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Original o copia. INXS vs. Paloma Faith

15 Abr

Autora: Samia Benaissa Pedriza

La banda de rock australiana INXS y la cantante de soul Paloma Faith.

La banda de rock australiana INXS y la cantante de soul Paloma Faith. Fuente: Internet.

En 1988 la banda de rock australiana INXS estaba en lo más alto de su carrera tras la edición del álbum multiventas, Kick. Never tear us apart fue uno de los sencillos de aquel grandioso LP. Se trata de una balada soul, modernizada con toques de sintetizador (algo muy propio de los ochenta) hecha a medida del vocalista y líder de la banda, Michael Hutchence, autor también de la letra de la canción.

El tema les salió redondo al grupo formado hacía una década por los hermanos Farris, aunque la posición más alta que Never tear us apart llegó a alcanzar en las listas fue el número 7 en el Billboard Hot 100 (EE.UU.). El vídeo oficial, grabado en exteriores en Praga (República Checa) resultó ser uno de los mejor valorados y recordados del grupo.

Never tear us apart. INXS. Vídeo oficial (1988). Fuente: Youtube.

En el año 2012, coincidiendo con la separación oficial de INXS, cinco años después de la trágica muerte de su cantante, se lanzó al mercado una versión de Never tear us apart cantada por la británica Paloma Faith. El tema, inicialmente compuesto para una campaña publicitaria de John Lewis para televisión, se convirtió en un single de Faith debido al tirón que el tema tuvo entre el gran público.

Never tear us apart. Paloma Faith. Vídeo oficial (2012). Fuente: Youtube.

Valoración:

La versión de Paloma Faith tiene una ventaja y es que se ciñe mucho al tema original. Tanto vocal como musicalmente hablando. Faith, uno de los relevos generacionales del Reino Unido a las grandes voces históricas del soul, se emplea a fondo consiguiendo respetar la estructura y alma de la canción, solo alterada en el tono (más sesentero) y en el ritmo (ligeramente más rápido).

Pero el tema original que INXS grabaron a finales de los ochenta no tiene parangón. Tiene la dosis justa de ensoñación, garra, ritmo, emoción y sensualidad que el tema requería cuando fue grabado en 1987. Solo la versión que Joe Cocker hizo del tema en 2002 se acerca a este nivel.  Never tear us apart interpretado por Michael Hutchence y su banda le gana claramente la partida a la versión posterior de Paloma Faith, un buen tema retro en su estética y formulación, que a pesar de los esfuerzos no consigue superar al original.

+ info:

Never tear us apart fue editada el 8 de agosto de 1988 y forma parte del sexto álbum de estudio de INXS, una banda australiana fundada en 1977 en Perth (Australia). Andrew Farris, uno de los compositores habituales, la ideó inicialmente como un tema blues para piano, inspirado en el sonido retro de Fats Domino. Finalmente, el tema se transformó en una potente balada actualizada con sonido de sintetizador.

→La versión de Paloma Faith se editó el 23 de septiembre de 2012. La cantante afirmó haberse sentido honrada por poder versionar Never tear us apart, “una canción que siempre le gustó”. Su versión alcanzó el número 16 en el UK Singles (Official Charts Company) de aquel año.

→Never tear us apart sonó durante el funeral de Michael Hutchence, cuando su féretro portado por los miembros de INXS abandonó la catedral de San Andrés, en Sydney (Australia). Hutchence falleció en circunstancias poco claras el 22 de noviembre de 1997, un día antes de iniciar con su grupo una mini gira por su país natal. La causa oficial de su muerte fue suicidio por ahorcamiento.

Desde 2014, Never tear us apart es el himno no oficial del equipo de rugby australiano Port Adelaide. Sus seguidores la cantan siempre antes de la celebración de los partidos de su equipo.

Cada diez años aproximadamente, algún cantante o grupo se anima a editar alguna versión del tema original de INXS. Esta costumbre la inició el “Tigre de Gales” Tom Jones, quien junto a la cantante australiana Natalie Imbruglia, grabó una primera versión en 1999. El tema resultó ser un constructo demasiado histriónico y desvirtuado en las voces a dúo de Jones e Imbruglia. En el año 2010, el guitarrista Ben Harper lo intentó con la cantante francesa Mylène Farmer. El tema se regrabó junto a INXS con motivo del último disco de la banda, Original Sin, un recopilatorio de versiones de temas propios interpretadas por artistas invitados. El resultado fue una versión alternativa y psicodélica con letra fraseada en francés e inglés.

Otro dúo, esta vez indie, abordó el tema a petición de una emisora de radio, con un resultado bastante original. En 2013 Best Youth, una formación lusa no demasiado conocida, aceptó improvisar una versión intimista del tema de INXS, con tan solo una guitarra y un micrófono. La versión, grabada en Oporto, merece la pena ser escuchada, aunque la mejor hasta el momento es la que el gran Joe Coker interpretó en el año 2002, aderezada con influencias blues rock y su privilegiada voz.

Directo de Bryan Adams en Madrid

11 Dic

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bryan Adams y su banda en el concierto del WiZink Center en Madrid. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Habrá que comenzar a creer en la máxima de que “los viejos roqueros nunca mueren” si nos atenemos a la excelente forma física de Bryan Adams, sus potentes directos y una extensa carrera artística que abarca casi cuatro décadas sobre los escenarios. El célebre canadiense regaló a sus fans españoles los cinco últimos conciertos de su Shine a Light Tour antes del parón navideño. Un regalo de Reyes anticipado para muchos de los asistentes a los que el frío de la noche de Madrid no iba a arredrar lo más mínimo.

Para algunos era la primera vez que el elegido “artista de la década de los 90” visitaba su ciudad (Murcia); otros tuvieron que esperar hasta tres largos años para repetir cita (Madrid). Por eso, quizá llame la atención la sorpresa del artista ante la cálida acogida de su público: “¿Qué hacéis aquí un lunes? ¿No tenéis que levantaros a las 6:00 para ir a trabajar mañana?”, preguntaba Bryan Adams a los asistentes del concierto de Madrid. “¡Sois maravillosos!”, gritaba exultante ante una audiencia entregada desde el minuto uno.

On the road again

La nueva gira de Bryan Adams toma el nombre de su decimocuarto álbum, Shine a Light, un trabajo por el que el cantante de Ontario probablemente no recibirá un premio Grammy pero que tampoco defraudará a sus más fieles seguidores. “The last night on earth”, con el que dio comienzo el concierto en Madrid, y el single “Shine a Light” fueron las únicas aportaciones del más inmediato presente musical de Bryan Adams.

→ “Shine a Light” (2019). Fuente: YouTube.

Todo en la escenografía invitaba a conocer el nuevo trabajo, incluida una portada animada del disco (¿alguien esperaba ver a un mefistofélico Bryan Adams comerse literalmente una mosca ante 15.000 almas descarriadas?), pero lo cierto es que aquello duró poco. Enseguida comenzó un festival de grandes éxitos, salpicados por clásicos del rock and roll de los cincuenta y peticiones espontáneas del público (pocos artistas están en disposición de improvisar cualquier canción de su repertorio sin ensayar previamente).

Una parada de autobús en una calle lluviosa y desierta (reproducción del vídeo de “Shine a Light”) amenizaba la espera hacia las 21.00, hora prevista para el inicio del concierto en el WiZink Center. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

A las 21.20 Bryan Adams y su banda saltaban al escenario. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Directo de “Can´t stop this Thing We Started” en Madrid. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El clásico “Heaven” fue coreado por los 15.000 asistentes del WiZink Center. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Genio y figura

Parece mentira que aquel chaval tan rubio y energético que se diera a conocer en los maravillosos años ochenta, acabe de cumplir sesenta añazos. Por aquel entonces, tener que compartir firmamento con estrellas de la talla de Madonna, Prince o Michael Jackson puede que le restase algo de protagonismo. Pero la sucesión de éxitos cosechados en los ochenta y, sobre todo, en los años noventa, ha contribuido a consolidar una carrera estratégicamente bien llevada hasta el día de hoy.

Bryan Adams en directo en los ochenta y en la actualidad. Fuente: Internet.

Posiblemente solo Bruce Springsteen sea capaz de igualar en la actualidad las condiciones físicas y vocales de las que hace gala Bryan Adams en sus directos. Misma voz, misma energía y una capacidad innata para conectar con el público: “Hola, me llamo Bryan. Soy cantante por las noches”, le soltó hilarante y a modo de presentación al respetable. “¿Es tu novia o tu hija?”, le espetó más tarde a un asistente de las primeras filas.

No podía faltar “18 Till I Die”. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“Back to You”, rock clásico en estado puro. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

→ “Go Down Rockin´”subió el nivel de decibelios del WiZink Center. Fuente: YouTube.

El público del concierto de Madrid, cuya media de edad rondaba los cuarenta años, pertenece a una generación que musicalmente se crio entre ídolos del pop y del rock. Bryan Adams era uno de ellos y Jorge Gutiérrez, un fan acérrimo, se propuso tocar con su ídolo en aquella ocasión única. Lo sorprendente es que Bryan Adams le dejara subirse al escenario y tocar con su banda ante los vítores de los asistentes. Y es que a veces, los dioses acceden a bajar del Olimpo para contentar a los mortales. Hace falta tan poco.

→Jorge Gutiérrez utilizó una pancarta para pedirle a Bryan Adams que le dejase tocar la guitarra en el escenario. El cantante accedió a su petición en “The only thing that looks good on me is you”. Fuente: YouTube.

El príncipe del pop-rock

Buena parte de las canciones que el público esperaba escuchar fueron en su día éxitos comerciales, incluidos temas de películas como Robin Hood, Príncipe de los Ladrones (1991) o Los Tres Mosqueteros (1993). “Heaven”, “Summer of ´69” o “It´s only love” (cantada en su día junto a Tina Turner, a quien Adams amagó con presentar de forma estelar –sus tomaduras de pelo a la audiencia rayaban a esas alturas el club de la comedia-) son solo una pequeña muestra.

→ “It´s only love” (sin Tina Turner, felizmente retirada en Suiza). Fuente: YouTube.

→“Summer of ´69” posiblemente sea la canción más emblemática de Bryan Adams. Fuente: YouTube.

Inevitablemente se coló alguna que otra horterada (“Have you ever really loved a woman”, perteneciente a la banda sonora de la película Don Juan de Marco, por mucho Paco de Lucía que tocase), y un fallo de afinación rápidamente corregido (en “Run to you”).

“Here I am” gana enteros en directo (fue single de la B.S.O. de la película de animación “Spirit”, 2002). Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Bryan Adams demostró que sigue siendo solvente tanto en los temas más cañeros como en los cantados a capella. Un hombre y una guitarra (y a veces una armónica) es lo único que se necesita para emocionar a un público entregado. La parte acústica del concierto fue una de las delicias del menú que precedían el postre. “Lonely nights” (un tema que Adams recordó con nostalgia haber compuesto con solo 18 años), “House arrest”, “There will be another tonight” y “When you love someone” se tocaron por expreso deseo del público.

→ “Somebody” tampoco podía faltar en el concierto de Madrid. Fuente: YouTube.

→(Every Thing I Do) I Do it for You (tema principal de la película Robin Hood, Príncipe de los Ladrones). Fuente: YouTube.

El tramo final del concierto dio paso a las grandes baladas marca de la casa (“Straigh from the heart” hizo soltar alguna lagrimilla a más de uno) y a una personalísima versión de “Whiskey in the Jar”, una canción tradicional irlandesa que popularizaron Thin Lizzy primero y posteriormente Metallica en los noventa. Es justo reconocer que la de Adams supera a las anteriores.

“Straight from the heart” se incluyó en el último tramo del concierto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

→“When you love someone”, casi puso punto y final al concierto. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

All For Love, tema principal de Los Tres Mosqueteros, con el que Bryan Adams cierra todos sus conciertos. Fuente: YouTube.

Bella panorámica de Bryan Adams despidiéndose de sus fans. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

  • Fecha: 9 de diciembre de 2019
  • Lugar: WiZink Center. Madrid
  • Inicio: 21:20. Fin: 23:30
  • Duración: 2 horas y 10 minutos

Shine a Light Tour 2019-2020. Fuente: Internet.

Setlist: 1. The Last Night on Earth. 2 Can´t Stop This Thing We Started. 3. Run to You. 4. Shine a Light. 5. Heaven. 6. Go Down Rockin´. 7. It´s Only Love. 8. Cloud #9. 9. You Belong to Me (versión del clásico de 1952 de Pee Wee King, Chilton Price y Redd Stewart). 10. Have you Ever Really Loved a Woman. 11. Here I Am. 12. When You´re Gone. 13. (Every Thing I do) I Do It for You. 14. Back to You. 15. The Only Thing that Looks Good on Me is You. 16. Cuts Like a Knife. 17. 18 Till I Die. 18. House Arrest. 19. There Will Never Be Another Tonight. 20. Lonely Nights. 21. Please Forgive Me. 22. Summer of ´69. 23. Somebody. 24. I Fought the Law (versión de The Cricketts). 25. Whiskey in a Jar (canción tradicional irlandesa). 26. Straight from the Heart. 27. When You Love Someone. 28. All for Love.

→Un porcentaje del precio de las entradas de los conciertos de Bryan Adams durante la gira Shine a Light irá destinado a plantar un árbol y luchar contra la deforestación de los bosques. En la iniciativa colabora la empresa de logística DHL.

→La banda que acompaña a Bryan Adams incluye a miembros que llevan con él desde el inicio de su carrera en los años ochenta. En la actualidad, se suben cada noche al escenario: Keith Scott (guitarra), Solomon Walker (bajo), Mickey Curry (batería) y Gary Breit (teclados).

Imagen de la gira “Shine a Light” de Bryan Adams. Fuente: Internet.

Los únicos nubarrones que sobrevolaron los conciertos de Bryan Adams en España (y en el resto de países de la gira) fueron las exigencias impuestas a la prensa gráfica para fotografiar al artista. Ningún medio podía publicar fotografías que no fuesen planos medios y sin una autorización previa aprobada por correo electrónico. Tampoco se permitía modificar las imágenes una vez autorizadas. En la práctica, esto supuso que ningún medio pudo publicar ni editar imágenes del concierto tras su celebración inmediata.

Original o copia. The Beatles vs. Joe Cocker

18 Nov

Autora: Samia Benaissa Pedriza

The Beatles vestidos para la portada del Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band. A la dcha., Joe Cocker a finales de los años sesenta. Fuente: Internet.

Resulta chocante y hasta algo humillante que un desconocido cantante local haga una versión del grupo más exitoso de Gran Bretaña y supere con creces al original solo un año después de haber sido editado. El famoso grupo eran The Beatles, el ignoto vocalista, Joe Cocker, y el año, 1968.

Pocos meses después, With a Little Help from my Friends se convirtió en todo un himno blues-rock para la juventud congregada en el Festival de Woodstock durante el mágico verano de 1969. Aquella histórica cita musical significó el principio de una larga carrera para Joe Cocker que incluyó abundantes versiones originales personalizadas por el artista. The Beatles quedaron tan satisfechos con la versión de With a Little Help from my Friends que permitieron a Cocker hacer dos versiones más de sus temas: She Came in Through the Bathroom Window y Something.

→The Beatles. With a Little Help from my Friends (1967). Fuente: YouTube.

→Mismo tema interpretado por Paul McCartney y Ringo Starr en el año 2009. Fuente: YouTube.


→Joe Cocker. With a Little Help from my Friends (1968). Versión de The Beatles interpretada en el Festival de Woodstock (agosto de 1969). Fuente: YouTube.

 

Valoración

El tema que The Beatles grabaron para el álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band no deja de ser una canción ligera de pop. El grupo decidió que la cantase Ringo Starr, con los coros del resto de la banda de acompañamiento, pero nunca alcanzó altas posiciones en las listas de éxitos. La versión de Joe Cocker sí llego al número uno en la UK Singles Chart en el momento de su lanzamiento y permaneció en ella otras treinta semanas más. El tema que arregló Joe Cocker puede considerarse casi un tema nuevo, debido a la profunda transformación de su ritmo y estructura. Cocker lo convirtió en un temazo blues-rock, lento y dramático en su expresión vocal, que además resultaba espectacular cuando el británico lo interpretaba con sus espasmódicos movimientos en el escenario.

+ info:

With a Little Help from my Friends es el tema que Ringo Starr interpreta antes de la despedida en todos sus conciertos en solitario. El exbeatle tuvo problemas para cantar la nota final más alta de la canción en el momento de ser grabada en 1967. Paul McCartney tuvo que guiarle para conseguir una buena afinación.

With a Little Help from my Friends fue el último tema del álbum de The Beatles, Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band (1967) y pudo llamarse Bad Finger Boogie, su título provisional, porque John Lennon se lesionó el dedo índice derecho y la compuso al piano sin poder utilizarlo.

La autoría de la canción se atribuye a Paul McCartney y John Lennon, aunque fue McCartney quien aportó la melodía inicial.

La versión de Joe Cocker se incluyó dentro de su álbum de debut With a Little Help from my Friends (1969) y en la introducción contó con partes de guitarra tocadas por Jimmy Page, del famoso grupo de rock Led Zeppelin.

La versión de Cocker sirvió de sintonía a la popular serie de televisión Aquellos maravillosos años (The Wonder Years), emitida durante los años ochenta y noventa.

With a Little Help from my Friends ha sido versionada más de cincuenta veces por artistas de la talla de Barba Streisand, Santana, The Beach Boys, Bon Jovi, Wet Wet Wet (alcanzaron el número uno en la lista británica de singles en 1988) y Sam &Mark (lo lograron en 2004).

El origen de los grandes nombres del rock (II)

21 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El rock de los años setenta, ochenta y noventa. Fuente: Internet.

Los setenta y los ochenta fueron años diametralmente opuestos en términos musicales y muchas de las bandas que surgieron en la penúltima década de esplendor del rock bebieron de las fuentes del pasado, dando lugar al nacimiento de canciones que con el paso del tiempo se han convertido en nuevos clásicos del género.

Pero, ¿de dónde surgió la inspiración de los padres de esos temas míticos, empezando por su denominación primaria? El universo rock sigue sus propios tiempos y no siempre surge antes el huevo que la gallina, por lo que algunos de los grandes nombres del rock brotaron de las mentes de sus creadores algo después de haber comenzado a rodar por la ladera del éxito y la fama. Otros, fueron el producto de la megalomanía de sus líderes y el resto, simplemente, decidió confiar en la (buena) suerte y abrazar su destino.

Queen

Los integrantes de Queen en la década de los ochenta. Fuente: Internet.

Queen no siempre fueron Queen. En 1968, eran simplemente “Smile” y Freddy Mercury no había llegado aún a la todavía desconocida formación británica. Cuando lo hizo revolucionó todo: la música, las composiciones y hasta el nombre de la formación. En 1970 el célebre cantante de los dientes grandes propuso a sus recién estrenados compañeros de grupo cambiarse el nombre a “Queen”, un apelativo “muy real, fuerte, universal e inmediato”. A Roger Taylor, el batería y “enfant terrible” de la banda le pareció bien, aunque no tanto al guitarrista Brian May. Entre los nombres que la banda barajaba también se encontraban “Build your own Boat” (inspirado en una trilogía literaria) y “The Rich Kids”. Pero fue Mercury quien se llevó el gato al agua con su propuesta, “a pesar de ser consciente de las connotaciones gay” (Mercury dixit).

Kiss

La actual formación de Kiss. De izda. a dcha., Gene Simmons, Tommy Thayer,  Eric Singer y Paul Stanley. El batería Peter Criss falleció en 1991. Fuente: Internet.

Hubo que esperar hasta enero de 1973 para que los cuatro roqueros más extravagantes de la escena musical acordasen su famoso nombre. Por aquel entonces la formación acababa de encontrar a su cuarto miembro, el guitarrista Ace Frehley y estaba buscando como llamar (aún más) la atención del público. Fue durante un viaje en coche a Nueva York cuando a Paul Stanley (cantante) se le ocurrió la idea. Dado que Peter Criss (batería) había estado en una banda llamada “Lips”, “Kiss” parecía ser el siguiente paso más lógico. A Gene Simmons (bajo) y a Peter Criss les pareció bien y así comenzó su historia. Por cierto, la banda niega que Kiss sea el acrónimo de “Kids In Service of Satan (Chicos al servicio de Satán), un rumor que inconvenientemente hicieron circular los detractores más puritanos de la banda.

AC/DC

AC/DC en su formación más estable antes del fallecimiento de Malcom Young (guitarrista) y la retirada forzosa de Brian Johnson (cantante). Fuente: Internet.

La autoría del calificativo AC/DC no está clara porque ni los propios miembros del grupo se ponen de acuerdo. Cuando en 1973 los hermanos Young decidieron formar un grupo de rock en la Australia de los años setenta y buscarle un nombre, no lo tenían muy claro. Se dice que fue Margaret la hermana de los Young quien les dio la idea. En su máquina de coser aparecía escrito “AC/DC”, que alude a la corriente alterna/continua que alimenta a los aparatos eléctricos, algo muy en consonancia con el tipo de música que estaban creando Malcolm y Angus Young. También los hermanos han comentado que fue Sandra, su cuñada, a quien se le ocurrió el nombre en realidad. De cualquier modo, lo que no esperaban ninguno es que fuesen confundidos con una banda de bisexuales, ya que “AC/DC” hace alusión a esa condición en la jerga LGTB. El grupo negó tajantemente tener esa orientación sexual.

U2

Los irlandeses U2 en la actualidad. Fuente: Internet.

En 1976 cuatro adolescentes dublineses, compañeros de instituto, decidieron formar una banda de rock. Comenzaron llamándose Feedback y al año siguiente eran The Hype. En los inicios, solo tocaban versiones de The Beatles y The Rolling Stones pero cuando empezaron a tener cierto éxito recurrieron a Steve Averill, un cantante local quien luego se encargaría de diseñar todos los álbumes de la banda. El músico les propuso nombres como “Flying Tigers”, “The Blazers” o “U2”. Fue este último el que la banda decidió adoptar provisionalmente, ante la ausencia de algo mejor. Bono admite que buscaban diferenciarse del resto desesperadamente y la elección del nombre definitivo de la banda se les estaba resistiendo. Lo que comenzó siendo una apuesta ligera acabó convirtiéndose en un peso pesado, tanto como el avión espía norteamericano Lockheed U2 derribado en 1960 por los rusos en el contexto de la Guerra Fría que inspiró el nombre de la banda.

Bon Jovi

La formación original de la mítica banda de New Jersey, Bon Jovi, en los años ochenta. Fuente: Internet.

Bon Jovi no surgió realmente como grupo, sino que es el resultado de un contrato que Polygram firmó con John Bongiovi, un joven americano de ascendencia italiana, en el año 1983. Bongiovi aprovechó que su primo trabajaba en unos estudios de Nueva York para emplearse como conserje en el local y grabar gratis sus primeras maquetas. Cuando “Runaway” se convirtió en un éxito, la discográfica decidió contratarle inmediatamente. El grupo surgiría después y fue el propio cantante el que eligió a sus miembros: su compañero de instituto David Raschbaum (más conocido por David Bryan), Alec John Such, Tico Torres y Richie Sambora. Estaba más que claro que el nombre de la banda sería presidencialista: Bon Jovi, una adaptación del apellido de su fundador y líder, John Bongiovi.

Guns ´n´ Roses

Los cinco integrantes originales de Guns ´n´Roses en los años ochenta. Fuente: Internet.

La banda angelina es un refrito de varias bandas, así como el resultado de las idas y venidas de sus miembros entre ellas a principio de los años ochenta. Guns ´n ´Roses aúna a los integrantes de los Hollywood Rose (liderados por el cantante Axl Rose) y los L.A. Guns (liderados por el guitarrista Tracii Guns). El nombre, adoptado en 1985, es producto de una decisión democrática, facilona y sorprendente, teniendo en cuenta las desavenencias que pronto surgieron entre los miembros originales y que dieron lugar a una serie de sustituciones y purgas hasta llegar a la mítica formación de cinco miembros que alcanzó el estrellato a mediados de los ochenta: Axl Rose, Saul Hudson (Slash), Duff McKagan, Izzy Stradlin y Steven Adler. Una década después, la banda se desintegraría, quedándose Axl Rose con los derechos de uso del nombre de la formación hasta su histórica y esperada reunión en el año 2017.

Nirvana

La última formación de Nirvana en los primeros años noventa. Fuente: Internet.

En el caso de Nirvana, el nombre de la banda también obedece a una decisión personal de su líder, Kurt Cobain. Para el futuro icono del grunge, el término, procedente del sánscrito representaba bien lo que su música quería expresar: “la liberación del sufrimiento y del mundo exterior”. Además, el hecho de aludir a un sentimiento tranquilo ayudaría a significarse en el universo punk, plagado de bandas con nombres agresivos. Pero Cobain no lo debía tener tan claro en 1987 cuando fundó su grupo junto al bajista Krist Novoselic y el batería Aaron Burckhard. En los primeros meses se llamaron Fecal Matter, Skid Row (ya había otra banda de rock famosa con ese nombre actuando por el mundo), Pen Cap Chew, Bliss y Ted Ed Fred. Con la llegada en 1990 del nuevo batería Dave Grohl, la banda comenzó a funcionar definitivamente como Nirvana hasta el fallecimiento de Cobain en 1994.

Pearl Jam

La banda de Seattle, Pearl Jam, en la actualidad. Fuente: Internet.

Pearl Jam, surgió de la desintegración de una popular banda de la escena independiente de Seattle a finales de los años ochenta. En 1990, dos de los exintegrantes de Mother Love Bone fundaron un nuevo grupo al que le faltaba un cantante tan carismático como el malogrado Andrew Wood. Eddie Vedder no era tan extravertido como este, pero sí satisfizo las necesidades musicales de Jeff Ament, Stone Gossard y Mike McCready, guitarrista recién reclutado. Comenzaron a tocar como “Mookie Blaylock”, el nombre real de un jugador de baloncesto de la NBA pero su discográfica, Epi Records, les aconsejó cambiarlo para evitar problemas legales. Consideraron llamarse “Pearl”, pero no convencidos del todo siguieron buscando un nuevo nombre. Fue tras un concierto de Neil Young cuando Ament propuso la expresión “Pearl Jam”, que aludía a las sesiones de música improvisada (jams) a las que acababan de asistir.

La leyenda urbana sobre el origen de “Pearl Jam” (una mermelada a base de peyote elaborada por la abuela de Eddie Vedder) es solo una broma gastada por su cantante.

Parecidos razonables. Bono (U2), entre Robin Williams y el Conde Duque de Olivares

11 Ago

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El cantante Bono (U2) junto al retrato del Conde Duque de Olivares pintado por Diego Velázquez y el actor Robin Williams. Fuentes: Internet.

Más de tres siglos separan las vidas del cantante de U2, del actor Robin Williams y del noble español Gaspar de Guzmán. Pero es el arte y no el tiempo el que ha unido los destinos de tres hombres que, por su parecido físico, podrían pertenecer a una misma familia de descendientes, aunque con orígenes y trayectorias muy distintas.

Bono

→Nombre completo: Paul David Hewson (Bono es su nombre artístico, inspirado en el nombre de una tienda de aparatos para tratar la sordera (Bonavox) de Dublín. El apodo se lo puso un amigo por el alto volumen al que solía cantar en su primera banda, The Lipton Village).

→Fecha de nacimiento: Bono nació el 10 de mayo de 1960 en Dublín (Irlanda) en el seno de una familia de clase media compuesta por sus padres (un católico y una protestante), el pequeño Paul y su hermano mayor. La madre del cantante falleció a consecuencia de un aneurisma cuando este contaba catorce años de edad, un hecho que marcó significativamente su vida y su carrera musical.

→Profesión: cantante, músico y compositor de la banda de rock U2 desde 1976.

→Trayectoria: Bono ha formado parte de la formación original de U2 desde sus inicios. Es el cantante principal del grupo, aunque también toca la guitarra rítmica y la armónica. Con U2, Bono ha ganado veintidós premios Grammy y dos Globos de Oro.

→Vida privada: Desde 1999, Bono se ha destacado públicamente por su lucha contra la pobreza y la desigualdad económica entre países, lo que le ha valido tres nominaciones al Premio Nobel de la Paz (2003, 2005 y 2006). Está casado con su novia del instituto Alison Stewart desde 1982 y tiene cuatro hijos mayores.

→Está de actualidad por: el descubrimiento de dos canciones inéditas de U2 interpretadas en directo en agosto de 1979 en Dublín (In your hand y Concentration Cramp) y la publicación en redes sociales de una nota manuscrita por el cantante anunciando el paso de la gira The Joshua Tree 2019 por Manila. Es la primera vez que U2 tocarán en Filipinas (diciembre de 2019).

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Robin Williams

→Nombre completo:  Robin McLaurin Williams

→Fecha de nacimiento: el actor nació el 21 de julio de 1951 en la ciudad de Chicago (EE.UU.) y falleció el 11 de agosto de 2014 en su casa de California. Robin Williams formó parte de una familia económicamente solvente de cinco miembros (sus padres, un ejecutivo de la industria automovilística y una modelo, y tres hermanos varones).

→Profesión: actor profesional y actor de doblaje desde 1976.

→Trayectoria: Robin Williams inició estudios de ciencias políticas en la universidad, aunque pronto los abandonó por la interpretación. Fue alumno de la prestigiosa escuela de actores Juilliard School, en Nueva York. Su carrera alcanzó la cumbre a finales de los años ochenta y durante la década de los noventa gracias a películas como Good Morning Vietnam, El club de los poetas muertos o la popular comedia Mrs. Doubtfire. Williams ganó el Oscar al mejor actor de reparto por su interpretación de un carismático profesor universitario en El Increíble Will Hunting (1997). También obtuvo cinco Globos de Oro como actor de cine y televisión, dos premios Emmy por interpretaciones musicales y tres premios Grammy por su participación en el mejor álbum de comedia de los años 1987, 1989 y 2003.

→Vida privada: el actor admitió haber tenido problemas de adicción a las drogas y el alcohol durante sus inicios como actor y en 2006 cuando ingresó en una clínica de desintoxicación. Robin Williams estuvo casado en tres ocasiones y tuvo tres hijos. Llamó Zelda Rae a la hija nacida de su segundo matrimonio en honor al videojuego La leyenda de Zelda, del que era un acérrimo seguidor.

→Está de actualidad por: el quinto aniversario de la desaparición del actor. Robin Williams fue encontrado muerto en su domicilio en agosto de 2014, poco después de serle diagnosticada una enfermedad neurológica degenerativa. Se calificó el fallecimiento del actor como suicidio (muerte por asfixia y ahorcamiento).

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Conde Duque de Olivares

→Nombre completo: Gaspar de Guzmán y Pimentel Ribera y Velasco de Tovar

→Fecha de nacimiento: el Conde Duque de Olivares nació el 6 de enero de 1587 en Roma (Italia) y falleció el 22 de julio de 1645 en Toro (España). Fue el tercer hijo de un noble, embajador de España en el extranjero, miembro del Consejo de Estado y contador mayor de Cuentas del rey Felipe III.

→Profesión: noble y político español. Ostentó cargos en la dirección política del Reino de España en asuntos internos y relaciones exteriores.

→Trayectoria: tras fallecer sus dos hermanos mayores, Gaspar de Guzmán se vio obligado a abandonar sus estudios eclesiásticos e incorporarse junto a su padre a la corte del rey Felipe III. Heredó el título de Conde Duque de Olivares tras fallecer su progenitor en 1607. Fue valido del rey Felipe IV durante veintidós años hasta que, en 1643, una conspiración política provocó que el monarca lo desterrase a Toro y fuese juzgado por la Inquisición.

→Vida privada: el conde duque de Olivares contrajo matrimonio con su prima Inés de Zúñiga y Velasco en 1607. El autoritarismo del que hizo gala durante su vida política a menudo chocaba con su sensibilidad artística. Apoyó al pintor Diego de Velázquez a quien introdujo en la corte del rey. A cambio Velázquez le retrataría de pie y a caballo en múltiples ocasiones.

→Está de actualidad por: la celebración del 200 aniversario del Museo Nacional de El Prado, donde se encuentra expuesto el célebre retrato que pintó Velázquez del Conde Duque de Olivares subido a caballo (1636). El noble español regaló al rey Felipe IV la finca sobre la que se edificó el Casón del Buen Retiro, una de las actuales dependencias del museo, localizada junto al madrileño Parque del Retiro.

Diferencias y semejanzas

Foto. De izda. a dcha., Bono (U2), el Conde Duque de Olivares y Robin Williams. Fuentes: Internet.

Los aparentes rasgos físicos que comparten Bono y Robin Williams podrían considerarse una menudencia si se contempla una imagen del Conde Duque de Olivares de mediados del siglo XVII y se comprueba el extraordinario parecido que entre los tres parece existir.

Más allá del azar, no se puede negar que estas tres celebridades alcanzaron el éxito en sus respectivas carreras de forma duradera y reconocida, si bien en el caso del noble español, se produjo una caída en desgracia que terminó con su muerte a una edad cercana a la que tenía Robin Williams cuando ocurrió su trágico fallecimiento.

Entre Bono y el actor estadounidense surgen semejanzas no solo físicas y generacionales, sino también espirituales, teniendo en cuenta la tierra de nadie en la que se encontraba Robin Williams en materia religiosa (perteneció a la Iglesia Episcopal de EE.UU. pero se sentía al mismo tiempo protestante y simpatizaba con el judaísmo) y los vaivenes del joven Paul Hewson, quien en casa se debatía entre dos religiones y fuera de ella militaba en un grupo religioso denominado Shalom al que también pertenecían algunos de los integrantes de U2.

La entrega a las causas sociales también es un rasgo de carácter del vocalista de U2 y del desaparecido Robin Williams, quien, en vida, se involucró en las actividades de más de cincuenta asociaciones benéficas. Un tipo de actividad a la que también se dedicó el Conde Duque de Olivares, si bien en el terreno artístico, a través del mecenazgo o la donación de bienes para la explotación del patrimonio artístico español.

Crítica de cine. Rocketman

25 Jun

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Escena musical del film Rocketman. Fuente: Internet.

Que un biopic sobre una rutilante estrella del rock acabe bien no es lo habitual. Que esta haya sobrevivido a sus excesos sin ingresar en el famoso club de los 27 tampoco es frecuente y que además haya dado su aprobación a la película sobre su vida, es casi algo insólito.

Rocketman, la biografía cinematográfica de Elton John, llega en la temporada final de películas musicales estrenadas en los últimos tiempos de la mano de Dexter Fletcher, el responsable del penúltimo éxito de taquilla, la oscarizada Bohemian Rhapsody. Aunque, a estas alturas, el film corría el riesgo de convertirse en la cola de un cometa agonizante, la realidad es otra bien distinta. Es indudable que la figura de Elton John sigue conservando intacto su poder para atraer a las masas, cincuenta años después de su debut en el Londres de los años sesenta. Y su inminente y gozosa retirada de los escenarios resulta ser un argumento más que convincente para acudir a las salas, tanto para sus seguidores habituales como para aquellos que, por edad, no conocieron sus mejores tiempos.

→Trailer oficial de Rocketman. Fuente: YouTube.

 

El encargado de dar vida en la pantalla a semejante coloso de la música es Taron Egerton, un actor no demasiado conocido, que consigue estar a la altura de lo esperado. Siempre se agradece que la persona que encarna al ídolo sea capaz de cantar en un registro de voz suficiente para dar credibilidad a la historia. En este caso, Egerton, sin ser Elton John, da la talla, tanto a nivel vocal como interpretativo, superando el trance que supone participar en una película musical. Porque, no nos engañemos, Rocketman es una película de género. En ella hay numeritos musicales, bailes coreografiados y mucha psicodelia. Además de plumas, lentejuelas y glitter hasta decir basta.

→Taron Egerton interpreta el tema principal Rocket Man en la película homónima sobre la vida de Elton John. Fuente: YouTube.


El argumento, por manido que resulte, sirve para novelar con divertimento la complicada infancia y desenfrenada juventud de Elton John, aunque quizá pierda la oportunidad de retratar con mayor detalle el proceso de composición musical, así como una época social, el último cuarto del siglo XX, especial y dichosamente repleto de talentos artísticos y musicales que interactuaron con el cantante. Quizá la narración se centre demasiado en describir el ascenso y bajada a los infiernos de Reginald Kenneth Dwight, sin profundizar en otro tipo de relaciones que no sean las familiares y personales del cantante. De entre todas, bien cabe destacar la amistad indestructible con Bernie Taupin, su apreciado letrista, que, gracias a este nuevo revival, retoma ahora un merecido protagonismo.

Elton John y Bernie Taupin en los años setenta. Dcha., Taron Egerton (con gafas) y Jamie Bell interpretando a sendos personajes en Rocketman. Fuente: Internet. Cantante y letrista nunca trabajaron juntos en un mismo lugar. Taupin le enviaba a Elton John sus letras en primer lugar y a continuación este componía una melodía inspirada.

La historia, de corte circular (empieza y termina en la clínica de desintoxicación a la que acude Elton John), finaliza en 1983, con el regreso del cantante a los escenarios y la edición de Too Low For Zero, el exitoso álbum que supuso su reconciliación con Bernie Taupin y su reinvención musical junto a la que fuera su banda en los años setenta. La película se toma algunas licencias narrativas (en la vida real Elton John no fue a rehabilitación hasta 1990 y no tomó prestado su nombre de John Lennon, sino de otro cantante, Long John Baldry) y obvia las tres décadas posteriores, que, si bien no han representado lo mejor de la carrera del artista, sí son dignas de mención, sobre todo teniendo en cuenta que sir Elton John obtuvo un Oscar en 1995 (monopolizando las nominaciones a mejor canción con tres temas propios de la banda sonora de El Rey León).

→Vídeoclip de “I´m still standing”, tema perteneciente al álbum de Elton John, Too Low for Zero (1983). El rodaje tuvo lugar en Cannes y Niza (Francia). Fuente: YouTube. El vídeo es recreado en las escenas finales de Rocketman.


La película casi resulta extravagante por su final feliz, su alegría y su ingenuidad, aunque el drama y la desilusión se instalen inopinadamente en algunos momentos interpretativos clave. Como la vida de sir Elton John, todo un superviviente.

Valoración: 3,5 estrellas/5

+ info:

Cartel promocional de Rocketman. Fuente: Internet.

Rocketman se estrenó en España el 31 de mayo de 2019. Su director es Dexter Fletcher, el cineasta encargado de finalizar el rodaje de Bohemian Rhapsody, tras el despido de Bryan Singer. El film está protagonizado por Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden y Bryce Dallas Howard. Narra la vida del cantante Elton John en clave musical, desde que tenía ocho años hasta los 36 (43 en la vida real), cuando decide ingresar en una clínica de desintoxicación para superar sus adicciones al alcohol, el sexo y las drogas, tras décadas de descontrol, dudas sobre su orientación sexual y una profunda desafección familiar.

Elton John y Bernie Taupin grabaron un tema nuevo para la banda sonora original de Rocketman, (I´m gonna) Love me again. La canción, de inspiración sesentera y que suena en los títulos de crédito de la película, está interpretada a dúo por el propio Elton John y Taron Egerton.

Parecidos razonables. Raphael vs. Jim Morrison

8 Dic

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El cantante Raphael y el front man de The Doors, Jim Morrison (dcha.)

El cantante Raphael y el front man de The Doors, Jim Morrison (dcha.). Fuente: Internet.

El año1943 fue un período especialmente prolífico para la historia de la música. Y no porque en aquel año se editaran éxitos memorables sino porque llegaron al mundo dos figuras especialmente relevantes: Jim Morrison y Raphael. Histriónicos y carismáticos, morfológicamente, podrían ser dos caras de una misma moneda, el doble rostro de Jano o Narciso y su reflejo. Aunque subjetiva y artísticamente hablando, pertenezcan a galaxias muy lejanas (o quizás, no tanto):

→Raphael

Nombre completo: Miguel Rafael Martos Sánchez. Raphael es su nombre artístico. Cambió la grafía de su nombre a -ph- inspirado por la denominación de su primera discográfica (Philips Records).

Fecha de nacimiento: Raphael nació el 5 de mayo de 1943 en Linares (Jaén, España) en el seno de una familia de clase humilde de cuatro hermanos. Raphael, el tercer hijo de una ama de casa y un obrero de la construcción de la España franquista, pronto se trasladó a Madrid con su familia. Allí, siendo un niño, destacó por sus aptitudes vocales, primero en un coro religioso y posteriormente, a los nueve años, en Festival de escolanías infantiles de Salzburgo (Austria), que ganó.

Profesión: Cantante de canción melódica y pop. Actor protagonista en teatro y películas musicales.

Trayectoria: A principio de los años sesenta, y tras participar en multitud de concursos radiofónicos, Raphael consiguió firmar su primer contrato discográfico. Por aquella época también conoció a Manuel Alejandro, un músico desconocido, que se convertiría con el tiempo en su productor de cabecera. Su triunfo en el festival de Benidorm le permitió adquirir relevancia nacional. Y en 1965 sacaría al mercado “Raphael canta la navidad”, un disco temático que incluía el célebre villancico del tamborilero, un imprescindible de sus galas anuales en la televisión pública española. En 1966, “El niño de Linares” representó a España en el festival de Eurovisión y actuó en su primera película musical.

A partir de 1967 su carrera despegó internacionalmente, tras una nueva participación en Eurovisión y su actuación en El show de Ed Sullivan. Raphael, convertido ya en un icono, ha seguido encadenando giras, discos y películas hasta la actualidad. Pasado el bache artístico de los setenta, en el año 2000 protagonizó el musical Dr. Jekyll y Mr. Hide con gran éxito de público y crítica. Tras su última reinvención musical, representa ahora una figura esencial para los fans de la música indie.

Vida privada: En 1972 Raphael contrajo matrimonio con la aristócrata y periodista Natalia Figueroa, con quien tiene tres hijos. La boda, celebrada en secreto en Venecia por la oposición de la familia de la novia, ocasionó un gran revuelo mediático.

A mediados de los años ochenta, en plena resurrección musical, el cantante contrajo una hepatitis B agravada por un elevado consumo de alcohol durante las giras. La enfermedad derivó en una cirrosis hepática y fue necesario someter al cantante a un trasplante de hígado en el año 2003. A partir de esa fecha, el artista asegura estar viviendo una segunda vida.

Está de actualidad por: la edición de su último trabajo discográfico, Raphael REsinphónico (2018), en el que ha vuelto a grabar sus grandes éxitos con una orquesta sinfónica incorporando música electrónica. Además, Raphael vuelve a estar de exitosa gira mundial con esta última producción.

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Los cantantes Raphael (izda.) y Jim Morrison.

Los cantantes Raphael (izda.) y Jim Morrison. Fuente: Internet.

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→Jim Morrison

Nombre completo: James Douglas Morrison.

Fecha de nacimiento: Jim Morrison nació el 8 de diciembre de 1943 en Melbourne (Florida, EE.UU.) en uno de los destinos provisionales de su padre, un almirante de la Marina estadounidense. Morrison fue el primer hijo de una familia acomodada de tres hermanos, aunque las desavenencias con su estricto progenitor hicieron que pronto cortara los lazos con su familia. El artista falleció el 3 de julio de 1971, en París, a causa de un paro cardíaco, probablemente relacionado con el consumo de estupefacientes.

Profesión: cantante, compositor y poeta. Jim Morrison se graduó en cinematografía en la Universidad de California (UCLA) en 1965.

Trayectoria: el histórico encuentro entre Jim Morrison y Ray Manzarek en la playa de Venice en el verano de 1965 dio lugar a la creación de una de las bandas más relevantes de la historia del rock. The Doors, así nombrados en honor a un ensayo de Aldous Huxley, editaron seis discos de estudios y un directo antes del fallecimiento de su cantante en 1971. Morrison fue el creador de las letras y poemas musicalizados que posteriormente interpretaba de forma tan teatral en el escenario. El cantante fue el inventor del crowd surfing (salto desde el escenario al foso ocupado por el público de las primeras filas) y The Doors son considerados los padres del rock psicodélico.

En vida, Jim Morrison publicó dos libros de poemas (The Lords y The New Creatures), claramente influenciados por la generación beat y la imaginería de los poetas franceses del siglo XIX. Tras su muerte se publicaron otros dos volúmenes inéditos de poesía, Wilderness y The American Night. En 1969 rodó una película documental, HWY, an American Pastoral, protagonizada por él mismo, al tiempo que The Doors componían L´America para la banda sonora de un film de Antonioni (Zabriskie Point), que finalmente no llegó a incluirse. Siempre vinculado al séptimo arte, Morrison también participó como actor secundario en producciones cinematográficas de los años sesenta. Aunque su verdadera vocación era la literatura.

Tras acordar un parón indefinido con su banda, en 1971 decidió instalarse en París para escribir poesía y escapar del escándalo generado por la presunta exposición de sus genitales durante un concierto en Miami. Morrison había apelado su condena a seis meses de trabajos forzados cuando falleció inesperadamente.

Vida privada: Jim Morrison experimentó con todo tipo de drogas, a excepción de las duras, ya que padecía belonefobia (pánico a las agujas). Sus mayores adicciones fueron al alcohol y a la cocaína. Su carácter introvertido y al mismo tiempo provocador generaron todo tipo de anécdotas, como sus primeras actuaciones de espaldas al público o sus temibles caídas de las cornisas de los hoteles, por las que solía pasear, a menudo en estado de embriaguez.

Jim Morrison fue el sex-symbol de una generación y sus affaires fueron múltiples, aunque el cantante decidió compartir oficialmente su ajetreada vida sentimental con Pamela Courson, una estudiante de arte a la que conoció en su etapa universitaria. A Pamela, su “compañera cósmica”, le dedicó un buen puñado de canciones y la nombró heredera universal de su fortuna. Sin embargo, Courson, fallecida por sobredosis en 1974, vivió sus últimos días sin apenas recursos, ya que la familia de Morrison impugnó el testamento. En la actualidad, los bienes y derechos de autor de Jim Morrison se reparten entre las dos familias.

Está de actualidad por: en el año 2018 los seguidores de Jim Morrison celebran el que hubiera sido el 75 aniversario del nacimiento del cantante. En 2017, los miembros supervivientes de The Doors celebraron en Venice (California) los 50 años transcurridos desde la edición del primer álbum de la banda, el homónimo y transgresor, The Doors.

Diferencias y semejanzas

Raphael (izda.) y Jim Morrison en 1967.

Raphael (izda.) y Jim Morrison en 1967. Fuente: Internet.

Resulta sorprendente descubrir el parecido físico que existe entre el Raphael de los años sesenta y Jim Morrison, líder y compositor de The Doors. Nacer el mismo año es ya una coincidencia, dedicarse a la misma profesión también añade puntos y padecer el mismo tipo de adicción (aunque en etapas diferentes de su vida) no deja de ser significativo.

El éxito internacional de Raphael le llevó hasta El Show de Ed Sullivan, el programa de variedades del domingo por la tarde más visto en Estados Unidos. The Doors también fueron invitados, pero mientras Raphael cantó lo que le pidieron hasta en tres idiomas diferentes, la banda de rock más potente del país decidió cambiar el guion. El resultado fue muy diferente ya que Raphael volvió dos veces más, pero The Doors fueron censurados por la cadena tras negarse a cambiar la letra de Light my fire. El responsable directo: Jim Morrison.

La teatralidad también es un rasgo muy presente en la manera de interpretar de Raphael y Jim Morrison. Pero también se aprecian diferencias, puesto que las danzas chamánicas de Jim Morrison poco tienen que ver con el amaneramiento de Raphael, que en su día dio lugar a rumores sobre su homosexualidad. Algo negado por el cantante y opuesto a la realidad de una vida sentimental estable junto a la que es su esposa desde hace más de cuarenta años.

Resulta tentador preguntarse qué hubiera sido de la carrera de Jim Morrison si aún siguiera vivo. Surgen dudas sobre si habría logrado mantener el nivel de repercusión que Raphael ha alcanzado en España y Latinoamérica. Un hito que muy pocos artistas de su generación han conseguido. Pero sí se puede imaginar como sería su aspecto físico con 75 años: seguro que muy, muy parecido al de Raphael.

Pearl Jam en concierto. Mad Cool Festival 2018

15 Jul

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Pearl Jam en el Mad Cool Festival 2018.

Pearl Jam en el Mad Cool Festival 2018. Fuente: You Tube.

Todo lo que se dice de Pearl Jam es cierto: gran grupo, excelentes músicos, maquinaria de perfecto engranaje, setlist contundente, muy buen sonido (punto positivo para la organización) y gran carisma de su líder, Eddie Vedder, que apareció en el escenario principal del Mad Cool con puntualidad y excelentes condiciones vocales. Si a lo anterior se le suma una escenografía elegante y minimalista con una iluminación efectista, se crea una puesta en escena al servicio de la música y no al contrario.

El bajista Jeff Ament tocando “Why go”

El bajista Jeff Ament tocando “Why go” en el monumental escenario del festival. Fuente: You Tube.

Pearl Jam en el escenario Mad Cool.

Pearl Jam en el escenario Mad Cool. Fuente: Internet.

La primera parte del concierto, comenzó suave y entre sombras con “Release” y “Elderly woman behind a counter in a small town”, dos temas de los álbumes seminales Ten (1991) y Vs (1993). A los temas acústicos les siguieron clásicos cañeros que todos esperábamos escuchar, como “Animal”, “Corduroy” o “Even Flow” retransmitidos en blanco y negro por las pantallas gigantes como si fueran videoclips añejos cubiertos por una pátina de tiempo.

Matt Cameron y Eddie Vedder durante un momento del concierto (dcha.) y Jeff Ament al bajo.

Matt Cameron y Eddie Vedder durante un momento del concierto (dcha.) y Jeff Ament al bajo. Fuentes: Samia Benaissa Pedriza- You Tube.

Pearl Jam tocando “Corduroy” en el Mad Cool Festival.

Pearl Jam tocando “Corduroy” en el Mad Cool Festival. Fuente: You Tube.

Visión del grupo del escenario durante “Even Flow”.

Visión del grupo del escenario durante “Even Flow”. Fuente: You Tube.

Del presente más cercano solo se escucharon el muy punk “Mind your matter”, la bellísima “Sirens” y “Lightning Bolt” todas ellas del álbum homónimo de 2013. Eddie Vedder dedicó “Can´t deny me”, un single recién sacado del horno, a las “mujeres fuertes del público que van a cambiar el mundo”.

Pura Gestualidad. Eddie Vedder en “Alive” y “Even Flow”.

Pura Gestualidad. Eddie Vedder en “Alive” y “Even Flow”. Fuentes: Samia Benaissa Pedriza- You Tube.

El cantante, Eddie Vedder, plenamente recuperado de su reciente afonía, saludó a la audiencia, botella en mano, recordando la primera vez que tocaron en Madrid, en la mítica sala Revolver. En un español mejorable, introdujo también un vídeo de los actores Javier Bardem y Luis Tosar en contra de los abusos sexuales.

Eddie Vedder durante uno de los discursos que dio ante la audiencia del Mad Cool.

Eddie Vedder durante uno de los discursos que dio ante la audiencia del Mad Cool. Fuente: You Tube.

El líder de Pearl Jam saludando al público madrileño.

El líder de Pearl Jam saludando al público madrileño. Fuente: Internet.

La segunda parte incluyó un cambio de registro con una impresionante versión de “Eruption”, un tema de Van Halen para lucimiento del guitarrista Mike McCready, “Do the evolution”, “Porch” y el archiconocido “Jeremy”. Tras hora y media de concierto, la banda se despedía, aunque los asistentes sabíamos que aun les quedaba mucho más por dar.

Mike McCready estuvo sobresaliente en “Eruption”.

Mike McCready estuvo sobresaliente en “Eruption”. Fuente: You Tube.

Actuación estelar de McCready en “Even Flow”.

Actuación estelar de McCready en “Even Flow”. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Baño de multitudes del guitarrista de Pearl Jam.

Baño de multitudes del guitarrista de Pearl Jam. Fuente: You Tube.

Los bises sirvieron para calmar un poco los ánimos de una audiencia enfervorizada, aunque el sosiego duró poco al encarar dos trallazos de Vs y Ten (“Rearview mirror” y “Alive”, interpretado por Vedder con la misma rabia contenida que en el famoso vídeo de la MTV). Siguiendo el guion habitual, la banda puso la guinda al pastel musical con una versión de su adoradísimo Neil Young, el “Rockin in the free world” que ya casi han hecho suya.

Pearl Jam interpretando “Alive” en el escenario Mad Cool.

Pearl Jam interpretando “Alive” en el escenario Mad Cool. Fuente: You Tube.

→Vídeo. “State of love and trust”. Pearl Jam. Mad Cool Festival 2018. Fuente: You Tube. MariskalRockTv.

Pearl Jam ofrecieron un auténtico festival de buenas canciones que sonaron frescas y sin tufo a revival casi treinta años después de haber sido compuestas. Las dos horas de concierto supieron a poco tras once años sin visitar la ciudad, aunque el grupo cumplió ampliamente las expectativas del respetable. Habrá que hacer campaña para un próximo regreso a España de los últimos supervivientes del grunge, pero esta vez, a ser posible, en un recinto menos masificado.

80.000 personas asistieron al concierto de Pearl Jam en Madrid, tras más de una década de ausencia.

80.000 personas asistieron al concierto de Pearl Jam en Madrid, tras más de una década de ausencia. Fuente: Internet.

+ info:

Set list del concierto de Madrid.

Set list del concierto de Madrid. Fuente: Facebook de Pearl Jam.

El concierto de Pearl Jam en Madrid se celebró el 12 de julio de 2018 en el recinto Mad Cool en Valdevebas. Duración: 2 horas y 5 minutos (de 23:30 a 01:35 horas).

→Set List: 01. Release. 02. Elderly woman behind the counter of a small town. 03. Given to fly. 04. Lukin. 05. Corduroy. 06. Why go. 07. Animal. 08. Even flow. 09. Mind your manners. 10. Lightning bolt. 11. Eruption (versión de Van Halen). 12 Jeremy. 13. Can´t deny me. 14. Do the evolution. 15. Wasted reprise. 16. Better man. 17. Porch. Bises: 18. Just breathe. 19. Sirens. 20. Black. 21. State of love and trust. 22. Rearview mirror. 23. Alive. 24. Rockin in the free world.

→Mad cool Festival:

Entrada al Festival Mad Cool 2018.

Entrada al Festival Mad Cool 2018. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Pearl Jam fueron cabezas de cartel del primer día del Mad Cool Festival, celebrado en Madrid en su tercera edición del 12 al 14 de julio de 2014. El record de asistencia (240.000 personas acudieron a la cita) generó atascos y colas para entrar, por lo que muchos asistentes se perdieron actuaciones largamente esperadas.

El plantel de artistas fue de primer nivel: Pearl Jam, Alice in Chains, Jack White, Queens of the Stone Age y Depeche Mode, compartieron escenario con bandas emergentes, aunque se programaron incomprensibles combinaciones de artistas (Tame Impala- Pearl Jam en la inauguración del festival o Arctic Monkeys-Alice in Chains el segundo día).

Tame Impala tocaron justo antes que Pearl Jam en el escenario “Madrid”.

Tame Impala tocaron justo antes que Pearl Jam en el escenario “Madrid”. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El festival reunió a dos tipos de público: uno minoritario, que acudía al festival a disfrutar de sus bandas y no solo a escuchar música de fondo, y otro mayoritario, formado por individuos disfrazados con pelucas que ni siquiera miraban el escenario y cuyo único objetivo era colgar la foto en Instagram.

Los seguidores de Pearl Jam ocupando posiciones durante los preparativos del escenario principal.

Los seguidores de Pearl Jam ocupando posiciones durante los preparativos del escenario principal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La visibilidad del concierto de Pearl Jam se vio notablemente reducida por el excesivo número de asistentes.

La visibilidad del concierto de Pearl Jam se vio notablemente reducida por el excesivo número de asistentes. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Original o copia. Van Morrison vs. Patti Smith

27 Jun

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Van Morrison y Patti Smith en directo.

Van Morrison y Patti Smith en directo. Fuente: Internet y Wikipedia (Licencia CC).

Hace 55 años Van Morrison componía Gloria en el verano de 1963 con su primer grupo de música, The Monarchs. El León de Belfast solo tenía 18 años pero creó una de las canciones de garaje rock más versionadas de la historia.

Posiblemente la versión más conocida y original de todas sea la que Patti Smith incluyó en su álbum de debut, Horses, en 1975. De la Gloria original, la neoyorquina solo dejó el chasis, es decir la música y su pegadizo estribillo. Para el resto de la letra se inspiró en un poema escrito por ella misma en 1970, Oath. De él sacó la conocida e irreverente estrofa “Jesus died for somebody´s sins but not mine” (Jesús murió por los pecados de los demás, pero no por los míos) que se escucha al principio de Gloria.

Para rizar el rizo, Smith editó otro tema, Land, también incluido en Horses, que si no es una autoversión de Gloria, que bajen del olimpo los dioses del rock y sentencien. De hecho, Patti Smith suele encadenarlas sin pudor en sus shows en directo. Junto al sencillo Horses, forman una trilogía imprescindible en sus conciertos desde hace más de cuarenta años.

Gloria, compuesta por Van Morrison e interpretada en directo en el año 2008. Fuente: You Tube.

→Audio de Gloria (Van Morrison). Fuente: You Tube.

→Land + Gloria, versionada por Patti Smith y cantada en directo en 2016. Fuente: You Tube.

→Audio de Gloria (Patti Smith). Fuente: You Tube.

→Audio de Land (Patti Smith). Fuente: You Tube.

Valoración

El tema de Van Morrison, a buen seguro seguirá reportando pingües beneficios por derechos de autor, porque sigue sonando fresco más de medio siglo después de haber sido compuesto. La canción incluye unos de los acordes más simples y efectistas jamás tocados, variando solo el ritmo, pero es un hit en toda regla. Posiblemente el secreto de su éxito sea el lema “menos es mas”, además del extraordinario vozarrón de su intérprete. El original es bueno pero la controvertida versión de Patti Smith le añade imaginación y creatividad, protesta y actitud roquera, valores que, a juicio de muchos, hacen que supere al original.

+ info:

→Gloria se publicó por primera vez en el álbum del grupo Them, The Angry Young Them en julio de 1964. Them fue el tercer grupo al que Van Morrison se unió en tan solo 12 meses. Dos años después iniciaría su carrera en solitario. La canción, de una duración inicial de 2:38 minutos superaba el cuarto de hora en directo.

En 1965 The Grants hicieron la primera versión del tema. Posteriormente se fueron sucediendo hasta casi un centenar de versiones por artistas de la talla de The Doors, Jimi Hendrix, The Rolling Stones, Tom Petty o AC/DC.

El tema original de Them solo alcanzó la posición 93 en el Billboard Hot 100, mientras que la versión de The Shadows of Knight, editada solo dos años más tarde alcanzó el número diez, la posición más alta lograda por Gloria en la clasificación. Solo las versiones de Patti Smith y The Shadows of Knight tuvieron el honor de formar parte de las 500 canciones más influyentes que forman parte del Salón de la Fama del Rock and Roll.

Land, un tema original de Patti Smith, incluido en su disco de debut Horses (1975) dura 9 minutos y narra la historia de Johnny, un personaje torturado, víctima de abusos sexuales, inspirado en la novela de William Burroughs, The Wild boys. El tema tiene una estructura en tres partes: Horses, Land of 1000 dances (sí, otra versión soul, esta vez de Chris Kenner) y La Mer (de). La letra contiene referencias a la muerte de Jimi Hendrix y a Arthur Rimbaud, uno de los poetas preferidos de Patti Smith.

Bon Jovi al completo en el Rock and Roll Hall of Fame

18 Abr

Una imagen o mil palabras

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bon Jovi 2018

La formación original de Bon Jovi en el Rock and Roll Hall of Fame. Fuente: Twitter de la banda.

Han hecho falta 24 años para ver de nuevo a Bon Jovi agrupados en su formación original. Desde que Alec JohnSuch fuera expulsado de la banda en 1994 y Richie Sambora hiciera mutis por el foro hace cinco años durante el Because we can Tour, no habíamos vuelto a ver al grupo reunido al completo.

La imagen de la banda sobre el escenario del Public Auditorium de Cleveland, lugar donde tuvo lugar la ceremonia de introducción al Rock and Roll Hall of Fame, vale, por lo tanto, su peso en oro. A los inevitables pero emotivos discursos, siguió una actuación en directo algo pintoresca por lo sorprendente de la situación: una banda duplicada, formada por dos bajistas, dos baterías, dos guitarristas principales y otro rítmico que desde hace poco sustituye a Jon Bon Jovi mientras canta.

→Vídeo. Bon Jovi sobre el escenario del Public Auditorium de Cleveland. Fuente: You Tube.

Y es que el tiempo, como se encargó de subrayar el propio Jon Bon Jovi, no pasa en balde.  “En determinado momento, nos encontramos David (teclista) y yo solos sobre las tablas, como si fuésemos una banda de versiones”, confesó el líder de la banda ante un público entregado. Una situación que se dio cuando el batería Tico Torres tuvo que ser intervenido de urgencia en dos ocasiones en medio de la gira del grupo de 2013 y sustituido durante once conciertos.

Bon Jovi en el Hall of Fame

Los integrantes de Bon Jovi durante su discurso de agradecimiento. Fuente: Internet.

Entrar en el Rock and Roll Hall of Fame es todo un honor para cualquier banda o solista que se precie, aunque también un motivo de preocupación por el mero hecho de formar parte en vida de la añosa historia del Rock. Un género que en el nuevo milenio parece abocado a la extinción, pero que es aun venerado por un Rock and Roll Hall of Fame convertido casi en un cementerio de elefantes para viejas glorias.

→Richie Sambora: “Es sin duda un honor ser reconocido por el Salón de la Fama del Rock and Roll. Pienso en mis héroes y también colegas que han sido reconocidos antes que yo, y es genial estar junto a ellos.”

A Bon Jovi les quedan todavía bastantes años para jubilarse, sobre todo teniendo en cuenta como estiran los grandes grupos sus carreras ante la ausencia de recambio generacional. La banda cuenta con el apoyo incondicional de sus fans, aunque la energía no sea la misma y su música actual esté transitando caminos demasiado allanados para una formación de su calibre.

+ info:

Museo Rock and Roll Hall of Fame

Exteriores del museo del Rock and Roll Hall of Fame en Cleveland. Fuente: Andrew Hitchcock (Licencia CC).

La ceremonia de introducción de Bon Jovi en el Rock and Roll Hall of Fame tuvo lugar el 14 de abril de 2018 en el Public Auditorium de Cleveland. Howard Stern fue el encargado de presentar a la mítica banda de New Jersey. En la misma ceremonia fueron introducidos los grupos The Cars, Dire Straits, The Moody Blues y las cantantes Nina Simone y Sister Rosetta Tharpe.

Para poder ingresar en el exclusivo club de bandas del Rock and Roll Hall of Fame deben haber pasado 25 años desde la primera edición de un disco del artista y resultar ganadora en una votación de expertos. Bon Jovi sacó al mercado su primer LP en 1984 (el homónimo Bon Jovi).

El último disco publicado de Bon Jovi es This house is not for sale (2016), grabado en los mismos estudios de sus inicios y con su productor de cabecera John Shanks. En esta ocasión, el grupo salió de gira de presentación del disco solo en Estados Unidos.