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Exposición Brujas. Metamorfosis de Goya

18 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Maribel Verdú. El Aquelarre de Goya

La actriz Maribel Verdú participa en “El Aquelarre” de Goya gracias a la imaginación de Denise de La Rue. Autoría y Copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

 

La duquesa de Osuna

La duquesa de Osuna retratada por Francisco de Goya en 1785 (Imagen de dominio público).

En 1797, a Josefa Alonso de Pimentel, duquesa de Osuna, se le ocurrió decorar el gabinete de su casa de campo de El Capricho con una serie de cuadros sobre brujería y superstición. A finales del siglo XVIII la persecución de las brujas ya no era una costumbre propia de la Inquisición sino más bien una nueva moda surgida entre los literatos e ilustrados de la “villa y corte” de Madrid. La figura de las brujas fue satirizada por escritores y pintores de la época como el célebre Francisco de Goya y Lucientes, quien dedicó nada menos que tres series al tema: Asuntos de Brujas (por encargo de su mecenas, la duquesa de Osuna), los grabados Los Caprichos y las famosas Pinturas Negras.

Frente a la imagen de la bruja grotesca y decadente, objeto de las burlas de los intelectuales de finales del XVIII, la artista mexicana Denise de la Rue ha querido mostrar, tres siglos después, una visión luminosa del poder femenino en su serie fotográfica “Brujas”, inspirada en las seis obras de Goya que adornaron los muros del palacio de “El Capricho”. Las imágenes, de gran formato, se exponen ahora de forma temporal en otra residencia de lujo, el Palacio de Parque Florido, sede del Museo Lázaro Galdiano.

Palacio de El Capricho

Palacio “El Capricho” situado en el Parque del Capricho, en Madrid. Fuente: (Ayuntamiento de Madrid. http://www.madrid.es).

Cuatro fotografías retroiluminadas por cajas de luz destacan la presencia de las actrices españolas Maribel Verdú, Inma Cuesta, Adriana Ugarte y Bárbara Lennie. Las intérpretes Macarena García y Verónica Echegui aparecen en dos fotografías más en blanco y negro creadas a partir de tules. Todas ellas lucen vestidos de diseñadores españoles de vanguardia: Ana Locking vistió a Maribel Verdú y a Macarena García, Inma Cuesta se puso un traje de Cortana y Fernando Claro fue el responsable del estilismo de Verónica Echegui. Adriana Ugarte recurrió a Roberto Diz y Bárbara Lennie se puso dos trajes, uno de Alvarno y otro de Jorge Vázquez (en el vídeo).

Inma Cuesta. Brujas de Goya

Fotografía de la actriz Inma Cuesta, inspirada en la obra de Goya, “Las Brujas” (1797-1798). Autoría y copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Bárbara Lennie. Brujas de Goya

La actriz Bárbara Lennie sustituye en “El Hechizado por fuerza” a don Claudio, el sacerdote que creía estar embrujado en la comedia que escribió Antonio de Zamora en 1698 y en la que Goya se inspiró para pintar su cuadro homónimo. Autoría y copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Adriana Ugarte. Brujas de Goya

Adriana Ugarte es la nueva protagonista de “Vuelo de Brujas”, original pintado por Francisco de Goya. Autoría y copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Para crear su serie, De la Rue se inspiró en El Aquelarre y Las Brujas, obras de la colección permanente del Museo Lázaro Galdiano, así como en Vuelo de Brujas (o El dómine Lucas) del Museo del Prado y El Hechizado por fuerza (propiedad de la National Gallery de Londres). Las otras dos pinturas que formaron parte de la serie original pintada por Goya entre 1797 y 1798, La cocina de los brujos y El convidado de piedra (o Don Juan y el Comendador), tuvieron que ser reinterpretadas a partir de fotografías históricas ya que en la actualidad se encuentran en paradero desconocido. La serie “Asuntos de Brujas” se dispersó en 1896 y no ha vuelto a ser reunida.

Macarena García. Brujas de Goya

Macarena García en una nueva versión de “El Convidado de piedra”, pintura de Goya inspirada en la obra homónima del dramaturgo Antonio de Zamora publicada en 1700 sobre el mito de Don Juan. Autoría y copyright: Denise de la Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Verónica Echegui. Brujas de Goya

La actriz Verónica Echegui participa en la recreación de “La cocina de los brujos”, de Francisco de Goya. Autoría y copyright: Denise De La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La exposición incluye también un vídeo producido por Denise De la Rue y en el que la actriz ganadora de un Goya, Bárbara Lennie, da vida a la pintura “El aquelarre”.

Bárbara Lennie. Vídeo Brujas de Goya

Vídeo inspirado en la obra de Goya “El Aquelarre” (1797-1798), protagonizado por la actriz Bárbara Lennie. Goya se inspiró en el proceso de las Brujas de Zugarramurdi (1610), en el que se acusó a dos hermanas de asesinar a sus hijos para dar contento al diablo. Autoría y copyright: Denise de la Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

Cartel exposición Brujas de Goya

Cartel de la exposición “Brujas” en el Museo Lázaro Galdiano. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→ Exposición Brujas. Metamorfosis de Goya. Denise de La Rue. Hasta el 31 de octubre de 2017. Museo Lázaro Galdiano. C/ Serrano 122. Madrid.

→La exposición “Brujas” de Denise de La Rue es la continuación de la muestra “Ángelas”, que estuvo abierta al público hasta el 2 de abril de 2017 en la ermita de San Antonio de La Florida, lugar donde reposan los restos de Goya. De La Rue recreó cinco frescos del célebre pintor aragonés protagonizados por ángeles de sexo femenino. La artista mexicana también contó con la participación de cuatro actrices españolas y una colombiana: Michelle Jenner, Claudia Traisac, Anna Castillo, Natalia de Molina y Juana Acosta.

→Galería de fotos de la exposición “Ángelas”.

 

Juana Acosta. Angelas De La Rue

La actriz colombiana Juana Acosta posa para la exposición Ángelas” de Denise de La Rue. Fuente: Internet.

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El motel del voyeur, o la crisis de credibilidad del “nuevo periodismo”

6 Ago

Lecturas de verano

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Cubierta de “El motel del voyeur”,

Cubierta de “El motel del voyeur”, del periodista Gay Talese. Editorial Alfaguara. Fuente: Internet.

Lo peor que le puede suceder a un periodista es perder la credibilidad. El asunto se agrava cuando hablamos de un grande del “nuevo periodismo” –Gay Talese-,  que ha trabajado para el New York Times y cuyo talento se basa en analizar hechos, hechos y más hechos.

La publicación del último libro de Talese, “El motel del voyeur”, ha generado una polémica sobre la ética en el uso de las fuentes periodísticas pero también ha servido para visibilizar el contraste que existe entre las nuevas y las viejas formas de hacer periodismo.

En los años sesenta existían periodistas de la competencia gozosos por encontrar fallas que resquebrajasen historias ajenas, sobre todo si estas acababan convirtiéndose en exclusivas superventas. En la actualidad, ese trabajo se lleva a cabo por razones éticas por los equipos de fast-checking de las redacciones, que vienen a realizar el mismo trabajo solo que de forma más rápida y eficaz.

Talese siempre ha defendido el periodismo activo, el ir a buscar las fuentes de información, investigar y documentarse. Y afirma que lleva sesenta años haciendo el mismo trabajo: “no se hace periodismo con Google y por email”, asegura. También lamenta que ya no existan periodistas comprometidos como Woodward y Bernstein, los reporteros del Washington Post que destaparon el caso Watergate.

Pero resulta que a Talese le ha pasado por encima la apisonadora del actual periodismo de investigación y del fast-checking a sus 84 años de edad. Y es difícil determinar la manera en que un periodista experimentado como él ha podido dejarse manipular por una fuente de información que solo cuenta medias verdades. Precisamente Talese, que siempre se ha enorgullecido de contar historias reales sobre personas.

En “El motel del voyeur” el afamado periodista describe con su peculiar estilo aséptico las experiencias como “voyeur” de Gerald Foos, propietario de un motel en Denver (EE.UU.), desde 1966 hasta 1990.

Gerald Foos

Gerald Foos en el motel que regentaba en Denver en los años sesenta. Fuente: Internet.

Según iba escribiendo el libro Talese creía realmente que las historias que iba a contar eran “un experimento sobre la realidad, diferente a lo que vemos en esa farsa que es la telerrealidad” (abc.es. 25.03.2013). Entre ellas, las prácticas sexuales de los clientes del motel y hasta el presunto asesinato de una mujer que fue estrangulada en una de las habitaciones en 1977. Hecho no registrado en los registros públicos sobre crímenes cometidos en Colorado y que Talese no fue capaz de confirmar.

El motel Manor House

El motel “Manor House” donde presuntamente ocurrieron los hechos presenciados por Gerald Foos y narrados por Gay Talese en “El motel del voyeur”. Fuente: Internet.

Tampoco comprobó Talese otros hechos que debieran haber sido documentados como que Foos no fue propietario del motel hasta el año 1969 o que lo vendió en 1980. El autor de “El motel del voyeur” declaró que el fast-checker de The New Yorker presionó a su fuente sin obtener resultados satisfactorios. Y a pesar de ello, decidieron publicar un fragmento en exclusiva. Cuando el libro salió al mercado, las antenas de la competencia se pusieron a funcionar. El contenido era demasiado sabroso (delitos de omisión del socorro, complicidad en un asesinato, violación del derecho a la intimidad) y el diario The Washington Post fue el primero en ponerse a indagar.

Nada más salir a la luz los resultados de la investigación del Washington Post, Talese tuvo que disculparse. Por haber basado su relato en una única fuente de información y en un breve ejercicio de observación participante (el periodista afirma que pasó tres días espiando huéspedes junto al dueño del motel). También por no haber sabido contrastar debidamente los datos aportados por su informante al que pagó por revelar secretos.

Gay Talese.

El periodista estadounidense Gay Talese. Autor: David Shankbone (Licencia CC).

A pesar de lo controvertido del asunto, lo que se cuenta en “El motel del voyeur” no deja de tener un valor narrativo, siempre que se no se utilice un prisma periodístico para interpretarlo. Porque de lo contrario, el resultado solo sería el fruto de un árbol podrido. Una fabulación descrita con maestría, pero sin ningún viso de credibilidad. En definitiva, una ficción literaria totalmente alejada del género que Talese encumbró hace medio siglo y que aun se conoce como “nuevo periodismo”.

+ info:

→“El motel del voyeur” comenzó siendo un artículo que Gay Talese empezó a escribir en el año 2012 utilizando información guardada en sus archivos durante décadas. Talese afirma que fue ese año cuando su fuente le autorizó a contar su historia basada en las horas que Gerald Foos, presunto propietario de un motel de Denver, pasó espiando a sus huéspedes sin que estos lo supieran.

→Las expectativas fueron tan grandes que antes de que saliese a la luz el escándalo, Steven Spielberg llegó a comprar los derechos de autor de “El motel del voyeur” para realizar una futura adaptación cinematográfica.

→Fragmento (primeras páginas) de El motel del Voyeur. Gay Talese. Ed. Alfaguara. 2017.

Primer capítulo en inglés de El motel del voyeur. Fuente: The New Yorker.

Sin música en televisión

14 Mar

Revista de prensa

→Artículo de opinión del periodista Diego A. Manrique, titulado Llegaron los bárbaros y publicado en Elpais.com el 13-03-2017.

Los presentadores de los programas musicales de los ochenta, Aplauso, Rockopop, Tocata y La Edad de Oro. .

De izda. a dcha. y de arriba abajo, los presentadores de los programas musicales de los ochenta, Aplauso, Rockopop, Tocata y La Edad de Oro. Fuente: RTVE.

Con Llegaron los bárbaros, Diego A. Manrique, Premio Nacional de Periodismo Cultural 2014, no anuncia la llegada de una horda de guerreros venidos del norte para conquistar territorios y sociedades culturalmente asentadas. Más bien al contrario, el acertado título del artículo que el afamado crítico musical publica en el diario El País, tiene que ver con otro tipo de invasión bárbara: la de la ignorancia y la banalidad de las nuevas generaciones de aspirantes a artistas musicales en el panorama televisivo español.

Y no solo eso. Diego A. Manrique también lamenta la ausencia de los programas musicales que hicieron historia cuando en España la pequeña pantalla todavía era una herramienta útil para informar, entretener y educar. Programas como Aplauso, La Edad de Oro o Rockopop recibían en sus escenarios a artistas consagrados, nacionales e internacionales, a los que sí, había que pagar, adular y promocionar. Ahora resulta más rentable producir talent shows, un subgénero del reality, donde anónimos candidatos a famosos se contentan con imitar a cualquier cantante popular y disfrutar por una sola vez de sus quince minutos de gloria.

Ni comentarios críticos, ni reportajes documentados, ni entrevistas a personalidades relevantes se emiten ya en televisión. Ni un bit de información musical. El periodismo cultural ha caído a temperaturas de menos cero. Y los programas musicales en televisión se han convertido en un género definitivamente extinto tras la época dorada de los años ochenta y noventa.

+ info:

Aplauso: fue el espacio musical de los ochenta más parecido a un talent show moderno. Se emitió semanalmente entre 1978 y 1983 en Televisión Española e incluía distintas secciones enfocadas al público infantil y adolescente, entre ellas una dedicada al humor, otra al baile moderno y otra a imitaciones de personajes famosos. A partir de 1981 se volvió más musical y pasó a emitirse desde la discoteca madrileña Joy Eslava. Su director y presentador inicial fue José Luis Uribarri, histórico periodista musical. Después llegaron María Salerno, Isabel Luque, José Luis Fradejas y las actrices Silvia Tortosa, María Casal y Adriana Ozores, entre otros. Por Aplauso pasaron The Jakson Five, ABBA, Kiss, The Ramones, Van Halen y AC/DC. Entre los nacionales, Tequila, Radio Futura, Leño y Obús formaron parte de una larga lista de artistas.

AC/DC en directo 1980

AC/DC interpretan “Highway to Hell” en el programa Aplauso en 1980. Fuente: RTVE.

Última actuación de Bon Scott en televisión

Fue la última actuación en televisión del cantante Bon Scott antes de fallecer nueve días después, el 19 de febrero de ese mismo año. Fuente: RTVE.

La Edad de Oro: la recientemente fallecida presentadora Paloma Chamorro dotaba de personalidad a este espacio musical emitido durante los años de la movida madrileña. Por el plató de La Edad de Oro pasaron Pedro Almodóvar y Fabio Mcnamara, Alaska y Dinarama o Los Smiths entre muchos otros. El programa se emitía la noche de los martes en la segunda cadena de Televisión Española. El programa rendía culto a las vanguardias culturales de principio de los años ochenta y alternaba reportajes con actuaciones en directo y entrevistas con los artistas en el plató. Se emitió entre 1983 y 1985.

The Smiths. La Edad de Oro

La Edad de Oro. Paloma Chamorro entrevista a Johnny Marr y Steven Morrisey, guitarrista y líder de The Smiths respectivamente. Fuente: RTVE.

Tocata: Por Tocata pasaron artistas de la talla de Tina Turner, Depêche Mode o Duran Duran aunque las actuaciones en directo estaban copadas por los grupos nacionales más importantes de la época. Se emitió semanalmente en Televisión Española entre 1983 y 1987 en horario de tarde y sus presentadores más populares fueron el periodista José Antonio Abellán y la presentadora Mercedes Resino. Con el tiempo fueron incorporándose otros profesionales como Ana Arce, Silvia Abrisqueta o la cantante Vicky Larraz. El programa emitía potentes vídeos musicales, reportajes y entrevistas con figuras internacionales. Las actuaciones alternaban el play back con el directo.

Miguel Ríos. Tocata

José Antonio Abellán entrevistando al cantante Miguel Ríos en Tocata Fuente: RTVE.

Rockopop: el programa se emitió entre 1988 y 1992 en Televisión Española. Su presentadora estrella fue la periodista Beatriz Pécker aunque también le acompañaban Paloma Serrano -a cargo de la lista de los discos más vendidos- y la también periodista Teresa Viejo. El espacio, emitido los sábados por la tarde, incluía entrevistas, reportajes, estreno de vídeos, actuaciones en directo y el repaso a la actualidad musical del momento. Rockopop recibió entre otros muchos a Cyndi Lauper, Milli Vanilli, R.E.M., Texas, Def Leppard, Mark Knopfler o Johnny Cash.

Paul McCartney. Rockopop

Entrevista de Beatriz Pécker a Paul McCartney el 4 de noviembre de 1989. Fuente: RTVE.

World Press Photo 2017. Tomás Munita, fotógrafo de lo cotidiano

21 Feb

Una imagen o mil palabras

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Funerales de Fidel Castro.

Fotografía de la serie “Cuba al borde del cambio”. Una comitiva del Ejército Juvenil del Trabajo aguarda la llegada de los restos de Fidel Castro en Santiago de Cuba. Autoría y Copyright: Tomas Munita/The New York Times.

Una autopista hacia el cielo, un viaje a la nada o un aterrizaje forzoso en tierra de nadie. La imagen que Tomás Munita, ganador del último World Press Photo tomó durante los funerales de Fidel Castro pudo materializar cualquier producto de la imaginación, pero no. En la instantánea no hay más realidad que la que surge de la propia imagen y aun así la composición sugiere un universo de posibilidades. “El mundo que observamos habla en un lenguaje abstracto. Recogerlo en imágenes o en palabras, es una manera de ordenarlo y abrazar la belleza” afima Munita (Joia Magazine, 2010).

No es extraño que Munita plantee la exposición de un hecho histórico de forma tan artística porque a pesar de ser un fotógrafo de prensa posee una notable habilidad para captar emociones y transmitirlas al espectador. Sus trabajos en Oriente Medio, Asia y América Latina le sirvieron para entrenar el músculo sentimental y poder reflejar después situaciones visualmente dramáticas con una gran carga poética.

Según Stuart Franklin, presidente de la última edición del World Press Photo, lo que capta el objetivo de Munita “son imágenes que tienen poesía porque cuentan una historia, pero no de una manera obvia”.

El tiempo que Munita pasó en Cuba ha dado como fruto una serie fotográfica publicada en The New York Times y titulada “Cuba on the edge of change”, ganadora ahora del World Press Photo en la categoría de historias de la vida cotidiana. El mérito del fotógrafo en este caso reside en haber logrado extraer de una realidad infinitamente representada una visión cinematográfica y envolvente. Munita casi ha sido capaz de convertir a la Cuba de Fidel en el colorista y onírico mundo de Alicia en el país de las maravillas.

Fotografías de la serie “Cuba, al borde del cambio”:

Peluqiería en Cuba

La vida transcurre en una modesta peluquería cubana. Autoría y Copyright: Tomas Munita/The New York Times.

Mujer en un taxi (Cuba)

Una mujer comparte un taxi en Santiago de Cuba. Autoría y Copyright: Tomas Munita/The New York Times.

 

Estudiantes en los funerales de Fidel Castro

Autobús con estudiantes cubanos tras participar en el cortejo fúnebre de Fidel Castro en Las Tunas (Cuba). Autoría y Copyright: Tomas Munita/The New York Times.

+info:

Reportaje fotográfico completo: “Cuba on the edge of change”.

Tomás Munita

El fotógrafo chileno Tomás Munita.

Tomás Munita (Chile, 1975) es fotógrafo profesional desde los 17 años. Comenzó su trayectoria como fotógrafo de prensa en los diarios chilenos La Tercera y El metropolitano. Posteriormente fue corresponsal de la agencia de noticias Associated Press (AP). A lo largo de los años ha trabajado para varios medios de comunicación internacionales y en la actualidad es fotógrafo free lance para el prestigioso diario The New York Times.

Munita ha ganado el premio World Press Photo en tres ocasiones. Las dos primeras con los reportajes fotográficos que realizó en el año 2006 sobre el terremoto en Cachemira y la tercera en 2017 con la serie “Cuba on the edge of change”.

Página web de Tomás Munita.

El declive de Banderas, Cruz y Bardem en Hollywood

15 Ene

Revista de prensa

Crítica de cine publicada en la edición digital del diario ABC el 11 de enero de 2017 firmada por el periodista Luis Cano/ABC.

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Penélope Cruz, Antonio Banderas y Javier Bardem

De izda. a dcha. los actores españoles Penélope Cruz, Antonio Banderas y Javier Bardem. Fuente: Wikipedia (Licencia CC).

La información que publica el diario ABC sobre la trayectoria de los tres actores españoles con mayor proyección en Hollywood, Antonio Banderas, Penélope Cruz y Javier Bardem aparece clasificada como “Crítica de cine” por el propio medio aunque por su contenido se acerque más al reportaje que a la crítica cinematográfica.

Pero lo que destaca fundamentalmente de esta información es el gráfico de visualización de datos que aparece tras el titular: “Antonio Banderas triunfa sin reparos en Hollywood más que Penélope Cruz y Javier Bardem juntos. Evolución de las estrellas españolas en EE.UU. desde que el malagueño abrió la puerta hace 25 años”.

Un titular que anuncia ya el resultado del análisis bivariable previamente realizado y basado en  la valoración de los espectadores de las películas de los tres actores y su recaudación en taquilla. El diario empleó  dos fuentes no oficiales: la base de datos de cinematografía IMDB (asociada a Amazon) y The Numbers (empresa de servicios privada que suministra datos sobre recaudación en taquilla).

Del gráfico se infiere con claridad el perfil artístico de cada actor: centrado en papeles de villano y mejores críticas para Bardem, papeles de chica latina y sex symbol para Penélope Cruz y estrella latina para Antonio Banderas. También resulta visible la opinión del público sobre la calidad de las películas en las que cada uno de ellos ha participado hasta 2016 (con notable diferencia Javier Bardem aparece en las películas que han alcanzado mejor valoración por parte del público).

La visualización de datos gráfica aporta información complementaria que no se incluye en el texto como una de las razones por las que Antonio Banderas recauda más que Penélope Cruz y Javier Bardem juntos (les lleva una década de adelanto en Hollywood) o que la etapa de esplendor de estos tres actores españoles se produjo entre los años 2004 y 2012 (a partir de entonces se aprecia un notable declive del trío de intérpretes en las producciones americanas medido tanto en términos de recaudación como éxito de crítica).

+ info:

El diario ABC no aclara que la información sobre la que se ha procedido a analizar los datos que se visualizan gráficamente se refiere a opiniones y datos de recaudación registrados en el mercado estadounidense por empresas privadas. Se echa de menos el contraste de los datos con fuentes de información oficiales para interpretar los datos.

El análisis mejoraría si se explicasen las causas del declive en los últimos años de Cruz, Bardem y Banderas a pesar de haber mantenido constantes sus perfiles artísticos.

Desde 2012 Antonio Banderas ha participado en una docena de producciones en Estados Unidos. Por el contrario, Penélope Cruz y Javier Bardem han participado en solo tres filmes de este tipo cada uno.

En 2017 Bardem tiene pendiente de estreno dos películas en Hollywood: la superproducción Piratas del Caribe, la venganza de Salazar y el film Mother, dirigido por Darren Aronofsky. Antonio Banderas estrenará Salty, una comedia financiada mediante crowdfunding y Security, una historia de suspense dirigida por Alain Desrochers. Penélope Cruz participará en el remake de Asesinato en el Orient Express, dirigida por Kenneth Branagh y producida por Ridley Scott.

James Nachtwey, arte y sentimiento

28 Oct

Una imagen o mil palabras

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Campo de refugiados en Idomeni (grecia)

Imagen de refugiados en el campamento de Idomeni (Grecia) a principios de 2016. Copyright: James Nachtwey.

Ver a un fotoperiodista de guerra en acción sigue resultando impactante. James Nachtwey, reciente Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades y uno de los grandes fotoreporteros del siglo XX que aun se conserva en activo, parece estar a prueba de balas, a pesar de haber resultado herido en tres ocasiones, la última durante la crisis de los refugiados sirios en Europa.

Nachtwey, que comenzó su carrera en 1976 y ha cubierto casi todos los grandes conflictos bélicos de los últimos tiempos, vuelve a estar de actualidad. El último trabajo del fotógrafo estadounidense sobre la guerra de Siria bien podría haber pasado desapercibido entre tanta competencia. Pero es imposible no fijarse en las imágenes tomadas por Nachtwey, con su dramatismo en blanco y negro o la intensidad de las formas a contraluz. Lo suyo no es solo un oficio, también es arte, aunque en ocasiones resulte improvisado: “En el caos solo tenemos un disparo para un determinado momento. Es imposible saber lo que significa cada cosa que vemos, debemos improvisar y seguir nuestra intuición, usar nuestros instintos y experimentar” (Diario El País. 20.05.2016).

Campo de refugiados sirios en Jordania

Campo de refugiados sirios gestionado por Naciones Unidas en Jordania. Copyright: James Nachtwey.

En el año 2002, Christian Frei rodó un documental sobre la figura de Nachtwey que fue nominado a los premios Oscar. El director colocó unas microcámaras de vídeo sobre la cámara fotográfica de Nachtwey con el fin de poder obtener una visión de los acontecimientos más próxima a la experiencia de los fotógrafos de guerra. En el caso de Nachtwey resulta sorprendente su capacidad para reflejar momentos de gran desolación humana sin perder la compostura.

→Vídeo. War Photographer (2002). Dirigido por Christian Frei. El documental ganó el premio Peabody en el año 2003. Fuente: You Tube.

Nachtwey, ganador en dos ocasiones del prestigioso premio World Press Photo, ha reflejado  con sensibilidad el sufrimiento humano en El Salvador, Ruanda, Pakistán, Bosnia o Sudán, aunque del trabajo que más orgulloso se siente es el que llevó a cabo en Somalia durante la hambruna que azotó al país sudafricano en 1992. En aquella ocasión sus fotografías contribuyeron a movilizar la ayuda internacional que salvó más de un millón de vidas.

Premio World Press Photo 1995

Fotografía de James Nachtwey ganadora del World Press Photo de 1995. Superviviente de un campo de exterminio hutu (Ruanda, 1994). Fuente: http://www.jamesnachtwey.com

Francotirador en la guerra de Bosnia (1993)

Un francotirador croata dispara contra sus vecinos musulmanes durante la guerra de Bosnia en 1993. Copyright: James Nachtwey. Fuente: http://www.jamesnachtwey.com

Centro de rehabilitación en Pakistán (2001)

Centro de rehabilitación para adictos a la heroína en Pakistán (2001). Copyright: James Nachtwey. Fuente: http://www.jamesnachtwey.com

Hambruna en Somalia (1992)

Las víctimas de la hambruna en Somalia (1992). Copyright: James Nachtwey. Fuente: http://www.jamesnachtwey.com

+ info:

James Nachtwey

James Nachtwey en la actualidad. Fuente: Wikipedia (Licencia CC)

James Nachtwey, fotoreportero estadounidense de 68 años, lleva cuarenta años en activo. En 1980 se instaló en Nueva York donde comenzó a trabajar como free lance para distintos medios, entre ellos la revista Time. Fue miembro de la agencia Magnum hasta que en 2001 cofundó su propia agencia de fotografías, VII Photo Agency. Ganó el World Press Photo en dos ocasiones casi consecutivas, en 1993 y 1995.

→Galería de fotografías de James Nachtwey

→Instagram de James Nachtwey

Exposición. Tras los pasos de Inge Morath

18 Sep

Últimos días

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Paisaje cerca de Viena. Inge Morath

El Danubio y sus gentes fotografiados por Inge Morath. “Paisaje cerca de Viena”, 1958. Fuente: Fundación Telefónica (prensa).

Dicen que tras un gran hombre siempre se esconde una gran mujer. En el caso de Inge Morath además puede decirse que ocurrió de forma literal, porque la fotógrafa estadounidense de origen austríaco conoció al gran Arthur Miller tras el visor de una lente fotográfica, durante el rodaje de Vidas Rebeldes en 1960. El célebre dramaturgo estaba casado por entonces con la rutilante Marilyn Monroe, aunque el matrimonio ya hacía aguas por todas partes. Morath y Miller se casaron en 1962, cuando el autor de Muerte de un viajante ya era una figura internacional de las letras. A pesar de ello, la figura de su esposa no se vio ensombrecida. No en vano Inge Morath había sido la primera mujer en formar parte de la reconocida agencia Magnum. Su talento se desarrolló a lo largo de cinco fructíferas décadas, hasta su fallecimiento en el año 2002.

Desde entonces la fundación que lleva su nombre gestiona el premio Inge Morath concedido a las fotógrafas más destacadas menores de treinta años. Ahora, un proyecto encabezado por Olivia Arthur, Claire Martin, Emily Schiffer y la española Lurdes R. Basolí ha querido rendir homenaje a la obra de Inge Morath. Ocho fotógrafas ganadoras en distintas ediciones del galardón que concede la agencia Magnum, se reunieron en 2014 en un viaje por carretera para recrear el tránsito que llevó a cabo Morath por el Danubio a lo largo de los años.

En la exposición de la Fundación Telefónica comparten espacio icónicas instantáneas de Morath junto a una serie ecléctica de trabajos de Kathryn Cook, Jessica Dimmock, Claudia Guadarrama, Ami Vitale y las propias Olivia Arthur, Lurdes R. Basolí, Claire Martin y Emily Schiffer.

Carrying History. Schiffer.

Dos fotografías de la serie “Carrying history” (2014) por Emily Schiffer. Fuente: Fundación Telefónica (prensa).

In and out of love. Arthur

“In and out of love” (2014) de Olivia Arthur. Fuente: Fundación Telefónica (prensa).

Cada una de las jóvenes fotógrafas ofrece su particular visión del Danubio, desde su nacimiento en la Selva negra alemana hasta su desembocadura en el Mar Negro en Rumanía.

Danubio. Guadarrama.

Instantánea de Claudia Guadarrama (2014). Autora de la fotografía tomada en la Fundación Telefónica: Samia Benaissa Pedriza.

→Documental Diario de un viaje: un homenaje a Inge Morath. Fuente: Fundación Telefónica. Duración: 25:29 minutos.

Algunas profesionales trataron de buscar las mismas fuentes de inspiración que Inge Morath. Otras dejaron fluir su imaginación, huyendo de las ideas preconcebidas sobre el concepto de río. Y otras simplemente dieron satisfacción a los deseos de sus hijos pequeños y se embarcaron en una aventura nocturna y fantástica por las corrientes que atraviesan los bosques de la Selva negra. Aunque sí se consensuó un denominador común en las imágenes tomadas por cada una de las ocho fotógrafas: el humanismo que se desprendía de las imágenes captadas por el objetivo de Inge Morath.

Morath. Martin

Niños jugando en el Danubio fotografiados por Inge Morath. Yugoslavia. Smederevo, 1958. Créditos: Inge Morath Foundation/Magnum Photos. A la dcha., “River Boys”, 2014 de Claire Martin. Fuentes: Fundación Telefónica (prensa).

Black Forest. Cook.

Serie “Black Forest” (2014) de Kathryn Cook. La autora persiguió a las hadas que viven en los árboles como le prometió a su hija Luna. Se entrañó en la Selva negra para experimentar con el flash en condiciones de baja luminosidad. Autora de las fotografías tomadas en la Fundación Telefónica: Samia Benaissa Pedriza.

El viaje de Inge Morath por el Danubio comenzó cuando la fotógrafa contaba poco más de treinta años de edad y finalizó en 1995 cuando la caída del Telón de acero le permitió acceder a los países de la Europa del Este que habían quedado aislados por la Guerra Fría. Morath se centró no tanto en ilustrar imágenes acuáticas o de naturaleza exuberante, sino en mostrar escenas de la vida cotidiana de la gente común. Se trata de instantáneas de un viaje interrumpido y constituido a lo largo de las décadas que ofrece al espectador una impagable visión histórica y sociológica del centro de Europa desde una perspectiva plural, subjetiva y atemporal. Las imágenes de la realidad capturadas en 2014 por sus discípulas completan el cuadro general y cierran el círculo del tiempo.

Cementerio de los sin nombre. Morath

“Cementerio de los sin nombre”. Austria, 1959. Por Inge Morath. Autora de la fotografía tomada en la Fundación Telefónica: Samia Benaissa Pedriza.

Día festivo. Morath

Escenas cotidianas a orillas del Danubio: día festivo. Por Inge Morath. Autora de las fotografías tomadas en la Fundación Telefónica: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

La exposición Tras los pasos de Inge Morath está abierta al público hasta el 02 de octubre de 2016 en la Fundación Telefónica (c/ Fuencarral, 3. Madrid). Horario: martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas. Entrada libre.

La muestra, organizada en el marco de PHotoEspaña 2016, reúne a más de 150 fotografías, entre ellas, 60 copias originales de Inge Morath pertenecientes a la Fotohof Gallerie.

Autoretrato. Inge Morath.

Autoretrato de Inge Morath tomado en la década de los noventa. Fuente: Internet.

Inge Morath: Ingeborg Morath (1923-2002) se inició como periodista en Viena aunque acabó siendo directora de fotografía en películas de Hollywood en la década de 1950. Su director fetiche John Huston le dio la oportunidad de conocer a su futuro esposo, Arthur Miller, durante el rodaje de Vidas Rebeldes (1960). En las décadas de 1960 y 1970 Morath inició su serie de viajes por la antigua URSS, China, Estados Unidos y Europa.

Fue también apreciada como retratista, tanto de personajes célebres como de personas anónimas que fomentaban su inspiración. Su faceta menos conocida fue la de traductora de las obras de su marido y escritora de diarios de fotografía. En el último año de su vida, ya enferma de cáncer, Inge Morath volvió a la tierra de sus antepasados en la frontera con Eslovenia en un proyecto conjunto con la directora Regina Strassegger.

Patti Smith, la última rockera beat

8 Jul

Revista de prensa

Entrevista publicada en la edición digital del diario El País el 02 de julio de 2016 y conducida por la periodista Begoña Gómez Urzaiz

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Patti Smith en directo.

Patti Smith durante la gira de conmemoración de “Horses” en octubre de 2015. Fuente: Flickr (Licencia CC).

Puede que Patti Smith y Marianne Faithfull sean las dos últimas rockeras de los setenta que sigan en activo bien pasada la época de un hipotético retiro dorado.  Lo cierto es que la  presencia de mujeres con una carrera destacable en el rock siempre ha sido escasa y tras el “aquí lo dejo” de Tina Turner hace unos años, apenas quedan referentes femeninos capaces de seguir congregando a las masas con devoción.

La buena nueva es que Patti Smith está en España conmemorando el 40 aniversario de Horses, su disco debut de 1975. La poetisa y cantautora de Chicago actúa esta noche en el festival Las Noches del Botánico donde esperamos poder disfrutar de aquel álbum  que dio comienzo a todo y cuyos temas siguen estando de plena actualidad. “Me encanta ir a tocar Horses a los lugares que tienen problemas” afirma Smith en la entrevista que concedió hace unos días al diario El País.

En ella la artista habla de política (“¡Estoy huyendo de Donald Trump!, Estados Unidos necesita un tercer partido”), de sus relaciones con el famoso “club de los 27” (Jimi Hendrix, Jim Morrsion, Kurt Cobain y Amy Whinehouse), evoca recuerdos familiares y anuncia nuevos proyectos artísticos. Porque a sus 69 años la musa del punk-rock sigue estando en plena forma.

Fred y Patti Smith interpretan People have the power (Dream of life, 1988) en marzo de 1990. Fuente: You Tube.

+ info:

→En la gira de Patti Smith por Europa le acompañan en el escenario su fiel guitarrista Lenny Kaye y su hijo, Jackson Smith, fruto de su matrimonio con el guitarrista de los MC5, Fred “Sonic” Smith, fallecido en 1994. En el ecléctico repertorio se incluyen desde poemas de Allen Ginsberg y clásicos como el Gloria de Van Morrison que Smith hace mucho que convirtió en propios, hasta una versión de When the doves cry, en homenaje al recientemente desparecido Prince.

→Junto a su hija, Jessie Smith, acaba de terminar una colaboración en un disco homenaje a la cantante Nico que saldrá al mercado el próximo 02 de septiembre. En “Killer road”, editado por Bones Records, Patti Smith recita poemas escritos por la cantante alemana y musicalizados por la banda Soundwalk Collective.

→Smith tiene pendiente de adaptación a la gran pantalla su libro autobiográfico Just Kids (2010) en el que reveló que en 1967, cuando solo contaba con 20 años, tuvo una hija que dio en adopción. Tres meses después del nacimiento la artista se trasladó a Nueva York donde dio comienzo su exitosa carrera.

Exposición “Lo nunca visto”

14 May

Agenda cultural

Lo nunca visto. De la pintura informalista al fotolibro de postguerra (1945-1965)

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Informalismo (Fundación March)

“Siles”. Emile Schumacher (1959). A la dcha., “Cabeza de rehén” de Jean Fautrier (1945). Fuente: Internet.

¿Qué son veinte años en la historia de la humanidad? En el periodo comprendido entre 1945 y 1965 Europa se levantaba de los restos de la Segunda Guerra mundial mientras en Estados Unidos nacía la lucha por los derechos civiles y el resto del mundo se independizaba de las potencias colonizadoras.  La exposición Lo nunca visto de la Fundación March presenta la expresión artística de una época representada por acontecimientos de distinto género que no siempre influyeron por igual en los artistas del momento.

El informalismo

La muestra escogida para la exposición destaca el trabajo de un grupo de artistas vinculados al informalismo, una corriente singular y de difícil definición, tanto en la pintura de posguerra como en la fotografía. La corriente surge a finales de los años cuarenta en Europa como una reacción ante los horrores de la guerra:

“Estamos otra vez como el hombre primitivo: desnudos en el mundo. Los dogmas de la belleza griega, el encanto de la perspectiva, la historiografía, las fiestas galantes… Todas esas cosas ya no son pertinentes, como tampoco lo es la decoración. ¿Qué íbamos a decorar? Nuestra casa, nuestros palacios y nuestros templos han sido destruidos: al menos en nuestro pensamiento nos parecen horribles”. Frank Page (1947)

Otoño (Vilem Reichmann)

“Otoño”. Fotografía de Vilem Reichmann (1961). Fuente: Internet.

Si en algo coinciden los artistas que formaron parte del informalismo es en el recurso a la abstracción en todas las variantes imaginables, desde la pintura matérica hasta el art brut. El uso en las obras de distintos tipos de materiales de baja extracción como paños de tela, sacos de arpillera, arena o paja (habituales durante la contienda bélica) fue lo que significó a esta corriente artística imbuida en la abstracción, aunque solo en parte, porque en Estados Unidos estaba surgiendo ya el expresionismo abstracto de la mano de otros artistas como Jackson Pollock.

"Umbría vera" (Alberto Burri)

“Umbria vera”. Alberto Burri (1952). Fabricada con acrílico, acetato de polivinilo, óleo, sacos de arpillera, telas, hilo y papel. Fuente: Internet.

El informalismo en España

A medio camino entre lo que se hacía en Europa y en el norte de América, se encuentran los españoles Antoni Tàpies y Antonio Saura, quienes también sufrieron las secuelas de un enfrentamiento bélico doméstico,  el de la guerra civil española (1936-1939). En algunas obras como “Multitud” de Antonio Saura se aprecian reminiscencias de Pablo Picasso y su célebre Guernica, obra antibelicista por excelencia. Formas redondeadas, trazos fuertes y composición abigarrada que también el americano Jackson Pollock, obsesionado con Picasso, intentó copiar con relativo éxito en su “Mural” de 1943.

Color terroso (Antoni Tàpies)

“Color terroso sobre fondo amarillo”. Antoni Tàpies (1954). Fuente: Internet.

 

Multitud (Antonio Saura)

“Multitud”. Antonio Saura (1959). Fuente: Internet.

La influencia del existencialismo

El existencialismo como corriente filosófica y literaria había germinado en el continente europeo entre los escombros de la Segunda Guerra Mundial. En el ámbito de la pintura y la fotografía de posguerra, la crisis existencial por la que atravesaban muchos artistas se plasmó con fuerza en el informalismo. Ausencia de formas, trazos ejecutados al azar, collages casuales, símbolos y experimentación con las imágenes más cotidianas son algunas de sus expresiones más representativas. El emborronamiento, los goteados y los densos empastes de las pinturas  expresan en ocasiones un claro descontento vital y en otras una energía más propia de los supervivientes.

Bomb (Gregory Corso) y Butaquita en un frontón (Paco Gómez)

Representación gráfica del poema “Bomb” declamado por Gregory Corso el 27 de febrero de 1959 e incluido en la exposición “Lo nunca visto” (Duración: 09:34 minutos). La imagen recuerda a los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki en agosto de 1945. Fuente: Samia Benaissa Pedriza. A la dcha., “Butaquita en un frontón”. Fotografía experimental de Paco Gómez (1957). Fuente: Internet.

La libertad, la nada o el absurdo, conceptos claramente existencialistas, están presentes en algunas de las obras de Pierre Alechinsky o Jean Degottex. También el antibelicismo o la insignificancia del ser humano aparecen reflejados en muchas de las producciones artísticas de la década de 1950.

Vacío de cosas exteriores (jean Degottex)

“Vacío de cosas exteriores”. Jean Degottex (1959). Fuente: Internet.

 

Causas y consecuencias (Pierre Alechinsky)

“Causas y consecuencias” de Pierre Alechinsky (1959). Fuente: Internet.

La llegada del pop

La llegada de los años sesenta implicó un cambio de orientación en el informalismo. Europa asistía a una nueva etapa de relaciones internacionales marcadas por la Guerra Fría, el consumismo y la alegría de vivir importados del modo de vida americano. En 1965 el pop estaba a punto de eclosionar y a mediados de los sesenta, salpicó de influencias al informalismo que generó producciones híbridas y una fusión de géneros, entre la pintura y  la fotografía.

Últimos años del informalismo

“Plancha” de Raymond Hains (1961) elaborada con fragmentos de carteles sobre planchas de chapa galvanizada. A la dcha., “Nürnberg” de Wolf Vostell (1968), una impresión fotográfica sobre lienzo emborronada con emulsión fotográfica. Fuente: Internet.

El informalismo puede ser calificado como una corriente artística pero también como un estado de ánimo que supera los límites de una determinada época histórica. Y es que los artistas informalistas se quedaron anclados en un momento concreto del tiempo y del espacio marcado por la violencia bélica y sus consecuencias sociales. En el siglo XXI ha surgido un nuevo informalismo, minoritario y desvinculado de los horrores de la Segunda Guerra Mundial pero aun basado en la representación informe de impresiones subjetivas generadas por la insatisfacción de los tiempos modernos.

+ info:

Exposición Lo nunca visto. Fundación March. Hasta el 5 de junio de 2016. Lunes a sábado y festivos, de 11:00 a 20:00. Domingos de 10:00 a 14:00 horas. C/ Castelló, 77. Madrid. Entrada libre.

Exposición "Lo nunca visto"

Exposición “Lo nunca visto”. Fundación March. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La exposición incluye más de 160 obras procedentes de instituciones y colecciones públicas y privadas como el Centre Pompidou de París, la Fondation Gandur pour l´Art de Ginebra, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o el Museo Thyssen-Bornemisza. Además de fotografía y pintura, la muestra recoge una selección de los fotolibros de posguerra más importantes como “Kriegsfisel, el ABC de la guerra” de Bertol Brecht y Ruth Berlau que recoge imágenes de la destrucción de  las ciudades alemanas, entre ellas Frankfurt y Düsseldorf.

Reportaje 360⁰ Fukushima, vidas contaminadas

3 May

Revista de prensa

Fukushima. Vidas contaminadas, reportaje  publicado en el suplemento El País Semanal y en la edición digital  del diario El País el 01 de mayo de 2016. El autor del reportaje es el periodista Daniel Verdú.

Autora: Samia Benaissa Pedriza

 

El diario El País publica un reportaje en 360⁰ con motivo de los cinco años transcurridos desde la catástrofe de Fukushima. Un equipo de seis reporteros desplazados a Japón ha rodado las imágenes más impactantes y los testimonios más desoladores sobre las consecuencias del tsunami que ocasionó la explosión de la central nuclear de Fukushima-Dai-ichi el 11 de  marzo de 2011.

En el reportaje se incluyen dos infografías tridimensionales que muestran cómo se produjeron los daños en la central nuclear de Fukushima en el momento de ser inundada por el tsunami así como un mapa de las centrales nucleares del país que aun están en funcionamiento.

El reportaje, que ha sido producido en colaboración con Greenpeace, permite visitar el interior del Rainbow Warrior, el buque insignia de la ONG ecologista.

→Vídeo del making off del reportaje en 360⁰

→Versión digital del reportaje Fukushima, vidas contaminadas

+ info:

El 11 de marzo de 2011 un terremoto de magnitud 9 en la escala de Richter sacudió el noreste de Japón causando un fenomenal tsunami que acabó con la vida de 20.000 personas. El tsunami provocó el cese de la actividad de refrigeración de la central nuclear de Fukushima- Dai-ichi así como varias explosiones contaminantes que obligaron a evacuar a 200.000 japoneses de la zona.

Cinco años después de la tragedia, 70.000 personas no han podido volver aun a sus hogares porque los niveles de contaminación nuclear siguen estando 10 veces por encima de lo permitido por las autoridades sanitarias.

Algunos vecinos de las localidades más afectadas (Itate, Minamisoma, Tomioka) decidieron permanecer en sus casas a pesar de los riesgos para su salud. Algunos llegaron a vivir durante dos años sin gas, luz ni electricidad.

La conmemoración de la catástrofe de Fukushima coincide con el recuerdo del mayor desastre nuclear que se conoce, el acaecido en  Chernóbil (Ucrania) el 26 de abril de 1986. El accidente se produjo en la central de Vladímir Ilich Lenin mientras unos técnicos autorizados realizaban pruebas experimentales en uno de sus cuatro reactores. En el siniestro murieron 31 trabajadores y más de 600.000 personas resultaron afectadas por la radiación.