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Bon Jovi al completo en el Rock and Roll Hall of Fame

18 Abr

Una imagen o mil palabras

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bon Jovi 2018

La formación original de Bon Jovi en el Rock and Roll Hall of Fame. Fuente: Twitter de la banda.

Han hecho falta 24 años para ver de nuevo a Bon Jovi agrupados en su formación original. Desde que Alec JohnSuch fuera expulsado de la banda en 1994 y Richie Sambora hiciera mutis por el foro hace cinco años durante el Because we can Tour, no habíamos vuelto a ver al grupo reunido al completo.

La imagen de la banda sobre el escenario del Public Auditorium de Cleveland, lugar donde tuvo lugar la ceremonia de introducción al Rock and Roll Hall of Fame, vale, por lo tanto, su peso en oro. A los inevitables pero emotivos discursos, siguió una actuación en directo algo pintoresca por lo sorprendente de la situación: una banda duplicada, formada por dos bajistas, dos baterías, dos guitarristas principales y otro rítmico que desde hace poco sustituye a Jon Bon Jovi mientras canta.

→Vídeo. Bon Jovi sobre el escenario del Public Auditorium de Cleveland. Fuente: You Tube.

Y es que el tiempo, como se encargó de subrayar el propio Jon Bon Jovi, no pasa en balde.  “En determinado momento, nos encontramos David (teclista) y yo solos sobre las tablas, como si fuésemos una banda de versiones”, confesó el líder de la banda ante un público entregado. Una situación que se dio cuando el batería Tico Torres tuvo que ser intervenido de urgencia en dos ocasiones en medio de la gira del grupo de 2013 y sustituido durante once conciertos.

Bon Jovi en el Hall of Fame

Los integrantes de Bon Jovi durante su discurso de agradecimiento. Fuente: Internet.

Entrar en el Rock and Roll Hall of Fame es todo un honor para cualquier banda o solista que se precie, aunque también un motivo de preocupación por el mero hecho de formar parte en vida de la añosa historia del Rock. Un género que en el nuevo milenio parece abocado a la extinción, pero que es aun venerado por un Rock and Roll Hall of Fame convertido casi en un cementerio de elefantes para viejas glorias.

→Richie Sambora: “Es sin duda un honor ser reconocido por el Salón de la Fama del Rock and Roll. Pienso en mis héroes y también colegas que han sido reconocidos antes que yo, y es genial estar junto a ellos.”

A Bon Jovi les quedan todavía bastantes años para jubilarse, sobre todo teniendo en cuenta como estiran los grandes grupos sus carreras ante la ausencia de recambio generacional. La banda cuenta con el apoyo incondicional de sus fans, aunque la energía no sea la misma y su música actual esté transitando caminos demasiado allanados para una formación de su calibre.

+ info:

Museo Rock and Roll Hall of Fame

Exteriores del museo del Rock and Roll Hall of Fame en Cleveland. Fuente: Andrew Hitchcock (Licencia CC).

La ceremonia de introducción de Bon Jovi en el Rock and Roll Hall of Fame tuvo lugar el 14 de abril de 2018 en el Public Auditorium de Cleveland. Howard Stern fue el encargado de presentar a la mítica banda de New Jersey. En la misma ceremonia fueron introducidos los grupos The Cars, Dire Straits, The Moody Blues y las cantantes Nina Simone y Sister Rosetta Tharpe.

Para poder ingresar en el exclusivo club de bandas del Rock and Roll Hall of Fame deben haber pasado 25 años desde la primera edición de un disco del artista y resultar ganadora en una votación de expertos. Bon Jovi sacó al mercado su primer LP en 1984 (el homónimo Bon Jovi).

El último disco publicado de Bon Jovi es This house is not for sale (2016), grabado en los mismos estudios de sus inicios y con su productor de cabecera John Shanks. En esta ocasión, el grupo salió de gira de presentación del disco solo en Estados Unidos.

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El origen de los grandes nombres del rock (I)

25 Mar

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Disco vinilo.

Disco vinilo. Fuente: Internet

Títulos de canciones más o menos conocidas, álbumes de artistas célebres, libros y poemas clásicos, comentarios en apariencia irrelevantes y hasta algún personaje real han servido de inspiración para bautizar a las que con el tiempo se convertirían en las grandes bandas de rock del siglo XX. El pasado y el presente, el azar y la cultura popular de los últimos tiempos se retroalimentan en un viaje ecléctico y sorprendente por los orígenes de la música moderna.

The Rolling Stones

The Rolling Stones y Muddy Waters

The Rolling Stones en 1962. A la dcha. portada del disco “The best of Muddy Waters” (1958). Fuente: Internet.

En 1962, Mick Jagger, Keith Richards y Brian Jones vivían juntos en un apartamento londinense. Tenían un grupo de rock pero no se les había ocurrido aun ponerle un nombre. Cuando se vieron en la tesitura de tener que anunciar su primer bolo serio a  la revista  musical Jazz News no supieron qué decir. El interlocutor esperaba al teléfono una respuesta y como suele ocurrir en las películas, dieron el primer nombre que se les pasó por la cabeza. En el suelo de la habitación, entre trastos varios, estaba tirada la cubierta del disco “The best of Muddy Waters” y el primer single era “Rollin´ Stone”. Le añadieron un plural mayestático y la banda empezó a rodar. Literalmente. El resto ya es historia.

The Doors

La banda de rock The Doors y el ensayo The Doors of perception

The Doors en el backstage de una actuación en 1966. A la dcha. primera edición de “Las puertas de la percepción” de Aldous Huxley (1954). Fuente: Internet.

En el verano de 1965 Ray Manzarek y Jim Morrison, estudiantes recién licenciados de la UCLA, pasaban el rato en la playa de Venice (California), reflexionando sobre su futuro. Morrison quería irse a Nueva York a hacer cine y Manzarek no tenía muy claro qué hacer con su vida. El que más tarde sería conocido como “Rey Lagarto” comenzó a recitar unos poemas que había escrito recientemente. Y a Manzarek, que había estudiado música clásica y tenía un grupo de poca monta con sus hermanos llamado Rick and The Ravens, se le encendió la luz. Le propuso a Morrison formar un grupo al que llamarían “The Doors”, como el ensayo de Aldous Huxley, The Doors of perception, una narración subjetiva sobre los efectos de las drogas (a su vez inspirado en un poema de William Blake de 1790 del libro The marriage of heaven and hell). Poco después las puertas del éxito se les abrieron solas.

The Beatles

The Beatles y Buddy Holly and the Crickets

Los integrantes de The Beatles en 1960 (Pete Best, George Harrison, John Lennon, Paul McCartney y Stuart Sutcliffe). A la dcha. Buddy Holly and the Crickets. Fuente: Internet.

Curiosamente fue Stuart Sutcliffe, el primer bajista del grupo el que le puso nombre a la banda más famosa de Liverpool. Durante una noche de insomnio se le ocurrió un juego de palabras con los términos “beetle” (escarabajo en inglés) y “beat” (ritmo). La idea se inspiraba en The crickets, la banda que acompañaba a Buddy Holly y que era la favorita de Sutcliffe, cuyo nombre aludía tanto al conocido juego inglés como al insecto que representa (un grillo). A John Lennon le pareció bien y una noche del año 1960, durante un paseo por la ciudad, les propusieron al resto del grupo llamarse “The Beatles”. A Paul McCartney y a George Harrison les sonó raro aunque lo aceptaron. No era la primera vez que la banda cambiaba de nombre: antes habían sido “The Quarrymen”, “Johnny and the Moondogs” y “The Silver Beatles”. La idea de Sutcliffe resultó ser todo un acierto y rápidamente dio lugar al nacimiento de otro célebre término: la “beatlemanía”.

Lynrd Skynrd

Lynrd Skynrd y Leonard Skinner

Con el tiempo, los integrantes de Lynrd Skynrd (izda.) hicieron las paces con su entrenador, Leonard Skinner (dcha.) del que tomaron prestado el nombre. Fuente: Internet.

El verano de 1964 vio nacer a la banda de rock sureño estadounidense conocida mundialmente por Lynrd Skynrd. Los nombres “My backyard”, “The Noble Five” y “One Percent” precedieron al definitivo “Lynrd Skynrd”, denominación adoptada en 1970 cuando la banda decidió “homenajear” a su profesor de gimnasia de la escuela secundaria, Leonard Skinner. El susodicho consiguió que expulsaran del centro a varios integrantes del grupo por llevar las patillas y el pelo demasiado largo.  Fue el vocalista Ronnie Van Zant quien durante un concierto anunció desde el escenario que desde ese momento pasarían a llamarse como su “querido” entrenador de baloncesto. En un principio la grafía adoptada fue “Lynard Skynard” aunque finalmente se suprimieron todas las vocales y se sustituyeron por -y- (en honor a The Byrds) para evitar demandas. Los de Jacksonville tuvieron que dar indicaciones fonéticas en su primer álbum de estudio sobre como pronunciar el nombre.

Aerosmith

Aerosmith. Harry Wilson. Arrowsmith

La banda de Boston, Aerosmith. A la dcha. el álbum “Aerial Ballet” (1968) de Harry Wilson inspirado en un número aéreo-circense que ejecutaban sus abuelos y la novela “Arrowsmith”, del premio Pulitzer Sinclair Lewis, escrita en 1925. Fuente: Internet.

Aerosmith surgió en 1970 de dos bandas que lideraban Steven Tyler y Joe Perry. La nueva formación no tenía todavía un nombre y fue el recientemente incorporado batería Joey Kramer quien tuvo la genial idea tras escuchar el álbum “Aerial Ballet” de Harry Wilson. Kramer mezcló las referencias aéreas con las de un libro de la escuela secundaria que todos odiaban: “Arrowsmith”.  Kramer cuenta que solía escribir la  palabra “Aerosmith” en todos sus cuadernos de clase. Antes la banda había considerado otros nombres menos originales como “The Bananas”, “Stit Jane” o “Spike Jones”. En su tour de despedida, la banda ha decidido seguir jugando con su nombre para rendirse un tributo final: “Aerovederci” es el título de la última gira mundial de los hard rockeros de Boston.

Led Zeppelin

La banda británica Led Zeppelin

El grupo británico Led Zeppelin en 1973. A la dcha. la portada del disco homónimo Led Zeppelin (1969), copiada según John Entwistle de una idea suya. El bajista de The Who también afirma que el nombre de Led Zeppelin fue una idea original propia. Fuente: Internet.

Cuando The Yardbirds se disolvieron a finales de los sesenta, su guitarrista Jimmy Page decidió formar un grupo propio. The New Yardbirds  nació de la unión de Page con Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham  pero ante los problemas legales que el apelativo podría causar, la banda empezó a buscar una manera alternativa de darse a conocer. En 1968 Keith Moon, batería de The Who, que colaboraba en una grabación de un tema de Jeff Beck junto a Page, John Paul Jones y John Entwistle, opinó que la nueva formación iba a fracasar y caer como un “globo de plomo” (“lead balloon”, en inglés) a lo que Entwistle añadió: un “zepelín de plomo” (“lead zeppelin”). The New Yardbirds se inspiraron de aquella broma tonta para resurgir fugazmente como “Lead Zeppelin”, hasta que el mánager del grupo, Peter Grant lo cambió por Led Zeppelin para evitar malsonancias en la pronunciación del nombre en EE.UU.

No obstante, John Entwistle, bajista de The Who afirma que fue a él a quien se le ocurrió el nombre de Led Zeppelin para un grupo que pensaba constituir al margen de su formación principal. Según Entwistle se lo comentó al futuro jefe de producción de la banda de Page, quien unos meses más tarde no solo le copió el nombre del grupo sino también la portada del disco que pensaba sacar al mercado.

The Who

La banda de rock británica The Who

The Who en el inicio de su carrera en los años sesenta. Dcha., cartel promocional de los dos singles que la banda sacó al mercado en julio de 1964 como The High Numbers. Fuente: Internet.

Durante dos años The Who no fueron The Who sino The Detours, la banda a la que Roger Daltrey pertenecía antes de conocer a John Entwistle en 1962. Tras las incorporaciones del guitarrista Pete Townshend y del batería Keith Moon, cambiaron su nombre por The Who en 1964. Al principio el nombre no les convencía demasiado, incluso llegaron a cambiarlo durante unos meses en el verano de ese mismo año por sugerencia de su mánager Peter Meaden. Sacaron dos singles bajo el nombre de The High Numbers pero tras la escasa acogida despidieron a Meaden y recuperaron su nombre artístico. The Who era la pregunta que se hacía el público cuando la banda era presentada en directo (¿Los “quien”?), cuando los cuatro integrantes de la formación británica eran aun unos completos desconocidos.

Original o copia. Radiohead vs. The Hollies

8 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Radiohead y The Hollies.

La banda de rock alternativo Radiohead (arriba) y los británicos The Hollies en los años setenta. Fuente: Internet.

Radiohead vuelve a estar de actualidad por la celebración de los veinte años de Ok Computer, su tercer álbum de estudio y con el que la banda se dio a conocer mundialmente. Antes la formación británica había editado Creep, un tema perteneciente a su disco de debut Pablo Honey, sospechosamente parecido a The air that I breathe una canción de The Hollies firmada nada menos que por Albert Hammond y  Mike Hazlewood en 1972. La publicación de Creep levantó serias dudas sobre si se trataba de una composición original, una versión o bien un plagio del tema de Hammond que The Hollies popularizaron en 1974. Hasta que la Justicia dictó sentencia.

Creep, de Radiohead (1993). Fuente: You Tube.

The air that I breathe de The Hollies (1974). Fuente: You Tube.

The air that I breathe de Albert Hammond (1972). Fuente: You Tube.

Valoración

Valorar si Creep es o no un plagio de The air that I breathe resultaría inútil teniendo en cuenta que hace años un tribunal británico de determinó que sí lo era. Las semejanzas son demasiado patentes como para negar la evidencia: la introducción del tema de Albert Hammond versionado por  The Hollies fue reflejada nota por nota en el puente de Creep. Incluso los propios Radiohead reconocen haber discutido acaloradamente en su día por editar el tema tal y como fue compuesto. Como fuera, solo podemos alegrarnos por la decisión final de publicarlo, ya que a pesar del plagio, de no hacerlo, la historia de la música se hubiera perdido un clásico de primer orden.

Obviando el respeto debido al gran Albert Hammond y a Mike Hazlewood, lo cierto es que The air that I breathe habría caído en el olvido si no hubiera sido por la famosa adaptación que Radiohead hicieron hace un cuarto de siglo. Veinticinco años después de su primera aparición como single en 1992, Creep se ha convertido ya en un clásico histórico y en un hit imprescindible para los fans de la banda.

+ info:

→Aunque Creep nunca alcanzó el número uno (su posición más alta fue el número dos del Billboard americano en el Hot Modern Rock Tracks) el tema obtuvo una enorme popularidad entre los seguidores del rock alternativo de los noventa.

En un principio la BBC se negó a radiarla por considerarla una canción depresiva. Paradójicamente, los propios Radiohead también llegaron a odiarla pero por considerarla demasiado comercial. De hecho la banda se negó a tocarla en directo hasta el año 2001. Fue escrita por el cantante de la banda, Thom Yorke, en 1992 aunque el guitarrista Jonny Greenwood también aparece en los títulos de crédito. En aquel año la canción pasó inadvertida hasta que un locutor de una radio estadounidense reparó en el tema y comenzó a difundirse por todo San Francisco.

De Creep se han hecho versiones por artistas consagrados como The Pretenders, Robbie Williams o Prince. Obtuvo el premio NME al mejor single.

The air that I breathe está incluida en el disco  de 1972 del cantautor Albert Hammond It never rains in Southern California (suyas son la música y la letra) y en el álbum Hollies que la banda del mismo nombre publicó en 1974 con la autorización de Hammond y Hazelwood. Al igual que Creep, de Radiohead, solo alcanzó el número dos en las listas de sencillos británicas y el número seis en el Billboard americano.

Cuando Albert Hammond y Mike Hazlewood se dieron cuenta de las semejanzas entre el tema que habían compuesto en la década de los setenta y el de Radiohead, iniciaron un proceso judicial para ser incluidos como coautores de Creep. La justicia finalmente les dio la razón.

Del tema de soft rock The air that I breathe se han hecho versiones por parte de Simply Red, K.D. Lang o Philip Everly.

Concierto de Santiago Auserón y la Banda Sinfónica Municipal de Madrid

22 Jul

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Santiago Auserón y la Banda Sinfónica Municipal de Madrid

Santiago Auserón acompañado de la Banda Sinfónica Municipal de Madrid en el auditorio Pilar García Peña. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

“Río Negro”, “La negra Flor”, “Reina Zulú”, resulta fácil adivinar cuál es el color favorito de Santiago Auserón. Vestido de noche una vez más, el músico deconstruyó temas de todas sus etapas creativas, desde Radio Futura hasta Juan Perro. Clásicos que se pudieron disfrutar ayer en el auditorio Pilar García Peña de Madrid reinterpretados magistralmente por la Banda Sinfónica Municipal.

En esta penúltima reinvención artística, Santiago Auserón puso toda la carne en el asador de una cálida noche de verano para desgranar una ristra de temas con significado, en los que cambió el continente pero no el contenido. Temas pegados a la actualidad social (“La misteriosa”, sobre la crisis del sector pesquero, “El desterrado”, dedicado a los refugiados) compartieron espacio y tiempo con éxitos comerciales (“No más lágrimas”, “El canto del gallo”, “Fonda de Dolores”) que fueron cantados, recitados y hasta declamados en latín e italiano.

Santiago Auserón en Hortaleza

Primer tramo del concierto en el auditorio Pilar García Peña. Fuente: Internet.

Santiago Auserón interpreta “La misteriosa”

Santiago Auserón interpreta “La misteriosa”, tema del álbum de Juan Perro “Cantares de vela” (2002). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Que Santiago Auserón es todo un personaje es de sobra conocido. Sus fieles seguidores ya están acostumbrados a su personalísimo discurso y verborrea, a medio camino entre el cultismo y los ademanes más teatrales que se puedan esperar de un músico de su talla. Una personalidad que se crece en el escenario y con la calurosa respuesta de su público.

Santiago Auserón en directo.

Santiago Auserón en el escenario del auditorio Pilar García Peña”. Fuente: Internet.

El concierto en el auditorio Pilar García Peña incluyó un repertorio ecléctico e innovador, totalmente en sintonía con lo que Auserón representa en el panorama musical actual. Durante más de hora y media, blues, swing, soul y ritmos latinos fueron entremezclándose de forma hábil y sin descanso hasta completar una quincena de temas elegidos con cabeza e interpretados con corazón. Comunicativo, de buen humor, con una voz rica en matices y capaz de brillar en casi cualquier estilo musical, Auserón deslumbró a los miles de asistentes reunidos en la noche madrileña. Estuvo soberbio en “Obstinado en mi error” y dando vida a “Annabel Lee” un tema inspirado en un relato de Edgar Allan Poe que el cantante lamentó no haber escrito él mismo. “Si no existieras habría que inventarte”, le gritaban desde las gradas, a lo que el artista respondió con sorna: “No exageremos”.

Concierto de Santiago Auserón en Madrid

El público disfrutó de una ambientación elegante que en ocasiones recordaba a la de las míticas orquestas de los años cincuenta. Fuente: Internet.

Tramo final del concierto

Durante la segunda parte del concierto sonaron los temas más aclamados por los asistentes. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Lo cierto es que el experimento musical que Santiago Auserón está llevando a cabo acompañado por distintas bandas sinfónicas locales no está exento de riesgo. En la actuación de Madrid pudo comprobarse la compenetración y admiración mutua que existe entre el cantante y los músicos de la orquesta, dirigida por el carismático Rafael Sanz-Espert. Unos músicos a los que Auserón alabó y sin los cuales la adaptación de temas universalmente insertos en la memoria colectiva no hubiera resultado tan exitosa. Aunque no siempre se puede contentar a todos: “mis seguidores más roqueros no entienden el proyecto sinfónico, ni los de Juan Perro que vuelva al rock indie. La curiosidad musical, la emoción y el atractivo de las sensaciones sonoras me pueden. Si lo hiciese sólo por dinero, habría respondido a alguna de las muchísimas propuestas que ha habido de rehacer Radio Futura”, asegura Auserón (El Mundo. 21.07.2017).

 →Vídeo. Santiago Auserón interpreta “No más lágrimas” en el Auditorio Pilar García Peña de Madrid. Fuente: You Tube.

Auserón evitó abordar en profundidad la etapa de Radio Futura, a pesar de que la mayoría de los asistentes esperaba escuchar algún tema de la banda de rock que lo hizo célebre y reconocido en la década de los ochenta. Sobre una posible reunión del grupo, el cantante no la descarta, pero la ve poco probable: “la única razón que podría llevar a una reunión sería que los miembros fundadores tuviesen ganas de hacerlo y, después de la desaparición de Enrique Sierra, ya hay un elemento muy complicado” (El Mundo. 21.07.2017).

Sin nostalgia, las canciones de Radio Futura fueron salpimentando el concierto hasta llegar a los bises: “bueno, un recordatorio de antaño”, anunció justo antes del final. Posteriormente sonó de forma improvisada “El desterrado”, un sencillo del último trabajo de Juan Perro, “El viaje”, cerrando así el círculo antes de que una larga y cerrada ovación entre público y músicos pusiera fin a la esperada cita.

→Vídeo. Último tema antes de los bises: “El canto del gallo” de Radio Futura en versión sinfónica. Fuente: You Tube.

+ info:

Cartel actuación Santiago Auserón Madrid 2017

Cartel de la actuación de Santiago Auserón en Madrid. Fuente: Facebook Santiago Auserón.

→Santiago Auserón en concierto con la Banda Sinfónica Municipal de Madrid. 21 de junio de 2017. Auditorio Pilar García Peña. Madrid.

→Duración: 1:40 horas. De 21:20 a 23:00 horas. El concierto tuvo que retrasarse 20 minutos debido a las largas colas de asistentes que aun rodeaban el auditorio a las 21:00, la hora de inicio prevista. El problema se hubiera resuelto si las puertas de entrada se hubieran abierto con suficiente antelación y no a las 20.50 horas.

→Setlist: 01. Río Negro. 02. Duerme zagal. 03. Pies en el barro. 04. La misteriosa. 05. Reina Zulú. 06. El mirlo del pruno. 07. No más lágrimas. 08. Obstinado en mi error. 09. Moon River (de Henry Mancini). 10. Fonda de Dolores. 11. Annabel Lee. 12. La negra flor. 13. El canto del gallo. Bises: 14. El desterrado. 15. La mala fama.

→Galería de fotos del concierto de Santiago Auserón en el auditorio Pilar García Peña.

→Santiago Auserón está de gira por España promocionando “El viaje”, su último trabajo discográfico firmado como Juan Perro, un álbum acústico de canciones compuestas entre 1997 y 2005 y grabado únicamente con voz y guitarra. La gira, que abarcará todo el año 2017, se alterna con actuaciones estelares junto a bandas sinfónicas de distintas ciudades de la geografía española y la participación en festivales de música indie como el Sonorama, que tendrá lugar del 10 al 13 de agosto en Aranda de Duero (Burgos).

→Vídeo. “Los inadaptados”, tema perteneciente al último trabajo de Juan Perro, “El viaje”. El tema está inspirado en la película “The Misfits” (Vidas rebeldes), última película en la que participó Marilyn Monroe, dirigida por John Huston en 1961. Fuente: You Tube.

Aero-Vederci, Aerosmith

30 Jun

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Aerosmith en Madrid, 2017

Aerosmith en el concierto que la banda dio en el Auditorio Miguel Ríos en Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Aerosmith son muy grandes. Ya lo eran en los setenta, ochenta y noventa y ayer noche en Madrid demostraron que lo siguen siendo también en el nuevo milenio. La banda de Boston volvió a reencontrarse con sus seguidores de la capital tras veinte años de ausencia y como presunta despedida de sus fans tras más de cuarenta años de envidiable carrera musical.

El inicio de una larga despedida

Ya lo anunciaron el año pasado en un vídeo muy de su estilo: “Aero-Vederci baby”, echamos el cierre que esto se acaba. Y Steven Tyler lo confirmó más tarde en el programa de radio de Howard Stern. Pero antes una última gira mundial. La de despedida. O no, quien sabe. Porque The Who llevan despidiéndose de sus fans desde 2014 y todavía siguen dando conciertos por el mundo. Y de Kiss se podría decir otro tanto.

Aerosmith iniciaron su gira europea de despedida el pasado 17 de mayo en Israel. Y oficialmente, el último concierto en la historia de la banda tendría que celebrarse el 8 de julio en Tenerife (España). Pero no parece que las cosas vayan a transcurrir de esa manera porque de momento Aerosmith estarán a finales de verano en el festival Rock in Río tocando junto a otros grandes del rock. El guitarrista Joe Perry no quiere ni oír hablar de un último concierto: “no puedo imaginar el último concierto de Aerosmith, pero estamos en el final de nuestra carrera, así que ¿quién sabe cuánto puede durar?” (The Arizona Republic. 25.03.2017).

→Video. Parodia en la que Aerosmith anuncian el inicio de su gira por Europa “Aero-Vederci”. Fuente: You Tube.

La cita más esperada

El fin de fiesta de una banda tan grande como Aerosmith no está defraudando a nadie. Y el concierto de Madrid no fue una excepción. Dos teloneros de lujo a falta de uno –Alter Bridge y Eclipse-, un intenso espectáculo musical que tiene bastante de teatral y más de 30.000 seguidores reunidos en Rivas (Madrid) con mucha guasa y ganas de diversión. Y eso a pesar del frío pelón que hizo tiritar hasta al mismísimo Steven Tyler:“It´s fucking cold!” se lamentó el líder de Aerosmith ante una audiencia congelada bajo un cielo plomizo a 16 grados de temperatura.

Público en Rivas

Público asistente al concierto de Aerosmith en Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Aerosmith son una banda generosa. Cedieron su escenario y sus recursos técnicos a sus teloneros quienes, a diferencia de otros conciertos multitudinarios, gozaron de la atención y el favor del público desde el primer momento. La banda de Myles Kennedy triunfó especialmente entre el respetable, quien más que a un concierto estelar, parecía estar asistiendo a un festival de rock en toda regla.

→Vídeo. La banda sueca Eclipse salió puntual al escenario a las 19:00. Entre otros temas tocaron “The Downfall of Eden”. Fuente: You Tube.

Alter Bridge

La banda de rock Alter Bridge en el escenario del auditorio Miguel Ríos. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Myles Kennedy posee una de las mejores voces de hard rock del panorama musical actual. Un talento que ha puesto al servicio de Alter Bridge, una banda sólida y solvente que logró conectar plenamente con el público durante la hora exacta que duró su actuación. Al finalizar, Kennedy y su grupo firmaron camisetas, repartieron setlists y regalaron púas a mansalva entre los privilegiados de las primeras filas.

→Vídeo. Alter Bridge interpretan “Blackbird” en el auditorio Miguel Ríos. Fuente: You Tube.

→Vídeo. Alter Bridge tocan “Show me a leader” ante un público entregado en Rivas. Fuente: You Tube.

Aerosmith

Dos décadas sin prodigarse por Madrid es mucho tiempo. Algunos ya casi habían perdido la esperanza de volver a ver a Aerosmith en directo desde la última vez que tocaron en 1997, en la exitosa época de Get a Grip y Nine Lives, durante el segundo renacer de la banda.

La expectación, por consiguiente, era máxima y la experiencia podría haber sido perfecta si no fuera por el atroz sonido del vetusto auditorio donde se celebró el show, un lugar prefabricado en medio de la nada, de difícil acceso y anticuado como pocos que no se merece en absoluto una banda de la talla de Aerosmith. Está claro que el auditorio Miguel Ríos no es el Hollywood Bowl, aunque algunos lo pretendan.

A las 22:10, con diez minutos de retraso sobre el horario previsto, las pantallas comenzaron a emitir la trayectoria de la banda en un microdocumental con imágenes. El preludio de un show más analógico que digital, que apostó claramente por las técnicas clásicas de realización televisiva en su retransmisión. Aerosmith aparecieron en el escenario dos minutos después entre el griterío generalizado del público.

Aerosmith saltan al escenario

Salida al escenario de Aerosmith en el concierto de Madrid. Fuente: http://www.20minutos.es (Licencia CC).

Steven Tyler demostró porqué sigue siendo una figura del rock admirada y respetada. Con 69 años nadie le tose encima. Conserva intacta la voz desgarrada, el carisma y la más que discutible estética setentera que sigue luciendo dentro y fuera de los escenarios. Aunque él puede permitírselo. Todo: porque Tyler se mostró gamberro, seductor, disfrutón, irreverente y hasta escatológico (mocos, eructos, tragos de cerveza regurgitada sobre el escenario y más). Lástima que su personalísima voz quedara reducida a un eco de la realidad por la deficiente acústica del recinto -incluso en la zona central-, hasta el punto de sonar igual con micrófono que con megáfono.

Steven Tyler. Madrid

Steven Tyler aseguró la diversión en el concierto que su banda dio en Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Joe Perry, que no le anda a la zaga aunque es más discreto y estiloso (apareció vestido con sombrero y abrigo monacal a lo Keanu Reaves/Neo en Matrix), dio una clase magistral de guitarra. Poses clásicas de estrella del rock, solos de guitarra bajo los focos, temas cantados en solitario, baños de multitudes entre las primeras filas, en definitiva que Perry, colíder de la banda, disfruta de lo lindo sobre el escenario y además se le nota.

Joe Perry. Madrid

Joe Perry en un momento estelar. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Sin desmerecer al bajista Tom Hamilton, al segundo guitarrista Brad Whitford y al batería Joey Kramer, que por algo llevan casi medio siglo tocando juntos por encima de peleas y reconciliaciones. Por cierto que Kramer fue el que más aplausos se llevó del público al final del concierto.

Joey Kramer. Madrid

El batería de Aerosmith Joey Kramer en un momento del show en Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

En una gira de estas características, la gente espera escuchar grandes hits, algún tema inédito de los inicios y poco más. Sobre todo teniendo en cuenta que el último disco que la banda sacó al mercado (Music from another dimention) fue en el año 2012 y que en su día ya hubo gira de presentación. Pero ya lo avisó Steven Tyler tras finalizar el tramo de la gira por Sudamérica: “la banda está imparable ahora mismo y en Europa vamos a hacer lo que mejor sabemos: dejar que hable la música y vivir al límite”.

Y tenía razón porque el repertorio fue ecléctico, algo sorprendente y muy potente. Sonaron los esperados éxitos de los setenta, ochenta y noventa (Dude (Looks like a lady), Eat the rich y Cryin´), pero también cinco versiones que bordaron (en especial el Come together de los Beatles y Remember (Walking in the sand) de The Shangri-Las, que volvieron a tocar en directo por primera vez desde el año 2000). Triunfó la música sin apenas alardes pirotécnicos y con gran ambientación (humo, confeti, piano de cola y el efecto ventilador, obra de la propia meteorología).

→Vídeo. Primer tema del concierto: “Let the music do the talking” (Aerosmith, Madrid 2017). Fuente: You Tube.

→Vídeo. El clásico “Dude (Looks like a lady)” suena a pleno gas en el auditorio Miguel Ríos. Fuente: You Tube.

→Vídeo. “Eat the rich” seguida de otro clásico de Aerosmith, “Cryin´” (Madrid, 2017). Fuente: You Tube.

Aerosmith Madrid

Aerosmith interpretando “Remember (Walking in the sand”) con Steven Tyler tocando la armónica (Madrid, 2017). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Sí se echaron de menos temas muy esperados como Janice´s got a gun, Shut up and dance y The Other Side en una actuación que quedó reducida a menos de dos horas por la inclemente temperatura que impidió a Steven Tyler terminar de interpretar Angel, a petición del público y al piano (voz y manos se le quedaron agarrotadas a medio tema) y que se transformó hábilmente en introducción de la espectacular Dream On.

Steven Tyler. Dream On.

Steven Tyler interpreta al piano “Dream On”, un clásico de 1973 que no ha envejecido (Madrid, 2017). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→Vídeo. Fragmento de “Angel” seguida  por “Dream On” en un mano a mano entre Steven Tyler y Joe Perry (Madrid, 2017). Fuente: You Tube.

→Vídeo. En el concierto de Aerosmith no podía faltar “I don´t want to miss a thing”, tema central de la película Armageddon (Madrid, 2017). Fuente: You Tube.

Sin tufo a naftalina, en plena forma y con las pilas cargadas Aerosmith pusieron punto final a casi dos horas de concierto con Mother PopCorn (una versión de James Brown) y Walk this way. Unos bises que supieron a poco y que los fans no quisieron interpretar como un adiós sino más bien como un “hasta la vista”.

¿Despedida de los escenarios?

Si Steven Tyler está en plenas facultades físicas y vocales, Joe Perry no se quiere retirar y el resto de miembros de la banda le secundan, ¿qué necesidad hay de ir provocando crisis cardíacas entre los fans? Se sabe que el pasado año Steven Tyler estuvo presentando su disco de country en solitario y que Joe Perry sigue en activo con su proyecto de banda alternativo, The Hollywood Vampires. Por ello nos preguntamos si de verdad estamos ante la gira de despedida definitiva de los escenarios de Aerosmith o si por el contrario, están siguiendo la estrategia de los toreros: hoy me retiro pero pasado mañana volveré.

Posiblemente ni ellos mismos lo sepan. Aunque se intuye que la banda ha querido darse un homenaje por tantos años de carrera y compartirlo con sus fans: “estamos haciendo una gira de despedida pero solo porque tocaba. No lo habíamos hecho nunca hasta ahora”, afirmaba Steven Tyler en el programa de Howard Stern (2016). Una idea que comparte el primer guitarrista Joe Perry: “vamos a ir a todos los sitios en los que hemos tocado y descubrir aquellos en los que nunca hemos estado. Siempre hay países nuevos a los que ir. ¿Es este el último tour? No lo sé, pero creo que no” (The Arizona Republic. 25.03.2017).

Esperemos que no lo sea, por el bien de la música y la salud mental de los fans. Aero-Vederci, Aerosmith.

+ info:

Aerosmith en cifras:

Aerosmith. Madrid. Rivas

Aerosmith en el concierto que dieron en Madrid (2017). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→La banda se formó en Boston en 1970, por lo que llevan 47 años de carrera. Steven Tyler se vanagloria de ser la única banda formada en los setenta que ha mantenido su formación original sin cambios.

→La media de edad de sus integrantes es de 66,4 años. El guitarrista rítmico Brad Whitford es el más joven con 65 años y Steven Tyler el mayor con 69.

→Aerosmith han editado 33 álbumes, entre discos de estudio, directos y recopilaciones. Por ellos han ganado cuatro premios Grammy, ocho American Music Awards, seis premios Billboard y 12 premios MTV. En el año 2001 fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame.

→La banda de rock ha salido de gira por el mundo en 29 ocasiones. Según declaraciones del guitarrista Joe Perry, tras aplazar el tramo norteamericano de su actual gira Aero-Vederci, la banda podría aprovechar el otoño para proyectar un nuevo disco.

→Aerosmith han vendido más de 100 millones de discos a lo largo de su trayectoria como banda de rock y han ganado 95 discos de oro, platino y multiplatino de la Record Industry Association of America, el mayor número registrado por una agrupación musical en la historia.

cartel gira Aero-vederci baby

Cartel de la gira europea de Aerosmith Aero-Vederci y del concierto de Madrid. Fuente: Internet.

Setlist del concierto de Aerosmith en Madrid:

01.Let the music do the talking. 02. Nine Lives. 03. Love in an Elevator. 04. Livin´ on the Edge. 05. Rag Doll. 06. Falling in love (Is Hard on the Knees). 07. Stop Messin´around (versión de Fleetwood Mac). 08. Oh Well (versión de Fleetwood Mac).09. Remember (Walking in the Sand) (versión de The Shangri-Las). 10. Sweet Emotion. 11. I Don´t want to miss a thing. 12. Come togheter (versión de The Beatles). 13. Eat the Rich. 14. Cryin´.15. Dude (Looks like a lady).

Bises: 16. Angel (Introducción fragmentada). 17. Dream On. 18. Mother Popcorn (versión de James Brown). 19. Walk this way.

 

Concierto de Guns´N´Roses en Madrid

5 Jun

En imágenes

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Guns´N´Roses saltaron al escenario del Vicente Calderón con “It´s so easy”.

Guns´N´Roses saltaron al escenario del Vicente Calderón con “It´s so easy”. Fuentes: Internet y Samia Benaissa Pedriza.

Pocas bandas pueden presumir de repertorio como Guns´N´Roses. Dos décadas sin estrenar un disco podrían resultar demasiado para cualquier otra banda de rock que solo se reúne por la pasta (exceptuando a los Rolling Stones). Pero no es el caso de los Guns que anoche ofrecieron un apabullante concierto en el estadio Vicente Calderón de Madrid con solo dos discos de 1987 y 1991 (Chinese Democracy no cuenta). Todo lo bueno de la banda angelina y poco o nada de lo malo se pudo ver y disfrutar ayer en otra cita musical histórica para la capital madrileña.

Los teloneros

La banda sigue presentando grandes bandas de acompañamiento en sus giras mundiales. El primer telonero, Tyler Bryant and The Shakedown salieron al escenario a las 19:30. Mientras Bryant levantaba los ánimos de un estadio aun a medio llenar, las colas en los accesos de entrada, en los baños y en las barras de bar recorrían el interior y el exterior de un Calderón blindado por la policía.

→Vídeo. Actuación de los teloneros Tyler Bryant and The Shakedown (tema: “Don´t mind the blood”). Fuente: You Tube.

Mark Lanegan, excantante de los Sreaming Trees, también salió puntual al escenario. A las 20:20 The Mark Lanegan Band dio comienzo a un repaso de temas de primer orden, entonados con esa voz rasposa marca de la casa y a los que solo el público de las primeras filas parecía prestar atención. Pero lo cierto es que Lanegan ofreció una dignísima actuación, al igual que Bryant.
→Vídeo. Mark Lanegan, segundo telonero de los Guns´N´Roses en Madrid. (tema: “Death´s head tatoo”). Fuente: You Tube.

Guns´N´Roses
A las 21:18 las pantallas del escenario del nuevo tour de los Guns´N´Roses se encendieron mostrando animaciones que anunciaban el inminente inicio del concierto. El adelanto sobre la hora de inicio anunciada (21:30) pilló a los asistentes desprevenidos y más que sorprendidos teniendo en cuenta los numerosos antecedentes sobre retrasos y cancelaciones de la banda en el pasado.

→Vídeo. Guns´N´Roses saltan al escenario con “It´s so easy”. Fuente: You Tube.

→Vídeo. “Chinese Democracy” fue el tercer tema del setlist interpretado por Guns´N´Roses. Fuente: You Tube.

Axl Rose
El icónico vocalista de los Guns´N´Roses no ha perdido (casi) sus excelentes capacidades vocales. Tampoco su actitud chulesca y desafiante, aunque se haya atemperado algo con el paso del tiempo. Axl nos regaló miradas maliciosas, sonrisas malévolas y un tocamiento de entrepierna como si todavía tuviera veinte años. Las mujeres del público aun le gritaban “guapo” y los hombres “guapa”, lo que demuestra que la envidia es un sentimiento colectivo y no privativo del sexo femenino.

 Axl Rose sobre el escenario del Calderón

Las cámaras pincharon constantes primeros planos de Axl Rose sobre el escenario del Calderón. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Axl Rose con bufande del Atlético de Madrid

Axl Rose se puso una bufanda del Atlético de Madrid que la peña de fútbol heavy “Sons of Atleti” le lanzó desde el foso. Fuente: Internet.

Axl Rose demostró que está hecho un showman de cuidado y que no ha olvidado cómo se conquista a una audiencia dándole una de cal y otra de arena. El señor Rose efectuó además siete cambios de vestuario (tiene una reputación que mantener), una cifra solo superada por el número de cambios de guitarra de su compañero Slash.

→Vídeo. Con “Welcome to the Jungle” Axl Rose volvió a demostrar quien manda. Le sigue “Double talkin jive” en la que comparte reinado con Slash a la guitarra.

Axl Rose toca el piano en “November Rain”

Axl Rose toca el piano en “November Rain” en el tramo final del directo. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Axl Rose interpretando magistralmente “Don´t cry”

Axl Rose interpretando magistralmente “Don´t cry”, el primer bis del concierto. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Slash

Sigue siendo uno de los mejores guitarristas de la historia del rock, aunque a veces se equivoque. Pero es tan virtuoso con las seis cuerdas que hace que resulte fácil lo difícil. Los primeros planos de los dedos de Slash recorriendo su Gibson parecían querer decir “ahí queda eso”. Impresionante también su solo de guitarra en la versión del tema de El Padrino, un clásico en los setlists de la banda.

La guitarra de Slash

Primer plano de la guitarra de Slash. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→Vídeo. Solo de Slash en el escenario del Calderón. Fuente: You Tube.

→Vídeo. Slash encadena el tema de El Padrino con “Sweet Child o´mine”. Fuente: You Tube.

En el escenario Slash iba pidiendo y dando guerra (“Sex” rezaba su camiseta sin mangas) aunque no pudiera con los kilos. Otro que tocó y se movió como en los noventa y que al final hizo incluso el pino puente (literalmente) ante un público boquiabierto.

Slash solo

Slash en una actuación estelar. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Duff McKagan

El bajista de los Guns´N´Roses no siempre ha sido un tipo con clase estilísticamente hablando (cuánto daño hicieron los peinados cardados y oxigenados de los ochenta), pero es el que mejor lleva el paso del tiempo. En excelente forma física, sin estridencias y siempre en su lugar, McKagan demostró ser todo un profesional muy querido por el público. Tuvo sus momentos de gloria con el respetable y hasta cantó un tema en solitario (Attitude) que le venía como anillo al dedo. Sabemos que se lleva mejor con Slash que con Axl pero en el concierto ni se notó.

El bajista Duff MacKagan

El bajista Duff McKagan conquistó al público del Vicente Calderón. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Duff MacKagan

Duff McKagan disfrutando sobre el escenario del Calderón. Fuente: Internet.

El escenario

Luces, pirotecnia, confeti, pantallas gigantes en HD y una versión renovada del universo cómic metalero son los elementos visuales sobre los que se sustenta la gira Not in this lifetime de los Guns´N´Roses. Una gira que se ha ido haciendo más y más grande conforme ha ido aumentando el número de conciertos contratados. Totalmente acorde con los nuevos tiempos pero conservando intacto el espíritu gamberro de la mítica banda de Los Ángeles.

Fondo escenario

Cada tema interpretado es reforzado por un fondo digital animado de tipo conceptual. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Fondo escenario

Las llamadas de atención visuales se sucedieron a un ritmo trepidante a lo largo de todo el concierto. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Paradise City

Fuegos artificiales sobre el escenario del Vicente Calderón. Fuentes: Internet y Samia Benaissa Pedriza

→Vídeo. Apoteósico final del show con una incendiaria “Paradise city”. Fuente: You Tube.

+ info:

Panorámica del concierto de Guns´N´Roses

Panorámica del concierto de Guns´N´Roses en Madrid (2017). Fuente: Twitter de la banda.

Not in this life time tour. Concierto de Guns´N´Roses celebrado el 4 de junio de 2017 en el estadio Vicente Calderón de Madrid.

→Duración: de 21:18 a 00.10 (2 horas y 52 minutos). La banda comenzó su actuación 12 minutos antes de lo previsto.

→Aforo: 55.000 personas llenaron por completo el estadio Vicente Calderón en la última gran cita del hard rock internacional antes de ser derribado. Las entradas para el concierto de Madrid se agotaron a las siete horas de ser puestas a la venta el 9 de diciembre de 2016.

 

Vista del estadio Vicente Calderón desde la posición de Frank Ferrer

Vista del estadio Vicente Calderón desde la posición de Frank Ferrer, el solvente batería que acompaña a Guns´N´Roses en su nueva gira mundial. Fuente: Twitter de la banda.

→ Set list del concierto de Guns ´N´Roses en Madrid. Estadio Vicente Calderón. 4 de junio de 2017:

01.It´so easy. 02. Mr. Brownstone. 03. Chinese Democracy. 04. Welcome to the Jungle. 05. Double talkin´jive. 06. Better. 07. Estranged. 08. Live and let die. 09. Rocket Queen. 10. You could be mine. 11. Attitude (tema de The Misfists). 12. This I love. 13. Civil War. 14. Black Hole Sun (tema de Soundgarden, dedicado a la memoria de Chris Cornell), 15. Coma. 16. Solo de Slash/Speak softly love (tema compuesto por Nino Rota para la banda sonora de El Padrino). 17. Sweet child o´mine. 18. Out ta get me. 19. Whish you were here (tema de Pink Floyd). 20. Layla (tema de Derek & The Dominos). 21. November rain. 22. Knockin on heaven´s door. 22. Nightrain. Bises: Don´t cry. 23. The seeker (tema de The Who). 24. Patience. 25. Paradise city.

→Guns´N´Roses son una de las bandas que más versiones de otros artistas incluyen en sus shows en directo. En el concierto de Madrid tocaron ocho versiones:

→Vídeo. Guns ´N´Roses interpretan la versión de Bob Dylan “Knocking on heaven´s door”, incluida en su disco doble Use your Illusion II. Fuente: You Tube.

Fin de fiesta y despedida de la banda

Fin de fiesta y despedida de la banda del público del Calderón. Fuente: Internet.

Homenaje a Chris Cornell

26 May

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Chris Cornell en directo

Chris Cornell, líder de Soundgarden, durante una actuación en directo. Fuente: Internet.

Una semana después del inesperado adiós de Chris Cornell son muchos los artistas que continúan rindiendo homenajes a quien fuera el carismático frontman de Soundgarden. Metallica, Megadeth o Aerosmith han dedicado o interpretado canciones de Chris Cornell en sus respectivos shows en directo. Pero el líder de Soundgarden y de Audioslave también tuvo el privilegio de ser admirado y respetado en vida por artistas de la talla del gran Johnny Cash o de la mítica banda de grunge Pearl Jam.

Johnny Cash

En 1996, “El hombre de negro” versionaba “Rusty Cage”, un tema  metalero de Soundgarden incluido en el álbum Badmotorfinger, publicado por la banda en 1991. Fue Rick Rubin, productor de bandas como Rage Against the Machine o los Red Hot Chili Peppers quien le insistió a Cash para incluir el cover en su nuevo disco Unchained (1996). Con la versión soft de “Rusty Cage” Johnny Cash fue nominado a la mejor actuación masculina de country en los Grammy de 1997.  Y Unchained obtuvo el Grammy al mejor álbum de country del año.

→Versión acústica de “Rusty Cage” (Badmotorfinger, 1991), tema de Soundgarden interpretado por Johnny Cash en 1996.

Pearl Jam

En el año 2011 Pearl Jam celebraban sus veinte años como grupo. Todo un logro que la exitosa formación quiso celebrar con una gira por los escenarios de medio mundo. En aquel año, de la escena musical de Seattle solo quedaban dos líderes supervivientes: Eddie Vedder y Chris Cornell. Andrew Wood, Kurt Cobain y Layne Staley se habían suicidado o fallecido a consecuencia de las drogas. Por ello no resultaba extraño que Eddie Vedder quisiera recordar junto a Chris Cornell  los gloriosos tiempos de Temple of the Dog, aquella superbanda formada en 1990 por integrantes de Pearl Jam y de Soundgarden y en la que ambos militaron durante un tiempo. “Antes de conocer a Chris Cornell no sabía cuánto iba a influir en mi vida y en mi visión de la música y de la amistad” decía de su amigo un agradecido Eddie Vedder antes de interpretar a dúo  “Hunger Strike”:

→”Hunger Strike”, sencillo de Temple of the Dog (Temple of the Dog, 1991). Interpretada en directo por Pearl Jam y Chris Cornell en 2011. Fuente: You Tube.

Soundgarden: última parada

Soundgarden se separaron en 1997 cuando el grunge comenzaba a dar señales de agotamiento, tras más de un lustro de reinado en las emisoras de radio y televisión más comerciales. Las diferencias sobre el rumbo estilístico que la banda debía tomar en vísperas del nuevo milenio no pudieron ser superadas y la banda de disolvió para poner en marcha otros proyectos personales.

Chris Cornell se unió a los excomponentes de Rage Against the Machine para formar otra superbanda, Audioslave (2001-2007) mientras seguía componiendo álbumes en solitario, algunos con más pena que gloria (véase su colaboración con Timbaland), otros con rotundo éxito de crítica y público. En 2006 compuso el tema principal de Casino Royale, la primera película en la que Daniel Craig interpretaba al nuevo y discutido James Bond. Pero no era la primera vez que Chris Cornell componía para el cine: en 1992 editó dos temas que se incluyeron en la banda sonora de Singles, otra película representativa de todo un estilo de vida, el de la famosa generación X.

→”Seasons”. Canción incluida en la banda sonora de Singles (1992), compuesta por Chris Cornell. El tema es interpretado por el cantante en directo en el año 2007 en las AT&T Blue Room Sessions. Fuente: You Tube.

Soundgarden dieron una alegría a sus fans cuando decidieron reunirse en 2010. Subidos al carro de los retornos de las bandas míticas de los noventa, la formación editó un nuevo álbum de estudio, King Animal, en 2012. Desde finales de 2016 la banda se encontraba de gira por Estados Unidos, tocando en teatros y pabellones donde el contacto con el público es más cercano y directo.

Nada hacía presagiar que el concierto que el grupo dio el pasado 17 de mayo en Detroit fuese a ser el último de su carrera. Vocalmente, Cornell parecía estar algo bajo de revoluciones y verbalmente un poco más combativo de lo habitual, una actitud que cualquiera hubiera podido atribuir al cansancio propio de una gira. Pocas horas después de finalizar el show, Chris Cornell dejaba a sus fans conmocionados por su repentino fallecimiento.

→”My wave”, tema perteneciente al álbum de Soundgarden, Superunknown (1994) interpretado en el último concierto de la banda en el Fox Theatre de Detroit.

+ info:

Chris Cornell

Chris Cornell en una imagen promocional. Fuente: Internet.

→Chris Cornell (1964-2017) fue encontrado sin vida la noche del 17.05.2017 en su habitación de hotel en Detroit. Su guardaespaldas lo encontró inconsciente y tendido en el suelo del cuarto de baño con una cinta deportiva enrollada en el cuello. El guardaespaldas tuvo que derribar la puerta ya que el cantante se había cerrado por dentro.

→Basándose en las evidencias (el músico había introducido la cuerda por un mosquetón incrustado en el marco de la puerta) y las pruebas forenses, la policía calificó el deceso de muerte por suicidio.

→El cantante, que había superado una antigua adicción a las drogas y el alcohol, seguía desde hacía tiempo un tratamiento farmacológico para combatir la ansiedad y la depresión.

→Chris Cornell fue despedido en un funeral privado celebrado el 26.05.2017 en el cementerio de Hollywood Forever donde reposan ya sus restos cremados.

Sin música en televisión

14 Mar

Revista de prensa

→Artículo de opinión del periodista Diego A. Manrique, titulado Llegaron los bárbaros y publicado en Elpais.com el 13-03-2017.

Los presentadores de los programas musicales de los ochenta, Aplauso, Rockopop, Tocata y La Edad de Oro. .

De izda. a dcha. y de arriba abajo, los presentadores de los programas musicales de los ochenta, Aplauso, Rockopop, Tocata y La Edad de Oro. Fuente: RTVE.

Con Llegaron los bárbaros, Diego A. Manrique, Premio Nacional de Periodismo Cultural 2014, no anuncia la llegada de una horda de guerreros venidos del norte para conquistar territorios y sociedades culturalmente asentadas. Más bien al contrario, el acertado título del artículo que el afamado crítico musical publica en el diario El País, tiene que ver con otro tipo de invasión bárbara: la de la ignorancia y la banalidad de las nuevas generaciones de aspirantes a artistas musicales en el panorama televisivo español.

Y no solo eso. Diego A. Manrique también lamenta la ausencia de los programas musicales que hicieron historia cuando en España la pequeña pantalla todavía era una herramienta útil para informar, entretener y educar. Programas como Aplauso, La Edad de Oro o Rockopop recibían en sus escenarios a artistas consagrados, nacionales e internacionales, a los que sí, había que pagar, adular y promocionar. Ahora resulta más rentable producir talent shows, un subgénero del reality, donde anónimos candidatos a famosos se contentan con imitar a cualquier cantante popular y disfrutar por una sola vez de sus quince minutos de gloria.

Ni comentarios críticos, ni reportajes documentados, ni entrevistas a personalidades relevantes se emiten ya en televisión. Ni un bit de información musical. El periodismo cultural ha caído a temperaturas de menos cero. Y los programas musicales en televisión se han convertido en un género definitivamente extinto tras la época dorada de los años ochenta y noventa.

+ info:

Aplauso: fue el espacio musical de los ochenta más parecido a un talent show moderno. Se emitió semanalmente entre 1978 y 1983 en Televisión Española e incluía distintas secciones enfocadas al público infantil y adolescente, entre ellas una dedicada al humor, otra al baile moderno y otra a imitaciones de personajes famosos. A partir de 1981 se volvió más musical y pasó a emitirse desde la discoteca madrileña Joy Eslava. Su director y presentador inicial fue José Luis Uribarri, histórico periodista musical. Después llegaron María Salerno, Isabel Luque, José Luis Fradejas y las actrices Silvia Tortosa, María Casal y Adriana Ozores, entre otros. Por Aplauso pasaron The Jakson Five, ABBA, Kiss, The Ramones, Van Halen y AC/DC. Entre los nacionales, Tequila, Radio Futura, Leño y Obús formaron parte de una larga lista de artistas.

AC/DC en directo 1980

AC/DC interpretan “Highway to Hell” en el programa Aplauso en 1980. Fuente: RTVE.

Última actuación de Bon Scott en televisión

Fue la última actuación en televisión del cantante Bon Scott antes de fallecer nueve días después, el 19 de febrero de ese mismo año. Fuente: RTVE.

La Edad de Oro: la recientemente fallecida presentadora Paloma Chamorro dotaba de personalidad a este espacio musical emitido durante los años de la movida madrileña. Por el plató de La Edad de Oro pasaron Pedro Almodóvar y Fabio Mcnamara, Alaska y Dinarama o Los Smiths entre muchos otros. El programa se emitía la noche de los martes en la segunda cadena de Televisión Española. El programa rendía culto a las vanguardias culturales de principio de los años ochenta y alternaba reportajes con actuaciones en directo y entrevistas con los artistas en el plató. Se emitió entre 1983 y 1985.

The Smiths. La Edad de Oro

La Edad de Oro. Paloma Chamorro entrevista a Johnny Marr y Steven Morrisey, guitarrista y líder de The Smiths respectivamente. Fuente: RTVE.

Tocata: Por Tocata pasaron artistas de la talla de Tina Turner, Depêche Mode o Duran Duran aunque las actuaciones en directo estaban copadas por los grupos nacionales más importantes de la época. Se emitió semanalmente en Televisión Española entre 1983 y 1987 en horario de tarde y sus presentadores más populares fueron el periodista José Antonio Abellán y la presentadora Mercedes Resino. Con el tiempo fueron incorporándose otros profesionales como Ana Arce, Silvia Abrisqueta o la cantante Vicky Larraz. El programa emitía potentes vídeos musicales, reportajes y entrevistas con figuras internacionales. Las actuaciones alternaban el play back con el directo.

Miguel Ríos. Tocata

José Antonio Abellán entrevistando al cantante Miguel Ríos en Tocata Fuente: RTVE.

Rockopop: el programa se emitió entre 1988 y 1992 en Televisión Española. Su presentadora estrella fue la periodista Beatriz Pécker aunque también le acompañaban Paloma Serrano -a cargo de la lista de los discos más vendidos- y la también periodista Teresa Viejo. El espacio, emitido los sábados por la tarde, incluía entrevistas, reportajes, estreno de vídeos, actuaciones en directo y el repaso a la actualidad musical del momento. Rockopop recibió entre otros muchos a Cyndi Lauper, Milli Vanilli, R.E.M., Texas, Def Leppard, Mark Knopfler o Johnny Cash.

Paul McCartney. Rockopop

Entrevista de Beatriz Pécker a Paul McCartney el 4 de noviembre de 1989. Fuente: RTVE.

The Doors editan su primer álbum de estudio. 50 aniversario

4 Ene

Efeméride: 4 de enero de 1967

Autora: Samia Benaissa Pedriza

The Doors en Sunset Strip 1967

En 1967 The Doors editan su primer álbum de estudio. La banda posa en el Sunset Strip de Los Ángeles. Fuente: Internet.

El 4 de enero de 1967 Elektra Records publicó uno de los mejores álbumes de debut de la historia del rock. The Doors, compilación epónima de la banda angelina, incluía once temas rompedores no solo por su contenido sino también por su forma. Temas de más de tres minutos -el máximo permitido por las emisoras de radio de la época- que incluían letras y sonidos oscuros, eclécticos y alternativos en un momento en que la música popular parecía haber sido tomada por la “invasión británica” (Beatles, Kinks, Rolling Stones y compañía).

The Doors y su recién estrenada compañía de discos quisieron también innovar en la promoción del disco. El back cover del álbum se presentó en versión XXL en unas vallas publicitarias del Sunset Strip, una de las zonas más concurridas de Los Ángeles. Era la primera vez que un grupo de música obtenía el permiso para publicitarse en un formato reservado para otros fines comerciales.

El técnico encargado de realizar la tarea fue Bobby Klein, el primer fotógrafo oficial de la banda. Klein, de 74 años en la actualidad, aun recuerda que el cartel anunciador llegó a constituir un peligro real porque la gente colapsaba la vía provocando accidentes para contemplar algo que nunca antes se había visto.

Promoción de "Break on through".

Promoción del single “Break on through” en Sunset Strip. Fuente: Internet

sesión fotográfica de The Doors en Sunset Strip

The Doors en sesión fotográfica en Sunset Strip (Los Ángeles). Fuente: Internet.

Durante la sesión de fotos promocional, Klein afirma que los integrantes de The Doors adoptaron una actitud cooperativa y que Jim Morrison fue un personaje fácil de fotografiar. Eso a pesar de que los cuatro músicos tuvieran que escalar una montaña en invierno, encaramarse y posar en lo más alto de la valla publicitaria.

The Doors colocando su cartel promocional en L.A.

De izda. a dcha., Jim Morrison, Robby Krieger, John Densmore y Ray Manzarek colocando el cartel promocional de The Doors. Fuente: Internet.

 

The Doors en Sunset Strip.

The Doors en lo alto de la valla publicitaria que promocionaba su álbum homónimo de 1967. Fuente: Internet.

La elaboración de la portada de The Doors  corrió a cargo del fotógrafo Joel Brodsky. El técnico organizó una sesión de fotos en la que hizo posar a la banda sobre un inquietante fondo oscuro. Ray Manzarek, Robby Krieger y John Densmore parecían surgir de la nada en segundo plano, arropando a un joven Jim Morrison de 23 años que lucía su torso desnudo sin pudor, una imagen que de inmediato se convirtió en icónica.

Sesión fotográfica The Doors 1967

Tomas inicialmente descartadas en la sesión fotográfica del álbum The Doors (1967). Fuente: Internet.

A pesar de que Morrison no deseaba destacar sobre los demás, Brodsky no pudo evitar mostrarlo como una figura estelar. De hecho, el líder de The Doors aparece en muchas tomas descartadas con un instinto animal difícil de disimular. Sin embargo, en la contraportada se respetaron los deseos de Morrison de no aparecer en primer plano – lo ocupó el teclista Ray Manzarek- y hacerlo de perfil mientras sus compañeros posaban de frente.

Portada álbum The Doors (1967). Elektra Records

Portada del álbum homónimo “The Doors” de 1967 (Elektra Records).

El álbum de debut de The Doors se grabó en tan solo ocho días de agosto de 1966 en un estudio de Hollywood (Sunset Sound Recorders) con la ayuda del ingeniero de sonido Bruce Botnick y Paul A. Rothchild, el productor de cabecera de la banda hasta su disolución en 1971 (a excepción del álbum L.A. Woman). Bastaron tres pistas de sonido para crear uno de los álbumes más sorprendentes, relevantes e inspiradores de la historia de la música moderna.

+ info:

El primer disco que The Doors editaron en su carrera ha logrado vender más de veinte millones de copias desde 1967. Sin embargo, el reconocimiento y el éxito del álbum no fueron inmediatos. El primer sencillo del álbum, Break on through, un excelente latigazo que mezcla el rock con los ritmos latinos y la psicodelia no logró pasar de la posición 126 en el Billboard de singles americano. Hubo que esperar al lanzamiento de Light my fire, un tema compuesto por el guitarrista Robbie Krieger y que Jim Morrison odiaba interpretar, para que la banda alcanzase el número uno.

→Vídeo “Break on through”. The Doors (Elektra Records, 1967). Fuente: You Tube

 

El 4 de enero de 2017, los integrantes supervivientes de The Doors, Robby Krieger y John Densmore han participado en la celebración en Los Ángeles del “Día de The Doors”. El acto ha tenido lugar en la esquina de las avenidas Pacific y Windward en Venice Beach, en homenaje al lugar donde Ray Manzarek y Jim Morrison decidieron fundar la banda en el año 1965. En el evento también participaron familiares de los fallecidos Manzarek (1939-2013) y Morrison (1943-1971).

Dylan, el Nobel y la palabra en movimiento

18 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bob Dylan en su etapa eléctrica.

Bob Dylan a mediados de los sesenta en su etapa eléctrica. Fuente: Pete Townsend/Flickr (Licencia CC).

Los temas que Bob Dylan escribió en los sesenta han acabado convertidos en pura literatura gris que amenaza ahora con blanquearse tras la concesión del Premio Nobel de Literatura al célebre cantautor de Minnesota. La reacción del autor de Like a Rolling Stone ha sido paradójicamente explícita porque los cuatro días que lleva sin querer hablar con los miembros de la Academia sueca que concede los premios son más que elocuentes.

Que a Bob Dylan le concedan el galardón más importante con que se reconoce a los mejores escritores del mundo probablemente le resultará indiferente. Obviamente él siempre ha sido un hombre de letras, las de sus canciones protesta, el autor de inmensos versos airados por la injusticia social y el abuso de los poderosos. Temas universales que siguen, para bien o para mal, de plena actualidad. Dylan se ha alejado de la polémica entre los que no entienden el premio -los literatos y su ortodoxia- y los que lo celebran -no en vano es el primer cantautor que lo recibe en la historia de los Nobel-.

¿Por qué el género poético?

Que Bob Dylan haya resultado ganador del Nobel en esta última edición de los premios ha sido sorprendente no solo por tratarse de un músico sino porque su producción artística se encuentra más emparentada con el verso que con la prosa. Cuando Dylan estaba en el cénit de su carrera se animó a escribir una novela inspirada en los temas que centraban su música, pero el resultado no estuvo a la altura de las expectativas. La crítica destrozó Tarántula (1971) y su autor no volvió a retomar el puso a la narración hasta 2004 cuando se decidió a publicar sus memorias en Chronicles Volume I.

Lo cierto es que la poesía no ha resultado demasiado premiada por el comité que decide la concesión de los premios Nobel y en la actualidad sigue sin ser un género demasiado popular. Como apunta acertadamente el escritor Javier Marías, “puede que la poesía solo sobreviva como letras de canciones. En la medida en que las letras de canciones pueden ser poesía a veces” (Diario El País 16.02.2015). Si así fuese, Dylan sería sin duda el primero en llevarse todos los honores.

→Vídeo. El célebre Subterranean Homesick Blues, del quinto álbum de Dylan Bringing it all back home (1965). Fuente: Vevo/You Tube.

¿Por qué Dylan?

Bob Dylan es uno de esos autores privilegiados capaces de describir con naturalidad situaciones vitales con un torrente de palabras en movimiento. Su peculiar fraseo es claramente reconocible -a pesar de las imitaciones-, pero reconozcamos que sin la guitarra y la voz del genio nada adquiere un significado completo.

La Academia sueca lo valora por “haber creado nuevas expresiones poéticas en la gran tradición de la canción americana”. Algo que parece evidente para  todo tipo de públicos desde que Dylan es Dylan, aunque haya sido el álbum Blonde on Blonde (1966) el definitivo para la concesión del Nobel según afirma Sara Danius, Secretaria de la Academia. Un trabajo que surgió cuando el de Minnesota decidió poner punto y final a su etapa como máximo exponente de la canción protesta y de la contracultura en Estados Unidos.

No sé cómo escribí esas canciones. Me trato de sentar y escribir algo como eso. Lo hice alguna vez y puedo hacer otras cosas ahora, pero eso ya no lo logro“. (Bob Dylan, BBB World. 2004)

Lo que Dylan hizo en realidad fue introducir la intelectualidad en el folk, el rock y el pop. A mediados de los sesenta los poetas beat alcanzaron un presencia significativa en los círculos literarios estadounidenses y su influencia se extendió hasta la escena musical del momento y de los años inmediatamente posteriores. El mundo poblado de imágenes de escritores como Charles Bukowski y Jack Kérouac o poetas como Allen Ginsberg se plasmó en los versos que acabó coreando toda una generación. Como Dylan, también Jim Morrison escribió poesía en varios libros que fueron escasamente reconocidos. Leonard Cohen, otro grande, lo intentó como novelista y poeta pero fracasó igualmente y prefirió centrarse en escribir composiciones folk, mucho mejor recibidas por crítica y público.

Bob Dylan y Allen Ginsberg

Bob Dylan y el poeta “beat” Allen Ginsberg en 1975. Autora: Elsa Dorfman. Fuente: Wikipedia (Licencia CC).

Dylan fue el primero, pero después fueron llegando más, todos ellos influidos en mayor o menor medida por el original: Tom Waits, Patti Smith (“Bob Dylan era como Arthur Rimbaud en directo, pero en mi época. Le dio voz a tantas cosas: políticamente, poéticamente, tenía tanto magnetismo”), Nick Cave o Bruce Springsteen. Sobre Dylan,  Springsteen ha afirmado en su reciente autobiografía que le dio esperanzas porque “formulaba las preguntas que todos temían hacerse, en especial un chico de quince años: ¿How does it feel … to be on your own?”.

→Vídeo. Bruce Springsteen y Bob Dylan interpretan a dúo Forever Young, un tema de Dylan de 1974. Fuente: You Tube.

¿Por qué ahora?

Aunque secundemos a Joaquín Sabina, que opina que el Nobel le llega tarde a Bob Dylan, puede que la Academia sueca haya acertado en esta 109 edición de los premios al reconocer como género literario al arte de escribir canciones. Una expresión de la cultura popular del siglo XX que por fin alcanza el estatus que se merece. ¿O es que acaso los textos recitados o cantados con talento no dignifican las palabras? La veda se ha abierto con el maestro, Robert Allen Zimmerman. Esperemos que no haya que esperar otros cien años para sumar otro músico a la ilustre lista de premiados.

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A Bob Dylan se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en el año 2007 por ser un “mito viviente en la historia de la música popular y faro de una generación que tuvo el sueño de cambiar el mundo” y que “conjuga la canción y la poesía en una obra que crea escuela y determina la educación sentimental de muchos millones de personas”, según el jurado de la Fundación Príncipe de Asturias.

Dylan no asistió a la entrega de premios pero al contrario de lo que está ocurriendo con el Nobel, sí agradeció el premio con el siguiente comunicado: “Permítanme agradecer al Rey, al príncipe Felipe y a los españoles el haberme concedido el Premio Príncipe de Asturias. Soy consciente del enorme prestigio que este premio proporciona, así como también de la larga lista de ilustres galardonados. Es realmente un gran honor. Lamentablemente, no puedo estar ahí para recibir el premio en persona, pero espero regresar pronto a España para manifestar mi gratitud por este galardón“.

Bob Dylan no ha sido nunca galardonado con el premio Príncipe de Asturias de las Letras, de naturaleza fundamentalmente literaria y que sí obtuvo Leonard Cohen en 2011. El trovador canadiense donó 50.000 euros del premio para crear una cátedra en su nombre en la Universidad de Oviedo con la finalidad de crear “un lugar de encuentro entre la poesía y la música”.