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Exposición Brujas. Metamorfosis de Goya

18 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Maribel Verdú. El Aquelarre de Goya

La actriz Maribel Verdú participa en “El Aquelarre” de Goya gracias a la imaginación de Denise de La Rue. Autoría y Copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

 

La duquesa de Osuna

La duquesa de Osuna retratada por Francisco de Goya en 1785 (Imagen de dominio público).

En 1797, a Josefa Alonso de Pimentel, duquesa de Osuna, se le ocurrió decorar el gabinete de su casa de campo de El Capricho con una serie de cuadros sobre brujería y superstición. A finales del siglo XVIII la persecución de las brujas ya no era una costumbre propia de la Inquisición sino más bien una nueva moda surgida entre los literatos e ilustrados de la “villa y corte” de Madrid. La figura de las brujas fue satirizada por escritores y pintores de la época como el célebre Francisco de Goya y Lucientes, quien dedicó nada menos que tres series al tema: Asuntos de Brujas (por encargo de su mecenas, la duquesa de Osuna), los grabados Los Caprichos y las famosas Pinturas Negras.

Frente a la imagen de la bruja grotesca y decadente, objeto de las burlas de los intelectuales de finales del XVIII, la artista mexicana Denise de la Rue ha querido mostrar, tres siglos después, una visión luminosa del poder femenino en su serie fotográfica “Brujas”, inspirada en las seis obras de Goya que adornaron los muros del palacio de “El Capricho”. Las imágenes, de gran formato, se exponen ahora de forma temporal en otra residencia de lujo, el Palacio de Parque Florido, sede del Museo Lázaro Galdiano.

Palacio de El Capricho

Palacio “El Capricho” situado en el Parque del Capricho, en Madrid. Fuente: (Ayuntamiento de Madrid. http://www.madrid.es).

Cuatro fotografías retroiluminadas por cajas de luz destacan la presencia de las actrices españolas Maribel Verdú, Inma Cuesta, Adriana Ugarte y Bárbara Lennie. Las intérpretes Macarena García y Verónica Echegui aparecen en dos fotografías más en blanco y negro creadas a partir de tules. Todas ellas lucen vestidos de diseñadores españoles de vanguardia: Ana Locking vistió a Maribel Verdú y a Macarena García, Inma Cuesta se puso un traje de Cortana y Fernando Claro fue el responsable del estilismo de Verónica Echegui. Adriana Ugarte recurrió a Roberto Diz y Bárbara Lennie se puso dos trajes, uno de Alvarno y otro de Jorge Vázquez (en el vídeo).

Inma Cuesta. Brujas de Goya

Fotografía de la actriz Inma Cuesta, inspirada en la obra de Goya, “Las Brujas” (1797-1798). Autoría y copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Bárbara Lennie. Brujas de Goya

La actriz Bárbara Lennie sustituye en “El Hechizado por fuerza” a don Claudio, el sacerdote que creía estar embrujado en la comedia que escribió Antonio de Zamora en 1698 y en la que Goya se inspiró para pintar su cuadro homónimo. Autoría y copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Adriana Ugarte. Brujas de Goya

Adriana Ugarte es la nueva protagonista de “Vuelo de Brujas”, original pintado por Francisco de Goya. Autoría y copyright: Denise de La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Para crear su serie, De la Rue se inspiró en El Aquelarre y Las Brujas, obras de la colección permanente del Museo Lázaro Galdiano, así como en Vuelo de Brujas (o El dómine Lucas) del Museo del Prado y El Hechizado por fuerza (propiedad de la National Gallery de Londres). Las otras dos pinturas que formaron parte de la serie original pintada por Goya entre 1797 y 1798, La cocina de los brujos y El convidado de piedra (o Don Juan y el Comendador), tuvieron que ser reinterpretadas a partir de fotografías históricas ya que en la actualidad se encuentran en paradero desconocido. La serie “Asuntos de Brujas” se dispersó en 1896 y no ha vuelto a ser reunida.

Macarena García. Brujas de Goya

Macarena García en una nueva versión de “El Convidado de piedra”, pintura de Goya inspirada en la obra homónima del dramaturgo Antonio de Zamora publicada en 1700 sobre el mito de Don Juan. Autoría y copyright: Denise de la Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Verónica Echegui. Brujas de Goya

La actriz Verónica Echegui participa en la recreación de “La cocina de los brujos”, de Francisco de Goya. Autoría y copyright: Denise De La Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La exposición incluye también un vídeo producido por Denise De la Rue y en el que la actriz ganadora de un Goya, Bárbara Lennie, da vida a la pintura “El aquelarre”.

Bárbara Lennie. Vídeo Brujas de Goya

Vídeo inspirado en la obra de Goya “El Aquelarre” (1797-1798), protagonizado por la actriz Bárbara Lennie. Goya se inspiró en el proceso de las Brujas de Zugarramurdi (1610), en el que se acusó a dos hermanas de asesinar a sus hijos para dar contento al diablo. Autoría y copyright: Denise de la Rue. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

Cartel exposición Brujas de Goya

Cartel de la exposición “Brujas” en el Museo Lázaro Galdiano. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

→ Exposición Brujas. Metamorfosis de Goya. Denise de La Rue. Hasta el 31 de octubre de 2017. Museo Lázaro Galdiano. C/ Serrano 122. Madrid.

→La exposición “Brujas” de Denise de La Rue es la continuación de la muestra “Ángelas”, que estuvo abierta al público hasta el 2 de abril de 2017 en la ermita de San Antonio de La Florida, lugar donde reposan los restos de Goya. De La Rue recreó cinco frescos del célebre pintor aragonés protagonizados por ángeles de sexo femenino. La artista mexicana también contó con la participación de cuatro actrices españolas y una colombiana: Michelle Jenner, Claudia Traisac, Anna Castillo, Natalia de Molina y Juana Acosta.

→Galería de fotos de la exposición “Ángelas”.

 

Juana Acosta. Angelas De La Rue

La actriz colombiana Juana Acosta posa para la exposición Ángelas” de Denise de La Rue. Fuente: Internet.

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World Press Photo 2017. Tomás Munita, fotógrafo de lo cotidiano

21 Feb

Una imagen o mil palabras

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Funerales de Fidel Castro.

Fotografía de la serie “Cuba al borde del cambio”. Una comitiva del Ejército Juvenil del Trabajo aguarda la llegada de los restos de Fidel Castro en Santiago de Cuba. Autoría y Copyright: Tomas Munita/The New York Times.

Una autopista hacia el cielo, un viaje a la nada o un aterrizaje forzoso en tierra de nadie. La imagen que Tomás Munita, ganador del último World Press Photo tomó durante los funerales de Fidel Castro pudo materializar cualquier producto de la imaginación, pero no. En la instantánea no hay más realidad que la que surge de la propia imagen y aun así la composición sugiere un universo de posibilidades. “El mundo que observamos habla en un lenguaje abstracto. Recogerlo en imágenes o en palabras, es una manera de ordenarlo y abrazar la belleza” afima Munita (Joia Magazine, 2010).

No es extraño que Munita plantee la exposición de un hecho histórico de forma tan artística porque a pesar de ser un fotógrafo de prensa posee una notable habilidad para captar emociones y transmitirlas al espectador. Sus trabajos en Oriente Medio, Asia y América Latina le sirvieron para entrenar el músculo sentimental y poder reflejar después situaciones visualmente dramáticas con una gran carga poética.

Según Stuart Franklin, presidente de la última edición del World Press Photo, lo que capta el objetivo de Munita “son imágenes que tienen poesía porque cuentan una historia, pero no de una manera obvia”.

El tiempo que Munita pasó en Cuba ha dado como fruto una serie fotográfica publicada en The New York Times y titulada “Cuba on the edge of change”, ganadora ahora del World Press Photo en la categoría de historias de la vida cotidiana. El mérito del fotógrafo en este caso reside en haber logrado extraer de una realidad infinitamente representada una visión cinematográfica y envolvente. Munita casi ha sido capaz de convertir a la Cuba de Fidel en el colorista y onírico mundo de Alicia en el país de las maravillas.

Fotografías de la serie “Cuba, al borde del cambio”:

Peluqiería en Cuba

La vida transcurre en una modesta peluquería cubana. Autoría y Copyright: Tomas Munita/The New York Times.

Mujer en un taxi (Cuba)

Una mujer comparte un taxi en Santiago de Cuba. Autoría y Copyright: Tomas Munita/The New York Times.

 

Estudiantes en los funerales de Fidel Castro

Autobús con estudiantes cubanos tras participar en el cortejo fúnebre de Fidel Castro en Las Tunas (Cuba). Autoría y Copyright: Tomas Munita/The New York Times.

+info:

Reportaje fotográfico completo: “Cuba on the edge of change”.

Tomás Munita

El fotógrafo chileno Tomás Munita.

Tomás Munita (Chile, 1975) es fotógrafo profesional desde los 17 años. Comenzó su trayectoria como fotógrafo de prensa en los diarios chilenos La Tercera y El metropolitano. Posteriormente fue corresponsal de la agencia de noticias Associated Press (AP). A lo largo de los años ha trabajado para varios medios de comunicación internacionales y en la actualidad es fotógrafo free lance para el prestigioso diario The New York Times.

Munita ha ganado el premio World Press Photo en tres ocasiones. Las dos primeras con los reportajes fotográficos que realizó en el año 2006 sobre el terremoto en Cachemira y la tercera en 2017 con la serie “Cuba on the edge of change”.

Página web de Tomás Munita.

James Nachtwey, arte y sentimiento

28 Oct

Una imagen o mil palabras

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Campo de refugiados en Idomeni (grecia)

Imagen de refugiados en el campamento de Idomeni (Grecia) a principios de 2016. Copyright: James Nachtwey.

Ver a un fotoperiodista de guerra en acción sigue resultando impactante. James Nachtwey, reciente Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades y uno de los grandes fotoreporteros del siglo XX que aun se conserva en activo, parece estar a prueba de balas, a pesar de haber resultado herido en tres ocasiones, la última durante la crisis de los refugiados sirios en Europa.

Nachtwey, que comenzó su carrera en 1976 y ha cubierto casi todos los grandes conflictos bélicos de los últimos tiempos, vuelve a estar de actualidad. El último trabajo del fotógrafo estadounidense sobre la guerra de Siria bien podría haber pasado desapercibido entre tanta competencia. Pero es imposible no fijarse en las imágenes tomadas por Nachtwey, con su dramatismo en blanco y negro o la intensidad de las formas a contraluz. Lo suyo no es solo un oficio, también es arte, aunque en ocasiones resulte improvisado: “En el caos solo tenemos un disparo para un determinado momento. Es imposible saber lo que significa cada cosa que vemos, debemos improvisar y seguir nuestra intuición, usar nuestros instintos y experimentar” (Diario El País. 20.05.2016).

Campo de refugiados sirios en Jordania

Campo de refugiados sirios gestionado por Naciones Unidas en Jordania. Copyright: James Nachtwey.

En el año 2002, Christian Frei rodó un documental sobre la figura de Nachtwey que fue nominado a los premios Oscar. El director colocó unas microcámaras de vídeo sobre la cámara fotográfica de Nachtwey con el fin de poder obtener una visión de los acontecimientos más próxima a la experiencia de los fotógrafos de guerra. En el caso de Nachtwey resulta sorprendente su capacidad para reflejar momentos de gran desolación humana sin perder la compostura.

→Vídeo. War Photographer (2002). Dirigido por Christian Frei. El documental ganó el premio Peabody en el año 2003. Fuente: You Tube.

Nachtwey, ganador en dos ocasiones del prestigioso premio World Press Photo, ha reflejado  con sensibilidad el sufrimiento humano en El Salvador, Ruanda, Pakistán, Bosnia o Sudán, aunque del trabajo que más orgulloso se siente es el que llevó a cabo en Somalia durante la hambruna que azotó al país sudafricano en 1992. En aquella ocasión sus fotografías contribuyeron a movilizar la ayuda internacional que salvó más de un millón de vidas.

Premio World Press Photo 1995

Fotografía de James Nachtwey ganadora del World Press Photo de 1995. Superviviente de un campo de exterminio hutu (Ruanda, 1994). Fuente: http://www.jamesnachtwey.com

Francotirador en la guerra de Bosnia (1993)

Un francotirador croata dispara contra sus vecinos musulmanes durante la guerra de Bosnia en 1993. Copyright: James Nachtwey. Fuente: http://www.jamesnachtwey.com

Centro de rehabilitación en Pakistán (2001)

Centro de rehabilitación para adictos a la heroína en Pakistán (2001). Copyright: James Nachtwey. Fuente: http://www.jamesnachtwey.com

Hambruna en Somalia (1992)

Las víctimas de la hambruna en Somalia (1992). Copyright: James Nachtwey. Fuente: http://www.jamesnachtwey.com

+ info:

James Nachtwey

James Nachtwey en la actualidad. Fuente: Wikipedia (Licencia CC)

James Nachtwey, fotoreportero estadounidense de 68 años, lleva cuarenta años en activo. En 1980 se instaló en Nueva York donde comenzó a trabajar como free lance para distintos medios, entre ellos la revista Time. Fue miembro de la agencia Magnum hasta que en 2001 cofundó su propia agencia de fotografías, VII Photo Agency. Ganó el World Press Photo en dos ocasiones casi consecutivas, en 1993 y 1995.

→Galería de fotografías de James Nachtwey

→Instagram de James Nachtwey

Exposición. Tras los pasos de Inge Morath

18 Sep

Últimos días

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Paisaje cerca de Viena. Inge Morath

El Danubio y sus gentes fotografiados por Inge Morath. “Paisaje cerca de Viena”, 1958. Fuente: Fundación Telefónica (prensa).

Dicen que tras un gran hombre siempre se esconde una gran mujer. En el caso de Inge Morath además puede decirse que ocurrió de forma literal, porque la fotógrafa estadounidense de origen austríaco conoció al gran Arthur Miller tras el visor de una lente fotográfica, durante el rodaje de Vidas Rebeldes en 1960. El célebre dramaturgo estaba casado por entonces con la rutilante Marilyn Monroe, aunque el matrimonio ya hacía aguas por todas partes. Morath y Miller se casaron en 1962, cuando el autor de Muerte de un viajante ya era una figura internacional de las letras. A pesar de ello, la figura de su esposa no se vio ensombrecida. No en vano Inge Morath había sido la primera mujer en formar parte de la reconocida agencia Magnum. Su talento se desarrolló a lo largo de cinco fructíferas décadas, hasta su fallecimiento en el año 2002.

Desde entonces la fundación que lleva su nombre gestiona el premio Inge Morath concedido a las fotógrafas más destacadas menores de treinta años. Ahora, un proyecto encabezado por Olivia Arthur, Claire Martin, Emily Schiffer y la española Lurdes R. Basolí ha querido rendir homenaje a la obra de Inge Morath. Ocho fotógrafas ganadoras en distintas ediciones del galardón que concede la agencia Magnum, se reunieron en 2014 en un viaje por carretera para recrear el tránsito que llevó a cabo Morath por el Danubio a lo largo de los años.

En la exposición de la Fundación Telefónica comparten espacio icónicas instantáneas de Morath junto a una serie ecléctica de trabajos de Kathryn Cook, Jessica Dimmock, Claudia Guadarrama, Ami Vitale y las propias Olivia Arthur, Lurdes R. Basolí, Claire Martin y Emily Schiffer.

Carrying History. Schiffer.

Dos fotografías de la serie “Carrying history” (2014) por Emily Schiffer. Fuente: Fundación Telefónica (prensa).

In and out of love. Arthur

“In and out of love” (2014) de Olivia Arthur. Fuente: Fundación Telefónica (prensa).

Cada una de las jóvenes fotógrafas ofrece su particular visión del Danubio, desde su nacimiento en la Selva negra alemana hasta su desembocadura en el Mar Negro en Rumanía.

Danubio. Guadarrama.

Instantánea de Claudia Guadarrama (2014). Autora de la fotografía tomada en la Fundación Telefónica: Samia Benaissa Pedriza.

→Documental Diario de un viaje: un homenaje a Inge Morath. Fuente: Fundación Telefónica. Duración: 25:29 minutos.

Algunas profesionales trataron de buscar las mismas fuentes de inspiración que Inge Morath. Otras dejaron fluir su imaginación, huyendo de las ideas preconcebidas sobre el concepto de río. Y otras simplemente dieron satisfacción a los deseos de sus hijos pequeños y se embarcaron en una aventura nocturna y fantástica por las corrientes que atraviesan los bosques de la Selva negra. Aunque sí se consensuó un denominador común en las imágenes tomadas por cada una de las ocho fotógrafas: el humanismo que se desprendía de las imágenes captadas por el objetivo de Inge Morath.

Morath. Martin

Niños jugando en el Danubio fotografiados por Inge Morath. Yugoslavia. Smederevo, 1958. Créditos: Inge Morath Foundation/Magnum Photos. A la dcha., “River Boys”, 2014 de Claire Martin. Fuentes: Fundación Telefónica (prensa).

Black Forest. Cook.

Serie “Black Forest” (2014) de Kathryn Cook. La autora persiguió a las hadas que viven en los árboles como le prometió a su hija Luna. Se entrañó en la Selva negra para experimentar con el flash en condiciones de baja luminosidad. Autora de las fotografías tomadas en la Fundación Telefónica: Samia Benaissa Pedriza.

El viaje de Inge Morath por el Danubio comenzó cuando la fotógrafa contaba poco más de treinta años de edad y finalizó en 1995 cuando la caída del Telón de acero le permitió acceder a los países de la Europa del Este que habían quedado aislados por la Guerra Fría. Morath se centró no tanto en ilustrar imágenes acuáticas o de naturaleza exuberante, sino en mostrar escenas de la vida cotidiana de la gente común. Se trata de instantáneas de un viaje interrumpido y constituido a lo largo de las décadas que ofrece al espectador una impagable visión histórica y sociológica del centro de Europa desde una perspectiva plural, subjetiva y atemporal. Las imágenes de la realidad capturadas en 2014 por sus discípulas completan el cuadro general y cierran el círculo del tiempo.

Cementerio de los sin nombre. Morath

“Cementerio de los sin nombre”. Austria, 1959. Por Inge Morath. Autora de la fotografía tomada en la Fundación Telefónica: Samia Benaissa Pedriza.

Día festivo. Morath

Escenas cotidianas a orillas del Danubio: día festivo. Por Inge Morath. Autora de las fotografías tomadas en la Fundación Telefónica: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

La exposición Tras los pasos de Inge Morath está abierta al público hasta el 02 de octubre de 2016 en la Fundación Telefónica (c/ Fuencarral, 3. Madrid). Horario: martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas. Entrada libre.

La muestra, organizada en el marco de PHotoEspaña 2016, reúne a más de 150 fotografías, entre ellas, 60 copias originales de Inge Morath pertenecientes a la Fotohof Gallerie.

Autoretrato. Inge Morath.

Autoretrato de Inge Morath tomado en la década de los noventa. Fuente: Internet.

Inge Morath: Ingeborg Morath (1923-2002) se inició como periodista en Viena aunque acabó siendo directora de fotografía en películas de Hollywood en la década de 1950. Su director fetiche John Huston le dio la oportunidad de conocer a su futuro esposo, Arthur Miller, durante el rodaje de Vidas Rebeldes (1960). En las décadas de 1960 y 1970 Morath inició su serie de viajes por la antigua URSS, China, Estados Unidos y Europa.

Fue también apreciada como retratista, tanto de personajes célebres como de personas anónimas que fomentaban su inspiración. Su faceta menos conocida fue la de traductora de las obras de su marido y escritora de diarios de fotografía. En el último año de su vida, ya enferma de cáncer, Inge Morath volvió a la tierra de sus antepasados en la frontera con Eslovenia en un proyecto conjunto con la directora Regina Strassegger.

Exposición “Lo nunca visto”

14 May

Agenda cultural

Lo nunca visto. De la pintura informalista al fotolibro de postguerra (1945-1965)

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Informalismo (Fundación March)

“Siles”. Emile Schumacher (1959). A la dcha., “Cabeza de rehén” de Jean Fautrier (1945). Fuente: Internet.

¿Qué son veinte años en la historia de la humanidad? En el periodo comprendido entre 1945 y 1965 Europa se levantaba de los restos de la Segunda Guerra mundial mientras en Estados Unidos nacía la lucha por los derechos civiles y el resto del mundo se independizaba de las potencias colonizadoras.  La exposición Lo nunca visto de la Fundación March presenta la expresión artística de una época representada por acontecimientos de distinto género que no siempre influyeron por igual en los artistas del momento.

El informalismo

La muestra escogida para la exposición destaca el trabajo de un grupo de artistas vinculados al informalismo, una corriente singular y de difícil definición, tanto en la pintura de posguerra como en la fotografía. La corriente surge a finales de los años cuarenta en Europa como una reacción ante los horrores de la guerra:

“Estamos otra vez como el hombre primitivo: desnudos en el mundo. Los dogmas de la belleza griega, el encanto de la perspectiva, la historiografía, las fiestas galantes… Todas esas cosas ya no son pertinentes, como tampoco lo es la decoración. ¿Qué íbamos a decorar? Nuestra casa, nuestros palacios y nuestros templos han sido destruidos: al menos en nuestro pensamiento nos parecen horribles”. Frank Page (1947)

Otoño (Vilem Reichmann)

“Otoño”. Fotografía de Vilem Reichmann (1961). Fuente: Internet.

Si en algo coinciden los artistas que formaron parte del informalismo es en el recurso a la abstracción en todas las variantes imaginables, desde la pintura matérica hasta el art brut. El uso en las obras de distintos tipos de materiales de baja extracción como paños de tela, sacos de arpillera, arena o paja (habituales durante la contienda bélica) fue lo que significó a esta corriente artística imbuida en la abstracción, aunque solo en parte, porque en Estados Unidos estaba surgiendo ya el expresionismo abstracto de la mano de otros artistas como Jackson Pollock.

"Umbría vera" (Alberto Burri)

“Umbria vera”. Alberto Burri (1952). Fabricada con acrílico, acetato de polivinilo, óleo, sacos de arpillera, telas, hilo y papel. Fuente: Internet.

El informalismo en España

A medio camino entre lo que se hacía en Europa y en el norte de América, se encuentran los españoles Antoni Tàpies y Antonio Saura, quienes también sufrieron las secuelas de un enfrentamiento bélico doméstico,  el de la guerra civil española (1936-1939). En algunas obras como “Multitud” de Antonio Saura se aprecian reminiscencias de Pablo Picasso y su célebre Guernica, obra antibelicista por excelencia. Formas redondeadas, trazos fuertes y composición abigarrada que también el americano Jackson Pollock, obsesionado con Picasso, intentó copiar con relativo éxito en su “Mural” de 1943.

Color terroso (Antoni Tàpies)

“Color terroso sobre fondo amarillo”. Antoni Tàpies (1954). Fuente: Internet.

 

Multitud (Antonio Saura)

“Multitud”. Antonio Saura (1959). Fuente: Internet.

La influencia del existencialismo

El existencialismo como corriente filosófica y literaria había germinado en el continente europeo entre los escombros de la Segunda Guerra Mundial. En el ámbito de la pintura y la fotografía de posguerra, la crisis existencial por la que atravesaban muchos artistas se plasmó con fuerza en el informalismo. Ausencia de formas, trazos ejecutados al azar, collages casuales, símbolos y experimentación con las imágenes más cotidianas son algunas de sus expresiones más representativas. El emborronamiento, los goteados y los densos empastes de las pinturas  expresan en ocasiones un claro descontento vital y en otras una energía más propia de los supervivientes.

Bomb (Gregory Corso) y Butaquita en un frontón (Paco Gómez)

Representación gráfica del poema “Bomb” declamado por Gregory Corso el 27 de febrero de 1959 e incluido en la exposición “Lo nunca visto” (Duración: 09:34 minutos). La imagen recuerda a los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki en agosto de 1945. Fuente: Samia Benaissa Pedriza. A la dcha., “Butaquita en un frontón”. Fotografía experimental de Paco Gómez (1957). Fuente: Internet.

La libertad, la nada o el absurdo, conceptos claramente existencialistas, están presentes en algunas de las obras de Pierre Alechinsky o Jean Degottex. También el antibelicismo o la insignificancia del ser humano aparecen reflejados en muchas de las producciones artísticas de la década de 1950.

Vacío de cosas exteriores (jean Degottex)

“Vacío de cosas exteriores”. Jean Degottex (1959). Fuente: Internet.

 

Causas y consecuencias (Pierre Alechinsky)

“Causas y consecuencias” de Pierre Alechinsky (1959). Fuente: Internet.

La llegada del pop

La llegada de los años sesenta implicó un cambio de orientación en el informalismo. Europa asistía a una nueva etapa de relaciones internacionales marcadas por la Guerra Fría, el consumismo y la alegría de vivir importados del modo de vida americano. En 1965 el pop estaba a punto de eclosionar y a mediados de los sesenta, salpicó de influencias al informalismo que generó producciones híbridas y una fusión de géneros, entre la pintura y  la fotografía.

Últimos años del informalismo

“Plancha” de Raymond Hains (1961) elaborada con fragmentos de carteles sobre planchas de chapa galvanizada. A la dcha., “Nürnberg” de Wolf Vostell (1968), una impresión fotográfica sobre lienzo emborronada con emulsión fotográfica. Fuente: Internet.

El informalismo puede ser calificado como una corriente artística pero también como un estado de ánimo que supera los límites de una determinada época histórica. Y es que los artistas informalistas se quedaron anclados en un momento concreto del tiempo y del espacio marcado por la violencia bélica y sus consecuencias sociales. En el siglo XXI ha surgido un nuevo informalismo, minoritario y desvinculado de los horrores de la Segunda Guerra Mundial pero aun basado en la representación informe de impresiones subjetivas generadas por la insatisfacción de los tiempos modernos.

+ info:

Exposición Lo nunca visto. Fundación March. Hasta el 5 de junio de 2016. Lunes a sábado y festivos, de 11:00 a 20:00. Domingos de 10:00 a 14:00 horas. C/ Castelló, 77. Madrid. Entrada libre.

Exposición "Lo nunca visto"

Exposición “Lo nunca visto”. Fundación March. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La exposición incluye más de 160 obras procedentes de instituciones y colecciones públicas y privadas como el Centre Pompidou de París, la Fondation Gandur pour l´Art de Ginebra, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o el Museo Thyssen-Bornemisza. Además de fotografía y pintura, la muestra recoge una selección de los fotolibros de posguerra más importantes como “Kriegsfisel, el ABC de la guerra” de Bertol Brecht y Ruth Berlau que recoge imágenes de la destrucción de  las ciudades alemanas, entre ellas Frankfurt y Düsseldorf.

El grotesco regreso de Guns N´ Roses

11 Abr

Una imagen o mil palabras

Autora: Samia Benaissa Pedriza

El regreso de Guns N´ Roses

Axl Rose de nuevo al frente de los Guns N´ Roses. El cantante actuó en Las Vegas sentado en una silla prestada por Dave Grohl, líder de los Foo Fighters. Fuente: Internet.

Blogosphera estrena sección dedicada a las imágenes más impactantes, insólitas o esperadas de los últimos tiempos. En esta primera entrega el ansiado regreso a los escenarios de Guns N´ Roses junto a Axl Rose ha dejado imágenes que ningún fan esperaba poder impresionar en su retina.  La razón la explicaba el propio Axl, avergonzado: “esto me ha pasado por intentar algo que llevaba 23 años sin hacer”.

El 1 de abril- el día de los inocentes en Estados Unidos- la banda daba un concierto sorpresa en el club Troubadour de Los Ángeles, uno de los primeros escenarios donde Guns N´Roses se dieron a conocer a mediados de los ochenta. Muchos creyeron que se trataba de una broma, pero el “gag” llegaría más tarde. Durante la actuación Axl Rose, que obviamente ha perdido su  buena forma física del pasado, se fracturó el quinto metatarsiano del pie izquierdo.

Los seguidores de la banda se temieron lo peor, pero el 8 y 9 de abril la banda actuó como estaba previsto en Las Vegas en el reencuentro oficial anunciado hace unos meses. Muy en su línea, Axl Rose hizo su aparición estelar en una silla de ruedas empujada por una enfermera sexy y ligerita de ropa. A continuación, el pelirrojo más famoso del rock se instaló en un artilugio circular que bien podría formar parte del espectáculo, pero lo cierto es que se trataba de una silla ortopédica prestada por su amigo Dave Grohl. Y es que el líder de los Foo Fighters también se fracturó una pierna durante un concierto en directo el año pasado. Como Axl Rose, actuó sentado el resto de la gira.

Axl Rose de camino al escenario en silla de ruedas.

Axl Rose de camino al escenario y en directo en silla de ruedas. Fuente: Internet.

Los Guns N´Roses en Las Vegas.

La esperada reunión oficial de Guns N´Roses en Las Vegas. Fuente: Internet.

La imagen de los Guns N´ Roses juntos de nuevo después de tanto tiempo sin duda ha superado las expectativas. Aunque la presencia escénica de Axl Rose inmovilizado en un artilugio entre potro de tortura  y trono de jurado de concursos musicales definitivamente ha convertido el esperado regreso de la banda en un espectáculo más freaky que emocionante.

→Actuación de Guns N´ Roses el 8 de abril de 2016 en Las Vegas. Fuente: You Tube.


+info:

→El retorno de Guns N´ Roses se ha diseñado como un auténtico revival. Las entradas para la primera actuación de la banda en dos décadas se pusieron a la venta en la tienda de discos Tower Records de Los Ángeles. Se da la circunstancia de que  el guitarrista Slash fue empleado de  la tienda antes de ser famoso.

Los organizadores repartieron flyers vintage que anunciaban la actuación de la banda a partir de las 23:00 horas. Los tickets para el show también se vendieron a un precio antiguo: tan solo 10 dólares para los 250 primeros fans.

→A lo largo de 2016 Guns N´Roses actuarán en la gira “Not in This Lifetime Tour” (“No en esta vida”, un título malicioso dados los antecedentes). La gira comprende 21 fechas en distintas ciudades de Estados Unidos y México.

Upfront Foto-reporteros de guerra: esperanza y dignidad

18 Ene

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Sirios refugiados en una cueva a causa de los bombardeos. En el año 2013, 400 familias se ocultaron en las cavernas de la provincia de idlib (Siria). Autor: Ricardo García Vilanova, foto-reportero español candidato al premio Pulitzer. García Vilanova fue secuestrado durante 194 días por el Estado Islámico en Siria. La imagen forma parte de la exposición Upfront.

Un grupo de niños sirios se refugia en una cueva a causa de los bombardeos. En el año 2013, 400 familias tuvieron que ocultarse en las cavernas de la provincia de Idlib (Siria) tras ser bombardeadas sus casas en la guerra civil. Autor: Ricardo García Vilanova, foto-reportero español candidato al premio Pulitzer. García Vilanova fue secuestrado durante 194 días por el Estado Islámico en Siria. La imagen forma parte de la exposición Upfront.

La exposición Upfront en el Centro Conde Duque de Madrid coincide con el lanzamiento de la nueva campaña de Reporteros Sin Fronteras (RPS), dedicada a los reporteros de guerra en el año en que la organización celebra la 50 edición del libro “100 fotos por la libertad de prensa”, en honor a Robert Capa.

Según Reporteros sin Fronteras en los últimos quince años se ha perdido el 40% de los profesionales que cubren conflictos bélicos en el mundo. Y esa cifra no se debe solo a desapariciones causadas por muertes o secuestros de informadores gráficos en los principales escenarios de guerra, sino al abandono voluntario de la profesión por la falta de perspectivas laborales.

Ser reportero de guerra sigue siendo una profesión de alto riesgo y los que se dedican a ella lo asumen desde el principio. Si bien es cierto que la vocación es capaz de mover montañas, la inseguridad laboral también tiene un límite. La remuneración  que hasta principios de la década de 2000 cobraran los foto-reporteros de guerra asalariados se ha convertido ahora en cobros por servicios prestados de forma autónoma. Ello implica asumir de forma individual todos los gastos de desplazamiento, manutención, visados y equipamiento, muchas veces a cambio de nada.

Porque vender este tipo de fotografías no siempre es fácil ni resulta rentable. En la profesión existen grandes diferencias entre países: muchos reporteros españoles que trabajan en la actualidad en zonas de conflicto como Siria, Irak o Afganistán denuncian que sus trabajos son mucho mejor reconocidos por los medios internacionales que por los nacionales.

Cadáver en la morgue de Gaza (2013)

Fotografía tomada por Miguel Ángel Sánchez en la morgue de Gaza tras una operación militar del ejército israelí en el año 2013. En la intervención murieron 170 palestinos. Fotografía integrada en la exposición Upfront.

Según Gervasio Sánchez, fotógrafo y periodista especializado en cubrir conflictos armados, “es  imposible sobrevivir si solo trabajas con medios españoles”. Antonio Pampliega, periodista español desplazado a Afganistán, Haití, Líbano y Siria, va más allá y denuncia que los diarios nacionales solo le han ofrecido publicar sus trabajos a cambio de “reconocimiento profesional”.

→Ver video “Paying to go to war”. Asma Films. Duración: 07:30 minutos. En el documental Antonio Pampliega expone la cruda situación laboral a la que se enfrentan los foto-reporteros de guerra españoles en la actualidad.

PAYING TO GO TO WAR from Asma Films on Vimeo.

Manu Brabo, foto-reportero español ganador de un Pulitzer, se lamenta de que haya  “más presupuesto para un partido del Mirandés que para comprar una crónica desde Kandahar”.

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Photoespaña 2015. Exposición Develar y detonar

5 Jul

Agenda cultural. Hasta el 30 de agosto de 2015

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Exposición Develar y Detonar

Entrada a la exposición “Develar y detonar” en el CentroCentro Cibeles de Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Latinoamérica es el objeto de la realidad que captan las cámaras fotográficas de Photoespaña 2015. Y en la complejidad de un continente poblado de luces y sombras, aparecen imágenes a contraluz, en blanco y negro, algunas desenfocadas y otras en primer plano de la actualidad. La exposición Develar y detonar se centra en descubrir bajo otras miradas a México, un país que en los últimos tiempos ha sufrido todo tipo de transformaciones  políticas y sociales.

De los casi cuatrocientos participantes de Photoespaña 2015, cincuenta y dos artistas mexicanos forman parte de Develar y detonar, una exposición que pretende no solo llamar la atención sobre la actualidad social de México sino también provocar una reacción en el espectador. Algo que sin duda alguna consigue.

Paisajes de Sinaloa

“Paisajes de Sinaloa”. Copyright: Marcela Rico. Para la fotógrafa Marcela Rico, las montañas de Sinaloa son un espacio propio para la reflexión social: “Sinaloa es una llama ardiente de relatos publicables: se viven múltiples pasiones humanas en el campo, en sus ciudades, en la manera en que se habla del arte, de la muerte, de las desapariciones, de los actos políticos”. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

La descripción gráfica del México más violento y desolador impacta en el visitante tanto en las obras de gran formato como a través de las video proyecciones que narran historias de desparecidos y silenciados por los que detentan el poder fáctico en el país invitado.

Mural José Luis Cuevas

Mural dedicado a la obra del fotógrafo José Luis Cuevas, perteneciente a la generación alternativa de artistas gráficos de México. Cuevas está considerado un autor de culto, experto en temas documentales y en retratar lo que el denomina “pseudoespiritualidad” (nuevas deidades, brujería, ufología). En la imagen, Sin título, 2009-2014. Copyright: José Luis Cuevas. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Pero también hay espacio para exponer al público europeo las tradiciones culturales, ancestrales o más cercanas en el tiempo, que sorprenden por lo insólito, kirsch y en ocasiones cómico de las situaciones.

"Los panzudos mercedarios"

Guardianes de la memoria. Azucena 2014. Copyright: Diego Moreno. El autor ilustra en una serie completa la tradición de los “panzudos mercedarios”, guardianes del barrio de la Merced en Chiapas. Moreno expresa la multiplicidad de supersticiones y creencias -prehispánicas, católicas – que conviven en México a través de estas figuras tradicionales que representan los pecados capitales. Cuantas más faltas haya que expiar, más terrorífica y grande será la figura. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

El realismo social que surge de las instantáneas de Develar y Detonar muestra un país contradictorio, capaz de acoger en su seno a muy diversos tipos de individuos. Unos que  intentan escalar puestos en la escala social adoptando estereotipos foráneos (como en la serie  dedicada a las celebridades femeninas mexicanas teñidas de rubio), otros capaces de resignarse a su suerte y finalmente, aquellos que solo buscan expresar libremente su condición social (impactante la serie dedicada a los travestidos latinoamericanos con discapacidad).

→Ver vídeogalería. Exposición Develar y detonar en imágenes. Fuente: Vimeo. Duración: 45 segundos.

Develar y Detonar. Fotografía en México, ca. 2015 from Centro de la Imagen on Vimeo.

De Develar y detonar destaca la diversidad de obras  procedentes de fotógrafos con distinta trayectoria profesional e influencias  artísticas que han sido capaces de construir un fenomenal puzzle social, en ocasiones hiperrealista y en otras, más propio de un mundo de fantasía, muy cercano a lo onírico.

Sin título, de Koral Carballo.

Sin título, de la serie “El último día del mundo”, 2014. Copyright: Koral Carballo. La autora, antigua fotoperiodista, refleja la realidad más dramática de México a través de metáforas, símbolos y alegorías. La fotografía de Carballo, considerada de autor, pretende impulsar una reflexión sobre el mundo en el que vivimos. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Pero sobre todo,  la exposición da la oportunidad de conocer en profundidad la trastienda de un país complejo más allá de la visión oficial, tradicional o turística que se suele dar a conocer por otras vías de expresión común.

→Ver vídeo. La exposición Develar y detonar explicada por sus organizadores. Fuente: You Tube. Autor: Notimex Tv. Duración: 01:51 minutos.

 

+ info:

→Photoespaña 2015. XVIII ª edición. Del 03 de junio al 30 de agosto de 2015. Exposiciones de fotografía a lo largo de toda la geografía española. El tema elegido para acoger la actual edición es Latinoamérica.

→Exposición Develar y Detonar. Del 03 de junio al 30 de agosto de 2015. Centro cultural CentroCentro Cibeles Madrid. Plaza de Cibeles, 1. Madrid. Martes a domingo: de 10:00 a 20:00. Entrada libre.

La exposición está comisariada por el colectivo Hydra y organizada por la Fundación Televisa, el Centro de la Imagen, PHotoEspaña y CentroCentro Cibeles. Cuenta con la colaboración de la Agencia Mexicana de Cooperación Internacional para el Desarrollo.

Exposición. Stephen Shore o el espíritu de la contradicción

19 Nov

Últimos días. Hasta el 23 de noviembre.

Autora: Samia Benaissa Pedriza

“U.S. 97, Sur de Klamath Falls, Oregón (1973)”. Stephen Shore.

“U.S. 97, Sur de Klamath Falls, Oregón (21 de Julio de 1973)”. Stephen Shore. Fuente: http://www.ruralc.com (Licencia CC).

Stephen Shore es un rebelde, le gusta nadar a contracorriente en la marea de tendencias y modas instauradas desde que la fotografía se convirtió en arte, allá mediados los setenta. Aunque el carácter alternativo de Shore se manifestó bastante tiempo atrás. La Fundación Mapfre ofrece la primera retrospectiva del artista en España con una muestra de 300 obras expuestas cronológicamente desde los años sesenta hasta la actualidad. El recorrido es extenso e incluye tanto la producción más reconocida de Shore como fotografías inéditas.

La rebeldía de Shore podría también interpretarse como exceso de creatividad. A los nueve años descubrió tempranamente su vocación y con solo 14 catorce logró que el MOMA (Museo de Arte moderno de Nueva York) le comprase tres fotografías. Entre 1965 y 1967 trabajó para la Factory de Andy Warhol. Y es posible que fuese allí donde encontró la inspiración para sus primeras series fotográficas. “Me atraen las variaciones sobre un mismo tema” afirma Shore, que en su día también fue técnico de iluminación de los conciertos de The Velvet Underground.

La obra más reconocida de Stephen Shore American Surfaces (1971-1972) y Uncommon Places (1973-1981) ocupa un lugar central en la exposición. Shore sorprendió a los puristas con estas series de imágenes de tipo amateur, de apariencia común y corriente sobre objetos y espacios de la vida cotidiana estadounidense. La  “Snapshotness”, término inventado por Shore para referirse a esas tomas fotográficas, no obtuvo buenas críticas en los setenta. En aquella época Shore hacía justo lo contrario que los demás fotógrafos, mucho más preocupados por reivindicar la fotografía artística. Utilizaba cámaras de 35 mm como todos, pero también cámaras de gran formato para lograr fotografías en color que, por su dificultad, le obligaban a hacer una sola toma.

“Beverly Boulevard y La Brea Avenue, Los Angeles, 1975”. Stephen Shore.

“Beverly Boulevard y La Brea Avenue, Los Angeles, 21 de junio de 1975”. Stephen Shore. Fuente: http://www.futuropasado.com (Licencia CC).

“Sunset Drive In, West 9th Avenue, Amarillo, Texas, 1974”. Stephen Shore.

“Sunset Drive In, West 9th Avenue, Amarillo, Texas, 1974”. Stephen Shore. Fuente: http://www.ruralc.com (Licencia CC).

Posteriormente en la serie Winslow, Arizona, realizada ya con cámaras digitales, Shore decidió que la comodidad no le motivaba y  que seguiría poniéndose a prueba haciendo una sola toma para capturar imágenes. Una actitud tan genial como la reflejada en las tomas únicas de las películas de Woody Allen.

Para elaborar American Surfaces  viajó por Estados Unidos durante 18 meses. “A los dos días de empezar el viaje me di cuenta de que le estaba haciendo fotos a lo que comía, a las camas en las que dormía. Estaba haciendo un diario”. Algo quizá no tan alejado de las fotografías de la gente común colgadas a diario en las redes sociales, pero con 40 años de antelación.

“Habitación 125, Westbank Motel, Idaho Falls, Idaho (18 de julio de 1973)”. “Uncommon Places”. Stephen Shore.

“Habitación 125, Westbank Motel, Idaho Falls, Idaho (18 de julio de 1973)”. Pertenece a la serie “Uncommon Places”. Stephen Shore. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

“Carretera Federal 89, Arizona, junio de 1972” Stephen Shore. “American Surfaces”.

“Carretera Federal 89, Arizona, junio de 1972” Stephen Shore. De la serie “American Surfaces”. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

Uncommon Places, publicada como monografía en 1982 se convirtió en el libro de cabecera sobre el color de los fotógrafos profesionales. Shore utilizaba cámaras Leica y Nikon. En la colección de postales Greetings from Amarillo, Tall in Texas (1971) mostró diez imágenes sobre lugares desconocidos de la ciudad de Amarillo. En Florida fotografió una icónica imagen acuática (Ginger Shore Causeway Inn, Tampa, Florida, 1977) y en Road Trip Journal  capturó, en sus numerosos viajes por la geografía estadounidense, múltiples espacios y objetos aparentemente irrelevantes (tickets, facturas, neveras, cuartos de baño, habitaciones de hotel, etc.). Algunas composiciones recuerdan inevitablemente a los cuadros del pintor Edward Hopper. Pura imaginería pop.

“Ginger Shore, Causeway Inn, Tampa, Florida” (Stephen Shore, 1977). “Uncommon Places”.

“Ginger Shore, Causeway Inn, Tampa, Florida” (Stephen Shore, 1977). Pertenece a la serie “Uncommon Places”. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

“Greetings from Amarillo” (Stephen Shore, 1971).

“Greetings from Amarillo” (Stephen Shore, 1971). Fuente: www. pasadofuturo.com (Licencia CC).

En 1980 el artista se fue a vivir a Montana y abandonó las representaciones de paisajes urbanos para dedicarse a fotografiar espacios naturales y rurales (serie de Essex County). Shore se marcó el reto de lograr perspectivas que ya no se podían lograr con las formas arquitectónicas de la ciudad.  Por el contrario, Shore la busca ahora en elementos naturales (rocas, acantilados, carreteras, líneas del horizonte, etc.).

Paisajes rurales de Stephen Shore en la Fundación Mapfre de Madrid.

Paisajes rurales de Stephen Shore en la Fundación Mapfre de Madrid. Fuente: http://www.ruralc.com (Licencia CC).

En 1990, de nuevo a contracorriente de la moda vigente hace dos décadas, decidió fotografiar solo en blanco y negro durante un plazo de diez años.  Y Shore cumplió su promesa, precisamente él  que había sido un maestro del color. De vuelta en Nueva York  fotografío algunas panorámicas de la ciudad en la serie New York City  (2000-2002) aunque, una vez más, lo hizo a su modo, con una cámara de placas como técnica alternativa.

Panorámicas de Nueva York en la Fundación Mapfre. Stephen Shore.

Panorámicas de Nueva York en la Fundación Mapfre. Stephen Shore. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

“Nueva York, NY, 2000-2002”. Stephen Shore.

“Nueva York, NY, 2000-2002”. Stephen Shore. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

Ya en pleno siglo XXI Shore dedicó una serie, Ucrania (2012-2013), a los judíos ucranios refugiados en el Este tras el Holocausto. Una vez más el artista se centró en los objetos en lugar de en los sujetos. “Era la primera vez que me enfrentaba a una temática con tanta carga emocional. El problema era hacer fotografías que comunicaran ese nivel emocional pero que no lo explotasen“. Como en el pasado, ni dramas ni sentimentalismos que pudieran desprenderse de sus fotografías.

Fotografía de la serie “Ucrania” (2012-2013). Stephen Shore.

Fotografía de la serie “Ucrania” (2012-2013). Stephen Shore. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

En la actualidad, Stephen Shore está inmerso en un proyecto fotográfico en Instagram. Algo que considera coherente con su trayectoria, porque “si quitas los 30 años utilizando la 8×10, siempre me han atraído las formas populares de comunicación“. Y Shore afirma: “no quiero seguir creando una obra sin plantearme otro desafío. Hay una parte de mí que cuestiona las tendencias y los convencionalismos”. Genio y figura.

Stephen Shore en Madrid.

Stephen Shore en la presentación de su retrospectiva en la Fundación Mapfre. Fuente: http://www.ruralc.com (Licencia CC).

+ info:

Retrospectiva de Stephen Shore en la Fundación Mapfre. C/ Bárbara de Braganza 13. Madrid. Hasta el 23 de noviembre. Horario: lunes, de 14:00 a 20:00. Martes a sábado: de 10:00 a 20:00. Domingo y festivos: de 11:00 a 19:00. Entrada libre.

Visita virtual de la exposición Stephen Shore en la Fundación Mapfre.

¿Qué hacen Lady Gaga y Rihanna, Bono, los Rolling y Bon Jovi juntos en Madrid?

1 Mar

Los artistas más relevantes de la escena musical mundial posan unidos en Foto Rock

Últimos días. Hasta el 09 de marzo.

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Cartel de la exposición "Foto Rock"

La exposición “Foto Rock” exhibe fotografías de estrellas del rock tomadas en España desde hace casi tres décadas. En la imagen, Bono de U2. Copyright: Domingo J. Casas. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

En los años ochenta el acetato de celulosa sirvió para inmortalizar instantes únicos de la historia del rock en España. Conseguir que los Rolling Stones, U2 o Madonna vinieran a tocar al país hace tres décadas se consideraba un reto casi titánico. Y no digamos fotografiar a los grandes entre los grandes del universo del rock. Ahora que el mundo ha cambiado, puede parecer baladí exponer una colección clásica de instantáneas de gigantes del rock cuya imagen cualquiera puede capturar hoy fácilmente en el proceloso mundo de las redes sociales.

Pero hay momentos tan intensos que solo se pueden apresar en directo interactuando con el público. La presencia de Domingo J. Casas, el autor de las fotografías, en esos conciertos que marcaron una época ha permitido captar y difundir unas imágenes que casi se oyen, se sienten y se disfrutan como si el espectador hubiera estado allí.

Miley Cyrus, Lady Gaga o Rihanna también han querido formar parte de esta muestra de fotografías de Domingo J. Casas donde solo están los grandes de verdad. El autor ha inmortalizado momentos históricos de la música que han tenido como escenario ciudades como Madrid o Barcelona: la “movida madrileña” de los ochenta, Madonna en los noventa con una camiseta colchonera en el Vicente Calderón o los conciertos más recientes de los últimos meses de estrellas consagradas como Bon Jovi, Muse o Depeche Mode.

Gahan, Richards, Bunbury, Loquillo, Dani Martin, Nacha Pop

A la izda., Dave Gahan en un momento del directo de Depeche Mode en Madrid en febrero de 2014. Abajo, Nacha Pop, grupo español de los ochenta. En el panel central, Keith Richards. A la dcha., Enrique Bunbury y Loquillo. Abajo, el solista Dani Martin. Copyright: Domingo J. Casas. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Muse, Imagine Dragons, David Bowie

A la izda., los grupos Muse e Imagine Dragons durante su último concierto en España en diciembre de 2013. A la dcha., David Bowie. Copyright: Domingo J. Casas. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

 

Amy Whinehouse y Michael Jackson

Los artistas fallecidos Amy Whinehouse y Michael Jackson también actuaron en España. Copyright: Domingo J. Casas. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Las más de cuarenta fotografías de la muestra Foto Rock se exhiben en gran formato y logran reunir en un mismo espacio a artistas tan difíciles de imaginar juntos como Anthony Kiedis de los Red Hot Chili Peppers y Fito, de Fito y Fitipaldis. Elton John y Luz Casal también aparecen juntos, entre otras asombrosas asociaciones, aunque Madonna y Lady Gaga posen separadas, no sea que salten chispas.

Kiedis, Knopfler, Clapton, Rihanna

De izda. a dcha., Anthony Kiedis en Madrid en 1994 y Mark Knopfler junto a Eric Clapton en directo en la misma época. Abajo, la cantante Rihanna. Copyright: Domingo J. Casas. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Elton John, Luz Casal, Bon Jovi

A la izda., Elton John y la cantante española Luz Casal. A la dcha., Jon Bon Jovi en directo desde el estadio Vicente Calderón de Madrid el 27 de junio de 2013. Copyright: Domingo J. Casas. Autora: Samia Benaissa.

+ info:

Foto Rock. Del 07 de febrero al 09 de marzo de 2014. Centro comercial Gran Vía de Hortaleza. c/ Gran Vía de Hortaleza s/n. Madrid. Entrada libre. Horario: lunes a domingo de 09:00 a 22:00 horas.

Ver colección completa de estrellas del rock incluidas en la exposición Foto Rock.