo escenario

Las llamadas de atención visuales se sucedieron a un ritmo trepidante a lo largo de todo el concierto. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Paradise City

Fuegos artificiales sobre el escenario del Vicente Calderón. Fuentes: Internet y Samia Benaissa Pedriza

→Vídeo. Apoteósico final del show con una incendiaria “Paradise city”. Fuente: You Tube.

+ info:

Panorámica del concierto de Guns´N´Roses

Panorámica del concierto de Guns´N´Roses en Madrid (2017). Fuente: Twitter de la banda.

Not in this life time tour. Concierto de Guns´N´Roses celebrado el 4 de junio de 2017 en el estadio Vicente Calderón de Madrid.

→Duración: de 21:18 a 00.10 (2 horas y 52 minutos). La banda comenzó su actuación 12 minutos antes de lo previsto.

→Aforo: 55.000 personas llenaron por completo el estadio Vicente Calderón en la última gran cita del hard rock internacional antes de ser derribado. Las entradas para el concierto de Madrid se agotaron a las siete horas de ser puestas a la venta el 9 de diciembre de 2016.

 

Vista del estadio Vicente Calderón desde la posición de Frank Ferrer

Vista del estadio Vicente Calderón desde la posición de Frank Ferrer, el solvente batería que acompaña a Guns´N´Roses en su nueva gira mundial. Fuente: Twitter de la banda.

→ Set list del concierto de Guns ´N´Roses en Madrid. Estadio Vicente Calderón. 4 de junio de 2017:

01.It´so easy. 02. Mr. Brownstone. 03. Chinese Democracy. 04. Welcome to the Jungle. 05. Double talkin´jive. 06. Better. 07. Estranged. 08. Live and let die. 09. Rocket Queen. 10. You could be mine. 11. Attitude (tema de The Misfists). 12. This I love. 13. Civil War. 14. Black Hole Sun (tema de Soundgarden, dedicado a la memoria de Chris Cornell), 15. Coma. 16. Solo de Slash/Speak softly love (tema compuesto por Nino Rota para la banda sonora de El Padrino). 17. Sweet child o´mine. 18. Out ta get me. 19. Whish you were here (tema de Pink Floyd). 20. Layla (tema de Derek & The Dominos). 21. November rain. 22. Knockin on heaven´s door. 22. Nightrain. Bises: Don´t cry. 23. The seeker (tema de The Who). 24. Patience. 25. Paradise city.

→Guns´N´Roses son una de las bandas que más versiones de otros artistas incluyen en sus shows en directo. En el concierto de Madrid tocaron ocho versiones:

→Vídeo. Guns ´N´Roses interpretan la versión de Bob Dylan “Knocking on heaven´s door”, incluida en su disco doble Use your Illusion II. Fuente: You Tube.

Fin de fiesta y despedida de la banda

Fin de fiesta y despedida de la banda del público del Calderón. Fuente: Internet.