Cultura

Comanchería. Crítica de cine

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Fotograma de “Comanchería”

Fotograma de “Comanchería”. Fuente: Internet.

Sabemos que Jeff Bridges es un grandísimo actor. También que se le da especialmente bien interpretar a tipos rarunos del medio oeste americano, maniáticos y extravagantes. Lo que no era notorio es lo soberbio que puede llegar a resultar Ben Foster, su antagonista, que literalmente se sale de la pantalla en Comanchería. Un título algo pasado de rosca para un film que no es una película de carretera pero lo parece, cuenta algo más que una mera historia de policías y ladrones y bebe directamente del más puro western americano.

Chris Pine también lo borda. Aunque le haya tocado hacer de hermano “bueno” en esta versión anticapitalista de Caín y Abel. El argumento en realidad es bastante conocido: dos hermanos agobiados por las deudas familiares y ante el inminente embargo de sus tierras deciden atracar al banco que les quiere desahuciar. “No conozco a nadie que se libre de nada. Nunca”, le dice Ben Foster a Chris Pine en un bar de carretera. Lo que nos haría visualizar un final anunciado, o no, porque en esta historia de perdedores nada es lo que parece.

→ Trailer de Comanchería. Fuente: You Tube

De Hell or High Water, su más acertado título original, destacan no solo las excelentes interpretaciones, sino también los diálogos (entre hermanos, entre Rangers de Texas y entre la gente corriente empobrecida por la crisis económica), la fotografía, la música y en especial, los encuadres. Tanto que gracias a ellos el espectador cree estar participando en la acción al mismo nivel que los protagonistas.

Fotograma de Comanchería

La conversación que trascurre en el interior de un bar de pueblo entre los Rangers de Texas -Marcus Hamilton (Jeff Bridges) y Alberto Parker (Gil Birmingham)- y la anciana camarera del local es memorable. Fuente: Internet.

En Comanchería se muestra una versión muy diferente de los Estados Unidos actuales, sin tecnología punta ni interconexiones permanentes, con coches que están para el desguace, zonas industriales en declive y gente pobre bastante cabreada con el sistema. Por un momento casi  se llegar a comprender el perfil de votantes de Donald Trump.

→Clip del tema instrumental “Comanchería”, compuesto para la película por Nick Cave y Warren Ellis. Fuente: You Tube.


El concepto del bien y del mal es relativo en este thriller y el objetivo que se persigue tiene más que ver con hacer justicia poética que con castigar a los que incumplen la ley. Para Toby Howard (Chris Pine) lo importante es que sus hijos no hereden su condición de pobreza, que no es solo un estado pasajero sino un estigma social del que resulta difícil escapar.

Comanchería, que también designa el sudeste de Texas en el que los comanches son “enemigos de todos” (véase otro diálogo para recordar), es un thriller que disfrutarán más los amantes de las historias que se cuecen a fuego lento, los que saborean cada plano y cada nota de la banda sonora que los que acuden al cine pertrechados con palomitas. Comanchería es en definitiva un regalo para la vista y el oído y uno de los filmes más destacados del año. Imprescindible.

Valoración: 4/5 estrellas

+ info:

Cartel de “Comanchería”.

Cartel de “Comanchería”. Fuente: Internet.

Comanchería es un film estrenado en España el 31 de diciembre de 2016, dirigido por David Mackenzie, con guion de Taylor Sheridan y música compuesta, entre otros, por Nick Cave y Warren Ellis. La producción ha sido nominada a los Globos de Oro de 2017 en las categorías de mejor película (drama), guion y actor secundario (Jeff Bridges).

 

 

 

 


Exposiciones

Remero con sombrero de copa

“Remero con sombrero de copa” (1878). Gustave Caillebotte. Copyright: RMN-Grand Palais.

Arte. Renoir: intimidad

Arte. En defensa de Gustave Caillebotte

Fotografía. Tras los pasos de Inge Morath

Arte. “Lo nunca visto”

Literatura. Julio Verne y el poder de la imaginación


Música

Imagen promocional de Red Hot Chili Peppers para la presentación de “The Getaway”, su último álbum de estudio. Fuente: Twitter de RHCP.

Imagen promocional de Red Hot Chili Peppers para la presentación de “The Getaway”, su último álbum de estudio. Fuente: Twitter de RHCP.

Efeméride. The Doors editan su primer álbum de estudio. 50 aniversario

Concierto. Diario de un directo: Red Hot Chili Peppers en Madrid

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Homenaje. Adiós a Prince: cuando las palomas lloran bajo una lluvia púrpura


Dylan, el Nobel y la palabra en movimiento

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bob Dylan en su etapa eléctrica.

Bob Dylan a mediados de los sesenta en su etapa eléctrica. Fuente: Pete Townsend/Flickr (Licencia CC).

Los temas que Bob Dylan escribió en los sesenta han acabado convertidos en pura literatura gris que amenaza ahora con blanquearse tras la concesión del Premio Nobel de Literatura al célebre cantautor de Minnesota. La reacción del autor de Like a Rolling Stone ha sido paradójicamente explícita porque los cuatro días que lleva sin querer hablar con los miembros de la Academia sueca que concede los premios son más que elocuentes.

Que a Bob Dylan le concedan el galardón más importante con que se reconoce a los mejores escritores del mundo probablemente le resultará indiferente. Obviamente él siempre ha sido un hombre de letras, las de sus canciones protesta, el autor de inmensos versos airados por la injusticia social y el abuso de los poderosos. Temas universales que siguen, para bien o para mal, de plena actualidad. Dylan se ha alejado de la polémica entre los que no entienden el premio -los literatos y su ortodoxia- y los que lo celebran -no en vano es el primer cantautor que lo recibe en la historia de los Nobel-.

¿Por qué el género poético?

Que Bob Dylan haya resultado ganador del Nobel en esta última edición de los premios ha sido sorprendente no solo por tratarse de un músico sino porque su producción artística se encuentra más emparentada con el verso que con la prosa. Cuando Dylan estaba en el cénit de su carrera se animó a escribir una novela inspirada en los temas que centraban su música, pero el resultado no estuvo a la altura de las expectativas. La crítica destrozó Tarántula (1971) y su autor no volvió a retomar el puso a la narración hasta 2004 cuando se decidió a publicar sus memorias en Chronicles Volume I.

Lo cierto es que la poesía no ha resultado demasiado premiada por el comité que decide la concesión de los premios Nobel y en la actualidad sigue sin ser un género demasiado popular. Como apunta acertadamente el escritor Javier Marías, “puede que la poesía solo sobreviva como letras de canciones. En la medida en que las letras de canciones pueden ser poesía a veces” (Diario El País 16.02.2015). Si así fuese, Dylan sería sin duda el primero en llevarse todos los honores.

→Vídeo. El célebre Subterranean Homesick Blues, del quinto álbum de Dylan Bringing it all back home (1965). Fuente: Vevo/You Tube.

¿Por qué Dylan?

Bob Dylan es uno de esos autores privilegiados capaces de describir con naturalidad situaciones vitales con un torrente de palabras en movimiento. Su peculiar fraseo es claramente reconocible -a pesar de las imitaciones-, pero reconozcamos que sin la guitarra y la voz del genio nada adquiere un significado completo.

La Academia sueca lo valora por “haber creado nuevas expresiones poéticas en la gran tradición de la canción americana”. Algo que parece evidente para  todo tipo de públicos desde que Dylan es Dylan, aunque haya sido el álbum Blonde on Blonde (1966) el definitivo para la concesión del Nobel según afirma Sara Danius, Secretaria de la Academia. Un trabajo que surgió cuando el de Minnesota decidió poner punto y final a su etapa como máximo exponente de la canción protesta y de la contracultura en Estados Unidos.

No sé cómo escribí esas canciones. Me trato de sentar y escribir algo como eso. Lo hice alguna vez y puedo hacer otras cosas ahora, pero eso ya no lo logro“. (Bob Dylan, BBB World. 2004)

Lo que Dylan hizo en realidad fue introducir la intelectualidad en el folk, el rock y el pop. A mediados de los sesenta los poetas beat alcanzaron un presencia significativa en los círculos literarios estadounidenses y su influencia se extendió hasta la escena musical del momento y de los años inmediatamente posteriores. El mundo poblado de imágenes de escritores como Charles Bukowski y Jack Kérouac o poetas como Allen Ginsberg se plasmó en los versos que acabó coreando toda una generación. Como Dylan, también Jim Morrison escribió poesía en varios libros que fueron escasamente reconocidos. Leonard Cohen, otro grande, lo intentó como novelista y poeta pero fracasó igualmente y prefirió centrarse en escribir composiciones folk, mucho mejor recibidas por crítica y público.

Bob Dylan y Allen Ginsberg

Bob Dylan y el poeta “beat” Allen Ginsberg en 1975. Autora: Elsa Dorfman. Fuente: Wikipedia (Licencia CC).

Dylan fue el primero, pero después fueron llegando más, todos ellos influidos en mayor o menor medida por el original: Tom Waits, Patti Smith (“Bob Dylan era como Arthur Rimbaud en directo, pero en mi época. Le dio voz a tantas cosas: políticamente, poéticamente, tenía tanto magnetismo”), Nick Cave o Bruce Springsteen. Sobre Dylan,  Springsteen ha afirmado en su reciente autobiografía que le dio esperanzas porque “formulaba las preguntas que todos temían hacerse, en especial un chico de quince años: ¿How does it feel … to be on your own?”.

→Vídeo. Bruce Springsteen y Bob Dylan interpretan a dúo Forever Young, un tema de Dylan de 1974. Fuente: You Tube.

¿Por qué ahora?

Aunque secundemos a Joaquín Sabina, que opina que el Nobel le llega tarde a Bob Dylan, puede que la Academia sueca haya acertado en esta 109 edición de los premios al reconocer como género literario al arte de escribir canciones. Una expresión de la cultura popular del siglo XX que por fin alcanza el estatus que se merece. ¿O es que acaso los textos recitados o cantados con talento no dignifican las palabras? La veda se ha abierto con el maestro, Robert Allen Zimmerman. Esperemos que no haya que esperar otros cien años para sumar otro músico a la ilustre lista de premiados.

+ info:

A Bob Dylan se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en el año 2007 por ser un “mito viviente en la historia de la música popular y faro de una generación que tuvo el sueño de cambiar el mundo” y que “conjuga la canción y la poesía en una obra que crea escuela y determina la educación sentimental de muchos millones de personas”, según el jurado de la Fundación Príncipe de Asturias.

Dylan no asistió a la entrega de premios pero al contrario de lo que está ocurriendo con el Nobel, sí agradeció el premio con el siguiente comunicado: “Permítanme agradecer al Rey, al príncipe Felipe y a los españoles el haberme concedido el Premio Príncipe de Asturias. Soy consciente del enorme prestigio que este premio proporciona, así como también de la larga lista de ilustres galardonados. Es realmente un gran honor. Lamentablemente, no puedo estar ahí para recibir el premio en persona, pero espero regresar pronto a España para manifestar mi gratitud por este galardón“.

Bob Dylan no ha sido nunca galardonado con el premio Príncipe de Asturias de las Letras, de naturaleza fundamentalmente literaria y que sí obtuvo Leonard Cohen en 2011. El trovador canadiense donó 50.000 euros del premio para crear una cátedra en su nombre en la Universidad de Oviedo con la finalidad de crear “un lugar de encuentro entre la poesía y la música”.


The Rare Sound Machine en directo

Autora: Samia Benaissa Pedriza

The Rare Sound Machine en directo

The Rare Sound Machine en directo. Fuente: Facebook The Rare Sound Machine.

The Rare Sound Machine (TRSM) llevan un tiempo girando por distintos festivales y salas de espectáculos de España con motivo de la presentación de su último EP, Physical release, una compilación de sus dos últimos trabajos, Music for the Masses (2015) y Upcoming Next Fall (2010).

The Rare Sound Machine son un grupo de rock instrumental que ha sonado en Radio 3 (RNE) entre las bandas más emergentes del post-rock nacional como Toundra o Jardin de la Croix. Aunque el grupo mantiene una individualidad estilística, con temas que beben de distintas fuentes, desde el rock progresivo clásico de los setenta hasta el hard rock de Led Zeppelin o el post-grunge de los últimos noventa.

Tras ganar varios concursos, la banda tuvo la oportunidad de actuar ante cientos de seguidores en el festival 22 Villa de Bilbao, un evento que en los últimos tiempos tiene por objetivo reunir a las bandas de rock alternativo con mayor proyección del panorama musical nacional.

→The Rare Sound Machine en el festival 22 Villa de Bilbao (2010). Fuente: You Tube

Sonido cien por cien directo

El sonido de TRSM, diferenciado por fraseos elaborados, ritmos sincopados y estribillos a veces metaleros y otras hipnóticos, se fragua en las sesiones de ensayo y se pule en el estudio de grabación. Para el registro y mezclas de los EPs que integran Physical Release la banda confió en los madrileños XTudios y Reno Studios mientras que  la masterización se llevó a cabo en Estados Unidos y Suecia.

En el estudio de grabación

Proceso de grabación de “Intrañable” (del EP “Upcoming Next Fall”). Fuente: You Tube

La imaginación al poder

The Rare Sound Machine se autoeditan y producen, lo que les permite disfrutar de una libertad creativa que se expresa tanto en  la composición  y edición de los temas como en el diseño de sus álbumes.

Las portadas de los discos de The Rare Sound Machine se inspiran en conceptos claramente referenciales y poseen un denominador común: una sombría decadencia de cuerpos y objetos que parecen estar a punto de desintegrarse.  La banda ha recurrido a distintos colaboradores gráficos para idear los llamativos covers de sus tres Eps, entre ellos María Durán Montes y  Sebas Bautista de Nooirax Producciones.  Todos ellos cuidadas creaciones que expresan con fidelidad la personalidad de la banda.

"Physical Release"

El diseño gráfico de “Physical Release” (2016) corrió a cargo de María Durán Montes. Fuente: The Rare Sound Machine.

 “Music for the Masses” (2015)

La portada de “Music for the Masses” (2015) fue diseñada digitalmente por Sebas Bautista. Fuente: Facebook Sebas Bautista y The Rare Sound Machine.

"Upcoming next fall" y "Beauty machines"

Rubén García López se encargó del art work de “Upcoming Next Fall” (2010). A la derecha, el anverso de “Beauty machines” (2009). Fuente: The Rare sound Machine.

 Próximos directos

The Rare Sound Machine han actuado en el Creepy Horror Fest (Ponferrada) y en Delia Records, la tienda de discos de Madrid que distribuye en formato físico y en exclusiva sus últimos trabajos. Además la banda ya prepara nuevas actuaciones para los próximos meses. La siguiente gran cita tendrá lugar el próximo 13 de mayo en el Allatoo Fest, donde TRSM tocaránjunto a Böira, About.Will y Man is not a bird.

→The Rare Sound Machine en directo (Sala Wurlitzer Ballroom. Madrid, 2016). Fuente: You Tube

+ info:

The Rare Sound Machine. Fuente: Facebook de la banda.

The Rare Sound Machine. Fuente: Facebook de la banda.

The Rare Sound Machine está formada por Álvaro Díez (guitarra), Jorge G. Gombau (bajo) y Karim Benaissa (batería), un trío de instrumentistas residentes en Madrid. Sus integrantes cuentan con un amplio background musical adquirido individualmente en formaciones anteriores.

 

The Rare Sound Machine en directo

Actuación en directo de The Rare Sound Machine. Fuente: Facebook TRSM.

El grupo lleva ocho años en activo. En el año 2010 decidieron hacer un parón transitorio para dedicarse a otros proyectos (el batería de The Rare Sound Machine también forma parte de la banda de rock Rebel Jack). TRSM han editado dos videoclips: Los hijos de Susana (inédito) y  Stonaco Minamata (del EP Music for the Masses).

 

→Sitio web de The Rare Sound Machine

Facebook de la banda

→Canal en You Tube

→Play list (streaming):


David Bowie: se apaga una estrella

Autora: Samia Benaissa Pedriza

David Bowie en directo (1976).

David Bowie en directo desde el O´Keefe Center (Toronto, Canadá) en febrero de 1976. Fuente: Jean Luc Ourlin (Licencia CC).

Que David Bowie falleciera dos días después de lanzar su 25 álbum de estudio ha generado una corriente de opinión mayoritaria sobre el disco alejada en parte de la realidad. Porque Blackstar no se percibe como un legado o un testamento musical, sino más bien como otra novedosa creación de Bowie en estado puro.

“Las palabras y temáticas que siempre he elegido para escribir son el aislamiento, el abandono, el miedo, la ansiedad y los puntos culminantes de la vida de uno”, decía Bowie. Y en Blackstar hay bastante de todo eso y alguna cosa más. Porque musicalizar la propia crónica de una muerte anunciada puede considerarse un acto extraordinario y, sin duda alguna, uno de esos momentos cumbre de la vida privada de un individuo. Sobre todo si uno se llama David Bowie.

Desde finales de los sesenta Bowie ha experimentado con casi todo y casi siempre con éxito. Aunque los años ochenta fueron difíciles desde un punto de vista comercial y creativo. Su mayor reconocimiento en aquella época lo alcanzó en colaboración con otros artistas. Let´s dance (1983) la escribió junto a Nile Rodgers, Under Pressure (1981) fue un hit a dúo con Freddy Mercury y con Mick Jagger cantó Dancing in the Street (1985). En los noventa fundó una banda de corto recorrido, Tin Machine, con más pena que gloria, al tiempo que se adentraba en los senderos farragosos de la música electrónica.

→Vídeo Space Oddity (1969). Fuente: You Tube. El primer vídeo promocional del tema Space Oddity -el primer gran éxito de Bowie- se comprende dentro un contexto histórico particular: el lanzamiento del single –julio de 1969- coincidió con la fecha exacta de la llegada del hombre a la luna. Para los puristas, existe otro videoclip oficial lanzado en el año 1972 rodado ya con una marcada estética glam.

→Vídeo Heroes (1977). Fuente: You Tube. Uno de los mejores temas de Bowie fue compuesto durante su exilio en Berlín, cuando el británico buscaba desintoxicarse por su adicción a las drogas. Narra la historia de amor imposible entre dos alemanes separados por el muro de Berlín. En esta ocasión Bowie interpreta el tema en directo.

Sin esperarlo, Bowie se despidió de los escenarios internacionales en el año 2004. Con toda seguridad, a su pesar, porque lo que le apartó de la vida pública no fue el hastío o la falta de inspiración sino un infarto de miocardio que le fulminó en la parada alemana de su última gira mundial, A Reality Tour. Su última aparición actuando frente a un público fue junto a la cantante Alicia Keys en un acto benéfico celebrado en el año 2006.

David Bowie en familia.

David Bowie junto a su hijo el cineasta Duncan Jones en el año 2009 en el festival de cine de Tribeca (Nueva York). A la dcha., la segunda esposa de Bowie, la exmodelo Iman, con la que llevaba casado 23 años. Desde el año 2004 el cantante se dedicó en exclusiva a su familia. Fuentes: Wikipedia-David Shankbone (Licencia CC).

Última actuación pública de David Bowie.

Última actuación pública de David Bowie en noviembre de 2006 junto a la cantante estadounidense Alicia Keys. Fuente: Internet.

Desde entonces Bowie permaneció en silencio y presuntamente retirado hasta que hace tres años sorprendió a sus seguidores con una nueva producción –The Next Day– en la que mezclaba distintos estilos musicales con un claro predominio rockero. Pero en Blackstar, lanzado el día que el artista cumplía 69 años, hay un deliberado alejamiento del rock. Según Tony Visconti, el legendario productor de Bowie, se trataba de hacer un disco nuevo, con influencias jazzísticas pero sin ser un disco de jazz.

→Vídeo Lazarus (2016). Fuente: You Tube. Segundo sencillo del álbum Blackstar. El tema ha inspirado un musical homónimo estrenado en diciembre de 2015, antes de la salida del disco. En el vídeo Bowie recita: “Estoy en el cielo. Tengo cicatrices que no se pueden ver. Un drama que no puede ser robado. Voy a ser libre como el pájaro azul”.

David Bowie se ha ido en un mes aciago para la música. Su desaparición se suma a las de Scott Weiland (Stone Temple Pilots) y Lemmy Kilmister (Motörhead), curiosamente también fallecido cuatro días después de su cumpleaños, a causa de un cáncer y con el último disco de su banda recién horneado. Quizás es lo que suponga ser una estrella del rock: morir accidentalmente a los 27 dejando un hermoso cadáver, o extinguirse repentinamente por un cáncer aniquilador a los 70. El “rey del glam”, el “duque blanco” y Ziggy Stardust han disipado su luz terrenal pero Bowie siempre será una supernova en el firmamento de las estrellas del rock.

+ info:

David Bowie falleció por sorpresa para sus seguidores el 10 de enero de 2016 a consecuencia de un cáncer de hígado que el artista había decidido mantener en secreto.

→Sin previo aviso (tal y como ocurriera con el álbum The Next Day), dos días antes y coincidiendo con su 69 cumpleaños, salió al mercado el 25º y último disco de su carrera. Blackstar es un conjunto de siete temas de una duración individual variable (de 10 a 4 minutos) y global de 40 minutos.

→El primer sencillo, Blackstar, que da título al disco es un tema compuesto por David Bowie para la serie británico-francesa The Last Panthers.

→Artículo relacionado: Estreno de “Valentine´s day”, nuevo videoclip de Bowie (y van cuatro).


Exposiciones:

*Pierre Bonnard: Exposición en la Fundación Mapfre

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*José Hernández o el terrorífico sueño de una noche de verano:

Exposición El sueño anclado

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*Photoespaña 2015: Exposición Develar y detonar

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Clásicos del cine y la Tv:

* Qué bello es vivir

Fotograma de Qué bello es vivir.

Fotograma del clásico “¡Qué bello es vivir!” Imagen de dominio público.

*Top Gun

Imágenes promocionales de “Top Gun” (1986)

Imágenes promocionales de “Top Gun” (1986).

*Roman Polanski y la trilogía de los apartamentos

La trilogía de los apartamentos.

La trilogía de los apartamentos. Roman Polanski.

*Doctor Zhivago

Escena de Doctor Zhivago.

Escena de Doctor Zhivago.

Cine de animación:

*Jack y la mecánica del corazón (Reestreno)

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Jack y la mecánica del corazón.


Reportaje:

*¿Por qué vuelven los años noventa?

 


Literatura:

* Primer capítulo de Cinco Esquinas, de Mario Vargas Llosa

El barrio de Cinco esquinas (Perú)

El barrio de “Cinco estrellas” en Barrios Altos.

*Primer capítulo de El amante japonés, de Isabel Allende

 

*Lecturas de verano. El chico del periódico (The paperboy), de Pete Dexter

 


Música:

 

Original o copia.  Spirit vs. Led Zeppelin

Original o copia: Bob Dylan vs. The Rolling Stones

Original o copia: Måns Zelmerlöw vs. David Guetta

Original o copia: The Kinks vs. The Doors

Original o copia: The Offspring vs. The Beatles

Original o copia: Marvin Gaye vs. Robin Thick, T. I. & Pharrell Williams

Original o copia: Oasis vs. Carlos Jean


Agenda cultural:

* Exposición El gusto moderno. Art déco en Paris. 1910-1935

Cuadros de la exposición art déco en la Fundación March

* La semana de la francofonía

Exposición Pierre Alechinsky

* Exposición: Sorolla y Estados Unidos

retrato Tiffany


Reportaje:

* ¿Es la cocina la nueva moda?

1024px-ElBulliKitchenCharles Haynes


Cine y Tv:

 

*Perfil: Antonio Banderas recibe el Goya de honor

*Clásicos del cine y la Tv: Casablanca

*Clásicos del cine y la Tv: Serie Twin Peaks

*Clásicos del cine y la Tv: Serie V. Los visitantes


Clásicos del cine y la Tv. Fargo (1996)

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Fotograma de Fargo (1996)

Frances McDormand interpreta a una policía local embarazada encargada de resolver los asesinatos cometidos en Fargo. Fuente: http://www.tvtropes.org (Licencia CC).

Blogosphera inaugura nueva sección: los clásicos del cine y la Tv de los últimos tiempos. Se trata de un nuevo espacio en el que revisitar las series, películas y documentales que han marcado una época en la memoria reciente de los espectadores y que vuelven a estar de actualidad.

La primera entrega de esta serie es Fargo, una película de los hermanos Coen producida en 1996 y cuyo remake en versión serie de televisión acaba de obtener el premio a la mejor miniserie en la última edición de los Globos de Oro.

→Ficha técnica: La película fue producida y escrita a dos manos por los hermanos Joel y Ethan Coen, aunque como es habitual, Joel se reservó la dirección. Es una cinta de 1996 nominada a siete Óscars. Obtuvo dos al mejor guion y a la mejor actriz para Frances McDormand.

→Argumento: El film se inspiró en hechos reales acaecidos en Minnesota (EE.UU.) en 1987. Acosado por las deudas, el vendedor de coches Jerry Lundegaard (William H.Macy) ordena secuestrar a su esposa con el fin de cobrar un cuantioso rescate. El millón de dólares iba a ser pagado por su suegro, un rico y peculiar empresario, pero todo se complica cuando Lundegaard decide cambiar de planes.

Steve Buscemi en Fargo (1996)

Steve Buscemi a punto de cometer su primer asesinato en Fargo. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

¿Por qué fue un éxito en su época?: Por su humor negro, la exaltación de lo absurdo y la crítica social teñida de relato costumbrista. A destacar el desfile de personajes tipo y las escenas en que la mujer del personaje interpretado por William H. Macy intenta escapar a ciegas de sus captores.

¿Cómo acusa el paso del tiempo?: La trama sigue atrapando al espectador desde el primer minuto y los diálogos de autor de los noventa mantienen su frescura. Uno casi no se da cuenta de que han pasado casi veinte años. La escena inicial de Fargo acompañada por el tema principal de la banda sonora producida por Carter Burwell ha ascendido ya a la categoría de icono audiovisual.

→Ver Vídeo: Fargo (película) resumida en seis minutos. Fuente: You Tube.

¿Qué fue de sus protagonistas?

Joel y Ethan Coen (directores)

Los hermanos Coen

De izda. a dcha. Ethan y Joel Coen. Fuente: Autora: Rita Molnár (Licencia CC).

Los “directores bicéfalos” siguen trabajando en cintas de carácter independiente, aunque con el tiempo han ido incorporando a su reparto actores cada vez más mediáticos (George Clooney, Nicolas Cage, Jeff Bridges, Frances McDormand, con la que Joel está casado desde 1984). En 2007 volvieron a repetir la hazaña de los premios Óscar con No country for Old Men (mejor película,  mejor director, mejor guion adaptado y mejor actor de reparto para Javier Bardem.) La última película de los hermanos Coen estrenada hasta la fecha es  Inside Llewyn Davis, una oda al fracaso inspirada en el auge del folk en los dorados años sesenta en Norteamérica. Para 2015 se prevé el estreno de Unbroken, su producción colectiva más reciente.

Frances McDormand

La actriz Frances McDormand

La actriz Frances McDormand en la actualidad. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

La actriz, que comenzó su carrera artística de la mano de su esposo, Joel Coen, ha sabido evolucionar en solitario. Ha sido nominada en cuatro ocasiones a los premios Óscar, aunque de momento solo ha conseguido el galardón a mejor actriz por su interpretación de la policía local Marge Gunderson en Fargo (1996). De su papel en Fargo McDormand ha declarado que “Con Marge Gunderson tuve mucha suerte, porque Joel y Ethan (Coen) escribieron el papel para mí. Estaba emocionada con la idea, hasta que leí el guion y dije, “oh, vale, una poli”. Yo quería interpretar a una asesina en serie, algo así. Realmente, no vi las posibilidades de Marge hasta que vi la película”.

En los últimos años McDormand ha ido alternando películas independientes (This must be the place, Quemar después de leer) y éxitos comerciales (Transformers, Madagascar 3). Su última participación en un film se produjo en la película de Wes Anderson, Moonrise Kingdom (2012). McDormand, que llevaba una década sin conceder entrevistas, hizo una excepción el año pasado para presentar la serie  de televisión “Olive Kitteridge” en la que interpreta un papel protagonista.

William H. Macy

El actor William H. Macy

El actor William H. Macy. Fuente: Wikipedia (Imagen de dominio público).

En la actualidad William H. Macy es casi más conocido por ser el marido de Felicity Huffman,  la célebre Lynette de la serie Mujeres Desesperadas que por su trayectoria artística. Macy fue nominado al Oscar al mejor actor de reparto por su papel de mediocre comercial en un concesionario de coches en Fargo sin lograr llevarse el premio a casa. A pesar de ello, su carrera no se ha detenido desde entonces. Al igual que Frances McDorman, Macy ha participado en muchas cintas independientes (Magnolia, Boogie Nights) y en otras más comerciales (Air Force One, Jurassic Parck III). En los últimos tiempos se ha lanzado a la dirección de cine y teatro.

Steve Buscemi

Steve Buscemi en Boardwalk Empire.

Steve Buscemi caracterizado en Boardwalk Empire. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

Steve Buscemi es el actor que más ha trabajado con los hermanos Coen. Es el actor por excelencia del cine independiente de los noventa y hacer una lista de las películas en las que ha participado llevaría demasiado tiempo. Ha destacado sobre todo como actor secundario de lujo (El Gran Lebowski, Reservoir Dogs, Big Fish) pero también es conocido por sus cameos en películas y como actor de doblaje en filmes de animación. En 2010 interpretó su primer papel protagonista en la serie de televisión Boardwalk Empire producida por Martin Scorsese y ambientada en la época de la ley seca. Buscemi, al igual que muchos actores de prestigio,  se ha apuntado al carro del género televisivo pero también al de la dirección, tanto de series de Tv (Los Soprano) como de largometrajes (Lonesome Jim, Interview).

Peter Stormare

El actor sueco Peter Stormare

El actor Peter Stormare. Fuente: Wikipedia (Imagen de dominio público).

El actor sueco Peter Stormare alcanzó la popularidad con su papel de lacónico matón en Fargo. A partir de entonces recibió llamadas para trabajar en Hollywood como secundario en grandes producciones (Minority Report, Armageddon, Bad Boys II, Constantine).  Aunque realmente alcanzó la fama internacional  en 2005 gracias al papel del mafioso John Abruzzi en la serie Prison Break. Su potente físico le ha llevado a interpretar una gran variedad de roles tanto del lado de los buenos como de los malos, y hasta ha hecho de villano en la serie de superhéroes Arrow (2014). Su última producción Strange Magic está pendiente de estreno para este año 2015.

+ info:

El remake de Fargo en televisión se emite en España en la cadena Canal +. Es una producción del canal estadounidense FX estrenada en 2014. La segunda temporada de la serie se emitirá en EE.UU. a mediados de 2015.

La 72ª edición de los Globos de Oro ha premiado a la producción en las categorías de mejor miniserie  y mejor actor (Billy Bob Thornton). Ha sido la gran triunfadora en su categoría desplazando a la favorita  True Detective. Fargo partía con cinco nominaciones, entre ellas a  mejor  miniserie, mejor actor (Martin Freeman y Billy Bob Thornton) y mejor actriz (Allison Tolman).

→Ver tráiler oficial de Fargo (serie de Tv). Fuente: You Tube. Duración: 01:01 minutos.


Exposiciones:

Givenchy y Audrey Hepburn

→Exposición Stephen Shore o el espíritu de la contradicción.

→Clausura de la exposición Richard Hamilton. Museo Reina Sofía.

→Exposición. Hubert de Givenchy y el tiempo entre costuras.


 Reportaje:

Miranda Makaroff. anuncio Tampax

¿Por qué lo llaman “It Girl” cuando quieren decir “pija”?


Oscars 2014:

Películas nominadas a los Premios Oscar 2014.

Películas nominadas a los Premios Oscar 2014.

→Especial Premios Oscars 2014. Y el ganador es… 12 años de esclavitud”.


Exposición Pinturas y otras cosas. Kerry James Marshall

Black is black

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Trilogía Red (If they come in the morning), Green y Black. Kerry James Marshall

Trilogía “Red (If they come in the morning), Green y Black” (2011-2012). Los colores representan los de la bandera panafricana reivindicada por el “Black Power”. El título se inspira en una misiva de James Baldwin a la activista Angela Davis en 1970. Autora fotografía: Samia Benaissa Pedriza.

Black is black”, el negro es negro. No se trata de una canción de Los Bravos, el grupo de pop de los sesenta capitaneado por el alemán Mike Kennedy. Aunque podría serlo, porque las creaciones de Kerry James Marshall se inspiran en gran parte en los acontecimientos de la que para muchos sigue siendo la “década prodigiosa”. “Uno no puede nacer en Alabama en 1955 y criarse en el sur de Los Ángeles, cerca de la sede de las Panteras negras, y no asumir cierto tipo de responsabilidad social”, justifica el artista. Y ese compromiso político se manifiesta en la mayoría de los más de sesenta cuadros expuestos en el Centro de Arte Reina Sofía para ser contemplados por visitantes de todas las razas.

La cuestión racial es el epicentro de la obra de Kerry James Marshall. Su trayectoria artística ha evolucionado con el tiempo abordando una variada serie de influencias y técnicas, desde la figuración hasta la abstracción, pasando por el collage, el cómic, la fotografía y el video arte. Pero el hilo narrativo siempre se ha mantenido constante: historias de afroamericanos contadas desde una perspectiva propia, original y compartida.

Los cuadros de Kerry James Marshall son grandes, casi monumentales, pretenden llamar la atención y no solo estéticamente. El negro es el denominador común: “La figura siempre será negra, incluso dentro de lo negro”, afirma el creador. Negro sin paliativos ni eufemismos. Porque en las obras del autor no se representan figuras “de color”, sino formas negras como la noche o la madera de ébano. “Esa negritud es inequívoca y en ella hay belleza, hay poder”, afirma el autor.

Scout Master (1996). Kerry James Marshall.

“Scout Master” (1996). Kerry James Marshall. Autora fotografía: Samia Benaissa Pedriza.

Kerry James Marshall sintió la necesidad de significarse como pintor dibujando figuras de raza negra en su tonalidad más profunda. Sin excepción. Hombres y mujeres, juntos o por separado. Pocas veces junto a otros grupos étnicos y en ocasiones tan negros que se vuelven invisibles. Al acabar “Retrato del artista como una sombra de su antiguo yo” (1980),  Marshall tomó conciencia de que era la primera vez que pintaba una figura “esencialmente negra”, que aludía a la ausencia de la representación de su raza en el arte contemporáneo. Para Marshall, esa figura negra sobre un fondo igualmente negro “alternaba entre  la presencia y la ausencia, a veces podías verla y otras no”.

“Retrato del artista como una sombra de su antiguo yo” (1980). Kerry James Marshall.

“Retrato del artista como una sombra de su antiguo yo” (1980). Kerry James Marshall. Autora fotografía: Samia Benaissa Pedriza.

De las obras de Kerry James Marshall expuestas en la sede del Palacio de Velázquez del Museo Reina Sofía no pasan desapercibidas las de contenido político, reivindicativo, y también las de carácter marcadamente histórico. Abundan las referencias a la lucha por los derechos civiles en la Norteamérica de John F. Kennedy y posteriormente el deseo por alcanzar la prosperidad  y el nivel social de la clase media blanca durante los años ochenta y noventa.

Cuadro perteneciente a la serie“We mourn our loss” (1997-1998). Kerry James Marshall.

Cuadro perteneciente a la serie“We mourn our loss” (1997-1998). Kerry James Marshall. Autora fotografía: Samia Benaissa Pedriza.

“Better Homes. Better Gardens” (1994). Kerry James Marshall.

“Better Homes. Better Gardens” (1994). Kerry James Marshall. Autora fotografía: Samia Benaissa Pedriza.

 

“7 am Sunday morning” (2003). Kerry James Marshall.

“7 am Sunday morning” (2003). Kerry James Marshall. Autora fotografía: Samia Benaissa Pedriza.

La exposición del Museo Reina Sofía se completa cronológicamente con otra serie de cuadros, grabados, instalaciones y fotografías expuestas en la Fundación Tàpies de Barcelona que recoge la producción más actual del autor, la generada a partir del año 2000, con la llegada del siglo XXI.

Obra de Kerry James Marshall expuesta en la Fundación Tàpies.

Obra de Kerry James Marshall expuesta en la Fundación Tàpies. Fuente: Ajuntament de Barcelona (Licencia CC).

+ info:

Exposición Pintura y otras cosas. Kerry James Marshall. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Sede del Palacio de Velázquez. Parque del Retiro. Madrid. Hasta el 26 de octubre de 2014. Horario: todos los días de 10:00 a 22:00 (octubre: de 10:00 a 18:00). Entrada libre.

Fotogalería de la exposición Pintura y otras cosas. Kerry James Marshall. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Entrevista a Kerry James Marshall sobre la exposición Pintura y otras cosas. Autor: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Fuente: Vimeo. Duración: 03: 46 minutos:


Exposición El Greco y la pintura moderna

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Exposición "El Greco y la pintura moderna".

Entrada a la exposición “El Greco y la pintura moderna” en el Museo Nacional del Prado. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

La epidemia del siglo XXI no es un virus de origen desconocido y difusión descontrolada, sino el afán generalizado por alcanzar la fama. Muchos aspirantes a celebridades siguen esperando indefinidamente su momento de gloria pero no hay que desesperar.  Domenikos Theotokopoulos más conocido como El Greco pasó doscientos años siendo un completo desconocido para el gran público. No fue hasta el siglo XIX cuando el artista comenzó a ser exhibido en museos de todo el mundo y reconocido como uno de los más influyentes en la historia de las artes plásticas. Desgraciadamente, el caso del pintor cretense no es una excepción y se suma a esa larga lista de artistas no reconocidos en vida pero sí tras su muerte.

En 2014 se celebra el cuarto centenario de la desaparición de El Greco (1541-1614), un pintor que perteneció a tres escuelas diferentes (florentina, veneciana y española) y cuya originalidad inspiró el nacimiento de las vanguardias del siglo XX. El Museo del Prado, la casa de El Greco en España -con permiso de la ciudad de Toledo-, acoge en estos días una muestra formada por 26 de sus grandes obras a las que se han unido 80 cuadros de los principales artistas que se dejaron influir e inspirar por la temática, la estructura, la luz y el color de las pinturas de El Greco.

La muestra exhibe obras mundialmente conocidas como El caballero de la mano en el pecho (1580), La Dama del armiño (sin firma, pero atribuido a El Greco, (1577- 1579)), El entierro del Conde de Orgaz (1586-1588) o Laocoonte (1614), inspirado en la leyenda griega según la cual el sacerdote Laocoonte es condenado a morir estrangulado junto a sus hijos por la acción de unas serpientes marinas. Junto a ellas cuelgan 80 obras maestras de pintores de muy diversa procedencia: desde impresionistas como Paul Cézanne, hasta expresionistas abstractos como Jackson Pollock o cubistas como el gran Pablo Picasso.

Laocoonte. El Greco.

En “Laocoonte”, El Greco alarga las figuras convirtiéndolas en “figuras serpentinatas”. Imagen de dominio público.

Adoración del nombre de Jesús. San Bernardino de Siena. El Greco.

A la izda., “Adoración del nombre de Jesús”, también conocido como “El sueño de Felipe II” (1579). A la dcha., San Bernardino de Siena (1603). El Greco. Imágenes de dominio público.

Estas segundas composiciones muestran la admiración de artistas que, a diferencia de El Greco, sí gozaron de su éxito en vida, y que no tardaron en recrear o directamente reinterpretar las obras del pintor. Ni plagio ni simple copia, lo que hicieron artistas como Édouard Manet, Amedeo Modigliani o Francis Bacon fue rendir un público homenaje a la figura de El Greco.

El caballero de la mano en el pecho. El Greco. Vicente Aleixandre ante una vidriera. Amedeo Modigliani.

El Greco pintó más obras religiosas que retratos, pero estos no dejan indiferente al espectador. Amedeo Modigliani reinterpretó “El caballero de la mano en el pecho” de El Greco (Imagen de dominio público) en “Vicente Aleixandre ante una vidriera” (dcha.). Fuente imagen Modigliani: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

La Dama del Armiño. El Greco y Paul Cézanne.

“La Dama del Armiño” de El Greco (Imagen de dominio público) inspiró a Paul Cézanne en “La Dama del Armiño, según El Greco” (1885-1866). Fuente imagen de Cézanne (dcha.): http://www.loffit. abc.es (Licencia CC).

El entierro del conde de Orgaz (El Greco) y Entierrp en Casagemas (Pablo Picasso).

A la izda., “El Entierro del Conde de Orgaz” de El Greco (Imagen de dominio público) que inspiró el cuadro de Pablo Picasso, “Entierro de Casagemas”. Fuente imagen de Picasso: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

El siglo XX fue particularmente agradecido con el pintor de origen griego que se formó en Italia y que murió en España, tras haber pasado 37 años afincado en Toledo. Esa última etapa en Toledo es quizá la que más llamó la atención de los vanguardistas de principios del siglo XX: la abstracción, el dramatismo expresivo de las figuras, los colores extremos, la ruptura de la perspectiva son elementos precursores de los llamados“ismos” (cubismo, expresionismo, surrealismo).

La visión de San Juan. El Greco.

“La visión de San Juan” (1608-1614). El Greco. Imagen de dominio público. El pintor Ignacio Zuloaga, admirador de El Greco, compró el cuadro a los herederos de Cánovas del Castillo y se lo mostró a Pablo Picasso quien a su vez lo tomó como inspiración para pintar “Las señoritas de Avignon”.

La muestra en el Museo del Prado es la primera que reúne obras de El Greco, así como otras de grandes artistas del arte moderno relacionadas procedentes de 80 instituciones públicas y privadas de Europa y América.

+ info:

El Greco y la pintura moderna. Del 24 de junio al 5 de octubre de 2014. Museo del Prado. Paseo del Prado s/n. Madrid. Horario: Lunes a Sábado, de 10:00 a 20:00. Domingos y festivos, de 10:00 a 19:00.

Ver videogalería de la exposición El Greco y la pintura moderna. Autor: Museo Nacional del Prado. Fuente: You Tube. Duración: 01:25 minutos.

Ver video explicativo de la exposición El Greco y la pintura moderna. Autor: Museo Nacional del Prado. Fuente: You Tube. Duración: 06: 04 minutos.

Ver montaje de la exposición El Greco y la pintura moderna. Autor: Museo Nacional del Prado. Fuente: You Tube. Duración: 01:51 minutos. El comisario de la exposición, Javier Barón, comenta cómo fue organizada la muestra a lo largo de los últimos cuatro años.


Sus eternas majestades del rock, The Rolling Stones en Madrid, 14 On fire 2014

Autora: Samia Benaissa Pedriza

The Rolling Stones en directo en Madrid.

The Rolling Stones en directo en Madrid. Estadio Santiago Bernabéu. 14 On Fire Tour 2014. Fuente: http://www.20minutos.es (Licencia CC).

Que si Keith Richards está mayor, que si solo tocan por la “pasta”, que si no sacan disco nuevo desde hace  mil años…  No se puede negar que todas esas afirmaciones sean ciertas. Pero a pesar de ello, los 54.000 espectadores que anoche pudimos presenciar el último -y único- concierto en España de la banda dentro de su gira 14 On fire nos quedamos una vez más con la boca abierta.

La reunión de anoche en el Bernabéu recordaba algo a aquella primera visita de los Rolling a la capital en 1982. También en medio de un mundial de fútbol y sufriendo los rigores de una espectacular tormenta de verano, aunque por suerte esta vez, el cielo no descargó sobre los asistentes. Había ganas de ver a los Stones en esta prolongada celebración de los 50 años de la mítica banda británica. Teniendo en cuenta que sus satánicas majestades se prodigan por España cada lustro más o menos, había que aprovechar la oportunidad, no fuera a ser, esta vez sí, la última.

Estreno en el Bernabéu

Ya se sabe que con los Rolling Stones lo de “the show must go on” no siempre es aplicable. No hay gira en que no se haya tenido que suspender algún concierto. En España nos ha pasado ya varias veces en los 38 años que los británicos llevan viniendo a nuestro país. Así que solo quedaba cruzar los dedos para que Keith Richards no se cayese de nuevo de lo alto de una biblioteca (1998) o de un cocotero (2006) o para que  Mick Jagger no se quedase sin voz por alguna de sus conocidas laringitis. Este año, han sido los fans australianos los que más lo han lamentado aunque los motivos han estado más que justificados. Dos meses de obligado parón tras el suicidio de la última novia de Jagger, L´Wren Scott, que acabaron el pasado 26 de mayo en Oslo con la reaparición de la banda en estado de gracia.

 

The Rolling Stones llegando a Perth el 17 de marzo de 2014.

El pasado 17 de marzo The Rolling Stones desembarcaban en Perth (Australia). Pocas horas después, Mick Jagger recibía la noticia de la trágica desaparición de su pareja, la diseñadora L´Wren Scott. Fuente: cuenta de la banda en Twitter.

Madrid era una cita pendiente desde 2007. Siete largos años para poder escuchar a los Rolling en vivo, esta vez en concierto único. Si algunos se preguntan por qué esta vez solo se han contratado tan pocos conciertos -14 en cada etapa de la gira- cuando la respuesta de los espectadores sigue siendo espectacular a pesar de la crisis, la razón es muy simple. La aseguradora de la gira solo permite a los Stones dar 14 conciertos seguidos en cada fase del tour debido a la edad media del grupo -rondan los 70- y las características del espectáculo (se necesitan tres días para montar completamente el escenario, las luces y el sonido).

Montaje del escenario de la gira “14 On Fire” en el estadio Santiago Bernabeu el día previo al concierto de Madrid.

Montaje del escenario de la gira “14 On Fire” en el estadio Santiago Bernabéu el día previo al concierto de Madrid. Fuente: cuenta de The Rolling Stones en Twitter.

El escenario del tour “14 On Fire” totalmente montado en el estadio Santiago Bernabéu de Madrid minutos antes del concierto el 25 de junio de 2014.

El escenario del tour “14 On Fire” totalmente montado en el estadio Santiago Bernabéu de Madrid minutos antes del concierto el 25 de junio de 2014. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Hola Madrid, hola España”, saludaba Jagger a los presentes a las 21:50 horas en el estadio Santiago Bernabéu. Minutos antes los Rolling Stones habían hecho su aparición estelar en el estadio a bordo de cuatro monovolúmenes negros con las lunas tintadas. Las cuatro carrozas llevaron a sus satánicas majestades directamente al escenario en medio de los vítores del público enfervorecido y asombrado por el acontecimiento. Primer golpe de efecto.

Comienza el show en el estadio Santiago Bernabéu.

Comienza el show en el estadio Santiago Bernabéu. 14 On fire Madrid 2014. Fuente: Fuente: http://www.20minutos.es (Licencia CC).

El elixir de la eterna juventud

El recital de clásicos que todos esperábamos escuchar comenzó con Jumping Jack Flash, seguido de You got me rocking, It´s only rock and roll y Tumbling Dice. No en vano la gira se celebra con ocasión del cincuentenario de la banda, un acontecimiento magno que justifica la ausencia de repertorio  nuevo y  la presencia del gran Mick Taylor en el escenario de la actual gira de los Stones. Los primeros temas se sucedieron entre un público algo destemplado al que Mick Jagger se esforzaba por animar con aspavientos, batidas de palmas y saltos por el escenario.

Hay que reconocer que Jagger posee una condición física envidiable. El bisabuelo del rock corrió por todo el fondo sur, se contorsionó y  bailó como si no llevara siete décadas a cuestas.  Cantó bien, tocó la guitarra y la armónica, mostrando una capacidad pulmonar de submarinista, y no dejó de hacer muecas y movimientos espasmódicos marca de la casa a lo largo de las dos horas y quince minutos que duró el conciertazo de los Rolling en el Bernabéu.

Mick Jagger, puro nervio en directo.

Mick Jagger, puro nervio en directo. 14 On Fire Madrid 2014. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

 

Mick Jagger sobre el escenario. Madrid 2014.

Mick Jagger sobre el escenario. 14 On Fire Madrid 2014. Fuente: cuenta de The Rolling Stones en Facebook.

La eterna juventud de Jagger contrastaba con el imperturbable y estático Charlie Watts y con un Keith Richards a medio gas aunque con oficio, mucho oficio. La gente le sigue admirando sin discusión-se llevó la sonada ovación del público en varias ocasiones- pero su aire ausente y el nuevo estilismo de jubilado de Miami con el que aparece sobre el escenario no ayudan precisamente a mantener viva la leyenda. Por el contrario, Ron Wood parecía fresco como una lechuga y también se echó sus buenas corridas por ese tablado con extensión central desde el que los Rolling se lucían por primera vez en el Santiago Bernabéu. “Es genial estar aquí otra vez, tocando en este fantástico y hermoso estadio”, decía Mick Jagger en un perfecto español al inicio de la noche. Segundo golpe de efecto.

The Rolling Stones al completo en el Santiago Bernabéu de Madrid. 14 On Fire 2014.

The Rolling Stones al completo en el Santiago Bernabéu de Madrid. 14 On Fire 2014. Fuente: http://www.20minutos.es (Licencia CC).

Ron Wood y Keith Richards (dcha.) durante el concierto de The Rolling Stones en Madrid.

Ron Wood y Keith Richards (dcha.) durante el concierto de The Rolling Stones en Madrid. 14 On Fire 2014. Fuente: http://www.20minutos.es(Licencia CC).

Por qué los Rolling Stones son las majestades del rock

El público no entró del todo en el concierto hasta que sonaron  los platos fuertes. Quizá fue culpa del lamentable sonido en el Bernabéu que impedía disfrutar como era de esperar determinados temas -la espectacular voz de la corista Lisa Fischer en Gimme Shelter apenas se distinguía de la de Jagger y lo mismo ocurrió con el coro de la Comunidad de Madrid que la banda subió al escenario para interpretar You can´t always get what you want-. Jagger pedía al público que cantase con él las canciones, pero es que no contaba con que los españoles no son muy buenos con el inglés y las canciones de los Rolling tienen mucha parrafada.

Rolling-Madrid.2014

Mick Jagger con una bandera española ante el público en el estadio Santiago Bernabéu en Madrid. 14 On Fire Tour 2014. Fuente: http://www.altafidelidad.org (Licencia CC).

Pero fue sonar Honky Tonk Women y ponerse el estadio en pie.  Tras la actuación estelar de Richards con You got the silver y Can´t be seen, llegó la apoteósica Midnight rambler, con la alineación histórica Mick Taylor, Ron Wood y Keith Richards dándolo todo en un momento único que parecía recorrer en diez escasos minutos los 52 años de triunfante carrera de los Rolling Stones.

→Ver vídeo de la actuación de Midnight rambler en el concierto de Madrid. Duración: 13:28 minutos. Fuente: You Tube

Sympathy for the devil  llegó hacia el final, con un Mick Jagger enfundado en un espectacular abrigo de plumas rojas y negras hasta el suelo. Humo, llamaradas, iluminación rojo infierno y su satánica majestad cantándole al mismísimo diablo con el público coreando como ángeles del averno. Impresionante. Triple golpe de efecto.

Vista del escenario durante la interpretación de “Sympathy for the devil”.

Vista del escenario durante la interpretación de “Sympathy for the devil”. 14 On fire Tour. Madrid 2014. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Con Brown sugar  los Rolling se despiden de los asistentes antes de los bises. La banda resurge con dos temas extra, You can´t always get what you wantJagger todavía coleando y sin una sombra de sudor visible en la piel– y el incombustible Satisfaction que corean los 54.000 asistentes con una sola voz. Abrazos fraternales, largos aplausos, fuegos artificiales y toda la parafernalia del mundo para el fin de fiesta. Golpe de efecto final con todos los músicos sobre el escenario, incluido Mick Taylor.

Mick Jagger con una gorra sobre el escenario durante los bises del concierto de Madrid 2014.

Mick Jagger con una gorra sobre el escenario durante los bises del concierto de Madrid 2014. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Al acabar, sus majestades abandonan el lugar con tratamiento VIP. Salen las cuatro furgonetas a su encuentro, se suben en ellas y se van con su séquito a otra parte como los reyes oficiales del rock que son.  En el aire flota la duda de si este inmenso show que acabamos de presenciar habrá sido realmente el último. A juzgar por las apariencias, queda todavía bastante Mick Jagger por delante y ya se sabe que si funciona Jagger, funcionan los Stones.

En poco más de dos horas The Rolling Stones han finiquitado con solvencia un repertorio de grandes éxitos generado a lo largo de cinco largas y fructíferas décadas. Si alguien esperaba asistir a una exhibición de viejas glorias reunidas ante un público poco exigente, está claro que se equivocaba de concierto. Al final de la noche son varias las generaciones de seguidores las que despiden en Madrid a una banda mítica en la historia del rock que puede seguir diciendo bien alto aquello de “I know it´s only rock and roll but I like it”. Larga vida a los Rolling.

+ info:

Primera fotogalería del concierto de The Rolling Stones celebrado el 25 de junio de 2014 en Madrid. 14 On Fire Tour.

Segunda fotogalería del concierto de The Rolling Stones celebrado el 25 de junio de 2014 en Madrid. 14 On Fire Tour.

Setlist del concierto celebrado el 25 de mayo de 2014 en Madrid. Fuente: cuenta de The Rolling Stones en Facebook:

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La canción votada por el público por Internet para ser interpretada por los Rolling Stones fue Like a Rolling Stone (versión de Bob Dylan). El público podía elegir entre seis opciones: Bitch, Rocks off, Just my imagination, Street Fighting Man, Get off of my cloud y Like a Rolling Stone, que resultó ganadora con 80.000 votos.

El cantante y compositor Leiva.

El cantante y compositor Leiva. Fuente: http://www.manerasdevivir.com (Licencia CC).

El telonero elegido para tocar en el concierto de Madrid fue Leiva, una opción que rechazó la mayoría del público asistente a pesar de que según el propio artista, fue Mick Jagger quien le eligió personalmente entre varias opciones. Leiva subió al escenario acompañado del cantante de M-Clan, Carlos Tarque y del guitarrista Ariel Rot para interpretar juntos Hace calor de Los Rodríguez (antiguo grupo de Ariel Rot).

Leiva dio las gracias a los Rolling Stones por permitirle estar en “tierra santa” y declaró que “este es uno de los momentos más importantes de mi vida junto a la banda más importante del planeta, sus majestades, los Rolling Stones”.

Se da la circunstancia de que en el año 2012 Leiva era de la opinión de que la banda británica debería dejar de organizar giras mundiales. “Que Mick Jagger parece una profesora de “fitness” y que es muy joven en el escenario está bien. Pero hace años que tendrían que haber parado de girar, por lo menos”, declaró a la web musical “He reunido a la banda”. Tras presenciar como público la gira Voodoo Lounge, asegura que pensó “joder, ya basta, ya tenéis que parar esto, habéis hecho todo lo más increíble que se podía hacer, ¿qué más queréis?”.

Entre la incompatibilidad de gustos musicales y la polémica creada, muchos seguidores de los Rolling Stones se negaron a entrar al recinto del Santiago Bernabéu hasta que no finalizó la actuación de Leiva prevista para las 20:30 horas.


Exposición “Mitos del Pop”. Cuando Marilyn bebía Coca Cola leyendo cómics de Mickey Mouse

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Collage de la exposición "Mitos del Pop".

Collage editado a partir de imágenes de la exposición “Mitos del Pop” (“Coca cola (Tutto)”, 1972, de Mario Schifano, “Balancín rojo”, 1968-1969, de Öyvind Fahlström y “EAT eléctrico”, 1964-2007, de Robert Indiana. Fuentes: http://www.loffit.abc.es y http://www.eldiario.es. Licencia CC). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Al entrar en la exposición Mitos del Pop en el Museo Thyssen-Bornemizsa de Madrid uno tiene la impresión de estar pisando el umbral de una “Pop up store”. Sí, esas tiendas que surgen como hongos donde menos te lo esperas con una variedad de propuestas de bienes consumibles, populares y accesibles a todo tipo de público. En esta enésima revisión del Pop Art -aunque la primera en importancia en España desde el año 1992-, el visitante-consumidor encuentra de todo: un Warhol por aquí, un Lichtenstein por allá, un Hamilton en el hall o un Hockney en un couloir de pasada. No falta nada porque todos los grandes creadores que dieron alas a esta nueva forma de arte a finales de los años cincuenta están representados en las 104 obras, esculturas e instalaciones que configuran la muestra del museo Thyssen-Bornemisza.

Collage Pop. Richard Hamilton.

“¿Qué es lo que hizo que los hogares de ayer fueran tan diferentes y atractivos?”. Richard Hamilton. Grabado de 1992 de un collage de 1959. Es la primera vez que la palabra “Pop” aparece en una creación artística. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

Mitos del Pop. Roy Lichtenstein

“Look Mickey”, 1961 y “Mujer en el baño”, 1963. Roy Lichtenstein. Fuentes: http://www.eldiario.es y http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

 Comprar, consumir, gastar

La disposición temática de las obras ayuda al invitado a no perderse entre la maraña de objetos de consumo, iconos publicitarios, ídolos del cine, personajes de cómics y figuras históricas que formaron parte de la cultura del añorado siglo XX. Aunque quizá habría que especificar que la cultura que se expresa es en realidad es la del célebre “american way of life” elevada a icono del conocimiento universal. Latas de sopa Campbell, de Coca Cola o de Ginger Ale; cajas de Kleenex, de embalar kétchup Heinz y pastillas de jabón Brillo o cigarrillos Lucky Strike aparecen en el imaginario de todo buen occidental que haya visto mucho cine hollywoodiense, sobre todo el de la época dorada. Liz Taylor, James Dean, Marlon Brando o Marilyn Monroe aparecen reinterpretados en serigrafías, collages y décollages de imágenes icónicas o carteles de películas que ya son leyenda en la historia del séptimo arte.

Mitos del Pop. Andy Warhol.

“Lata grande de sopa Campbell’s rasgada (Black Bean)”, 1962 y “Marilyn Monroe en blanco y negro (Veinticinco Marilyns)”, 1962. Andy Warhol. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

Mitos del Pop. Mimmo Rotella y Ray Johnson.

El décollage “Cleopatra”, 1963, de Mimmo Rotella y el collage “James Dean (Lucky Strike)”, 1957, de Ray Johnson. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

Mitos del Pop-3. Tom Wesselmann y Wayne Thiebaud

“Naturaleza muerta nº. 34”, 1963, de Tom Wesselmann y “Tres máquinas”, 1963, de Wayne Thiebaud. Fuentes: http://www.eldiario.es y http://www.20minutos.es (Licencia CC).

Hedonismo intercultural

La alegría de vivir”, ese concepto tan estadounidense nacido de la abundancia de la sociedad de consumo americana, se contagió en primer lugar a los artistas británicos. Ellos fueron los que realmente dieron inicio al Pop Art, si bien es cierto que quienes mejor estaban en disposición que plasmar visualmente su propia cultura de masas eran los autores norteamericanos. Sus obras presentan más matices, tanto técnicos como visuales y  también conceptuales, al abordar una mayor variedad de temas siempre pasados por el tamiz de la indolencia, la superficialidad y “el aquí no pasa nada”.

Mitos del Pop. Peter Blake y David Hockney.

“The Beatles”, 1963-1968. Peter Blake. El autor británico fue el autor de la portada del famoso disco de la banda, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967). A la dcha., “Hombre en la ducha en Beverly Hills”, 1964 del británico David Hockney. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

Caras B

En España, el Pop Art fue más intenso. En las obras del Equipo Realidad de los años sesenta y setenta  (Caín y Abel, 1967 y José Díaz, secretario general del P.C.E. durante la tramitación de la crisis de 1937, 1974) se aprecia una clara influencia política, claro que no era lo mismo vivir los idílicos años sesenta en la América de Kennedy que en la españolísima dictadura militar del general Francisco Franco. La parte oscura de la vida aparece en contadas ocasiones en esta exposición y eso que la segunda mitad del siglo XX generó mucha inestabilidad en todos los ámbitos de las sociedades occidentales. Andy Warhol se pintó a sí mismo tras un intento fallido de asesinato en 1968. En la serie de autorretratos de 1978 se aprecia claramente su angustia existencial; del mismo modo retrata a la viuda Jackie Kennedy, vestida de negro en el funeral del presidente JKF y con una expresión de inmensa tristeza que ha pasado ya a los anales de la memoria colectiva.

Mitos del Pop-. Andy Warhol y Robert Rauschenberg.

“Autoretrato con luz negra”, 1986. Andy Warhol. El 3 de junio de 1968 el artista fue tiroteado por Valerie Solanas, colaboradora de “The Factory”. Warhol salvó su vida aunque quedó gravemente herido. La experiencia marcó el resto de su vida y de su obra. A la dcha., “Retroactivo II”, 1963 de Robert Rauschenberg. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

La salita. Equipo Crónica.

“La Salita”, 1970. Equipo Crónica. Reinterpretación de “Las meninas” de Velázquez. El decorado propio de los hogares de la dictadura franquista parece sacado de un episodio de la serie de ficción “Cuéntame”. El cuadro es una crítica velada a la dictadura del general Franco. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

El abarzo. Juan Genovés.

“El abrazo”, 1976. Juan Genovés. Cartel para Amnistía Internacional como homenaje a los abogados asesinados en atentado en Atocha (Madrid) durante la transición política a la democracia. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

En definitiva, los autores preferían la ironía y el humor a la crítica abierta y el dramatismo. Como prueba las reinterpretaciones de  obras  clásicas como El nacimiento de Venus de Boticelli por Andy Warhol (Detalles de pinturas renacentistas, 1984), Vestido bajando la escalera (una parodia del Desnudo bajando la escalera de Duchamp) o la despedida al visitante de la exposición con un cuadro de David Hockney, Hombre en un museo (O estás en la película equivocada), 1962.

Mitos del Pop. Andy Warhol y Eduardo Arroyo.

“Mao”, 1972. Andy Warhol. Reinterpretación de un retrato oficial de Mao Tse Tung y “Vestido bajando la escalera”, 1976. Eduardo Arroyo. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

+ info:

Exposición Mitos del Pop. Museo Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado, 8. Madrid. 10 de junio a 14 de septiembre de 2014. Horario: Martes a sábado de 10:00 a 22:00; Lunes  y domingos de 10:00 a 19:00 horas.

Se puede adquirir una entrada conjunta para visitar las exposiciones Mitos del Pop y Richard Hamilton en el Museo Reina Sofía de Madrid (27 de junio a 13 de octubre) por un precio único de 13 euros.

Ver fotogalería de la exposición.

Ver obras comentadas de la exposición.


El triunfal ingreso de Nirvana en el Rock and Roll Hall of Fame

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Los integrantes de Nirvana y la familia de Kurt Cobain agradecen su ingreso en el Rock and Roll Hall of Fame.

Los integrantes de Nirvana y la familia de Kurt Cobain agradecen su ingreso en el Rock and Roll Hall of Fame. Fuente: http://www.citizen-times.com (imagen de uso autorizado en redes sociales).

Por primera vez, me he quedado sin palabras. Desde los sótanos caseros, los clubes mugrientos y las furgonetas averiadas hasta el Rock and Roll Hall of Fame”. Así se tomaba Dave Grohl, exbatería de Nirvana, el ingreso de la mítica banda de grunge en el histórico museo de las estrellas del rock. La pasada noche del 10 de abril, el Barclays Centre de Brooklyn acogía la 29 ceremonia de ingreso de nominados en los anales de la historia del rock, un show que por primera vez desde 1986 ha abierto sus puertas al público. Nirvana ha resultado elegida de forma incuestionable el primer año en que la banda podía ser votada tanto por el público como por un jurado especializado. Y es que aunque no lo parezca, han pasado ya 25 años desde que en 1989 se editara Bleach, el primer trabajo discográfico de Nirvana, formada por aquel entonces por Kurt Cobain, Krist Novoselic y Chad Channing.

Ver discurso de aceptación del ingreso de Nirvana en el Rock and Roll Hall of Fame. Fuente: You Tube. Duración: 09:03 minutos:

La carrera hacia el Rock and Roll Hall of Fame

Las reglas de la organización son muy claras al respecto: ningún artista o grupo puede ingresar en el Rock and Rock Hall of Fame hasta que no haya trascurrido como mínimo un cuarto de siglo desde su debut discográfico. Una exigencia comprensible cuando lo que se trata de reconocer es la trayectoria y la influencia en la historia de la música contemporánea de un artista. Porque en el Rock and Roll Hall of Fame solo están los grandes. Solo diez elegidos cada año logran entrar y es ya clásica la polémica que rodea al anuncio anual de las nominaciones. Este año Metallica rabiaba porque no se había incluido a Deep Purple; el año pasado Joan Jett and the Blackhearts se quedaban fuera ante el desconsuelo de muchos. Pero en la edición de 2014 la admisión inmediata de Nirvana quedaba fuera de toda duda, a pesar de que la formación de Seattle solo editara tres discos de estudio entre 1989 y 1993 antes del suicidio de su líder, Kurt Cobain, en 1994.

La pasada noche en el Barclays Center se puso de manifiesto que este año no había ganas de enfrentamiento entre los premiados. Y eso que había razones para ello: Kiss, por fin nominados, se negaron a actuar en la gala porque la organización solo reconoció a la formación original, excluyendo a los últimos miembros de pleno derecho que vinieron a sustituir a los primigenios Ace Frehley y Peter Criss. A pesar de ello, los reyes del maquillaje no tuvieron problemas en acudir a la gala, posar con satisfacción junto a sus excompañeros y mostrarse agradecidos con la organización.

Algo parecido ocurrió con Chad Channing que no fue nominado como miembro original de Nirvana, aunque sí fue invitado como público a la gala. Channing decidió acudir a pesar de la decepción inicial y, en compensación, Dave Grohl tuvo un gesto noble al recordarle, a él y a los cuatro anteriores bateristas que formaron parte de Nirvana antes de su llegada (Aaron Burckhard (1987), Dave Foster (1988), Dale Crover (1988 y 1990) y Dan Peters (1990)). Y es que 25 años son muchos años para cualquiera, pero más aun para las volubles bandas de rock.

Nirvana antes de la llegada de Dave Grohl. De izda. a dcha. Krist Novoselic, Kurt Cobain y Chad Channing.

Nirvana antes de la llegada de Dave Grohl. De izda. a dcha. Krist Novoselic, Kurt Cobain y Chad Channing. Fuente: http://www.universocanario.com (Licencia CC).

La del 10 de abril de 2014 fue una noche para la reconciliación. Courtney Love, la viuda de Kurt Cobain, llegó en son de paz y decidió hermanarse con los excompañeros de su marido en medio de los sonoros abucheos de parte del público: “Estos que estoy mirando ahora son mi familia. Desearía que Kurt hubiera podido estar aquí. Lo de esta noche lo habría apreciado de verdad”, dijo ante los cientos de asistentes.

Courtney Love se funde en un abrazo con Dave Grohl en el escenario del Barclays Center.

Courtney Love se funde en un abrazo con Dave Grohl en el escenario del Barclays Center. Fuente: cuenta de Twitter de Courtney Love.

También la E Street Band fue reconocida como nuevo miembro en el Rock and Roll Hall of Fame quince años después de que lo hiciera Bruce Springsteen, en un momento en que las relaciones con su banda no pasaban por su mejor momento. Pero esta vez el Boss no desaprovechó la oportunidad de demostrar públicamente su agradecimiento hacia la banda que le ha acompañado durante más de tres décadas en el escenario.

Las actuaciones

El plato fuerte de la noche fueron los cuatro temas clásicos de Nirvana interpretados por la banda y cuatro vocalistas femeninas. Joan Jett inauguró brillantemente la serie con el archiconocido Smells like teen spirit (Cobain se inspiró en la inscripción “Kurt smells like teen spirit” que Kathleen Hannah, la punk feminista de Bikini Kill, escribió en un muro). La presencia de Jett fue un hecho que no sorprendió porque se filtró el día anterior en un vídeo de los ensayos de la gala y a través de una fotografía publicada por el propio Dave Grohl en su perfil de Twitter. A Jett le siguieron Kim Gordon, de Sonic Youth, que hizo de Kurt Cobain en Aneurysm, Annie Clark, de St. Vincent que cantó Lithium y Lorde que interpretó All apologies (inexplicable la elección de una adolescente de 17 años recién llegada a la escena musical y que se dedica al electropop).

Foto del ensayo de Nirvana y Joan Jett.

Foto publicada en el perfil de Dave Grohl en Twitter el día anterior a la gala. La imagen daba pistas sobre la identidad de los que iban a actuar en directo: la batería de Dave Grohl, la guitarra de Pat Smear, el bajo de Krist Novoselic, y en medio, la guitarra Gibson Melody Makervintage de Joan Jett.

Joan Jett. Smells like teen spirit.

Joan Jett fue la elegida para interpretar “Smells like teen spirit”. Autora: Samia Benaissa Pedriza (fotografía de emisión en directo, TVE. Copyright: HBO).

Joan Jett y Nirvana en el escenario.

Joan Jett junto al bajista Krist Novoselic y el batería Dave Grohl. Autora: Samia Benaissa Pedriza (fotografía de emisión en directo, TVE. Copyright: HBO).

Joan Jett en el escenario del Barclays Center de Brooklyn.

Joan Jett sobre el escenario del Barclays Center de Nueva York con la imagen de Kurt Cobain al fondo. Autora: Samia Benaissa Pedriza (fotografía de emisión en directo, TVE. Copyright: HBO).

Joan Jett durante el homenaje a Nirvana.

Los exintegrantes vivos de Nirvana y Joan Jett rindieron un tributo a Kurt Cobain. Autora: Samia Benaissa Pedriza (fotografía de emisión en directo, TVE. Copyright: HBO).

Veinte años sin Kurt Cobain

El ingreso de Nirvana en el Rock and Roll Hall of Fame coincide en el tiempo con el 20 aniversario del suicidio de Kurt Cobain, el 5 de abril de 1994. Sorprende que no se haya preparado nada especial para conmemorar una fecha histórica, aunque la fulgurante entrada de Nirvana en el Rock and Roll Hall of Fame probablemente sea más que suficiente. Para fechas próximas se prevé la edición del primer documental oficial sobre la banda que verá la luz en los cines, y que, según el director Brett Morgen, será una mezcla entre “animación e imagen real” que promete hacer la banda más accesible para las nuevas generaciones de seguidores.

Imagen promocional de Nirvana durante el apogeo del “grunge”.

Imagen promocional de Nirvana durante el apogeo del “grunge”. Fuente: http://www.20minutos.es (Licencia CC)

→Ver vídeo de Smells like teen spirit (Nevermind, 1991). Fuente: Vevo. Duración: 04:47 minutos.

→Ver vídeo de Come as you are (Nevermind, 1991). Fuente: Vevo. Duración: 03:46 minutos.

A lo largo de estos veinte años desde que Kurt Cobain fuera encontrado muerto de un tiro en la cabeza en su casa de Seattle el 08 de abril de 1994, las reediciones de los escasos cinco álbumes de la banda (de ellos, solo tres de estudio) se han sucedido hasta la saciedad, estirando el morbo y la leyenda hasta casi el infinito. Bleach (1989), Nevermind (1991), Incesticide (1992), In Utero (1993) y MTV Unplugged in New York (1994) han reaparecido en el mercado más de veinte veces y no parece que quede mucho material nuevo por explotar de la banda. Aunque Eric Erlandson, el exguitarrista de Hole, la banda de Courtney Love, afirme que aun existen maquetas ocultas de algunos temas que Kurt Cobain grabó para un álbum sin Nirvana, entre ellas una versión de un conocido tema que prefiere no mencionar. Según Erlandson, Cobain quería en realidad seguir una carrera en solitario, una afirmación que sorprende, ya que al final de sus días el malogrado líder de Nirvana deseaba más que nada escapar de la estereotipada vida de estrella del rock dirigida por los dueños de las multinacionales.

Leer extensa entrevista a Kurt Cobain en la revista Rolling Stone. Publicada en el número del 27 de enero de 1994. En ella, el cantante de Nirvana habla de su relación con la fama, las drogas y su afición por las armas de fuego, entre muchas otras cosas.

Kurt Cobain actuando en directo a principio de los noventa.

Kurt Cobain actuando en directo a principio de los noventa. Autor: Carlos Andrés Restrepo (Licencia CC).

Mítico directo acústico de Nirvana en Nueva York grabado el 18 de noviembre de 1993 para la cadena MTV.

Mítico directo acústico de Nirvana en Nueva York grabado el 18 de noviembre de 1993 para la cadena MTV. Autor: Daniel Blots (Licencia CC).

Resulta difícil predecir qué hubiera pasado si Kurt Cobain no hubiera puesto fin a sus días hace ahora veinte años, cuando estaba en la cumbre de su carrera musical. Durante las décadas de los noventa y dosmil, muchas bandas y líderes del movimiento grunge fueron desintegrándose en el proceloso camino hacia el éxito, corrompido en gran medida por la heroína (como Layne Staley de Alice in Chain, también fallecido un 5 de abril pero de 2002). Otras han sobrevivido con dignidad hasta la actualidad (Pearl Jam, Soundgarden), precisamente aquellas que Nirvana acusaba de dejarse llevar por la parte más comercial del negocio. Aunque la popularidad de Nirvana superó con creces a la de sus coetáneos, tanto que Kurt Cobain terminó asqueado de su propio éxito. La desaparición de Cobain causó un gran impacto social y marcó el inicio del fin de una época musical. En cierto modo, el grunge nació y murió oficialmente con Nirvana y probablemente por eso y por su rabiosa influencia en la historia de la música moderna, la banda forma parte ya para siempre de las leyendas del Rock and Roll Hall of Fame.

+ info:

→Ver fotogalería de la 29 ceremonia de ingreso de nominados en el Rock and Roll Hall of Fame (primera parte).

→Ver fotogalería de la 29 ceremonia de ingreso de nominados en el Rock and Roll Hall of Fame (segunda parte).

→Ver fotogalería de la 29 ceremonia de ingreso de nominados en el Rock and Roll Hall of Fame (tercera parte).

Michael Stipe, de REM, e ídolo de Kurt Cobain, fue el encargado de presentar a la banda en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En su discurso, Stipe dijo que “Nirvana fueron artistas en todos los sentidos” y que  “hicieron sonar una voz que deseaba fervientemente ser escuchada”. “Nirvana estaban pateando al mainstream, añadió.  “Dijeron la verdad y muchos les escucharon”.

A pesar de que Nirvana eran públicamente un trío, lo cierto es que pasaron por la banda seis miembros oficiales adicionales a los tres definitivos (Cobain, Novoselic y Grohl): cinco baterías y un guitarrista rítmico (Jason Everman). Pat Smear (guitarrista de Foo Fighters, el actual grupo de Dave Grohl) se unió al grupo en el año 1993 para las actuaciones en directo. A pesar de que Smear no era miembro oficial de Nirvana sí toco con la banda en la 29 gala de nominados del Rock and Roll Hall of Fame.

Los demás elegidos para entrar en el Rock and Roll Hall of Fame en 2014 fueron: Kiss, Cat Stevens, Peter Gabriel, la E Street Band, Darryl Hall y Joan Oates, Linda Rondstadt, y los mánagers Andrew Lood Oldham (The Rolling Stones) y Brian Epstein (The Beatles), fallecido en 1967 y considerado el “quinto beatle”.


Cézanne contra Picasso: duelo de colosos en el Paseo del Arte de Madrid

Autora: Samia Benaissa Pedriza

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Entrada de las exposiciones “Cézanne site/non site” en el museo Thyssen-Bornemisza y “Picasso en el taller” en la fundación MAPFRE de Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Paul Cézanne y Pablo Picasso se enfrentan a menos de 100 metros de distancia en el Paseo del Arte de Madrid. Y el público no sabe con quién quedarse: si con el pintor francés posimpresionista o con el español cubista más universal de la historia. Descartada la toma de una decisión salomónica, optamos por disfrutar de una sesión doble de arte pictórico.  Un maratón de representaciones plásticas manifestadas a caballo entre dos siglos nos dejan con la impresión de haber viajado en una máquina del tiempo exprés. Un recorrido intenso porque en una escasa semana de diferencia se han inaugurado en Madrid dos de las exposiciones más golosas de  la temporada artística: Cézanne site/non site  en el museo Thyssen-Bornemisza y Picasso en el taller, en la fundación MAPFRE.

Son tantas las vueltas de tuerca que se les han dado a las producciones artísticas de “los Pablos” que casi parecía imposible encontrar nuevos puntos de vista desde los cuales interpretar las creaciones de Cézanne y de Picasso. El museo Thyssen-Bornemisza propone en esta ocasión una revisión de los paisajes y de las naturalezas muertas de Cézanne mientras que la fundación MAPFRE ha procedido a recopilar la prolífica obra de Picasso que refleja el proceso de creación del artista en su taller.

La impresión que queda después de haber recorrido decenas de salas de exposición es que Cézanne y Picasso no podían ser dos adversarios más opuestos, y ello a pesar de que ambos representaron el mundo que les tocó vivir de una forma no tan heterodoxa como cabría imaginar.

Los paisajes de Cézanne y de Picasso

A Cézanne le gustaba caminar por la Provenza francesa para inspirarse. Sus cuadros eran una representación impresionista de lo que el artista veía al natural con un estilo propio que solo fue apreciado con posterioridad a su muerte. La composición de los paisajes de Cézanne, con planos verticales y horizontales en tres dimensiones,  influyó en lo que luego se conoció por cubismo, el género que encumbró a Picasso en vida. El artista francés priorizaba en los primeros planos a los árboles y  a la vegetación sobre otros elementos del paisaje como el cielo o el mar que colocaba en la parte superior del cuadro, confundidos en un espacio reducido que pasaba casi desapercibido.

Mientras Cézanne bloquea la perspectiva con casas, rocas o árboles en el camino, Picasso muestra las vistas del exterior desde el interior de su taller. Son horizontes abiertos, coloristas, llenos de sol que contrastan con el azul y verde bicromos de los paisajes de Cézanne, un hombre introvertido y con tendencia al aislamiento social.

La tendencia cubista de Cézanne se aprecia en Ladera en Provence (1890-1892), obra cedida por la National Gallery de Londres y en Curva en lo alto del chemin des Lauves (1904-1906), perteneciente a la Fundación Beyeler- Riehen de Basilea.

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Ladera en Provence (1890-1892). Paul Cézanne. Imagen de dominio público.

→Ver vídeo (Licencia CC). Recorrido de la exposición Cézanne site/non site en el museo Thyssen-Bornemisza narrada por su comisario, Guillermo Solana. Duración: 03:57 minutos (Imagen: La montaña Sainte-Victoire (1905-1906), Paul Cézanne. Imagen de dominio público):

Montaña-Sainte-Victoire-(Imagen-dominio-público,-Cézanne)

Naturaleza muerta y bodegones

En la década de 1920, Picasso inició una nueva etapa influida por el clasicismo. De los años treinta data su serie Suite Vollard, en la que elaboró dibujos y aguatintas que representaban el mundo del artista en su taller rodeado de esculturas clásicas. En algunas de estas creaciones se aprecia ya una cierta tendencia hacia el mundo onírico y el surrealismo (Fauno descubriendo a una mujer, de 1936, que recuerda con fuerza a las pinturas negras de Goya, y Escultor en reposo y escultura surrealista, de 1933). El clasicismo y la ortodoxia influyeron en las naturalezas muertas de Picasso, un género típico de taller, que como no podía ser de otro modo, el artista reinterpretó a su manera: composiciones verticales, mandolinas y guitarras en sustitución de cántaros y jarras clásicas, y posteriormente con la llegada de la Segunda Guerra mundial, cráneos y cabezas de toro o de minotauro.

Ver fotogalería de la exposición Picasso en el taller en la Fundación MAPFRE.

Las naturalezas muertas de Cézanne parecen clásicas a primera vista pero no lo son porque reproducen en cierta forma la composición de los paisajes, que constituyen más de la mitad de su obra artística. Pero con los bodegones,  Cézanne experimentó quizás en mayor medida que con otro tipo de representaciones del entorno. Acuarelas, óleos, dibujos, acogen figuras clásicas del género: brillantes cerezas, naranjas  y melocotones que dan la impresión al espectador de casi poder aspirar el olor de la fruta entre cántaros que recuerdan, por su volumen y disposición, a las montañas de los paisajes al natural de Cézanne.

Naturaleza muerta con cortina. Cézanne, 1898

“Naturaleza muerta con cortina”. Paul Cézanne, 1898. Imagen de dominio público.

Bodegón. Paul Cézanne, 1902-1906.

“Botella, garrafa, jarro y limones”. Paul Cézanne, 1902-1906. Imagen de dominio público.

Pintura figurativa

Picasso tenía una relación muy estrecha con las modelos que representaba en sus obras. Las compañeras sentimentales del pintor, Marie Thérèse Walter y Jacqueline Rocque aparecen en algunas de las obras de la exposición Picasso en el taller. El artista necesitaba tener a sus modelos presentes en el mismo espacio en el que trabajaba. Algunas fotografías de David Douglas Duncan muestran el proceso creativo de Pablo Picasso en su taller acompañado, entre otras personas, por Jacqueline a la que tomó como modelo para reinterpretar las Mujeres de Argel de Delacroix (Jacqueline vestida con ropas turcas, 1954). Dos series, la dedicada a Jacqueline en 1962, y El pintor y la modelo de 1963, reflejan el interés del pintor por el cuerpo femenino que plasmó en multitud de cuadros a lo largo de su trayectoria.

Pablo Picasso y Jaqueline Roque

Imagen de Pablo Picasso junto a Jacqueline Rocque en el taller. Copyright: Ombrelle (Licencia CC).

Picasso_Fundación_Mapfre El pintor y la modelo. EFE. (Licencia CC)

Cuadro de la serie “El artista y la modelo” (1963) en la Fundación MAPFRE. Autor: J.J. Guillén/EFE. Fuente: http://www.elcuartopoder.es (Licencia CC).

Cézanne, por el contrario, no dedicó demasiadas composiciones a mostrar el desnudo humano. La exposición del museo Thyssen-Bornemisza acoge una serie dedicada a los bañistas, integrados siempre en paisajes naturales. Las figuras representan en su gran mayoría a hombres desnudos en bosques y lagos imaginados por el artista, porque los cuadros consagrados a los bañistas son la única parte de su producción en la que Cézanne no recurrió a modelos reales.

Estudio de bañistas. Paul Cézanne

“Estudio de bañistas”, 1892-1894. Paul Cézanne. Imagen de dominio público.

Cézanne y Picasso, dos estilos, dos artistas, dos personalidades y dos visiones del mundo tan diferentes, ¿o quizás no tanto?

+ info:

Picasso en el taller. Fundación MAPFRE. Del 12 de febrero al 11 de  mayo de 2014. Paseo de Recoletos, 23. Madrid. Entrada libre.

Horario: Lunes, de 14:00 a 20:00 horas. Martes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas. Domingos y festivos, de 11:00 a 19:00 horas.

Cézanne site/non site. Museo Thyssen-Bornemisza. Del 04 de febrero al 18 de mayo de 2014. Paseo del Prado, 8. Madrid.

Horario: Lunes, cerrado. Martes a domingo, de 10:00 a 19:00 horas. Sábados, de 10:00 a 21:00 horas.


Premios Grammy 2014: Europa conquista América entre Beatles y electrónica

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Daft Punk, ganadores de los Grammy 2014

El grupo francés Daft Punk se llevaron cinco gramófonos dorados durante la gala de entrega de los Grammy 2014.Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

La fiesta de los Grammy es como una gran boda griega: dura varios días, acuden invitados de lo más variopinto y se baila y canta hasta el amanecer. La entrega de premios de este año no ha sido para menos y se ha caracterizado por un sabor inequívocamente europeo. Desde los nominados (Paul McCartney, Led Zeppelin, Black Sabbath, The Rolling Stones, David Bowie) hasta los premiados (Daft Punk, The Beatles), pasando por los artistas que actuaron en el escenario y los homenajes organizados por la Academia Nacional de las Artes y Ciencias de la Grabación de EE.UU. que es la responsable del desarrollo de los actos que rodean a la gala anual más importante de la industria musical a nivel mundial.

El espectáculo de este año ha estado muy a la altura de lo que se esperaba de un acontecimiento de este nivel. Espectaculares puestas en escena, actuaciones en directo de artistas consagrados e inesperados dúos o colaboraciones de grupos y solistas que han dejado a más de uno con la boca abierta. Metallica, que tras su disco con Lou Reed se está convirtiendo en especialista en uniones peculiares, tocó en esta ocasión con el pianista clásico chino Lang Lang. Pharrell Williams interpretó un tema junto al gran Stevie Wonder y Robin Thicke hizo lo propio junto a la histórica banda de soft rock, Chicago. Otra colaboración a priori imposible pero interesante fue la del rapero Kendrick Lamar con los miembros de Imagine Dragons. También Madonna se unió a Macklemore & Ryan Lewis -también flamantes ganadores de la noche- y Mary Lambert para cantar Same Love mientras una treintena de parejas de distinta orientación sexual intercambiaban votos de matrimonio durante la gala.

Grandiosa interpretación de Metallica y Lang Lang de temas clásicos de la banda estadounidense. Fuente: You Tube. Duración: 06:53 minutos:

Robin Thicke y Chicago animaron a los invitados con un medley de temas propios. Fuente: You Tube. Duración: 04:28 minutos:

Espectacular colaboración entre Imagine Dragons y Kendrick Lamar interpretando Radioactive. Fuente: You Tube. Duración: 05:35 minutos:

Sin duda lo mejor de estas colaboraciones insólitas es la reacción del ecléctico público vip que las presencia: fue impagable poder ver a Steven Tyler de Aerosmith bailar funk al ritmo de Get Lucky o a la viudísima Yoko Ono aplaudiendo junto a su hijo Sean Lennon la actuación en solitario de Ringo Starr, que pisaba por primera vez en toda su carrera el escenario de los Grammy. Pero los que sin duda llevaron mejor el ritmo en todas las interpretaciones que bailaron desde sus asientos fueron el estelar tándem formado por Beyoncé y su esposo Jay-Z que también actuaron a dúo en la gala.

Actuación de Pharrell Williams, Stevie Wonder, Nile Rodgers y Daft Punk. Fuente: You Tube. Duración: 05:32 minutos:

El plato fuerte de la noche fue la aparición en el mismo escenario de los exbeatles Paul McCartney y Ringo Starr, juntos por primera vez desde 2010. Los Beatles supervivientes recibieron el Grammy especial a toda una carrera musical y aprovecharon para cantar juntos Queenie Eye, perteneciente al último disco de estudio de Paul, New. Al día siguiente la Academia Nacional de las Artes y Ciencias de la Grabación les tenía preparada una espectacular gala con artistas invitados en homenaje a los 50 años transcurridos desde que tocaron por primera vez en América en el  show de Ed Sullivan. La gala, titulada “La noche que cambió América: un saludo de los Grammy a los Beatles” y que servirá para reunir al grupo Eurythmics por primera vez en nueve años, será retransmitida en abierto el 09 de febrero de 2014.

Paul McCartney y Ringo Starr interpretan juntos Queenie Eye. Fuente: You Tube. Duración: 04:00 minutos.

Interpretación en solitario de Ringo Starr de su tema Photograph (1973), dedicado a sus compañeros de los Beatles fallecidos, John Lennon y George Harrison. Duración: 04:11 minutos:

The Beatles, los exintegrantes de Nirvana y Pat Smear de Foo Fighters grabaron Cut me some slack en tan solo dos horas en casa de Dave Grohl. La canción ganó el Grammy a la mejor canción rock de este año. La actuación corresponde al concierto benéfico celebrado en favor de las víctimas del huracán Sandy (diciembre de 2012). Fuente: You Tube. Duración: 05:36 minutos:

+ info:

La 56ª edición de los premios Grammy se celebró el 26 de enero de 2014 en el Staples Center de Los Ángeles. Fue presentada por el rapero LL Cool J y se retransmitió a 170 países.

Durante la gala estelar se entregaron los diez premios más importantes. El mismo día, en una ceremonia previa, se entregaron los 72 galardones restantes consistentes en un gramófono dorado.

→Ver Fotogalería de los premios Grammy 2014.

→Ver Fotogalería. Entre alfombra roja y photocall: los vestidos de los Grammy 2014.

Relación de premiados en la Gala de los Grammy 2014:

Mejor artista revelación. Macklemore & Ryan Lewis.

Mejor directo de pop de dúo o grupo. Daft Punk, Pharrell Williams y Nile Rodgers por Get Lucky.

Mejor actuación de pop solista: Lorde por Royals.

Mejor canción de rap: Thrift shop de Macklemore &Ryan Lewis.

Mejor colaboración de rap: Jay Z y Justin Timberlake por Holy Grail.

Mejor álbum de pop: Bruno Mars por Unorthodox Jukebox.

Mejor álbum de country: Same Trailer Different Park de Kacey Musgraves.

Mejor canción del año: Royals de Lorde.

Mejor grabación del año: Daft Punk por el tema Get Lucky.

Mejor disco del año: Daft Punk por el álbum Random Access Memories.

Mejor film musical. Paul McCartney por Live Kisses.

Mejor tema principal de una película. Adele por Skyfall.

Mejor álbum de pop latino. Robi Draco por el álbum Corazón Profundo.

Mejor álbum de rock, música alternativa o urbana latina. Treinta Días de La Santa Cecilia.

Mejor álbum de pop vocal tradicional. To be loved deMichael Bublé.

Mejor actuación de metal. Black Sabbath por el álbum God is Dead.

Mejor actuación de rock. Imagine Dragons  por Radioactive.

Mejor álbum de rock. Led Zeppelin por Celebration Day.

Mejor canción de rock. Dave Grohl, Paul McCartney, Pat Smear y Krist Novoselic por Cut Me Some Slack.


Pillados in fraganti (o no tanto). Terry O´Neill fotografía a los famosos.

Terry O´Neill. El rostro de las leyendas. Últimos días en el Espacio Fundación Telefónica.

Autora: Samia Benaissa Pedriza

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Clint Eastwood en Arizona durante el rodaje del western “Joe Kidd” en 1972. Autor: Terry O´Neill. Autora fotografía EFT: Samia Benaissa Pedriza.

Las fotos de Terry O´Neill parecen muy fáciles de hacer. Cualquiera diría que tan solo se trata de enfocar y apretar el botón. Una sola toma basta para captar el instante, el momento histórico, el segundo en que una vivencia se congela para siempre y pasa a la posteridad en el universo de las estrellas rutilantes del cine, de la música o del deporte. Porque Terry O´Neill se convirtió sin casi desearlo en el fotógrafo de las celebridades de las décadas de 1960, 1970 y 1980. Una fotografía prácticamente fortuita de un desconocido dormido en el aeropuerto londinense de Heathrow que resultó ser el Secretario de Estado de Asuntos Exteriores británico le catapultó a la fama. El resto es literalmente historia: la primera fotografía de los Beatles publicada en la portada de un diario -que se agotó nada más salir a la calle en 1963-, la primera foto con teleobjetivo robada de un alto cargo de la CIA (un asesor de Robert Redford durante el rodaje de Los tres días del Cóndor), la instantánea de Marlene Dietrich durante su último concierto europeo en 1975 o los últimos retratos oficiales de Nelson Mandela tomados durante su noventa cumpleaños en 2008.

The Beatles. 1963

The Beatles en el patio trasero del estudio Abbey Road donde grabaron su primer álbum “Please, please me” (1963). Autor: Terry O´Neill. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC)

Marlene Dietrich (1975)

Última aparición de Marlene Dietrich sobre un escenario (1975). Autor: Terry O´Neill. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

Frank Sinatra. 1968.

Terry O´Neill fotografió a Frank Sinatra durante treinta años. En la imagen, el cantante rodeado de guardaespaldas en Miami en 1968 Autor: Terry O´Neill. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC)

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Robert Redford junto a Richard Helms, director de la CIA, durante el rodaje de “Los tres días del cóndor”. El actor, que no se sentía atractivo, odiaba las sesiones fotográficas. La imagen tuvo que ser tomada sin avisar y con teleobjetivo. Autor: Terry O´Neill. Fuente:www.loffit.abc.es (Licencia CC)

Los más de sesenta retratos de Terry O´Neill que se exponen en el Espacio Fundación Telefónica (EFT) transmiten una naturalidad extraordinaria en figuras de primer orden de las artes, la política o el deporte. Una frescura inédita teniendo en cuenta la identidad  y la repercusión mediática de los retratados, aunque quizá todo se explique por el momento histórico en que fueron tomadas las instantáneas. En los sesenta, la industria del cine o de la música no ponía tantas trabas para el acceso directo de los fotógrafos a las celebridades que se dejaban acompañar en sus giras o durante los rodajes de sus películas sin sentirse acosados por la prensa gráfica. Según el propio O´Neill el secreto de su éxito se debe a  intentar “ser lo más invisible posible, tener mucha paciencia y saber combinar la discreción con las dotes de relaciones públicas”. Eso y la elección de la cámara de 35mm para capturar momentos de intimidad, de soledad o de llaneza en personajes de la vida pública que se humanizan así ante el común de los mortales. Terry O´Neill lo reconocía durante la presentación de la exposición “El rostro de las leyendas” en el Espacio Fundación Telefónica:

“Cuando empecé a trabajar como fotógrafo lo hice con una cámara de 35mm. Me gustaba porque no ocupaba mucho espacio y era fácil trabajar con ella. Cuando llegué a Hollywood, la mayoría de los fotógrafos usaban cámaras de gran formato y tardaban media mañana en montar el set. Yo llegaba y lo hacía en media hora, por lo que era muy bien recibido. La cuestión es que la cámara de 35mm me ha acompañado toda mi carrera y me ha conducido adonde estoy ahora”.

Brigitte Bardot. 1971

Retrato de la actriz francesa Brigitte Bardot durante el rodaje de “Frenchie King” (1971). Autor: Terry O´Neill. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC)

Rachel Welch

Rachel Welch durante el rodaje de “Myra Breckinridge” en Los Ángeles en 1970. Autor: Terry O´Neill. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC)

¿Posados o robados?

La muestra de fotografías que se exhibe en el EFT es una mezcla de posados que no parecen estudiados y de retratos casi robados o tomados con la aquiescencia del famoso de turno. Clint Eastwood con las piernas en alto leyendo el periódico en su roulotte durante el descanso de un rodaje, Romy Schneider en una pose desesperada o una pensativa Jane Fonda pertenecen a esa última serie de retratos, todos en blanco y negro, una constante en las fotografías de O´Neill antes de los años ochenta. Los posados también consiguen engañar al espectador por su cercanía e intensidad: una sonriente y cercana reina Isabel II, el perro incontrolable de la portada de Diamonds Dogs (1974) de Bowie -el animal se puso nervioso por los flashes de la cámara y se puso a aullar a dos patas, una imagen que generó una portada de álbum histórica- o la serie de planos cortos dedicados a las modelos Bianca Jagger, Lauren Hutton, Iman o Naomi Campbell (excepciones en los abundantes planos medios de O´Neill en sus retratos) son buena prueba de ello.

Faye Dunaway. 1977.

La actriz Faye Dunaway, esposa de Terry O´Neill, al día siguiente de haber conseguido el Oscar a la mejor actriz por su trabajo en “Network” (1977). Autor: Terry O´Neill. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

The-Rolling-Stones.-1963

The Rolling Stones fotografiados por Terry O´Neill en Londres en 1963. Autor: Terry O´Neill. Autora fotografía EFT: Samia Benaissa Pedriza.

Retrato-Romy-Schneider

La actriz Romy Schneider fue fotografiada por Terry O´Neill dos meses antes de su fallecimiento. Autor: Terry O´Neill. Autora fotografía EFT: Samia Benaissa Pedriza.

Amy Whinehouse. 2008.

La cantante fallecida Amy Whinehouse en 2008. O´Neill no borró digitalmente las visibles estrías de su busto con el fin de conseguir la máxima naturalidad. Autor: Terry O´Neill. Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC)

Atrapando el momento

Fuente. Espacio Fundación Telefónica-Facebook (mbasic.facebook)

Terry O´Neill durante la presentación de la exposición “El rostro de las leyendas” en el EFT en octubre de 2013. Fuente: Espacio Fundación Telefónica -Facebook.

En las fotografías de O ´Neill que forman parte de esta muestra el decorado es lo de menos, no sirve de marco ni contextualiza, es más bien una excusa para captar sensaciones, emociones, impresiones o reflexiones. El protagonista es el personaje, no tanto por lo que representa sino por lo que expresa en determinado momento o situación vital en la que se encuentra. Según afirma el propio autor eso es algo que no se logra con una simple instantánea digital: “me encanta ver a la gente hacer fotos con sus teléfonos móviles, pero para mí eso no es fotografía. La fotografía es capturar momentos y eso no puede hacerse de esa manera. Las instantáneas que están en la exposición no se podrían haber hecho así, es algo que sale de dentro, el momento que eliges para disparar la foto. Con una cámara digital haces muchas fotos, pero eso no es atrapar el instante. Estoy convencido de que volverán los carretes de película”.

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Retrato de Mick Jagger, líder de The Rolling Stones en Londres (1964). Autor: Terry O´Neill. Autora fotografía EFT: Samia Benaissa Pedriza.

Serie-rock-y-pop-3

Serie dedicada a las estrellas del rock y del pop. De izda. a dcha. un espontáneo Paul McCartney en la boda de Ringo Starr en 1981, Elton John pletórico durante un multitudinario concierto en 1975, Rod Steward en la campiña inglesa y un joven Bruce Springsteen paseando por las calles de Hollywood en los sesenta. Autor: Terry O´Neill. Autora fotografía EFT: Samia Benaissa Pedriza.

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Escenas de rodajes de Hollywood. De izda. a dcha. Orson Welles, David Niven y Sammy Davis Jr (rodaje de “Casino Royale”, Londres 1967) y Richard Burton (rodaje de “La Escalera”, Paris 1970).

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Sean Connery y Jill St John durante el rodaje de “Diamonds are forever” (Diamantes para la eternidad) en Las Vegas (1971). Autor: Terry O´Neill. Autora fotografía EFT: Samia Benaissa Pedriza.

 

Terry O´Neill. 2004.

Retrato del fotógrafo Terry O´Neill (2004). Fuente: http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

Terry O´Neill y otros compañeros como Mary Ellen Mark o Richard Young -otro fotógrafo de los famosos- son los máximos exponentes de un mundo anterior al reinado de los paparazzi. En los setenta se generalizaron las prácticas agresivas de aproximación a las celebridades que pusieron fin a una época dorada en la relación natural entre fotógrafos y fotografiados. Richard Young encuentra ahora más interesante retratar a los famosos de espaldas para plasmar el barullo mediático que les rodea. Pero O´Neill sigue fotografiando de cara -ahora solo por encargo- quizá porque su prestigio y su cercanía todavía le siguen abriendo las puertas de la fama.

+ info:

Exposición fotográfica Terry O´Neill. El rostro de las leyendas. Espacio Fundación Telefónica. C/ Fuencarral, 3. Madrid. Del 11 de octubre de 2013 al 12 de enero de 2014. Entrada libre. De 10:00 a 20:00 horas. Lunes, cerrado.


Soul británico y talento hispano en los Premios 40 Principales España 2013

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Ricky Martin abriendo la gala de los Premios 40 Principales 2013.

La actuación de Ricky Martin abrió la gala de los Premios 40 Principales 2013. Fuente: www.cotilleoblog.com (Licencia CC).

La noche del 12 de diciembre de 2013 se entregaron en Madrid los premios que la cadena musical 40 Principales concede cada año a los artistas más reconocidos y votados por el público español.

Fueron más de tres horas de música y actuaciones en directo en una gala donde brilló el talento de artistas reconocidos como Ricky Martin, Alejandro Sanz o Pablo Alborán, sin duda alguna el ganador de la noche con tres premios  en la categoría nacional al mejor artista, mejor álbum y a la mejor canción a dúo con la cantante Malú, coach de la última edición de La Voz España.

Malú-Alejandro Sanz

Alejandro Sanz recogiendo su premio a la mejor gira por “La Música no se toca”. Fuente: http://www.cotilleoblog.com (Licencia CC). En la imagen de la derecha, la cantante Malú durante la gala. Autor: PRISA. Fuente: Flickr (Licencia CC)

Esta nueva edición de los Premios 40 Principales ha destacado por su sabor indiscutiblemente hispano en las actuaciones estelares -un renovado Ricky Martin presentando su nuevo single Come with me y un cada vez más evolucionado Pablo Alborán junto a Jesse & Joy, nominados a los últimos Grammys Latinos, cantando a dúo La de la mala suerte.

Ricky Martin. Pablo Alborán y Jesse Huerta.

El portorriqueño Ricky Martin sobre el escenario. Fuente: http://www.urbatonmusic.net (Licencia CC). A la derecha, Pablo Alborán y Jesse Huerta interpretan a dúo “La de la mala suerte”. Fuente: http://www.cotilleoblog.com (Licencia CC).

Pero también hemos podido disfrutar del talento novel de los soulmen británicos James Arthur -“no pensaba ganar (el premio a la mejor canción internacional) así que no he preparado ningún discurso” y John Newman, que recibía el primer premio de su carrera y que lo dio todo en el escenario. El inglés interpretó dos temas sin parar de mover el esqueleto a lo James Brown: Cheating y Love me again.  La banda de Las Vegas Imagine Dragons, motivadísimos por la gran acogida que están teniendo en España también interpretó con energía dos de los temas más conocidos de su último disco Night Visions. Además se llevaron el premio a la mejor banda de rock internacional, así que los estadounidenses estaban más contentos que unas pascuas: “tenéis la mejor comida, las mujeres más guapas”, etc.

James Arthur. Premios 40 Principales 2013

James Arthur durante su actuación en la gala. Autor: PRISA. Fuente: Flickr (Licencia CC.)

John Newman. Premios 40 Principales 2013

John Newman sobre el escenario de los Premios 40 Principales 2013. Autor: PRISA. Fuente: Flickr (Licencia CC).

Olly Murs. Premios 40 Principales 2013

El británico Olly Murs interpretó su “hit” “Troublemaker”. Autor: PRISA. Fuente: Flickr (Licencia CC).

Naughty Boy feat. Sam Smith. Premios 40 Principales 2013

El Dj Naughty Boy pinchando en directo “La, La, La (feat. Sam Smith)”. Autor: PRISA. Fuente: Flickr (Licencia CC). Autor: PRISA. Fuente: Flickr (Licencia CC).

Imagine Dragons. Premios 40 Principales 2013

La banda estadounidense Imagine Dragons. Autor: PRISA. Fuente: Flickr (Licencia CC).

Los británicos One Direction, que abrieron la entrega de premios desde una pantalla electrónica, recibieron el premio al mejor álbum internacional. Agradecieron el favor del público en diferido desde un hotel de Madrid, donde el día anterior habían comparecido ante los medios de comunicación en una breve visita a nuestro país para participar en la final de La Voz.

One Direction. Premios 40 Principales 2013

El grupo One Direction dieron las gracias por su premio en un mensaje grabado. Autor: PRISA. Fuente: Flickr (Licencia CC).

Lo mejor de la gala:

El elenco de artistas de este año que actuaron en el escenario y las brillantes actuaciones de John Newman, James Arthur, Ricky Martin, Pablo Alborán, Jesse & Joy,  Olly Murs y el Dj británico Naughty Boy que levantó el escenario con su ultra conocido tema La, La, La. También destacó la interpretación del prometedor Pablo López, ganador del premio al mejor artista revelación que interpretó en directo su tema Ví.

Pablo López, Premios 40 Principales 2013

Pablo López, agradeciendo su premio al mejor artista revelación 2013. Fuente: http://www.cotilleosblog.com (Licencia CC). A la derecha, durante su actuación en directo. Autor: PRISA. Fuente: Flickr (Licencia CC).

Lo peor de la gala:

El espantoso sonido en directo que deslució las actuaciones de los artistas sobre el escenario, los frecuentes cortes en la señal de vídeo que fundió a negro la retransmisión del espectáculo, los estilismos de los presentadores de la gala y el look roquero de algunas celebridades invitadas al show, por artificial y trasnochado en estos premios.

Daniela Blume. Inma Cuesta y Martín Rivas

La presentadora de la gala Daniela Blume con un llamativo modelo de María Escoté. Katy Perry eligió el mismo vestido en negro en los últimos European Music Awards. A la derecha, los actores Inma Cuesta -con un look roquero poco favorecedor- y Martin Rivas -con un desacertado traje clásico de chaqueta a rayas- que acaban de estrenar la película “Tres bodas de más”. Fuente: http://www.20minutos.es (Licencia CC).

La llegada de invitados a la gala en la “alfombra azul”:

Malý. Ricky Martin en la alfombra azul. Premios 40 Principales 2013

La cantante Malú con un vestido joya de Amen Couture. Autor: PRISA. Fuente: Flickr (Licencia CC). A la derecha, Ricky Martin saluda a los medios en la “alfombra azul” de los Premios 40 Principales 2013. Fuente: http://www.20minutos.es (Licencia CC).

Protagonistas El Hobbit. Premios 40 Principales 2013

De izq. a dcha. Richard Armitage y Luke Evans, protagonistas de “El Hobbit: la desolación de Smaug” que entregaron un premio. Autor: PRISA. Fuente: Flickr (Licencia CC).

Jaime Cantizano. Soraya Arnelas. Premios 40 Principales 2013

El presentador de televisión Jaime Cantizano entregó el premio al mejor álbum nacional a Pablo Alborán. En la otra foto, la cantante Soraya Arnelas -vestida de Antonio Berardi con zapatos de Jimmy Choo- que presentó el premio a la mejor canción nacional, y su pareja, el modelo Miguel Herrera. Fuente: http://www.20minutos.es (Licencia CC).

 Auryn. Premios 40 Principales 2013

La “boy band” española Auryn a su llegada al Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid, sede de los Premios 40 Principales 2013. Fuente: http://www.20minutos.es (Licencia CC).

Imagine Dragons en la alfombra azul. Premios 40 Principales 2013

La banda de rock estadounidense Imagine Dragons posando en el “photocall” previo a la entrega de los Premios 40 Principales 2013. Autor: PRISA. Fuente: Flickr (Licencia CC).

+ info:

Relación de ganadores de los Premios 40 Principales España 2013:

Categoría nacional:

Mejor Artista o Grupo: Pablo Alborán

Mejor Artista Revelación en 40 Principales: Pablo López Mejor

Videoclip: Make my day. Auryn

Mejor Álbum: Tanto. Pablo Alborán

Mejor Canción: Vuelvo a Verte. Malú y Pablo Alborán

Mejor Festival, gira o concierto: Alejandro Sanz por La Música no se toca

Categoría internacional:

Mejor Artista o Grupo: Bruno Mars

Mejor Artista Revelación en 40 Principales: Macklemore y Ryan Lewis

Mejor Videoclip internacional: John Newman por Love Me Again

Mejor Álbum: Take Me Home. One Direction

Mejor Canción: Impossible. James Arthur

Mejor Artista o Grupo Latino: Ricky Martin

Premios especiales:

Premio especial al artista español más polifacético: Dani Martín

Premio especial a la trayectoria: Estopa

Premio Especial a la mejor banda de rock internacional del año: Imagine Dragons


Santiago Auserón (Juan Perro) en el Instituto Cervantes

“Los telediarios son la mentira sistematizada”

Autora: Samia Benaissa Pedriza

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Santiago Auserón durante su charla en el Instituto Cervantes en Madrid. Fuente: cervantestv.es (Imagen capturada en pantalla).

A Santiago Auserón le gusta el contacto con el público. El exlíder de Radio Futura sabe cómo conectar con maestría con la audiencia, ya se trate de seguidores  incondicionales o de público novel atraído por su particular discurso retórico fuera de los escenarios. Al que no esté familiarizado con la trayectoria artística de Santiago Auserón quizá le sorprenda  descubrir que el cantante posee inquietudes intelectuales que van más allá de la mera creación musical. Auserón lleva ya cuatro libros publicados sobre sus investigaciones en torno al mundo de la música y su relación con otras disciplinas. Su última obra publicada, El ritmo perdido, dedicada a descubrir el origen y evolución de los ritmos musicales, sirvió de excusa para charlar con el artista acerca de su visión sobre la música contemporánea, la compleja relación entre las artes sonoras y visuales, así como su perspectiva sobre los efectos de la crisis en la sociedad española, entre muchas otras cosas.

La relación de Santiago Auserón con la música viene de mucho tiempo atrás. El cantante recuerda que su memoria sonora no se origina en la música sino en el cine. Cuenta Auserón que, de niño, estaba más pendiente de la música que de las imágenes proyectadas cuando iba al cine como espectador, porque “los signos reverberan de una forma  muy particular”. Para Santiago Auserón la música provoca un proceso de pensamiento particular, distinto de otros generados por el lenguaje oral o la imagen, aunque no por ello haya que “iniciar una cruzada contra las artes visuales”.

El artista recuerda que los miembros de su generación mantenían una relación de alteridad con la música que escuchaban y que venía del extranjero. Los jóvenes de su época solían sentirse atraídos por canciones interpretadas en lenguajes que no entendían y ritmos que desconocían. El ritmo negro anglosajón fue acogido con veneración por los que fueron jóvenes en los ochenta. Un ritmo que, según recuerda Auserón, procede de las tribus negras del continente africano y que irrumpió en las sociedades occidentales del siglo XX a través de los medios electrónicos. Para aquellas tribus, el ritmo era más importante que el lenguaje oral y significaba a la vez un “sistema de pensamiento y un código de relación social”.

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Santiago Auserón durante su intervención en el Instituto Cervantes de Madrid. Fuente: cervantestv.es (Imagen capturada en pantalla).

De sobra es conocida la admiración de Auserón por la música negra moderna -el blues y el soul-, unos estilos que han influido en sus últimos trabajos musicales publicados en solitario o bajo el nombre artístico de Juan Perro. En el año 2006 Auserón editó junto a su hermano Luis, también excomponente de Radio Futura, el álbum de versiones de rock y música negra Malas lenguas, un homenaje explícito a figuras tan importantes en la historia de la música contemporánea como Marvin Gaye, Elvis Presley o Bob Dylan.

Video Malas Lenguas (Malas lenguas, 2006). Versión de I heard it through the grapevine, de Marvin Gaye. Fuente: You Tube. Duración: 3:27 minutos. Imagen: Autor: Josep Tomàs (Licencia CC):

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Vídeo Reina Zulú. Actuación de Juan Perro en directo en el  late night de Buenafuente el 11 de mayo de 2011 (La Sexta). Fuente: You Tube. Duración: 4:55. Imagen: Autor: Josep Tomàs (Licencia CC):

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Sobre su experiencia en la “movida” madrileña de los años ochenta, Auserón reconoció que su papel fue el de un mero transmisor: “no me consideraba muy implicado en el mensaje de la canción Enamorado de la moda juvenil”. Pero me pareció una provocación hacer un pasodoble y convertirlo en punk”. En la actualidad, Santiago Auserón representa un referente en la historia de la música española contemporánea -“me he ganado el título de perro viejo”- pero su experiencia no se ha forjado de forma exclusivamente autodidacta, sino bebiendo de las fuentes musicales tradicionales -“he elegido a mis maestros cuando he querido, pero no se puede vivir sin maestros”-. El autor de éxitos como Escuela de Calor” o Veneno en la piel” confiesa que le gustaría tener la “visión cósmica del ritmo” de Ravi Shankar y admira profundamente la “sencillez y bonhomía” de Duke Ellington al piano.

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Santiago Auserón contestó a las preguntas del público en el Instituto Cervantes de Madrid. Fuente: cervantestv.es (Imagen capturada en pantalla).

De la crisis económica, Auserón espera que esta nos devuelva “una situación rica en ritmos y coplas” porque los españoles “somos especialistas en lo complejo y deberíamos aprovecharlo”. Auserón reconoce que en España no hay pensamiento crítico, aunque no sabe si “la cosa es tan cruel” y aboga por transformar las universidades en algo verdaderamente útil para la sociedad. Para Santiago Auserón es más importante leer libros de historia que ver los telediarios porque estos son “la mentira sistematizada”. Auserón propone mirar, además de la televisión, hacia el interior de uno mismo, “que es donde te encuentras con toda la peña interesante”, un comentario que el artista realizó en tono jocoso para relajar el ambiente.

Santiago Auserón concluyó su cita con el público congregado en el Instituto Cervantes leyendo un fragmento de las Novelas ejemplares de Miguel de Cervantes. Auserón regaló a la audiencia una lectura divertida y profesional sobre un episodio oportunamente relacionado con la música que entretuvo a un público plenamente entregado y conquistado al finalizar el encuentro con el artista.

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Santiago Auserón durante la lectura de las “Novelas ejemplares” de Miguel de Cervantes. Fuente: cervantestv. (Imagen capturada en pantalla).

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Santiago Auserón leyó a Miguel de Cervantes con voz profunda e impostada. Fuente: cervantestv.es (Imagen capturada en pantalla).

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Un divertido Santiago Auserón logró captar la atención del público reunido en la sede del Instituto Cervantes en Madrid. Fuente: cervantestv.es (Imagen capturada en pantalla).

+ info:

Encuentro con Santiago Auserón. Celebrado el 29 de octubre de 2013 en la sede del Instituto Cervantes en Madrid.

Entrevista a Juan Perro en el programa de Buenafuente (La sexta). 11 de mayo de 2011. El artista habla, entre otras cosas, del origen de los ritmos negros y su asimilación por la cultura occidental del siglo XX.

Obras destacadas de Santiago Auserón:

Auserón, Santiago (2012). El ritmo perdido. Sobre el influjo negro en la canción española. Península, Madrid.

Auserón, Santiago (1998). La imagen sonora. Notas para una lectura filosófica de la nueva música popular. Episteme, Valencia.

Auserón, Santiago (1999). “Notas sobre Raíces al viento”, en Las culturas del rock. Pre-Textos, Valencia.


Homenaje a Lou Reed. Adiós al “animal del rock and roll”

Autora: Samia Benaissa Pedriza

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El artista neoyorquino Lou Reed. Fuente: http://www.cronicanorte.es (Licencia CC)

El 27 de octubre de 2013 fallecía en Long Island (N.Y.) a los 71 años de edad, Lou Reed, cofundador de la mítica Velvet Underground y leyenda viva del rock alternativo, del punk y del glam de los últimos cincuenta años. Reed, que recibió un trasplante de hígado el pasado mes de mayo, deja huérfanos a sus seguidores de todo el mundo. Su último trabajo fue el álbum Lulu (2011), una recopilación de temas basados en la obra del dramaturgo alemán Frank Wedekind, editado en colaboración con la banda de hard rock, Metallica.

Videohomenaje a Lou Reed:

Lou Reed y John Cale, miembros fundadores en los sesenta de la banda Velvet Underground, mantuvieron una estrecha relación con Andy Warhol y The Factory. Warhol fue el artista que diseñó la famosa portada del álbum The Velvet Underground and Nico (1967). Lou Reed abandonó el grupo en 1970 para iniciar una carrera en solitario.

Vídeo Walk on the wild side. Fuente: Vimeo. Refleja el estilo de vida de Andy Warhol y los que formaron parte de The Factory en la década de los años 1960 y 1970. El tema pertenece al álbum en solitario de Reed, Transformer (1972), producido por David Bowie.

En 1990 John Cale y Lou Reed se reunieron para editar el disco Songs for Drella, dedicado a Andy Warhol, fallecido tres años antes. En 1993 la banda volvió a reunirse de forma temporal para organizar una gira mundial, aunque John Cale y Lou Reed siguieron manteniendo vivas sus diferencias.

Vídeo Sweet Jane.Fuente: Vimeo. Pertenece al álbum de The Velvet Underground, Loaded (1970). A pesar de la separación, Reed siguió interpretando temas de su antiguo grupo en sus conciertos. El video corresponde a una actuación en directo de Lou Reed celebrada el 20 de mayo de 2000.

En el año 2011, Lou Reed colaboró de forma estelar con Metallica en la elaboración del disco Lulu, formado por diez canciones con una duración comprendida entre los cuatro y los veinte minutos por tema. Fue Reed el que se puso en contacto con la banda de hard rock para elaborar un disco que no obtuvo muy buenas críticas. El álbum es básicamente un compendio de canciones de Metallica recitadas por Lou Reed.

Vídeo de presentación del álbum Lulu de Lou Reed y Metallica. Actuación en Milán (Italia) en el programa de la RAI 3, “Che tempo che fa” (Iced honey (Lulu, 2011) y White light/White heat (1967), del disco homónimo de The Velvet Underground). Fuente: Vimeo. Ante las críticas recibidas, Lars Ulrich, batería de Metallica, defiende el trabajo de Reed y  la calidad de la producción: “la crítica más recurrente es que Lou no cantaba. ¿Cuándo coño ha cantado Lou Reed? ¿De verdad esperáis que se convierta en Robert Plant?”. “Si te llama Lou Reed para colaborar, ¿tú qué harías? No puedes dejar pasar esa oportunidad”.

+ info:

Ver fotogalería: Lou Reed, una vida en imágenes.


La transmutación de Enrique Bunbury

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Enrique Bunbury en una imagen promocional.

Enrique Bunbury acaba de editar “Palosanto”, su último álbum de estudio. Fuente: http://www.manerasdevivir.com (Licencia CC)

Enrique Bunbury está de nuevo en España. El artista ultima en nuestro país la promoción del decimocuarto disco de su carrera, Palosanto, grabado en Los Ángeles con la colaboración de la banda Los Santos Inocentes. El último trabajo de Bunbury es de tipo conceptual y no obedece a una coyuntura socioeconómica particular, aunque los medios de comunicación hayan insistido hasta la saciedad en relacionar su contenido con la grave crisis de representatividad política que atraviesa España en la actualidad.

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El cantante Enrique Bunbury. Autor: Gustaf 1807(Licencia CC)

Ayer, sin ir mas lejos Bunbury aparecía en un programa de televisión de La Sexta durante una entrevista en la que apenas se habló de música y sí mucho de política. El zaragozano residente en Los Ángeles, con mucha educación, acabó por contestar al insistente periodista que no sabía cómo arreglar las cosas porque él no era político. Cuando le preguntaron por el expresidente Aznar contestó en tono conciliador que “no he venido a insultar a nadie”. Eso al final de un cuestionario en el que solo se incluyeron tres preguntas manidas sobre música (“defina a Héroes del Silencio” -“la escuela, el pasado”, “a Bowie” -“un maestro”- “y a Jim Morrison” – “un cantante de un grupo que me gusta mucho”-).

A Bunbury se le nota que vive fuera de España desde hace algunos años, casi desde el momento en que comenzaron a notarse en nuestro país los efectos de la crisis económica. La visión exterior suele ser más positiva que la interior, quizá por ello Bunbury ha logrado crear y transmitir mensajes esperanzadores en su nuevo álbum de estudio. “Los que han escuchado el disco me resaltan que el sentimiento que les queda al final es muy positivo. Muchos pensarían que el sabor iba a ser amargo”, manifestaba el propio Bunbury hace unos días durante la presentación ante los medios de Palosanto en Ciudad de México.

La verdad es que sorprende la actitud pacificadora de Enrique Bunbury en su última visita a España -“cuántas tonterías he dicho”, confesaba en La Sexta tras visionar un vídeo con apariciones pasadas-. Lo cierto es que el cantante se expresa con una inusitada humildad sobre este último disco: “lo importante es que haya algo que te guste y yo estaré eternamente agradecido”, decía ayer mismo a los oyentes durante una entrevista en la cadena de radio Onda Cero.

Pues en relación al disco hay que decir, que gusta, como mínimo, el primer single “Despierta”. El tema -y el resto del álbum en general- refleja un nuevo cambio en la producción artística de Enrique Bunbury, algo que a estas alturas ya no sorprende a nadie. La evolución musical del artista es personal, compleja, ecléctica y en algunas ocasiones, comercialmente arriesgada. Con cada nuevo disco que edita, el artista logra simultáneamente ahuyentar y atraer nuevos seguidores en función del estilo musical que predomine en cada momento, pero en esta ocasión el éxito comercial está prácticamente asegurado. “No he querido mirar atrás, quiero que este disco sea de 2013”, asegura el músico, quien ha buscado un sonido “contemporáneo” alejado de la “música más orgánica, como el folclore americano”.

Videoclip “Despierta” (Palosanto, 2013). Director: Alexis Morante. Duración: 6:15 minutos. Fuente: Vimeo:

En este disco ya no hay cabaret, tampoco hay referencias explícitas a la música tradicional latinoamericana, pero a cambio hay bastante rock del bueno, una voz con personalidad pero sin histrionismos, así como canciones envolventes y a la vez potentes en las que a menudo brillan con luz propia las partes más instrumentales. En Palosanto el hilo conductor que se manifiesta con claridad meridiana -ya sea a través del contenido o de las formas- es el cambio, colectivo o individual, social o subjetivo. Cambio como reacción a la parálisis de la sociedad  y a la inmovilidad de los seres humanos cuando se enfrentan a sus demonios interiores. Según recalca el propio Bunbury en declaraciones a la revista Rolling Stone, Palosanto no es un disco político o social: “intento reflejar distintos estados de ánimo. En la primera parte se habla del entusiasmo global ante la posibilidad de un cambio. En la segunda, se mira hacia el individuo, hacia el círculo mínimo de acción en el que se pueden realizar cambios significativos: la familia, los amigos, la pareja. Y finalmente, la mirada interna, la resolución de que el verdadero cambio comienza y termina en uno mismo”.

Bunbury y Los Santos Inocentes

Enrique Bunbury en directo con su banda Los Santos Inocentes en febrero de 2012. Autor: Carlos Delgado (Licencia CC)

A pesar de que Enrique Bunbury se ha adaptado perfectamente a los nuevos tiempos de la industria musical, el artista ha hecho un guiño a sus seguidores más retro editando Palosanto en dos vinilos, además de en soporte CD y digital.En la edición de lujo se incluye además un doble CD con el directo de su gira “Cualquier tiempo pasado… Live 2011-12″.

+ info:

Palosanto se pondrá mundialmente a la venta el 29 de octubre de 2013. Bunbury participa como productor junto a Ramón Gacias. El álbum ha sido grabado y mezclado en Los Ángeles (EE.UU.).

En 2014 se exhibirá en los cines el documental “El camino más largo“, un relato sobre la gira por EE.UU. que Enrique Bunbury llevó a cabo en el año 2010.  El largometraje ha sido dirigido por Alexis Morante, director habitual de los vídeos promocionales del cantante como “Despierta” (Palosanto, 2013) y  del mediometraje Licenciado Cantinas: The Movie (2012), este último candidato a un Grammy Latino en el año 2012.

La gira de promoción de Palosanto arrancará el 17 de enero de 2014 en México y finalizará el 24 de septiembre de ese mismo año en Miami (EE.UU). La gira llevará al cantante por España, México, Guatemala, El Salvador, Costa Rica, Colombia, Perú, Ecuador, Chile, Argentina y Estados Unidos.

Fechas confirmadas en España en 2014: 05 de junio (Valladolid); 07 de junio (Santiago de Compostela); 12 de junio (Granada); 14 de junio (Sevilla); 19 de junio (Barcelona); 21 de junio (Zaragoza); 27 de junio (Bilbao); 29 de junio (Madrid); 03 de julio (Valencia).

Palosanto incluye las siguientes canciones:

Primera parte:

01. Despierta

02. Más alto que nosotros sólo el cielo

03. Salvavidas

04. Los inmortales

05. Prisioneros

06. Habrá una guerra en las calles

07. Destrucción masiva

08. El cambio y la celebración

Segunda parte:

09. Hijo de Cortés

10. Mar de dudas

11. Miento cuando digo que lo siento

12. Nostalgias imperiales

13. Plano secuencia

14. Causalidades

15. Todo

Edición de lujo (“Cualquier tiempo pasado… Live 2011-12”):

01. Si no fuera por ti (Ventura, California).

02. La señorita hermafrodita (Lima, Perú).

03. De mayor (Los Ángeles, California).

04. Contar contigo. (Querétaro, México).

05. No me llames cariño

06.Una canción triste (Buenos Aires, Argentina).

07. Big-Bang (Guadalajara, México).

08. Ahora (Aguascalientes, México).

09. San Cosme y San Damián (Madrid, España).

10. Nunca se convence del todo a nadie de nada (Querétaro, México).

11. El tiempo de las cerezas (León, México).


Rotundo éxito de público en la Fiesta del Cine 2013

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Colas de espectadores durante La Fiesta del Cine

Largas colas de espectadores registradas en el centro de Madrid durante “La Fiesta del Cine”. Fuente: gonzoo.com (Licencia CC)

“Hoy voy a ver dos películas, ayer también vi dos seguidas y mañana, otras dos”, comentaba emocionada una espectadora en una sala de cine de Madrid durante La Fiesta del Cine, celebrada los días 21, 22 y 23 de octubre de 2013. En esta quinta edición, los organizadores prevén superar los más de 763.000 espectadores registrados el pasado año gracias al atractivo precio de las entradas: 2,90 euros frente a los 9 habituales de una entrada sin descuento. Y parece que el objetivo se puede conseguir porque según las primeras estimaciones, el primer día de la promoción el número de espectadores se quintuplicó en relación a las cifras de la semana pasada.  El sentimiento generalizado de organizadores, distribuidores y exhibidores al finalizar La Fiesta del Cine es de satisfacción total,  aunque la mayor o menor recaudación de los cines ha dependido mucho de la renta media de las provincias españolas que han participado en el evento.

Mientras en la capital los cines adheridos a La Fiesta del Cine se veían desbordados por la afluencia de público, en ciudades como Toledo o Pamplona, la situación se revelaba un tanto irregular. A pesar de que la iniciativa ha suscitado el interés general de los espectadores por acudir masivamente a los cines, en algunas ciudades no se han alcanzado ni mucho menos las cifras de público registradas durante el pasado año. En Pamplona, por ejemplo, el volumen de espectadores solo se ha incrementado entre un 7% y un 10% mientras que la media nacional se sitúa en un aumento del 550% según datos de Rentrak Spain.

Las películas más vistas durante estos tres días de cine a precios reducidos también han dependido del perfil de espectador en función de su lugar de residencia. Las películas más familiares –Turbo, Zipi y Zape– han sido las preferidas de la audiencia de los cines de provincia, mientras que las grandes ciudades han reunido a un público más heterogéneo: Gravity, El Mayordomo o Las Brujas de Zugarramurdi han sido los estrenos más vistos en estos últimos días.

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El público acudió masivamente a la quinta convocatoria de “La Fiesta del Cine”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Posiblemente, lo más llamativo de esta edición hayan sido las larguísimas colas de espectadores que se han podido ver en muchas salas de la geografía española. En el centro de la capital se han podido cronometrar colas de hasta una hora de espera que daban la vuelta a la manzana o al centro comercial de turno. En palabras de Enrique González Macho, presidente de la Academia de Cine, director, productor, distribuidor y exhibidor, “no veía una cola así desde el estreno de ‘Doctor Zhivago”. “Habrá unas 500 personas en la cola de mi cine, sin exagerar”, aseguraba el cineasta en relación a los cines Renoir Plaza de España localizados en una de las zonas más céntricas de Madrid. Las sesiones que más público han aglutinado han sido las de la tarde, siguiendo la tendencia habitual, aunque en algunas ciudades del interior las sesiones más demandadas han sido las de las 20:00 horas y las nocturnas, en unos horarios normalmente poco atractivos para el público entre semana.

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Las taquillas de los cines no daban abasto para atender la gran demanda de espectadores. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Durante el primer día de la promoción las taquillas ingresaron un millón de euros, el equivalente a tres días seguidos de recaudación -excluido el fin de semana-. Una situación que puede calificarse de éxito rotundo. Borja de Benito, portavoz de la Federación de Cines de España (FECE), esperaba que los resultados fueran mejores que los del año pasado, “pero no tanto”. Aunque, a su juicio, los buenos datos se deben menos a la bajada del precio de las entradas que  al “efecto evento” y a la estrategia de marketing que concentra en tres días la oferta de entradas a menos de tres euros.

La celebración de la quinta Fiesta del Cine ha sido posible gracias al acuerdo de productores, distribuidores y exhibidores para asumir los costes excepcionales de la rebaja de precios. Pero que nadie se haga ilusiones: una bajada de precios como la ofertada en esta ocasión no sería rentable ni asumible de forma duradera por la industria del cine. Aunque algunos profesionales del sector sí abogan por una disminución del precio de las entradas, sobre todo entre el gremio de los directores de cine. González Macho propone adaptar el coste de las entradas a la situación económica del país, aunque advierte de que si se sigue manteniendo el IVA de la industria cultural en un 21%, cualquier bajada de precios sería inviable. Muchos espectadores preguntados al respecto estiman que la subida del IVA del 8% al 21% ha contribuido al notable descenso de espectadores de cine en España en los últimos tiempos -un 19% desde que comenzó la crisis económica en 2007-, según datos del Ministerio de Cultura.

En esta ocasión, los productores, distribuidores y exhibidores de cine han ganado casi un 67% menos con cada entrada vendida en taquilla durante los tres días de duración de La Fiesta del Cine. Pero la gran afluencia de público y el incremento en la compra de entradas por espectador  han compensado con creces la reducción de márgenes de beneficio. De los 9 euros que cuesta de media una entrada de cine en España, los distribuidores (grandes compañías como Sony o Universal Tripictures) se quedan con 3,76 euros, los exhibidores (las salas de cine) recaudan 3,07 euros, los productores obtienen 0,27 euros que dedican, entre otras cosas, a pagar a los actores y al personal contratado para la elaboración de las películas, y finalmente, la Hacienda Pública se adjudica 1,89 euros en concepto de IVA. Si se mantuviera el precio excepcional de 2,90 euros, la industria cinematográfica solo alcanzaría a recaudar 2,30 euros por entrada frente a los 7,20 actuales, algo que solo se podría sostener con un incremento extraordinario y constante de la audiencia, una tendencia irreal fuera de los períodos de promociones organizados temporalmente por las salas de cine.

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Entrada al precio reducido de 2,90 euros adquirida durante la quinta edición de La Fiesta del Cine”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

En lo que todos parecen coincidir es que La Fiesta del Cine ha servido para poner de manifiesto que la magia del séptimo arte sigue atrayendo a espectadores de todas las edades y condición social. Al público le sigue gustando ir al cine e indudablemente iría más si se redujera el coste de las entradas. Aunque no parece que ello vaya a ocurrir próximamente, dada la falta de voluntad política y acuerdo entre los agentes implicados.  Los espectadores nos tendremos que conformar con acciones puntuales como la de La Fiesta del Cine que, dado el éxito obtenido, sí parece que podría repetirse en más de una edición al año en el futuro próximo.

+ info:

Para poder asistir a La Fiesta del cine los interesados tuvieron que registrarse previamente en la página web www.fiestadelcine.com. Las acreditaciones nominativas obtenidas en la web facilitaron el acceso a precio reducido a las 324 salas de cine españolas (3000 pantallas) adheridas a la promoción.

Más de 1,5 millones de espectadores se registraron en las semanas previas al inicio de la cita cinematográfica. El 90% de las salas españolas exhibidoras de películas cinematográficas han participado en La Fiesta del Cine en su edición de 2013.

En 2012, durante la Fiesta del Cine se recaudaron 2.857.879 euros. En 2013 se estima obtener unos ingresos superiores a los tres millones de euros.


Clausura del Festival de cine de San Sebastián 2013

Autora: Samia Benaissa Pedriza

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Vista del Puente del Kursaal, sede del Festival de cine de San Sebastián. Autor: Generalpoteito (Licencia CC).

→Los miembros del jurado premian con la Concha de Oro al film Pelo malo, una historia de la venezolana Mariana Rondón sobre la represión de las personas en América Latina.

Trailer del film Pelo Malo (autorizado para su uso web):

Declaraciones de Mariana Rondón al subir a recoger la Concha de Oro:

“Gracias por elegir una película tan chiquita, que hice para librarme de la angustia de tanta intolerancia.”

“Pensar distinto, ser diferente no es un problema, es lo más hermoso que tiene un ser humano cuando se encuentra con el otro.”

→El festival concede el Premio Donostia por primera vez a una actriz española: Carmen Maura.

Carmen Maura en el Festival de cine de San Sebatián 2013

La actriz Carmen Maura dando las gracias por el Premio Donostia. Fuente: Diari Maresme (Licencia CC).

Declaraciones de Carmen Maura al recibir el Premio Donostia:

“Ser la primera española me hace ilusión y espero abrir camino.”

“Le he dado al público todo lo que he podido. Y hay gran talento en el cine español: me siento muy orgullosa de pertenecer a él.”

Las brujas de Zugarramurdi

Fotograma de “Las Brujas de Zugarramurdi”, última película en la que ha participado Carmen Maura. Fuente: Diari Maresme (Licencia CC).

Ver fotogalería. Carmen Maura durante la presentación en el festival de su última película, Las Brujas de Zugarramurdi y la entrega del Premio Donostia en el auditorio del Kursaal.

Leer entrevista del director Alex de la Iglesia a Carmen Maura con motivo de la concesión del Premio Donostia.

→Hugh Jackman presenta Prisoners, una cinta en la que se aleja de su imagen habitual de superhéroe, a la vez que recibe el segundo de los Premios Donostia que concede el festival a figuras destacadas del séptimo arte.

Hugh Jackman llega a San Sebastián

El actor Hugh Jackman a su llegada al Festival de cine de San Sebastián 2013.Fuente: Dragón digital (Licencia CC).

Declaraciones de Hugh Jackman al recoger el premio:

“Para mí es un orgullo estar en la misma categoría de tantos grandes actores.”

“Prometo que pondré este premio cada día en la mesa del desayuno de mis hijos para que sepan que yo merezco un respeto y que deberían hacer los deberes cuando se lo pido.”

Ver fotogalería. Paso del actor australiano Hugh Jackman por el Festival de cine de San Sebastián.

Fotograma de "Prisoners"

En “Prisoners” Hugh Jackman interpreta a un padre violento y ultrareligioso que debe enfrentarse a la desaparición de su hija pequeña. Fuente: Dragón digital (Licencia CC).

Ver trailer de Prisoners

+ info:

61ª edición del Festival de cine de San Sebastián. Del 20 al 28 de septiembre de 2013.

El certamen se celebra cada año desde 1953 durante el mes de septiembre en la ciudad de San Sebastián (País Vasco, España). Ostenta la máxima categoría A otorgada por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF). En el mundo solo se celebran trece festivales de cine con esta categoría.

Relación de premiados en la 61ª edición del Festival de cine de San Sebastián:

Concha de Oro: Pelo malo (Mariana Rondón). País: Venezuela.

Concha de Plata al Mejor Director: Fernando Eimbcke (Club Sándwich). País: México.

Concha de Plata al Mejor Actor: Jim Broadbent (Le Week-End. Director: Roger Michell). País: Reino Unido.

Concha de Plata a la Mejor Actriz: Marian Álvarez (La herida. Director: Fernando Franco). País: España.

Premio Especial del Jurado: La herida (Fernando Franco). País: España.

Premio a la Mejor Fotografía: Pau Esteve Birba (Caníbal. Director: Manuel Martín Cuenca). País: España.

Premio al Mejor Guión: Antonin Baudry, Christophe Blain y Bertrand Tavernier (guión adaptado de Quai D’Orsay). País: Francia.

Premio Kutxa-Nuevos Directores: Of Horses and man (Director: Benedikt Erlingsson). Países: Islandia-Alemania.

Premio del Público: Like Father, Like Son (Director: Hirozaku Kore-Eda). País: Japón.

Premio de la Juventud: Wolf (Jim Taihuttu). País: Países Bajos. Premio Fipresci: Quai D’Orsay (Bertrand Tavernier). País: Francia.

Premio Cine en Construcción: La salada (Juan Martín Hsu). País: Argentina.

Premio “Otra mirada” de Televisión Española: Jeune et jolie (François Ozon). País: Francia.

Premio del Cine Vasco: Asier ETA Biok (Aitor y Amaia Merino).


Exposición retrospectiva sobre Camille Pissarro en el museo Thyssen-Bornemisza

Hasta el 15 de septiembre de 2013

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Entrada a la exposición "Pissarro" en el museo Thyssen-Bornemisza.

Entrada a la exposición “Pissarro” en el museo Thyssen-Bornemisza. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Si tuviera que elegir tres cuadros de la primera exposición retrospectiva en España de Camille Pissarro que organiza el museo Thyssen-Bornemisza no elegiría las obras más populares del pintor francés, ni tampoco las más significativas o las más reconocidas. Por el contrario, seleccionaría un trío de composiciones que destacan por su singularidad dentro del conjunto de la obra de uno de los pintores más comprometidos con el movimiento artístico del impresionismo.

De las 79 obras de Camille Jacob Pissarro expuestas en el museo Thyssen-Bornemisza llaman especialmente la atención El puente de Charing Cross (1890), El pueblo de Éragny (1885) y El jardín de las Tullerías, invierno (1900).

Autorretrato de Camille Pissarro

“Autorretrato”, Camille Pissarro (1903). (Imagen de dominio público)

Los comienzos de Camille Pissarro como pintor se iniciaron en la década de 1860 y su obra se extendió hasta 1903, año de su fallecimiento en París. La última década de su vida artística es la que condensa las obras que más reconocimiento obtuvieron por parte del público y de la crítica. Fue entonces cuando Pissarro pudo disfrutar de los beneficios económicos de su arte. El puente de Charing Cross se sitúa en la etapa de transición artística de Pissarro hacia el éxito profesional. Se trata de un cuadro pintado en 1890, cuando el artista se ve obligado a dar por finalizadas sus investigaciones e incursiones en tendencias como el “puntillismo” -o neoimpresionismo-, y la abstracción (Boulevard Montmartre,  martes de carnaval por la tarde, 1897) dado su escaso éxito comercial. A pesar de que Camille Pissarro es conocido por su purismo dentro del movimiento impresionista, no se debe despreciar su búsqueda de modos alternativos de expresar la realidad, como el uso de efectos de nieve, lluvia (Rue Saint Honoré por la tarde, efecto de lluvia, 1897) o niebla (Pont Boieldieu, Rouen, efecto de niebla, 1898; L´île Lacroix, Rouen, efecto de niebla, 1888).

“El puente de Charing Cross” (1890), Camille Pissarro

“El puente de Charing Cross” (1890), Camille Pissarro. Reproducción a gran escala en el museo Thyssen-Bornemisza. Autora: Samia Benaissa Pedriza

En el primer plano de la composición se aprecian claramente influencias del “puntillismo” en los trazos de colores contrapuestos que representan figuras de pasajeros a bordo del primer barco de vapor que atraviesa el puente. El ambiente que sugiere El puente de Charing Cross es el de un paisaje nublado, urbano e industrial, la otra cara de la moneda de los paisajes en que Pissarro se especializó a lo largo de su carrera. Frente al predominio de los colores vibrantes presentes en los paisajes rurales, las escenas urbanas son representadas mediante tonos deslavados, pálidos y blanquecinos. El cielo y el mar se funden en un color monocromo: el blanco en toda su gama de tonalidades.

La etapa rural de Camille Pissarro ocupó gran parte de su carrera artística y en el plano personal se caracterizó por el padecimiento de estrecheces económicas. Ideológicamente Pissarro pertenecía al ámbito del socialismo y del anarquismo. Defendió siempre los derechos de los trabajadores y de los campesinos que en ocasiones incluía en sus creaciones artísticas, aunque adoptando siempre un papel secundario dentro de la composición. Lo que destaca fundamentalmente en los múltiples paisajes rurales que Pissarro pintó es el uso del color (verdes, azules y ocres en menor medida) y de la luz (solar y primaveral, en contraposición a la otoñal, invernal y brumosa que ilumina los paisajes urbanos pintados en el mismo período).

“El pueblo de Éragny” (1885), Camille Pissarro

“El pueblo de Éragny” (1885), Camille Pissarro. Óleo sobre lienzo (Imagen de dominio público)

El pueblo de Éragny (1885) resume a la perfección lo esencial de la ingente producción de cuadros de Pissarro sobre paisajes rurales ambientados en la campiña francesa: un cielo azul límpido, floridas praderas o campos y ausencia o minimización de figuras humanas, todo ello expresado mediante una multitud de pequeños trazos de pincel que finalmente conforman un paisaje representado en una variada paleta de verdes y azules.

“Prados de Éragny, el manzano” (1894), Camille Pissarro

“Prados de Éragny, el manzano” (1894), Camille Pissarro. Óleo sobre lienzo (Imagen de dominio público)

Un aspecto a destacar en los paisajes de Camille Pissarro, tanto rurales como urbanos, es la proporción paritaria de la representación del cielo y de la tierra -o en su caso, del mar-en el lienzo. Los cielos impresionistas de Pissarro son, además, de lo más variado. Desde una concepción tradicional del cielo claro y despejado con algunas nubes blancas (El camino de Le Chou, 1878) hasta otras mucho más impresionistas (Prados de Éragny, el manzano, 1894) en cuadros en los que se introducen tonos oscuros como particularidad más destacada, pasando por horizontes difuminados en los que desaparecen las diferencias cromáticas fundiendo los cielos en colores rosas y amarillos, lo cierto es que en los cuadros de Pissarro no hay dos cielos iguales. Las diferencias se aprecian en los distintos niveles de intensidad de los trazos y otras veces en la contraposición entre el cielo menos definido -“mas impresionista”, si se quiere- y la superficie representada con un mayor grado de detalle visible por el ojo humano.

“El jardín de las Tullerías, invierno” (1900), Camille Pissarro

“El jardín de las Tullerías, invierno” (1900), Camille Pissarro. Óleo sobre lienzo. Fuente: http://www.camille-pissarro.org (Licencia CC)

Los cuadros que reflejan paisajes industriales (puentes de ciudades francesas e inglesas a las que se trasladó Pissarro) destacan por disipar las diferencias cromáticas entre la parte superior de la composición (el cielo) y la inferior (el mar, río o afluente). Esta variante de los paisajes urbanos se justifica por el interés manifestado por Pissarro por la llegada de la modernidad. En la última etapa del pintor, los paisajes urbanos se representan en series. Una enfermedad ocular impidió al artista salir al exterior pero ello permitió elaborar creaciones que plasman determinadas calles y barrios de París pintados desde distintos ángulos y estaciones del año.  El  jardín de las Tullerías, invierno (1900) es un ejemplo de la serie de cuadros pintados sobre este entorno paisajístico de París. En él se aprecian las constantes del cielo azul monocromo, de la iluminación tenue y del equilibrio de proporciones entre el cielo y el resto del paisaje exterior. Su originalidad reside en que logra generar una particular impresión de irrealidad y expresar desde otra perspectiva el aspecto de un paisaje simbólico mil veces contemplado por el visitante con anterioridad.

Pissarro, la exposición retrospectiva organizada por el museo Thyssen-Bornemisza representa una ocasión única en España para descubrir la obra de Camille Pissarro, un maestro del impresionismo y uno de los pintores más influyentes en los artistas que le sucedieron en este movimiento artístico de finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

+ info:

Pissarro. Exposición en el museo Thyssen-Bornemisza. 04 de junio a 15 de septiembre de 2013. Horario: Lunes y domingo: de 10:00 a 19:00.  Martes a sábado: 10:00 a 22:00.

Consultar la relación visual de las 79 obras que componen la exposición Pissarro en el museo Thyssen-Bornemisza.

Ver catálogo de obras completas de Camille Pissarro (1830-1903).


Estreno de “Valentine´s day”, nuevo videoclip de Bowie (y van cuatro)

Autora: Samia Benaissa Pedriza

David-Bowie.

El cantante y músico inglés David Bowie. Autor: Adam Bielawski (Licencia CC)

David Bowie saca nuevo videoclip, el cuarto en cuatro meses desde el estreno de su primer  álbum en una década, The next Day. Parece que nos estamos acostumbrando a la particular estrategia de márketing que acompaña a la salida al mercado de esta nueva producción del “duque blanco”. Un nuevo tema al mes parece ser el ritmo de difusión elegido para dar a conocer el contenido de The next Day, un disco que rápidamente ha alcanzado el número uno en ventas en el Reino Unido tras su edición el pasado mes de marzo.

La estética visual de Valentine´s day es tan diferente a la del anterior sencillo en promoción, The next day (título homónimo al del disco) como lo es el contenido de la nueva producción de Bowie y Tony Visconti, productor intermitente del artista británico desde los años setenta. Y es que los videoclips de The next day son en realidad un reflejo de sus canciones: eclécticas, reflexivas, intimistas, dramáticas, pero también directas, potentes, vibrantes, elegantes, antiguas y actuales al mismo tiempo.

Videoclip Valentine´s day (The next day, 2013). Fuente: Vevo

El regreso de David Bowie a la escena musical ha sorprendido tanto como ha levantado expectativas sobre el resultado final de este trabajo secreto de dos años que ahora nos desgrana con precisión de relojero suizo. Aunque el primer sencillo Where are we now no se presentara como un plato fuerte precisamente, es justo reconocer que la primera escucha de temas deja de todo menos indiferente. The next day no es un bombazo pero sí una excelente vuelta de tuerca al universo Bowie de los setenta, pasado por las influencias del indie más actual y aderezado con algunos sonidos clásicos de los sesenta. The next day es básicamente un álbum de rock -gracias señor Bowie por no caer en la tentación de revisitar su pasado electrónico, ese que parece ahora estar tan de moda-, pero también es psicodelia, pop, glam rock, rock progresivo y hasta hard rock.

Valentines´s day comienza atrapando al oyente con unos refinados riffs de guitarra tocados por el propio Bowie que se presenta en este videoclip sin la parafernalia  -y la polémica- que acompañó a The next Day, videoclip protagonizado por los actores Marion Cotillard y Gary Oldman. En esta ocasión David Bowie abandona su faceta teatral para centrarse en la interpretación en solitario de un tema que bien podría haber sido compuesto por los también británicos Suede  y cantado por su líder, Brett Anderson. Los giros vocales de Bowie en algunas partes de la canción son idénticos a los de su compatriota, y al final, no se sabe muy bien si es Bowie el que imita a Anderson o si es Anderson el que intenta ser otro alter ego contemporáneo de Bowie.

Videoclip The next day (The next day, 2013). Fuente: Vevo

Si seguimos así, el mes que viene tendremos nuevo single pululando por las plataformas digitales musicales. Según el patrón seguido hasta ahora, el nuevo tema debería ser algo más suave, del estilo del poema musicalizado Where are we now. Agotado ya The stars are out tonight, posiblemente le suceda You feel so lonely you could die o quizá un medio tiempo como Heat, tema que cierra el álbum, pero parece que Mr. Bowie le ha cogido gusto al rock profundo y apuesto más por la envolvente  Love is lost con su punto de dramatismo, o la potente  y actual (You will) Set the world on fire  (“I can hear the nation cry” se lamenta Bowie en el estribillo) que son de lo mejorcito del disco. La verdad es que no está mal esta estrategia del silencio elegida por el maestro Bowie. Dejar que las canciones hablen por si solas es, en su caso, más que suficiente.

+ info:

Escuchar The next day, 24º disco de estudio de David Bowie (Columbia records, 2013)

David Bowie ha llevado con extremo secretismo la producción de su último álbum de estudio The next day. Tampoco concede entrevistas de promoción del álbum por lo que son los músicos y el productor Tony Visconti los encargados de desvelar al público las claves del disco. La única manifestación de David Bowie al respecto ha sido una respuesta en forma de lista de palabras sobre el contenido de su disco enviada en abril de 2013 al diario inglés The Guardian.

La lista de palabras con las que David Bowie ha definido los temas de su último álbum The next day es la siguiente: “efigies, indulgencias, anarquista, violencia, intimidación, vampírico, panteón, súcubo, rehén, transferencia, identidad, interfaz, revoloteando, aislamiento, venganza, ósmosis, cruzada, tirano, dominación, indiferencia, miasma, desplazado, vuelo, repoblación, fúnebre, deslizamiento, rastrear, balcánico, entierro, marcha atrás, manipular, origen, texto, traidor, urbano, trágico, nervio, mistificación”


Cronología de un concierto de rock

Bon Jovi regalan un show apoteósico y emotivo en su único concierto en España

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bon Jovi. Fuente.madridfree.org (Licencia CC)

La banda americana de rock Bon Jovi en directo. Fuente: madridfree.org (Licencia CC).

Entradas agotadas desde hace meses, precios “amigo” y máxima expectación ante el único concierto que la banda de New Jersey tenía planeado ofrecer en España dentro del Because we can Tour. Y sin cobrar un euro, o un dólar, como se prefiera. Las casi tres horas de apabullante show musical fueron un regalo excepcional del grupo a sus fans españoles, tocados en esta gira por la varita mágica de la solidaridad y el reconocimiento. ç

Así fue el concierto que Bon Jovi ofreció a sus seguidores el 27 de junio de 2013 en el recinto del Vicente Calderón, punto de reunión histórico de las grandes citas musicales del verano.

18:00 horas. Apertura de puertas en el estadio Vicente Calderón

Exteriores del Vicente Calderón

Exteriores del estadio Vicente Calderón antes del concierto de Bon Jovi. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Estadio Vicente Calderón

Policía nacional montada a caballo en las inmediaciones del Vicente Calderón. Autora: Samia Benaissa Pedriza

“No solo yo, mi banda, mi mánager, todo mi equipo trabajará en este concierto sin cobrar. Todo el dinero recaudado será para pagar a los trabajadores del concierto, a los montadores, los técnicos. La idea es dar un poco de esperanza y crear oportunidades de trabajo”, declaraba hace unos días Jon Bon Jovi al diario ABC. Un gesto que hay que agradecer teniendo en cuenta la escasez de actuaciones de artistas musicales que se está produciendo en este verano de 2013 en la cada vez más depauperada España. Horas antes de la apertura de puertas en el estadio Vicente Calderón, ese equipo de trabajadores de producción al que hemos pagado con el reducido precio de nuestras entradas se ha asegurado de que todo esté preparado para la que va a ser una de las grandes citas musicales de la temporada. Las largas colas de espera para acceder al recinto son un clásico en este tipo de conciertos mastodónticos y en los tiempos que corren las medidas de seguridad se han extremado al máximo.

Entrada precio amigo. Bon Jovi

Entrada con “precio amigo” para el concierto de Madrid. Autora: Samia Benaissa Pedriza

20:30 horas. Los teloneros caldean el ambiente

The Rebels. Vicente Calderón. Bon Jovi

Al fondo sobre el escenario The Rebels, teloneros de Bon Jovi en Madrid. “Because we can Tour 2013”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Esta es la segunda vez que el grupo de rock español The Rebels telonea a Bon Jovi. La primera vez fue hace dos años durante la anterior gira mundial de la banda. The Rebels se hicieron conocidos por hacer un tipo de música que se podría calificar de “pop-rock publicitario”. Sus canciones, al igual que las de otros grupos como Pig Noise parecen concebidas para saltar a las cabeceras de las series de televisión más populares o para incluirse en spots publicitarios que al final terminamos escuchando hasta la saciedad. Durante su actuación en el Vicente Calderón la banda estuvo a la altura, esforzándose al máximo por conectar con el escaso público que llenaba el estadio a media tarde.

The Rebels

The Rebels también telonearon a Bon Jovi en 2011 durante la gira “The Circle Tour”. Fuente: periodistasenpotencia.es (Licencia CC)

Durante aproximadamente una hora The Rebels presentan sus temas más conocidos como ¡Ding Dong Ding Dang! y Worldmakers  a la espera de que Bon Jovi hagan su aparición estelar. Pasadas las 21:15 horas el grupo da por finalizada su participación en el evento. Rock enlatado a todo volumen ameniza a partir de entonces la espera mientras miembros de la organización dan los últimos toques al sonido y a la iluminación del escenario. El público se distrae con imágenes de la comparecencia previa de la banda ante los medios de comunicación citados en el estadio a las 18:00 horas.

Cuenta atrás. Bon Jovi. Vicente Caldérón

Cuenta atrás para el concierto de Bon Jovi en el Vicente Calderón. “Because we can Tour 2013”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

22:00 horas. Comienza el show

Son las 21:55 horas y un reloj electrónico anuncia la cuenta atrás para el inicio del concierto. Aumenta la expectación en el estadio y a las 22:00 horas, con puntualidad británica, comienza un despliegue audiovisual con imágenes de la banda en las pantallas del monumental escenario. El decorado imita a un aparatoso Buick Electra de 1959 de 30 metros de largo bautizado por el líder de Bon Jovi con el apodo de “Sofía”, en honor a la ciudad búlgara donde arrancó la etapa europea de la gira.

Escenario Sofía. Bon Jovi 2013

El escenario “Sofía”, un Buick Electra clásico ensamblado en tres piezas independientes. “Because we can Tour 2013”. Fuente: Vankata (Licencia CC)

Bon Jovi salen al escenario, pero no son cuatro, sino seis los músicos que aparecen ante el público. Todos estábamos al tanto ya de la estampida del guitarrista Richie Sambora a mitad de gira por las desavenencias con Jon Bon Jovi (quien lo ha echado directamente del Because we can Tour). Su sustituto, el guitarrista canadiense Phil X -con más pinta de heavy ochentero que los propios Bon Jovi- ocupa dignamente su lugar en la escena, aunque obviamente no es lo mismo. Sambora asegura que es el cantante el que está poniendo obstáculos para su regreso a la banda y que Jon Bon Jovi “quiere ver si puede él solo con los estadios”. Como era de esperar, la organización ofreció devolver el precio de las entradas ante la imprevista ausencia de Sambora, pero a pesar de la decepción inicial, el público respondió favorablemente con un lleno total.

Cae la noche y a nadie se le olvida la letra de That´s what the water made me, You give love a bad name, Raise your hands o Runaway estos últimos, temas clásicos con los que la banda de New Jersey abre el concierto de Madrid.

Bon Jovi en el Calderón. Madrid 2013

Bon Jovi saltan al escenario en el Vicente Calderón. “Because we can Tour 2013”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Los decibelios superan todos los umbrales soportables por el oído humano aunque el sonido que Bon Jovi consiguen emitir en el estadio abierto no siempre es todo lo bueno que cabría esperar. El sonido comienza a escucharse algo bajo hasta que los técnicos lo corrigen pero después el efecto que se consigue es justo el contrario. En algunos momentos las torres de repetición del estadio emiten un sonido tan alto que las notas de la guitarra de Phil X se llegan a distorsionar, amenazando con dejar a más de uno con tinnitus durante una semana.

De cualquier modo, el registro vocal de Jon se mantiene intacto con el paso del tiempo y sobre todo, en los larguísimos directos que Bon Jovi programan en sus giras mundiales. La banda toca de forma orgánica y profesional, por algo Bon Jovi son una reconocida banda de rock de estadio. Acompañan a la banda en el escenario el bajista Hugh McDonald -miembro no oficial desde 1994- y los guitarristas Phil X (Xenedis) y Bobby Bandiera.

Bon Jovi en Madrid. 2013

Bon Jovi en el escenario del “Because we can Tour 2013″. Autor: Fizzr (Licencia CC)

Los temas fluyen ordenados en un perfecto engranaje que alterna grandes hits con temas más actuales y quizá menos conocidos que son igualmente coreados vigorosamente por el público a lo largo de todo el concierto. Tico Torres, el batería, afirma sin dudar que “los fans españoles son los que más alto cantan” y está en lo cierto porque en muchos momentos en el Calderón se oía más al público que al propio Jon Bon Jovi cantando, y eso, sabiendo las notas a las que llega el de New Jersey, ya es decir bastante. “No os animéis tanto, que aún queda mucho concierto” nos dice el bueno de Jon. Cómo si alguien le fuera a hacer caso.

Al principio del show el público quiere agradecer a Bon Jovi su deferencia con los seguidores españoles. Cuando Bon Jovi interpretan You give love a bad name el público mantiene alzadas durante todo el tema unas cartulinas rojas y amarillas formando la palabra “Gracias”.  Y Jon Bon Jovi, emocionado, lanza todo tipo de lindezas a partir de entonces: “mi familia especial”, “solo por esto queríamos venir a España”, “qué grandes sois”, “nos gusta venir aquí por las chicas españolas”, “en España What about now ha sido número uno y os damos las gracias”, etc.

Cartulinas-rojas.-Bon-Jovi.-Madrid-2013

Una marea de cartulinas rojas y amarillas inundó el estadio Vicente Calderón en señal de agradecimiento a la banda. “Because we can Tour 2013”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bon Jovi en directo. Because we can tour 2013

Bon Jovi en absoluto directo. “Because we can Tour 2013″. Fuente: Vankata (Licencia CC)

23:00 horas. Glorioso Jon Bon Jovi

Escenario iluminado.Bon Jovi. Vicente Calderón.

Vista del escenario iluminado desde las tribunas del Vicente Calderón. “Because we can Tour 2013”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bon Jovi. Despliegue audiovisual. Because we can Tour 2013

Un espectacular despliegue audiovisual rodea a Jon Bon Jovi. “Because we can Tour 2013″. Autor: Pan Peter (Licencia CC)

La parte visual del show es impresionante y sorprendente para un grupo como Bon Jovi. Está claro que la banda se ha adaptado a la perfección a los nuevos tiempos y se ha superado a sí misma una vez más. Aunque los montajes audiovisuales multipantalla reclaman constantemente la atención del público, el interés de los fans se centra inevitablemente en la banda, que lo da todo sobre el escenario. El protagonista indiscutible es su líder Jon Bon Jovi, que se esfuerza hasta lo imposible por cubrir el espacio vacío que deja Richie Sambora en el escenario. En Europa nos hemos perdido las habituales escenas de complicidad entre guitarrista estrella y cantante carismático pero a cambio estamos recibiendo una ración doble, si no triple, de Jon Bon Jovi en directo.

Jon bon Jovi en la gira Because we can Tour 2013

Jon Bon Jovi interactuando con el público. “Because we can Tour 2013″. Fuente: Grupo Crónicas Revista (Licencia CC)

Jon Bon Jovi animando al público. 2013

Jon Bon Jovi animando al público. “Because we can Tour 2013″. Fuente: Vankata (Licencia CC)

El todavía sex symbol por derecho propio de América canta, toca la guitarra, sacude las maracas, baila hasta la extenuación e interactúa sin cesar con el público. Jon Bon Jovi sabe lo importante que es la comunicación con los fans y en el caso de Madrid, no podía dejar pasar la ocasión de dar las gracias por el caluroso recibimiento y de transmitir ánimos a un público tradicionalmente fiel que ahora está pasando por tantas dificultades. “Vosotros, yo, todos juntos” (“You, me, us”)  le lanza expeditivo al público en un momento del concierto. Las muestras de apoyo de Jon Bon Jovi son constantes durante todo el show: “quiero que todos levantéis los puños. Cuando mañana regreséis al trabajo, a vuestro lugar de estudio, quiero que penséis en este momento que hemos compartido”. Y el público le obedece devoto como a un líder mesiánico.

Aunque el papel que Jon Bon Jovi adopta es más bien el de un director de orquesta: ahora repetís rítmicamente esto: “yeah, yeah, yeah” y ahora “oh, oh”. Y el público acata sus órdenes, entregado. Pero claro, estamos en España y más pronto que tarde tenía que salir el futbolero “oe, oe, oe, oe”, que Jon Bon Jovi desconocía. “Olé, olé,  olé, olé”, interpreta a su manera ante al público al que luego se une. Más tarde se planta la bandera española cual capa de superhéroe y los vítores se intensifican (si es que eso es posible a esas alturas del  show).

Lleno total en el concierto de Bon Jovi. Vicente Calderón 2013

Lleno total en el estadio Vicente Calderón. “Because we can Tour 2013”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

El público del Vicente Calderón. Bon Jovi 2013

En un momento del “show” Jon Bon Jovi pidió al público que iluminase el estadio con sus teléfonos móviles. “Because we can Tour 2013”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Suenan temas de toda la discografía de Bon Jovi (1984-2013) que su líder da por sentado que conocemos (“cantad esta, sé que os sabéis la letra”), entre ellos la brutal Keep the faith  (“tenéis que mantener la fe”, nos arenga de nuevo Jon Bon Jovi) y las impresionantes baladas You want to make a memory y Bed of roses (parte de la letra cantada en español), todas ellas convertidas ya en himnos para varias generaciones de fans de Bon Jovi. Aunque también hay espacio para una versión de Rocking all over the world de John Fogerty, que Jon nos insta a cantar con él, y para los nuevos temas de What about now, el último album de estudio que los estadounidenses han sacado al mercado (Because we can, What about now). La temática del disco y el contexto social en el que se inserta suenan de lo más apropiados en el estadio Vicente Calderón.

00:00 horas. Esto suena a despedida

Bon Jovi. Phil X. Because we can Tour 2013

El guitarrista Phil X en las pantallas del escenario “Sofía” en Madrid. “Because we can Tour 2013”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bon Jovi. David Bryan. Madrid. Because we can Tour 2013

El teclista David Bryan en un momento del concierto de Madrid. “Because we can Tour 2013”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Jon Bon Jovi. Vicente Calderón. Madrid. Because we can Tour 2013

Actuación estelar de Jon Bon Jovi en Madrid (bises). “Because we can Tour 2013”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Llegan los bises (Love´s the only rule, la esperadísima Wanted dead or alive, What´s left of me y la potente Have a nice day) y se intuye el final. El público está todavía eufórico y vibrante a pesar de que ya han pasado dos horas de intensa música en directo. Jon Bon Jovi sale al escenario con una camiseta de la selección española de fútbol con el nombre Bon Jovi y el número 30 sobreimpresos (por sus treinta años de carrera musical) y se crea un delirio colectivo. “Hemos ganado a Italia por 1 a 0” anuncia al personal. “España estará en la final contra Brasil” (de la Copa Confederaciones). Está claro que el tipo sabe cómo ganarse al público. Así que seguimos. Comienza Livin´on a prayer en acústico y continúa en su versión más potente con el público en pie reventando el Vicente Calderón. Jon Bon Jovi está al borde del colapso pero de sobra da la talla vocalmente en la que posiblemente sea la canción más exigente del grupo cantada en directo.

La banda se despide como suele hacerlo de forma habitual, con un saludo colectivo y entrelazado desde el escenario. Pero la gente está a mil por hora y venga a corearles. Cuando todos creíamos que se iban, el escenario a oscuras y la banda en retirada, a Jon Bon Jovi se le enternece el corazón y le dice a Tico Torres, de ascendencia cubana, justo cuando este decía en español “con vosotros para siempre”, que van a interpretar “Always” (siempre). Retoman posiciones y nos cantan ese baladón -que le negaron al público de Portugal justo la noche anterior- y These Days a petición del público (“una sola más y ya acabamos”, nos dice un sudoroso y agotado Jon Bon Jovi casi como pidiendo perdón).

00:45 horas. Vuelta a casa

Final concierto Madrid. Because we can Tour 2013

Final del concierto de Madrid en el estadio Vicente Calderón. “Because we can Tour 2013”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Dos horas y tres cuartos de concierto prácticamente regalado llegan a su fin. Público y banda damos por el finalizado el espectáculo plenamente satisfechos, agradecidos y en total sintonía.  Sabemos que Bon Jovi volverán a España porque se sienten cómodos y queridos por su público. Se despiden emplazándonos para la próxima cita en nuestro país con la seguridad de que seguiremos estando ahí. Se apagan las luces del estadio Vicente Calderón y la banda se pierde en la oscuridad de camino a su encuentro de madrugada con la prensa. Se da la circunstancia de que esta es la primera vez que el grupo concede una rueda de prensa justo después de un concierto en toda su carrera. Tenía que ser en España. Ante los medios congregados en el Vicente Calderón volvieron a dar las gracias y afirmaron que se sentían “orgullosos” y que había sido un concierto “alucinante”. Mientras tanto nosotros volvemos a casa contentos y con el mensaje bien claro retumbando en nuestros oídos: saldremos de esta, “Because we can”. Regresad pronto a España, amigos.

+ info:

Ver concierto de Bon Jovi en el estadio Vicente Calderón (extracto). Madrid, 27 de junio de 2013. Duración: 46:25 minutos.

Ver fotogalería del concierto de Bon Jovi en Madrid 2013.

Leer artículo relacionado: Bon Jovi. Because we can Tour. De cómo sobrevivir sin renovarse (demasiado)

Setlist del concierto de Madrid. Because we can Tour 2013:

1. That’s what the water made me (álbum: What about now, 2013)

2. You give love a bad name (álbum: Slippery when wet, 1986)

3. Raise your hands (álbum: Slippery when we, 1986)

4. Runaway (álbum: Bon Jovi, 1984)

5. Lost highway (álbum: Lost highway, 2007)

6. Born to be my baby (álbum: New Jersey, 1988)

7. It’s my life (álbum: Crush, 2000)

8. Because we can (álbum: What about now, 2013)

9. What about now (álbum: What about now, 2013)

10. We got it goin’ on (álbum: Lost highway, 2007)

11. Keep the faith (álbum: Keep the faith, 1992)

12. You want to make a memory (álbum: Lost Highway, 2007)

13. Bed of roses (álbum: Keep the faith, 1992)

14. In these arms (álbum: Keep the faith, 1992)

15. Captain Crash and the Beauty Queen from Mars (álbum: Crush, 2000)

16. We weren’t born to follow (álbum: The circle, 2009)

17. Who says you can’t go home (álbum: Have a nice day, 2005)

18. Rocking all over the world (versión del tema de John Fogerty)

19. I’ll sleep when I’m dead (álbum: Keep the faith, 1992)

20. Bad medicine (álbum: New Jersey, 1988)

Bises:

21. Love’s the only rule (álbum: The circle, 2009)

22. Wanted dead or alive (álbum: Slippery when wet, 1986)

23. What’s left of me (álbum: What about now, 2013)

24. Have a nice day (álbum: Have a nice day,2005)

25. Livin’ on a prayer (álbum: Slippery when wet, 1986)

Segundos bises:

26. Always (álbum: These days, 1995)

27. These days (álbum: These days, 1995)


Cuerpos oprimidos y liberados

Exposición “Escrito sobre el cuerpo”. Shirin Neshat. PhotoEspaña 2013.

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Retratos serie "Tooba" (2002)

Tríptico de la serie “Tooba” (2002). Shirin Neshat. Autor: Espacio Fundación Telefónica (Imagen cedida para su uso en este blog)

Una muestra de la producción más reciente de la fotógrafa iraní Shirin Neshat se expone desde el 6 de junio de 2013 en el Espacio Fundación Telefónica en Madrid. La exposición se enmarca dentro de una nueva edición de PhotoEspaña dedicada en esta ocasión al cuerpo humano.

Las fotografías y video proyecciones que se exhiben al público muestran veinte fotografías y dos cortometrajes producidos por la propia creadora que abordan el tema de la opresión física, emocional y artística. Las fotografías pertenecen a distintas series que representan cuerpos humanos enfrentados a dramas sociales y conflictos personales o religiosos.

"Rebelión divina"(2012).

“Rebelión divina” (“El libro de los Reyes”, 2012).Shirin Neshat. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Nadie sonríe en las fotografías tomadas por Shirin Neshat. Muchas son en blanco y negro. Otras tienden a separar a las mujeres de los hombres, explícitamente. La mayoría son imágenes silenciosas, sin contexto, introspectivas o dolorosas. El visitante que contemple la muestra comisionada por Octavio Zaya se dará cuenta de ello tras un breve lapso de tiempo, pero no al principio de la exposición que acoge al invitado con un fotomontaje de Neshat titulado “Susurros” (Whispers, 1997). Este recoge, pero solo sutilmente, la esencia de la concepción artística de esta reconocida artista visual: el contraste del blanco y del negro, el enfrentamiento entre los sexos y la incorporación de la caligrafía persa a las figuras humanas representadas en sus composiciones.

Shirin Neshat en la actualidad

La fotógrafa Shirin Neshat en la actualidad. Autor: Espacio Fundación Telefónica (Imagen cedida para su uso en este blog)

Lo más destacado de la exposición de Sihrin Neshat en PhotoEspaña es sin duda su regreso a la fotografía, la forma de arte que la dio a conocer en los años setenta en Estados Unidos, el país al que la fotógrafa se trasladó para estudiar y donde ha desarrollado su carrera artística. Las fotografías que se exponen en el Espacio Fundación Telefónica pertenecen a las series “Mujeres de Alá”, de 1994, “Éxtasis,” de 1999, “Tooba”, de 2002 y “El libro de los Reyes”, de 2012. En las escenas representadas en las series de los años noventa como “Mujeres de Alá” se emplea la técnica de la impresión de tinta sobre fotografía de sales de plata, una de las señas de identidad de Neshat. La tinta se emplea para imprimir la caligrafía persa en el cuerpo humano, a modo de tatuaje místico (“Historias de martirio”, 1994).

El regreso de Neshat a Irán en la década de 1990 y su reacción ante los cambios introducidos por la revolución islámica propiciaron la creación de obras de contenido político-religioso como las que se muestran  en la serie “Extasis”, de 1999, y en las que se critica abiertamente el papel sumiso de las mujeres ante los hombres y la religión islámica. Curiosamente Neshat fue educada durante su niñez en una escuela católica en Irán. Ello, unido a la ideología liberal de su familia y su traslado a Estados Unidos contribuyó a forjar su feminismo y a reforzar su creencia en los valores occidentales, reflejados través de sus creaciones.

Serie Éxatasis (1999).

Fotograma de “Rapture” (serie “Éxtasis”, 1999) exhibido en el Espacio Fundación Telefónica. Shirin Neshat. Autora: Samia Benaissa Pedriza

En los últimos años Shirin Neshat se ha dedicado con mayor intensidad a innovar en la ciencia del séptimo arte, alejándose en parte de la fotografía. De hecho, la muestra de instantáneas de la serie “Éxtasis” es en realidad un conjunto de capturas de fotogramas de la video instalación Rapture, estrenada en el año 1999. En ella, se muestran dos pantallas de video enfrentadas que proyectan a hombres y mujeres árabes en actitudes opuestas: mientras un conjunto de hombres se encuentra confinado en una fortaleza, un grupo de mujeres inician un viaje liberador a través del desierto. Espacios cerrados frente a áreas abiertas, hombres contra mujeres, represión versus libertad. Todos ellos conceptos visuales que se impregnan en la retina del espectador dejando meridianamente claro el mensaje.

La muestra de Shirin Neshat dedicada al cuerpo humano en el Espacio Fundación Telefónica no podía obviar la inclusión de dos creaciones audiovisuales representativas de su faceta cinematográfica. El cortometraje Zarin (2005) se inserta en la serie de cinco episodios que forman el film “Mujeres sin hombres”, una película por la que Neshat obtuvo el León de Plata a la mejor dirección en la Mostra de Venecia en el año 2009. El cortometraje elegido para ilustrar esta exposición ha sido seleccionado con acierto ya que ilustra una cara alternativa del sufrimiento físico y emocional de los seres humanos, esta vez expresado a través de la agresión corporal y la culpa. El cortometraje narra la historia de Zarin, una joven prostituta iraní corroída por la desesperación y el rechazo de su condición social que castiga su cuerpo mediante la autoagresión y la anorexia.

Cortometraje-Zarin-(2005).

Exhibición del cortometraje “Zarin” (2005) en el Espacio Fundación Telefónica. Shirin Neshat. Autora: Samia Benaissa Pedriza

OverRuled es la instalación de video más reciente de Shirin Neshat que ya trabaja en una nueva obra audiovisual, su segundo largometraje sobre la biografía de la cantante egipcia Umm Kulthum. En el año 2011 Neshat presentó en Nueva York esta creación en la que se enfrentan el derecho y la cultura. Inspirada en un caso real, la cinta expone el desarrollo de un juicio en el que los artistas resultan incomprendidos y la libertad de creación reprimida por los dictados de la ley islámica. De nuevo se incluye una representación dual de un hombre y una mujer que musicalizan un poema iraní en ambos extremos de la pantalla como forma de alegato ante el tribunal que les juzga.

Fotograma-OverRuled.- 2011

Exhibición de la instalación de video “OverRuled” (2011) en el Espacio Fundación Telefónica. Shirin Neshat. Autora: Samia Benaissa Pedriza

El recorrido de la exposición finaliza con una selección de retratos de la última serie de fotografías publicada por Shirin Neshat: “El libro de los Reyes”, inspirada en un clásico de la literatura farsi del siglo X que narra el enfrentamiento entre el bien y el mal. En estas composiciones se pueden contemplar los rostros, torsos y cuerpos semidesnudos de modelos masculinos que prestan su piel para representar ideas conceptuales utilizando la técnica de la sobreimpresión de tinta en las fotografías. Escenas sangrientas de combate tatuadas en el pecho, líneas de texto caligrafiado que surcan como arrugas las frentes de los seres humanos que se convierten en víctimas o verdugos de los conflictos religiosos invitan todas ellas a la reflexión. Al igual que el miedo, la desesperanza y la angustia vital que se transmiten al espectador de forma rotunda en los retratos en color de esta misma serie (“Ahmed” y “Ghada”, 2012).

"Mi casa está ardiendo" 2012.

“Mi casa está ardiendo”, de la serie “El libro de los reyes” (2012). Shirin Neshat. Autor: Espacio Fundación Telefónica (Imagen cedida para su uso en este blog)

"Ahmed" y "Ghada" (2012)

Retratos “Ahmed” y “Gadha” (“El libro de los Reyes”, 2012). Shirin Neshat. Autora: Samia Benaissa Pedriza

La exposición “Escrito sobre el cuerpo” es una de las paradas inevitables de la extensa y variada oferta visual que se presenta en PhotoEspaña 2013. Es una selección recomendable por su claridad a la hora de exponer temas de denuncia social, así como por su intensidad visual y su inmediatez transmitiendo emociones. En definitiva, se trata de una propuesta interesante, relevante y accesible para todos los públicos.

+ info:

Exposición fotográfica “Escrito sobre el cuerpo”. Shirin Neshat. Espacio Fundación Telefónica. C/ Fuencarral, 3. Madrid. Del 6 de junio al 1 de septiembre de 2013. Entrada libre.

Festival Internacional de Fotografía  y Artes visuales XVIª edición. PhotoEspaña 2013. Del 5 de junio al 28 de julio de 2013. Exposiciones gráficas de autores nacionales e internacionales en distintas salas y galerías de arte españolas.

Documental de Radio Televisión Española (RTVE) sobre Shirin Neshat incluido en el programa Metrópolis (La 2). Emitido el 11 de abril de 2010. Duración: 26:29 minutos


Hasta siempre, Ray

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Ray_Manzarek en Seattle (EE.UU.) en 2009

Ray Manzarek, teclista de The Doors, en enero de 2009 en Seattle (EE.UU.). Autor: TriviaKing (Licencia GNU Free documentation)

Esta es la noticia que no hubiera querido comentar jamás. Ayer lunes, 20 de mayo de 2013 fallecía en Alemania víctima de un cáncer biliar, Raymond Daniel Manzarek, el histórico teclista y organista de The Doors. Su desaparición supone el adiós definitivo a una de las bandas más relevantes de la historia del Rock.

Con la partida de Ray es como si The Doors murieran dos veces. La primera, en 1971, tras la muerte de Jim Morrison, y la segunda ahora, con la desaparición del integrante vivo más carismático de la mítica banda californiana. Los que fuimos adolescentes en los noventa redescubrimos a The Doors gracias a la película que Oliver Stone filmó sobre el grupo en 1991 y en la que se contaba con más o menos acierto los comienzos de la banda a mediados de los años 1960 y su evolución hasta el fallecimiento de su líder seis años después. La película expresa en imágenes el momento en que un inseguro Jim Morrison le enseña a Manzarek en la playa de Venice (California) las primeras canciones que había compuesto en solitario. Como contaba Manzarek en la vida real, “al escuchar aquello tuve claro que teníamos que formar una banda de rock”.

Durante la etapa más exitosa del grupo, la explosiva personalidad de Morrison eclipsó casi por completo al resto de miembros de The Doors en el plano mediático. Pero no fue así en el plano musical. The Doors funcionaban como un poliedro regular cuando componían. Ray Manzarek solía contar que Jim acudía al estudio de grabación con unas letras o poemas, a continuación Robby Krieger buscaba una base musical con su guitarra, John Densmore incorporaba un ritmo a la batería (jazzístico o latino en la mayoría  de ocasiones) y Manzarek transformaba el conjunto en un sonido psicodélico con su mítico órgano Fender Rhodes.

Un virtuoso al piano

El virtuosismo del teclista de The Doors puede que no resultara tan evidente para el gran público pero su reconocimiento como intérprete musical ha sido unánime entre sus compañeros de profesión.

Ray Manzarek contribuyó a la historia de la música rock con su personal técnica al tocar los teclados. Manzarek poseía una sólida formación musical como pianista clásico que aplicó durante su etapa en The Doors. El hecho de que el grupo careciera de bajista en sus actuaciones en directo implicaba tener que tocar los graves con otro instrumento: el órgano Fender Rhodes Piano Bass de Ray, que también tocaba los teclados. Simultáneamente. La mano izquierda recorría el pentagrama en el órgano creando el ritmo mientras la derecha sacudía los teclados de un Vox Continental para interpretar la melodía. La técnica de Manzarek se inspiraba en la que Bach utilizaba en el siglo XVIII, solo accesible para mentes privilegiadas capaces de desdoblarse musicalmente y funcionar de forma autónoma en compartimentos independientes. Light my fire  (“Enciende mi fuego”) y Break on trough (To the other side) (“Ábrete camino hacia el otro lado”) fueron los primeros sencillos de The Doors que salieron al mercado y en los que Manzarek dio a conocer por primera vez su particular técnica instrumental.

Manzarek en Zurich

Manzarek actuando en directo en Zurich (Suiza) el 10 de enero de 2007. Autor: Simon Jacquier (Licencia CC)

Ray Manzarek live

Ray Manzarek durante un concierto en Zurich (Suiza) en 2007. Autor: Simon Jacquier (Licencia CC)

Encantador de serpientes

A principios del nuevo milenio los miembros supervivientes de The Doors decidieron reunirse para tocar en directo sus temas más emblemáticos. Ray Manzarek actuó entonces como el portavoz y cabeza visible del grupo. Si durante la etapa con Morrison, el teclista se había mostrado bastante hermético dejando todo el protagonismo a Jim,  con el último renacimiento de la banda, Manzarek se había convertido en un auténtico storyteller, un cuentacuentos extraordinariamente carismático y cautivador para los nuevos seguidores de la banda. Frente al carácter introvertido de Robby Krieger y al contestatario de Densmore, Manzarek destacaba por su gran locuacidad, su simpatía y su buena disposición hacia los medios de comunicación. Posiblemente, Ray Manzarek había adoptado indirectamente el papel de relaciones públicas de la banda en la última década, una posición muy útil para promocionar y explotar los éxitos de la carrera musical de la banda cuarenta años después de su disolución.

Ray_Manzarek en_Milán en 2012

Una de las últimas actuaciones en directo de Ray Manzarek el 7 de junio de 2012 en Milán (Italia). Autor: PolverediGela (Licencia CC)

El desencuentro que John Densmore mantenía con Manzarek y Krieger por el uso del nombre de la banda en los últimos tiempos parece haber quedado definitivamente zanjado tras el fallecimiento del cofundador de The Doors. Densmore declaraba hoy mismo en el diario New York Times que “nunca hubo un teclista en el planeta más apropiado para acompañar las palabras de Jim Morrison”. Emocionado, Densmore, que llevaba tiempo sin hablarse con Manzarek, aprovechó para dirigirse por última vez a su compañero: “Ray, me sentía en total sintonía contigo musicalmente. Era como si fuéramos una única mente, manteniendo los cimientos para que Robby y Jim flotaran por encima”. El famoso batería acabó su misiva a Manzarek con las palabras “ echaré de menos a mi hermano musical”.

Por su parte, Robby Krieger, a quien el fallecimiento de Manzarek le ha pillado promocionando una nueva aplicación de The Doors para i Pad, declaraba esta mañana que le había entristecido profundamente conocer la muerte de su amigo y compañero de banda. “Estoy contento de haber podido tocar las canciones de The Doors con él durante la última década. Ray fue una parte muy importante de mi vida y siempre lo voy a echar de menos”, reconoció.

La vida de Ray Manzarek se ha apagado a los 74 años y esta es sin duda la noticia más triste del año. Recordaremos de él su vitalidad, su calidad artística y su visión poética de la vida.  A nuestro pesar, Ray Manzarek ya se ha “abierto camino hacia el otro lado”, engrandeciendo aun más si cabe la leyenda de The Doors. Hasta siempre, Ray.

+ info:

Vídeo sobre el fallecimiento de Ray Manzarek emitido en el Telediario de Televisión Española el 21 de mayo de 2013.


Encuentro con Juan Manuel Caballero Bonald “La lectura obligatoria es un disparate”

Autora: Samia Benaissa Pedriza

José Manuel Caballero Bonald. Casa de América. 2011

Juan Manuel Caballero Bonald durante una conferencia en el año 2011. Autor: Casa de América (Licencia CC).

El último Premio Cervantes 2013 relata en la sede de la Fundación Juan March su “Autobiografía intelectual” y su visión sobre la literatura y la poesía, dos géneros que le han hecho merecedor de premios tan importantes como el Nacional de las Letras, el Nacional de Poesía y el de Crítica de Poesía, entre muchos otros.

Abrumado por tanta atención mediática tras la reciente concesión del Premio Cervantes, el autor confiesa sentirse cansado y deseoso de acabar con los actos protocolarios asociados al codiciado galardón de las Letras españolas.

Juan Manuel Caballero Bonald, de 86 años, es justo merecedor del premio que lleva el apellido del escritor más importante de la Lengua española. El autor confiesa que su pasión por la literatura comenzó con las lecturas del Quijote en el colegio de los marianistas al que asistió durante su adolescencia en Jeréz. Pero a este descubrimiento se unió otro -la biografía de Espronceda en la biblioteca familiar-, quizás aun más revelador que la obra de Cervantes. Caballero Bonald asegura que quedó tan impresionado por el poeta español que decidió imitarle y dedicarse a “escribir poesía y llevar una vida licenciosa”.

Caballero Bonald inició estudios de náutica porque quería vivir las hazañas de los protagonistas de los libros de aventuras que le regalaba su tía Isabel. Salgari, Stevenson, Conrad o Jack London fueron sus referentes hasta que una tuberculosis le mantuvo apartado del mundo durante un año. Pero las experiencias de Juan Manuel Caballero Bonald como lector vienen de lejos. El célebre escritor, que declara que “yo siempre he sido muy de bibliotecas”, asevera que la lectura es fundamental para la plena formación de los seres humanos. Afirma además que la biografía profesional de un escritor se define no solo por los libros que ha escrito sino también por los que ha leído.

La relectura es otra actividad que Caballero Bonald recomienda fervientemente porque el gusto literario cambia con el tiempo. En su último libro, “Oficio de lector” (2013) el autor recopila textos sobre poetas y literatos cuyas obras ha releído. Una actividad, la de la relectura, a la que le dedica mucho tiempo últimamente. Bonald invita a leer aunque advierte que “la lectura obligatoria es un disparate”.

En defensa de la libertad de expresión

Juan Manuel Caballero Bonald se ha significado por su defensa de los derechos humanos y de la libertad de expresión. Caballero Bonald luchó contra el franquismo, una ideología política que “coartaba la libre expresión de ideas y la cultura”. En el año 1963 pasó un mes en la cárcel de Carabanchel por presidir una asamblea pro amnistía en la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad Complutense, aunque recuerda que la experiencia no fue tan tremenda y que lo pasó tomando café con El Lute. En el año 2005 publicó “Manual de infractores”, una obra en la que resurgió su interés por la protesta civil a través de la literatura. Según su autor, “es un libro donde la rabia está presente”. Una rabia por la guerra de Irak y una obra en la que el “tono general, las palabras y las imágenes se vinculan a la protesta por la violencia innecesaria”.

La interpretación de la realidad

Para el poeta, ensayista y escritor, la literatura y la poesía deben ser siempre una interpretación de la realidad y no una mera copia. En sus memorias, refundidas en un único tomo en el año 2010 bajo el título “La novela de la memoria”, el autor huye de la autobiografía para realizar un ejercicio de recuperación de recuerdos novelados, en los que se mezcla ficción y realidad. Según Caballero Bonald, “la memoria es el desencadenante de toda acción literaria” y cuenta que él no reproduce lo que ha vivido sino que inventa una realidad: “la interpreto, la deformo”.

“Entreguerras” (2012) es su último libro de poemas publicado. Se compone de 3500 versos sin puntuación que ofrecen una visión barroca de la creación poética. Según su autor, se trata de un “libro testamentario, de fin de trayecto”. El último Premio Cervantes anuncia que es su última creación porque ya no se puede plantear un libro a largo plazo, aunque le satisface pensar que las nuevas generaciones de poetas -la generación que ahora ronda los treinta años de edad- se inspira en parte en su legado, al innovar en el simbolismo y ahondar en la exploración de la palabra y en la búsqueda de nuevas posibilidades expresivas.

+ info:

Autobiografía intelectual. José Manuel Caballero Bonald. Fundación Juan March (c/ Castelló, 77. Madrid). 16 de mayo de 2013.

Narrativa destacada de Juan Manuel Caballero Bonald:

Las horas muertas (1960). Poesía

Vivir para contarlo (1969). Poesía completa

Somos el tiempo que nos queda (2004 y 2007). Poesía completa

Dos días de septiembre (1962). Novela

Ágata ojo de gato (1974). Novela

El cante andaluz (1953). Ensayo

El baile andaluz (1957). Ensayo

El vino (1967). Ensayo

Tiempo de guerras perdidas (1995). Memorias

La costumbre de vivir (2001). Memorias

La novela de la memoria (2010). (Edición en un solo volumen de las dos anteriores)

Otras actividades:

Juan Manuel Caballero Bonald fundó el sello discográfico Pauta, inserto en la multinacional Ariola, en el que se editaron discos de Luis Eduardo Aute, Joan Manuel Serrat, Vainica Doble, María del Mar Bonet y Rosa León, entre otros.


Dalí, artista total

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Exposición Dalí Reina Sofía

Entrada a la exposición “Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas”. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid). Autora: Samia Benaissa Pedriza

Un 11 de mayo de 1904 nacía en Figueras (Cataluña) Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido artísticamente por Salvador Dalí. Pintor, escultor, dibujante, diseñador, escritor y performer puede ser calificado de artista total y considerado uno de los españoles más influyentes en la historia del Arte. Una retrospectiva del artista organizada por el Museo Reina Sofía y el Centre Pompidou de París muestra por primera vez en treinta años un conjunto heterogéneo de más de 200 obras seleccionadas del genio catalán, treinta de ellas inéditas en España.

El gran masturbador. Dalí. autor. Museo Reina Sofía. Licencia cc

Visitante contemplando “El gran masturbador” (1929). Salvador Dalí. Óleo sobre lienzo. 110x150cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Autor: Museo Reina Sofía (Licencia CC)

Destino. Este cortometraje de la factoría Disney de 1946 sirve para ilustrar la faceta audiovisual de Dalí que esta muestra recoge con profusión. El exilio de Gala y Dalí en Estados Unidos durante los años cuarenta le sirvió al artista para concienciarse del poder que los medios de comunicación podían ejercer en una sociedad.  Happenings y performances varias, cuadros vivientes y películas experimentales en las que se retrata el complejo imaginario de Dalí se sucedieron a partir de aquella época. Dalí colaboró en el diseño de escenarios y decorados para ballets (Bacchanale) obras de teatro (Don Juan Tenorio) y cine (Recuerda, de Alfred Hitchcok), en anuncios publicitarios (delirantes los spots de Chocolates Lanvin y Alka-Seltzer) y en guiones cinematográficos. Su colaboración con Buñuel en el cortometraje Un Perro Andaluz y en el film La edad de oro en 1929 y 1930, respectivamente, ya revelaba su interés inicial por las artes visuales, posteriormente adaptadas a su propia visión del arte.

El inicio de los años treinta fue una época de inflexión en la carrera artística de Dalí. En 1929, además de sus incursiones en el séptimo arte, Dalí pinta El gran masturbador, una obra surrealista en la que ensayó un método personal de creación ideado para transformar la realidad. Es el famoso método paranoico-crítico explicado por Dalí en su libro La femme invisible (La mujer invisible) en 1930 y que alcanzará su máximo desarrollo en reinterpretaciones de obras como La encajera, de Vermeer (Estudio crítico-paranoico de La Encajera de Vermeer, 1955) o El Ángelus, de Millet (Reminiscencia Arqueológica de El Ángelus de Millet, 1933).

Atómicus Dalí es el título de la fotografía que Philippe Halsman le tomó a Dalí en 1948 rodeado de gatos y líquido en movimiento. El instante capturado pretende expresar la idea de suspensión y su título se inspira en la obra del pintor que aparece representada embrionariamente en la fotografía (Leda Atómica, 1949). La toma final estuvo precedida de 27 intentos y se publicó en la revista LIFE. La versión que se muestra en la retrospectiva del Museo Reina Sofía no deja ver la presencia de otros elementos como, por ejemplo, la presencia del asistente del fotógrafo americano sujetando una silla en el extremo izquierdo de la composición. En la fotografía exhibida en esta ocasión en Madrid se añade además un lienzo al caballete situado al lado del pintor.

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“Atomicus Dalí” (1948). Autor: Philippe Halsman (Imagen de dominio público)

La década de 1940 se caracterizó por una significativa colaboración de Dalí con los medios de comunicación social. El pintor inició su colaboración con la prensa escrita norteamericana a través de ilustraciones de portadas de revistas como Vogue y Town and country, entre otras.  El artista publica su propio periódico, el Dalí News, en 1945 donde incluye artículos sobre acontecimientos reales e irreales pero siempre bajo su particular perspectiva. La sección América de la exposición en el Museo Reina Sofía incluye dos portadas originales del Dalí News pertenecientes a este periodo.

El inicio de la Segunda Guerra Mundial provocó el exilio de Dalí a Estados Unidos. El catalán universal y su esposa Gala ya habían pasado por un primer exilio en Francia tras la llegada de la Guerra civil a España. Estos acontecimientos influyeron de forma intensa en las pinturas de Dalí dando lugar al comienzo de un nuevo ciclo, el de su etapa mística y nuclear, donde se reflejan alterados los paisajes de su tierra natal. A pesar de haber pasado casi una década en Estados Unidos, no se aprecian rastros o influencias del país norteamericano en sus cuadros.

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Dalí con un ocelote en 1965. Los felinos fueron constantes en su imaginario. Autor: Roger Higgins (Licencia CC)

La vida secreta de Salvador Dalí se publica en 1942 en Nueva York. Se trata de una autobiografía ilustrada por una serie de dibujos de Dalí que se muestran al público en esta retrospectiva. La faceta literaria de Dalí se expresa en los artículos sobre surrealismo que  publicó en revistas de arte, en sus guiones de cine, en la redacción de los catálogos de sus exposiciones, una novela, varios ensayos y libros de diarios, entre otros. El estilo del Dalí escritor es un reflejo más de su personalidad: barroco, con frases sin fin -el extenso título de esta exposición procede de una cita del artículo de Dalí, “San Sebastián” (1927)-, difícil de seguir, abstracto y surrealista. La vida secreta de Salvador Dalí es fundamental para entender la obra de Dalí pero también el personaje mediático que construyó y que se intuye en la apreciable recopilación de documentación (correspondencia con artistas y celebridades, manuscritos, artículos, invitaciones, etc.) procedente mayoritariamente de los fondos del propio museo y de la Fundación Gala Salvador Dalí. A pesar de que Dalí se consideraba mejor escritor que pintor, la realidad parece contradecirle.

Ímprobo, riguroso, prolífico, original y genial son los adjetivos con los que se puede describir el trabajo artístico de Salvador Dalí. La retrospectiva Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas recoge casi todas las manifestaciones artísticas del pintor pero se deja en el tintero algunas constantes en la vida del artista como la representación del mito de Tristán e Isolda que solo aparece en un dibujo de La vida secreta de Salvador Dalí  (el pintor murió escuchando la composición musical Tristán e Isolda, de Richard Wagner). También se echa de menos alguna referencia a la arquitectura (Teatro-Museo Dalí de Figueras, esculturas metálicas), la moda (colaboraciones con la casa Chanel, Christian Dior, y Elsa Schiaparelli) y a la producción de joyas (las Dalí-Joies).

Teatro-museo Dalí en Figueras (Cataluña)

Fachada lateral del Teatro-Museo Dalí en Figueras (Cataluña). Autor: Luidger (Licencia GNU Free Documentation)

La muestra escultórica es muy reducida (tres únicas creaciones ready-made: Teléfono langosta de 1938, Busto de mujer retrospectivo de 1933 y Zapato de Gala y 4/8 objeto escatológico de funcionamiento simbólico de 1936), así como las de fotografías, litografías y grabados. Pero ello no le resta méritos al excelente trabajo de las instituciones encargadas de organizar esta histórica exposición sobre Dalí que sin duda está destinada a ser el hit de la temporada y convertir de nuevo a Salvador Dalí en profeta en su tierra.

+ info:

Exposición Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas (27 de abril a 2 de septiembre de 2013). Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. C/ Santa Isabel, 52. Madrid. Horario: Lunes a Sábado y festivos de 10:00 a 21:00. Viernes de 10:00 a 23:00. Domingo de 10:00 a 19:00. Martes: cerrado.

Fotogalería de las obras de Dalí expuestas en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Cortometraje Destino, 1946-2003. Proyecto resultado de la colaboración entre el cineasta Walt Disney y el pintor Salvador Dalí. Director: Dominique Monféry. Música: Armando Domínguez. Duración: 6:32 minutos.

La producción de Disney iniciada en 1945 tuvo que ser abandonada al año siguiente por falta de financiación al iniciarse la Segunda Guerra Mundial. El cortometraje pudo ser finalmente terminado en el año 2003. Narra la historia de amor imposible entre Cronos y una mujer mortal.

Documental Dalí y el surrealismo. Clásicos de la UNED, febrero de 2013.


Estreno en cines de The Doors live at the Bowl ‘ 68

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Foto promocional de The Doors (1966)

Fotografía promocional de The Doors (1966). Autor: Elektra Records-Joel Brodsky (Imagen de dominio público)

El 11 de abril se estrenaba en un exclusivo cine de Madrid el concierto-documental sobre la actuación que The Doors ofrecieron el cinco de julio de 1968 en el mítico Hollywood Bowl californiano. La producción que ahora llega a los cines de España fue previamente estrenada a finales del pasado año en EE.UU. y en Europa dentro de una campaña de promoción del histórico directo de la banda en una versión actualizada en formato CD, DVD, Blu-ray y vinilo.

La producción de esta nueva propuesta musical ha corrido a cargo del manager de la banda, Jeff Jampol, tomando como base los negativos en 16 mm del concierto grabado en el Hollywood Bowl hace más de cuatro décadas por un equipo de tan solo cuatro cámaras con dieciséis bandas de sonido. Los daños ocasionados por el paso del tiempo y los límites de la técnica habían impedido hasta ahora la restauración de tres temas no incluidos en la primera versión en VHS del Live at the Hollywood Bowl editada en 1987. The WASP (Texas Radio and the Big Beat), Hello I love you  y una versión extendida de Spanish Caravan son las tres principales novedades que aporta la nueva versión del concierto con sonido 5.1 remasterizado e imágenes digitalizadas en alta definición.

La recuperación de estas tres canciones permite completar el único directo íntegro que se conserva de The Doors (por sorprendente que pudiera parecer), lo que convierte a la producción en un objeto histórico de gran valor musical. De los tres nuevos temas que se pueden ver y escuchar destaca Hello I love you, un hit pegadizo y juguetón que los Doors sacaron al mercado en 1968 y que rápidamente alcanzó el número uno en ventas. El tema  fue objeto de polémica durante un tiempo ya que el grupo fue demandado por plagio por The Kinks quienes entendían que el estribillo de Hello I love you se parecía demasiado al riff de su famosa canción de 1964, All day and all of the night. Finalmente un tribunal británico dio la razón a Ray Davies, el cantante y autor de la composición de los Kinks, quien a día de hoy sigue cobrando por los derechos de autor de Hello I love you en el Reino Unido. Años después, Ray Manzarek, teclista de The Doors se disculpó públicamente por las coincidencias, aunque el guitarrista Robby Krieger sigue asegurando que Hello I love you no se inspiró en el tema de los Kinks sino en  Sunshine of your love de Cream.

Según cuentan los miembros supervivientes de The Doors en el documental recientemente estrenado, tocar en el Hollywood Bowl era un sueño para cualquier artista americano que aspirase a ocupar un lugar destacado en el panorama musical de la época. El Hollywood Bowl era -y es- un recinto reservado solo para los grandes de la música, los artistas consagrados capaces de llenar un espacio de 18.000 asientos reservados al aire libre, situado entre las magníficas montañas de los Ángeles y con las privilegiadas vistas del famoso letrero de Hollywood en el horizonte. John Densmore, el  batería del grupo, confiesa que momentos antes del show se le ocurrió mirar desde el backstage la panorámica del público asistente y no pudo evitar quedar impresionado. También cuenta que el grupo estaba bastante nervioso antes de la actuación por la importancia de la ocasión, las fechas en que se iba a grabar -el fin de semana de la festividad nacional de EE.UU.- y también por la presencia de los Rolling Stones entre las primeras filas del público. Robby Krieger y Ray Manzarek, guitarrista y organista respectivamente de The Doors, recuerdan que antes de la actuación se fueron a cenar con la banda británica que en 1968 estaba en lo más alto de su carrera, en un escalón inmediatamente superior al que The Doors ocupaban en aquellos momentos en EE.UU., y que por ese motivo llegaron tarde al concierto.

Jim Morrison que se había ido en “petit comité” con Mick Jagger, había empezado a tomar ácido durante la velada sin el previo conocimiento del resto de la banda, lo que posteriormente ocasionó algunos momentos cómicos durante la interpretación de parte de los temas en el Hollywood Bowl. En un momento dado, Jim tuvo una alucinación psicodélica en la que creyó ver un saltamontes en el suelo de la plataforma donde el grupo estaba actuando. Paradójicamente, fue este curioso estado el que permitió a los asistentes disfrutar de la faceta más amable de Jim Morrison, que se mostró extrañamente sonriente durante la hora larga de duración del concierto. Los que tuvieron la suerte de compartir época histórica con el legendario cantante y los que han seguido la evolución artística de The Doors saben bien que es difícil encontrar imágenes en las que Morrison sonriese a la cámara y mucho menos de forma espontánea, como ocurre en este show. Jim se sintió tan cómodo que incluso se permitió bromear con la audiencia (les regaló un educado eructo durante la interpretación de When the music´s over).

Hollywood_Bowl. (2005)

Imagen actual del Hollywood Bowl en Los Ángeles (California). Autor: Matthew Field (Licencia CC)

Cartel anunciador The Doors

Cartel anunciante del concierto de The Doors en el Hollywood Bowl en 1968. Autor: dabhand2006 (Licencia CC)

El setlist de este concierto mítico de The Doors incluye quince canciones pertenecientes a los tres primeros álbumes de la banda angelina. La banda interpreta temas tan universales como When the music´s over, Moonlight drive, Light my fire -tema que con el tiempo Morrison acabaría odiando- y The End. A estos álbumes de estudio le siguieron otros tres más con temas más maduros que completan la discografía de la banda hasta 1971, año de la desaparición de Morrison en París. El concierto de 1968 recoge los primeros pasos de la banda en su camino hacia el éxito internacional. En 1967 los Doors ya habían despegado en EE.UU. y en 1968 estaban aterrizando en Europa. En el otoño de ese mismo año la banda recorrió El Reino Unido, Francia, Dinamarca, Holanda, Suecia y Alemania en una gira para promocionar su música entre el público del viejo continente.

The Doors. Festival L.A.(1967)

The Doors en el “Fantasy Fair and Magic Mountan Music Festival” celebrado en junio de 1967 en California. Autor: Radley Hirsch (Imagen de dominio público)

The_Doors. Tv Show en Dinamarca(1968)

Actuación en directo de The Doors en la televisión danesa el 18 de septiembre de 1968. Autor: Polfoto/Jan Persson (Imagen de dominio público)

El éxito de The Doors fue fulgurante y en 1969 ya habían alcanzado el estatus de los Rolling Stone en su país de origen, Estados Unidos. Por aquel entonces los problemas de Morrison con el alcohol y las drogas amenazaban con hacer peligrar la carrera musical del grupo. Jim no llegaba a tiempo a los conciertos, se desmadraba en cualquier momento de los directos -Morrison fue el primero en instaurar la moda del stage diving que consiste en saltar desde el escenario al foso donde se encuentra el público en los conciertos- y solía parar las interpretaciones sin previo aviso para divagar sobre temas sociales, políticos o filosóficos. El concierto de Miami que la banda dio en 1969 significó un punto de inflexión en la progresión de la carrera musical de The Doors. A diferencia de lo que ocurría en la época de los directos como el del Hollywood Bowl, el público en aquel momento ya no acudía tanto a los shows de The Doors por su música sino más bien por el espectáculo que su líder garantizaba cada noche. Aunque su producción musical seguía siendo de una altísima calidad, a excepción de algún tropiezo como el álbum editado ese mismo año, The soft parade.

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Primer plano de Jim Morrison en junio de 1969. Fuente: Elektra Records (Imagen de dominio público)

El 1 de marzo de 1969 Morrison discutió con su novia, Pamela Courson, en el aeropuerto donde debían tomar un vuelo hasta Miami (Florida) ciudad donde se iba a celebrar uno de los conciertos que el grupo tenía firmados dentro de la gira más relevante que Elektra Records les había organizado por Estados Unidos. Como represalia, Jim impidió a su pareja acompañarle hasta su estado natal (Morrison había nacido circunstancialmente en Florida en 1943 durante uno de los destinos de su padre, un alto oficial del ejército estadounidense). Aquello se reveló como un grave error porque cuando Jim perdía el control, Pam parecía ser la única capaz de hacerle reaccionar, por encima de su camarilla de cuidadores y guardaespaldas contratados por la compañía discográfica para asegurar que Jim acudiese a los conciertos. Al igual que ocurrió en el directo del Hollywood Bowl, Morrison llegó con retraso y en severo estado de embriaguez. En un momento de la actuación fingió escenas de sexo oral con el guitarrista Robby Krieger y algunos miembros del  público aseguraron haber visto a Jim mostrar su pene en público. Con pruebas o sin ellas, la América de los sesenta no estaba aun preparada para performances de este tipo por lo que Morrison acabó siendo acusado de varios cargos, entre ellos, un delito de exhibición indecente, y posteriormente condenado a pasar seis meses en prisión realizando trabajos forzados y a pagar una multa de 500 dólares.

Por aquel entonces, el aspecto físico de Jim, considerado un sex-symbol oficial, y su sugerente voz de barítono ligero se habían visto ya suficientemente afectados por el uso y abuso de sustancias tóxicas durante años. También su estado de ánimo se había resentido de forma preocupante. Jim  Morrison sentía pánico por tener que ingresar en prisión, a pesar de que la apelación contra la sentencia del juicio de Miami seguía su curso. Por añadidura, las relaciones con los miembros de The Doors ya no eran tan ideales como al principio. Manzarek, Densmore y Krieger estaban más que hartos por la mala imagen del grupo generada a partir del desastroso concierto de Miami y por las sucesivas cancelaciones de actuaciones que siguieron a la celebración del juicio. En 1971 Jim Morrison decidió irse a vivir a Paris con Pamela para desconectar del mundo de la música y dedicarse a escribir poesía (el líder de The Doors llegó a publicar en vida cuatro volúmenes de poesía bajo su nombre real, James Douglas Morrison: The new creatures. Notes on vision (1968), The Lords (1969), An American Prayer (1970) y Desert, una compilación de poemas escritos entre 1966 y 1971).

Morrison pensaba volver a Estados Unidos más adelante pero no había fijado una fecha de retorno. El destino quiso que Jim nunca regresara a su país de procedencia porque el cantante de los Doors falleció en su apartamento de la calle Beautreillis en París en la madrugada del 3 de julio de 1971. La versión oficial de su muerte fue un paro cardíaco aunque todo apunta a que la causa directa de su fallecimiento fue una sobredosis de drogas, una opción legalmente mucho más complicada de admitir en el caso de un extranjero residente temporal en un país donde la simple posesión de drogas estaba duramente penada por la legislación de la época. Los restos mortales de Jim Morrison fueron enterrados en el cementerio de Père-Lachaise en la capital francesa, una joya arquitectónica y paisajística  que había impresionado al cantante hasta el punto de manifestar su deseo de ser enterrado allí cuando la muerte viniera a buscarle algún día. Lamentablemente, sus palabras resultaron ser prematuramente proféticas.

La causa judicial que Jim Morrison tenía abierta en EE.UU. se cerró tras su fallecimiento. En el año 2010 las autoridades federales del estado de Florida decidieron conceder el indulto a Jim Morrison por los delitos cometidos en 1969, una decisión que ha suscitado desazón entre muchos de sus seguidores, teniendo en cuenta el tiempo transcurrido y también el hecho de que la condena de Morrison se basó en simples declaraciones de testigos contradichas por otros testimonios. Los Doors rechazaron el indulto de su compañero por estimar que Jim Morrison no había cometido ningún hecho delictivo que motivara una sentencia condenatoria y declararon que “una disculpa hubiera sido más adecuada”.

Tras el fallecimiento de Jim Morrison a principio de los años 1970, los demás integrantes de The Doors intentaron mantener activa la formación, primero con los tres miembros supervivientes hasta 1973 y en los últimos tiempos incorporando a cantantes como Ian Astbury, de The Cult,  Brett Scallions, Miljenko Matijevic o actualmente a Dave Brock, aunque sin llegar siquiera a aproximarse al espectacular éxito alcanzado con Jim Morrison, convertido inmediatamente después de su muerte a los veintisiete años en un mito para muchas generaciones de jóvenes que le sucedieron. En los últimos años, los Doors han tenido que superar divisiones internas: John Densmore mostró su desaprobación por el uso comercial del nombre de la banda que sus compañeros estaban haciendo sin Jim Morrison lo que motivó que la formación musical integrada por Manzarek, Krieger y otros músicos auxiliares tuviera que rebautizarse como The Doors of the 21st century. Que Densmore no toque ya con la banda no significa que no participe con sus compañeros en todos los actos promocionales y reediciones del material generado por la formación original, aunque lo haga por separado.

Desde entonces los Doors se han dedicado a actuar por el mundo en pequeños y medianos locales y a explotar comercialmente sus éxitos del pasado. Uno de ellos es esta reedición remasterizada y digitalizada del concierto en el Hollywood Bowl que ahora presentan los integrantes originales de The Doors junto a algunos miembros de Steppenwolf y The Chambers Brothers, las bandas que actuaron como teloneros en aquel memorable fin de semana del cuatro de julio de 1968.

The_Doors_of_the_21st_Century (2005)

The Doors of the XXI st century en 2005. De izq. a dcha., Phil Chen (bajo), Ray Manzarek (teclados), Robby Krieger (guitarra) y Ty Dennis (batería). Autor: D.van Bloppoel (Imagen de dominio público)

El sonido remezclado y remasterizado que el habitual ingeniero de sonido de The Doors, Bruce Botnick, ha logrado alcanzar gracias a la restauración de las grabaciones originales, unido a la alta definición de la imagen digitalizada, proporcionan ciertamente una experiencia única potenciada por su exhibición en las salas de cine donde se ha estrenado de forma limitada. Los Doors siguen haciendo funcionar la máquina de hacer dinero más de cuarenta años después, en gran medida gracias al carisma y al talento de Jim, pero sin desmerecer las habilidades como intérpretes musicales y compositores de Manzarek, Krieger y Densmore. Es un hecho incontestable que en el concierto celebrado en la ciudad de Los Ángeles en 1968 dieron lo mejor de sí mismos.

El concierto en el Hollywood Bowl fue todo un éxito a pesar de la presión y del “colocón” de Morrison, cuya voz suena ahora cristalina, seductora  y envolvente (más tarde enturbiaría su timbre natural para cantar blues rock en los dos últimos discos que The Doors publicaron con Jim Morrison como solista). Aunque a Mick Jagger el concierto le pareciera “aburrido” -hay que admitir que algunas introducciones pueden resultar monótonas-  lo cierto es que la banda hizo gala de una gran profesionalidad ofreciendo un concierto serio y a diferencia de lo habitual, muy ensayado. Seguro que Mr. Mojo Risin -un anagrama de Jim Morrison utilizado como apodo- se alegraría de ver por fin completamente editado el único concierto de su banda grabado en la cúspide de su carrera y en su ciudad adorada bajo el manto de estrellas de la noche hollywoodiense. Un auténtico regalo también para las antiguas y nuevas generaciones de admiradores de la banda californiana. Larga vida a The Doors y al inimitable Rey Lagarto.

+ info:

Concierto-documental The Doors Live at the Bowl ´68 (2012, Eagle Rock), fechas de estreno en cines en España:

Madrid, 11 de abril de 2013; Menorca, 3 y 4 de abril de 2013; Valladolid, 12 de marzo de 2013

Contenido extra de la edición de 2012:

-Tres nuevas canciones: The WASP (Texas radio and the Big Beat), Hello I love you y Spanish Caravan (version extendida)

-Tres Documentales:

“Echoes From The Bowl”: documental sobre la historia del mítico anfiteatro californiano The Hollywood Bowl, construido en los años 1920 y aun en funcionamiento.

“The Doors’ route to the Hollywood Bowl” y “You Had To Be There”: los Doors y sus teloneros los Chambers Brothers y Steppenwolf, cuentan cómo se desarrolló el concierto en el Hollywood Bowl desde su propia perspectiva. Entre otras anécdotas, Robby Krieger cuenta como el incendio de unos amplificadores previstos para el show arruinó el sonido de su guitarra en relación al resto de instrumentos.

“Reworking The Doors”: narra el proceso de restauración de las grabaciones originales y su conversión al formato digital. Bruce Botnick cuenta las dificultades para reconstruir el sonido de Hello I love you  y The WASP, perdido cuando el micrófono de Jim Morrison empezó a fallar durante el show, a partir de otras grabaciones en directo de la banda.

-Dos nuevas perfomances de The Doors en programas de variedades de la televisión americana: Wild Child, emitida en The Smothers Brothers Show en 1968 y Light My Fire, emitida en The Jonathan Winters Show en la nochebuena de  1967.

-Nuevo videoclip de Gloria, una versión del tema original de Van Morrison, al que Jim admiraba y con el que tuvo la oportunidad de cantar de forma improvisada en un club de Hollywood Boulevar.

Otros documentales sobre The Doors:

When you´re strange. Una película sobre The Doors (2009, Director: Tom Dicillo. Narrada por Johnny Depp): primera película documental estrenada en cines que se ha rodado sobre The Doors. Narra el ascenso del grupo desde su formación en 1966 hasta la muerte de Jim Morrison en 1971.


Ser fan de una boy band antes de la globalización

Autora: Samia Benaissa Pedriza

NKOTB en Dallas (EE.UU.) en 2008

New Kids on the Block en el American Airlines Center en Dallas (EE.UU.) el 19 de octubre de 2008. Autora: Brandi Korte (Licencia CC).

Navego un rato por la Red y me entero de que New Kids on the Block sacan nuevo disco tras seis años de silencio musical. Investigo un poco más y veo que además anuncian gira, aunque solo por Estados Unidos, el país de origen de esta boy band de maduritos ideada por el productor Maurice Starr allá por el año 1984.

Los NKOTB se suman a la oleada de retornos de artistas añosos caídos en el ostracismo de forma voluntaria (David Bowie, Rod Stewart) o por la pérdida de actualidad (Pearl Jam, Depeche Mode). Y no estoy muy segura de si este retorno significa que la crisis de ideas de la industria musical está tocando fondo o si es que esto no tiene remedio y han tenido que volver los” yayos” a salvarnos de la apatía y la sobredosis de colaboraciones varias, “chunda-chunda” y discos de chicle-pop.

Aunque los NKOTB no es que se hayan significado por ser merecedores de un Grammy precisamente. La banda surgió a mediados de los años 1980 tan prefabricada como las boy bands del nuevo milenio. En los ochenta y noventa no había concursos televisivos del tipo de Factor X o The Voice de donde han salido las nuevas hornadas de bandas como One Direction pero el concepto era básicamente el mismo: unos productores avezados organizan un casting para seleccionar a cinco -siempre cinco- personalidades variadas de chicos más o menos atractivos y talentosos situados en la veintena, capaces de aglutinar a una audiencia de fans adolescentes lo más amplia posible. Las canciones son lo de menos, aunque es fundamental que saquen algún que otro hit pegadizo y un buen puñado de baladas diabéticas sobre distintas versiones del amor ideal y el desamor universal.

En mi época de adolescente, si querías escuchar a los NKOTB tenías que pasar la tarde haciendo zapping entre las distintas emisoras de radio -analógica, por supuesto- para lograr grabar en cassette alguna canción conocida como You got it (The right stuff), el primer single de la banda que salió en Europa. Era tan difícil porque en 1989, cuando descubrí a los New Kids on the Block en uno de los escasos espacios musicales que se emitían en la televisión de aquella época en España (un breve repaso de media hora a la lista de éxitos musicales del Reino Unido en Telemadrid), estos ni eran conocidos, ni suscitaban ningún tipo de interés o expectación mediática. Si querías ver sus vídeos o conciertos tenías que apañártelas para sintonizar los canales internacionales de la parabólica –Sky One (nada de MTV todavía en España)- o pedirle el favor a una amiga que la tuviera instalada en casa, porque no era esta una tecnología de uso común en los hogares de la España de finales de los ochenta y principios de los noventa.

Un poco más tarde, cuando el grupo empezó a sonar algo más en España, recuerdo nítidamente a Joaquín Luqui, el mítico locutor de los 40 Principales, promocionando un concurso en la radio para traducir el título de The right stuff al castellano. La mejor traducción ganaba un premio que ahora mismo ha caído en el olvido de mi memoria pero que bien podría ser alguna foto firmada por el grupo, el obsequio del álbum recién editado o algo parecido, porque de encuentros organizados como los de ahora o entradas para sus conciertos ni se hablaba. NKOTB nunca pasaron por España, lo más cercano que concedieron en relación a nuestro país fue una breve entrevista en el backstage de un concierto en Orlando (EE.UU.) realizada por la periodista Beatriz Pécker, presentadora del mítico Rockopop -uno de los pocos programas musicales que han merecido la pena en la historia de la televisión española-.

Cuando los NKOTB empezaron a salir en revistas como Superpop o El Gran Musical, el grupo estaba en el cénit de su popularidad a nivel internacional. Pero en España no fueron nunca tan famosos ni alcanzaron jamás el éxito del que gozaron en Estados Unidos u otros países de Europa como Reino Unido o Alemania. Posiblemente si se hubieran dado a conocer en los tiempos de Twitter y Facebook, las cosas hubieran sido muy diferentes. Para empezar, su acceso al mercado español hubiera sido mucho más fácil y su ascensión más rápida.  Su presencia en entrevistas, actuaciones o conciertos hubiera estado garantizada y su difusión en las radios hubiera sido tan habitual como lo es ahora la de bandas como One Direction, The Wanted o los españoles Auryn.

NKOTB en los Grammy de 1990

New Kids on the Block en el backstage de los Premios Grammy de 1990. Autor: Alan Light (Licencia CC)

NKOTB en los Premios Grammy 1990

De izq. a dcha., Donnie Wahlberg, Alan Light (periodista musical americano) y Jordan Knight entre las bambalinas de los Premios Grammy el 21 de febrero de 1990. Autor: Alan Light (Licencia CC)

Sin el feedback de las redes sociales, sin la promoción y apoyo de las emisoras de radio, sin poder acudir a sus conciertos en directo, en definitiva, sin el acceso a su música y con el paso del tiempo jugando en contra, fue inevitable que se produjera una pérdida de interés por un grupo de adolescentes casi crudos  -Joe McIntyre, el integrante más joven de NKOTB tenía 12 años- que sufrieron los temibles cambios de voz, luego la llegada de otros estilos musicales más potentes -el grunge, el brit pop– y en los últimos tiempos, la disolución temporal y la entrada en los cuarenta. A pesar de todos estos factores en contra, NKOTB han seguido actuando como grupo de forma regular en su país de origen, en actuaciones ante sus fans de siempre ya creciditas que les siguen viendo como un referente de su adolescencia.

Tras la primera disolución del grupo en 1994, Jordan Knight y Joe McIntyre sacaron discos en solitario que no llegaron muy lejos. Donnie Wahlberg, el primer miembro de New Kids on the Block que superó las audiciones organizadas por Maurice Starr, se reconvirtió en productor musical y actor, aunque sin alcanzar el éxito de su hermano Mark Wahlberg, al que curiosamente introdujo en la industria del cine cuando todavía era una personalidad influyente en Estados Unidos. Jonathan Knight, hermano de Jordan, tuvo que reconocer su homosexualidad después de la metedura de pata en un programa de televisión de su exnovia, la cantante Tiffany, una princesa del pop chulesca de la época, rival de Debbie Gibson, esta a su vez un trasunto de Britney Spears de los ochenta. El asunto se zanjó vía Twitter con la disculpa de Tiffany y el buen rollo de Jonathan. Nada que a estas alturas nos vaya a sacar los ojos de las órbitas, porque ¿qué boy band que se precie no tiene o ha tenido a algún miembro escondido en el armario (leáse los británicos Take That o los irlandeses Westlife y Boyzone)? Por último, Danny Wood, que en sus tiempos gozó de un menor tirón entre las fans, también sacó algún que otro disco en solitario aunque últimamente ha sido más conocido por su participación en un reality de la cadena MTV sobre antiguos miembros de boy bands.

A pesar de todo, NKOTB se han mantenido más o menos activos como grupo hasta la actualidad. En 2010 se aliaron con los Backstreet Boys, otra boy band americana posterior en el tiempo, con la intención de formar un supergrupo de nueve miembros bajo la denominación de NKOTBSB. El objetivo era aunar fuerzas para actuar y girar juntos durante dos años, entre 2011 y 2012. El resultado fue bastante curioso y ambos grupos pudieron hacer gala ante sus fans de su buena forma a la hora de interpretar sus características coreografías, algo que no ha perdurado entre las boy bands actuales, cuyos miembros suelen aletear mucho ante su público pero prácticamente sin moverse del sitio.

NKOTBSB

Los integrantes de New Kids on the Block y Backstreet Boys se reunieron en la formación NKOTBSB en el año 2010. En la fotografía, NKOTBSB en “The Today Show” en Nueva York (EE.UU.) el 2 de junio de 2011. Autora: Joella Marano (Licencia CC)

NKOTB en Providence en 2008

NKOTB ejecutando una de sus famosas coreografías en directo en Providence (EE.UU.) el 6 de noviembre de 2008. Autor: goaliej54 (Licencia CC)

Nuevo álbum de estudio

Debo reconocer que tras escuchar el álbum 10 de NKOTB me ha sorprendido gratamente la evolución musical de este grupo de cantantes que ahora vuelven a ser noticia. Y digo bien cantantes, porque hasta Donnie Wahlberg, que iba de rapero perdonavidas, entona bien. El último álbum de estudio de los New Kids on the Block contiene doce canciones que han sabido adaptarse a los sonidos electrónicos que imperan en el pop actual (The whisper  y Crash -directa a las emisoras de radiofórmula-) pero sin perder las señas de identidad del grupo -el archiconocido falsetto de Jordan Knight y las influencias del R&B en Jealous (blue), (no olvidemos que son americanos)-, el rock funky del primer single (Remix (I like the)) y las baladas de siempre (We own tonight y la preciosa Survive you).

No creo que este disco sea apto para el consumo de  las actuales seguidoras de One Direction porque la música que presentan ahora NKOTB pertenece a otra etapa musical. Se nota que han sabido rodearse de buenos productores y sin duda el target comercial siguen siendo sus antiguas fans que tampoco son tan mayores, aunque da la impresión de que en esta ocasión también le han echado el ojo a las radios comerciales y a las pistas de baile. El álbum es aceptablemente bueno en general y seguramente funcionará bien en el mercado americano, a pesar de que no llega a destacar con fuerza suficiente entre la inabarcable oferta del dance pop actual.

De cualquier forma, la vuelta de New Kids on the Block a la escena musical es un regreso muy digno. Es de celebrar que cuenten aun con el respaldo de la industria al haber conseguido editar un álbum completo y no solo meros singles tras una ausencia tan larga. El grupo ya lo había intentado en 2008 con un nuevo álbum, The Block, tras un parón previo de 14 años, del que se promocionaron dos singles, Summertime y Single, este último en colaboración con el cantante de R&B, Ne-Yo. La gira conjunta con 98 degrees y Boyz II Men programada para promocionar el nuevo álbum de estudio en este año 2013 permitirá comprobar hasta qué punto son capaces de mantenerse en la brecha, aunque teniendo en cuenta cómo han gestionado su carrera musical durante los últimos años, todo parece indicar que tendremos NKOTB para rato. Con todo ello, intuyo que esta boy band seguirá sin comerse una rosca en España, aunque ahora que los tiempos han cambiado y el grupo parece haber sobrevivido, puede que hasta se animen y nos incluyan en alguna visita en el futuro. Pero que no tarden mucho esta vez o nos jubilamos todos.

+ info:

Escuchar 10, el sexto álbum de estudio que New Kids on the Block sacan al mercado. Lanzamiento: 2 de abril de 2013.

La gira The Package Tour 2013 reúne a NKOTB, 98 degrees y Boyz II Men en actuaciones en directo por Estados Unidos y Canadá. La gira comienza el 28 de mayo y finaliza el 4 de agosto.


Bon Jovi. Because we can Tour

De cómo sobrevivir sin renovarse (demasiado)

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Bon Jovi en el inicio de la gira "Because we can"

Actuación de la banda en el inicio de la gira mundial “Because we can Tour” en Montreal (Canadá). Autora: Rosana Prada (Licencia CC)

El 15 de marzo se pusieron a la venta las entradas con “precio amigo” para el único concierto que la banda de New Jersey dará en España dentro de su nueva gira Because we can Tour. La cita será el próximo 27 de junio en Madrid en el estadio Vicente Calderón. El poder de convocatoria del grupo ha quedado de nuevo sobradamente probado tras el éxito de reservas registrado tan solo cinco días después de la fecha señalada para el inicio de la venta de localidades. Los precios de las entradas -entre 18 y 39 euros- obedecen a razones puramente solidarias del grupo hacia sus seguidores en España, un país que atraviesa una profunda crisis económica.

La gira arrancó motores el pasado 13 de febrero en Montreal (Canadá) y llevará a Bon Jovi por todo el mundo: Estados Unidos y Canadá, Sudáfrica, Brasil y Europa (Bulgaria, Austria,  Alemania, Noruega, Suecia, Finlandia, Dinamarca, Reino Unido e Irlanda, Polonia, República Checa, España y Portugal, Italia y Suiza). Esta nueva  gira “solo” durará 9 meses, un período de tiempo comprimido si se compara con la anterior, The Circle Tour, que pasó por 52 países y duró más de 18 meses. Los que ya han tenido la suerte de ver a Bon Jovi en directo en este nuevo tour mundial saben que la banda ofrece un show de más de dos horas y media de duración y que ningún concierto es igual a otro. El setlist de esta gira comprende entre 22 y 26 canciones que los integrantes de Bon Jovi alternan según el público que visitan. Lo que sí es seguro es que no faltarán temas como Living on a prayer, Wanted dead or alive o Because we can, primer single de su último trabajo.

Momento de la gira "Because we can"

Jon Bon Jovi en un momento del concierto de arranque de la gira “Because we can Tour” el 13 de febrero de 2013. Autora: Rosana Prada (Licencia CC)

Baño de multitudes de Jon Bon Jovi en la gira "Because we can"

Baño de multitudes del cantante de Bon Jovi en el Bell Center de Montreal durante el primer concierto del “Because we can Tour”. Autora: Rosana Prada (Licencia CC)

La banda de New Jersey es conocida por sus potentes directos pero en esta ocasión han anunciado sorpresas en la parte visual del show. Tico Torres, el batería, asegura que será una gran producción en la que se potenciará todo lo audiovisual. Y es que el grupo parece haber tomado conciencia de la importancia del papel de la imagen y de las nuevas tecnologías en la industria de la música. De hecho, la portada de su último álbum de estudio ha sido elaborada mediante “realidad aumentada”, una técnica que permite escanear imágenes mediante una aplicación gratuita para teléfonos móviles y acceder a contenidos extra del cover.

El tema de las portadas parece ser un asunto espinoso para el líder de la banda, Jon Bon Jovi. En una entrevista concedida al diario El País, el cantante se lamentaba de tener “las peores portadas de la historia”. Algo de razón no le falta, pero también es cierto que se han visto cosas peores. Si por algo destacan las portadas de Bon Jovi no es por su falta de sentido estético, sino más bien por su ausencia de originalidad. Las de los álbumes iniciales Slippery when wet (1986) y New Jersey (1988) son prácticamente idénticas y otro tanto ocurre con Crush (2000) y One wild night (2001). Un defecto que el grupo se ha esforzado en corregir en este nuevo álbum. Jon Bon Jovi cuenta que vio el trabajo del autor de la portada, el artista chino Lou Bolin, en una feria de arte. Bolin suele pintar su cuerpo en concordancia con el contexto visual que desea fotografiar para después incorporarse a él como si se tratase de otra pieza más de la composición gráfica. El artista coloreó los cuerpos vestidos de los cuatro miembros de Bon Jovi delante de un fondo pintado y a continuación tomó la instantánea que se ha utilizado para ilustrar la portada en 3D de “What about now”.

Ver video de la entrevista concedida al diario El País

bon jovi entrevista el país

El vocalista de Bon Jovi durante su encuentro con la prensa europea en febrero de 2013 en Berlín. Fuente: diario “El País” (captura de vídeo bajo licencia CC)

El disco que se presenta en la gira, “What about now”, ha sido producido por John Shanks, Jon Bon Jovi y Richie Sambora y es el duodécimo trabajo de Bon Jovi en una carrera que en 2013 cumple treinta años. Abandonados los inicios del glam metal a principios de la década de 1990 y pasada la época del exitoso “Keep the Faith” (1992), la banda parece haberse instalado en el rock comercial apto para todos los públicos que inauguraron con el inicio del nuevo milenio y que sigue reportándoles un gran éxito de público. “What about now”, lanzado en España el 12 de marzo, es la continuación de “The circle”, publicado en 2009 tras la primera victoria electoral de Barack Obama y los comienzos de la crisis económica mundial. El nuevo disco de estudio de Bon Jovi sigue la misma estela. De hecho, parece una segunda parte conceptualmente hablando, ya que fue ideado y creado durante la campaña electoral previa a las últimas elecciones presidenciales en Estados Unidos y en las que Obama revalidó su mandato.

Los doce temas de “What about now” son más de lo mismo. Un hit de libro, los inconfundibles riffs de guitarra de Richie Sambora y algunas baladas memorables -qué sería de la historia del rock sin la influencia de esas poderosas baladas heavies a las que Bon Jovi también les debe tanto-. El disco está plagado de mensajes de optimismo y confianza tanto a nivel colectivo (“Because we can”) como individual (“Army of one”), sin obviar referencias típicas de la cultura americana como el culto a la fe y la esperanza (“Amen”, “What about now”). En una entrevista concedida a medios estadounidenses con motivo del lanzamiento del álbum, el vocalista de Bon Jovi se justifica ante los que le acusan de ser algo blando y afirma que es posible que sus canciones presenten una “versión romántica del mundo, pero alguien tiene que ser optimista”. En las ediciones de lujo japonesa y australiana se incluyen, entre otros extras, dos composiciones de Jon Bon Jovi que forman parte de la banda sonora del film Tipos legales (Stand up Guys) y un tema del tercer y último disco en solitario del guitarrista Richie Sambora, Aftermath of the lowdown (2012). En la edición de lujo para el resto de países nos tendremos que conformar con “Not running anymore”, canción que sirve para ambientar el final de la película del director Fisher Stevens sobre la vida de tres gánsteres retirados interpretados por Al Pacino, Christopher Walken y Alan Arkin. La canción compuesta por Jon Bon Jovi recrea los últimos momentos de la película y el cantante revela que para inspirarse se puso de rodillas emulando a Al Pacino en la escena del confesionario justo antes de salir a enfrentarse a su propia muerte.

Jon_Bon_Jovi_en el Commander-in-Chief_Ball 2009

Actuación de Jon Bon Jovi en Washington el 20 de enero de 2009 durante el “Commander in chief´s Ball”, un acto de homenaje a los miembros de las fuerzas armadas estadounidenses, a sus familias y a los soldados heridos en combate, presidido por el presidente de EE.UU., Barack Obama. Autor: Chad J. McNeeley. Imagen de dominio público

El secreto del éxito de Bon Jovi es cristalino. Se trata de sobrevivir en un mundo cambiante sin perder de vista las raíces. O sea, renovarse sin morir, sin perder la piel en el intento y adaptándose estratégicamente a los nuevos tiempos. Si de algo puede enorgullecerse la banda de New Jersey es de haber salido indemne después de 30 años de carrera, con tan solo una baja en la formación -el bajista Alec John Such- y de seguir bien vivos y coleando -algo que, quizá a excepción de Aerosmith, no pueden decir otras grandes bandas del rock de su generación como Guns and Roses o Extreme-. El éxito con el público parece trasladarse también a las relaciones con los medios, con los que el grupo se ha llevado sorprendentemente bien a lo largo de toda su carrera. Quizá todo resida en mantener el tipo y la buena educación y en lavar los trapos sucios en casa: como dice Jon Bon Jovi, “las cosas de familia se quedan en la familia”. Su faceta solidaria -la banda no se pierde un concierto homenaje bajo ningún concepto- también ha servido para ganarse el apoyo del gran público y para mantener una imagen blanca muy del agrado de la clase trabajadora en la que Bon Jovi se inspira con frecuencia para componer sus canciones. Todos estos factores y alguno más han confluido en la creación de un monstruo del rock como Bon Jovi que dentro de tres meses podremos disfrutar en España. Continuará.

+ info:

Ver  interpretación en directo de siete temas de la gira Because we can Tour  + una entrevista con la banda sobre la elaboración de su último álbum, “What about now”.

Leer artículo relacionado: Entrevista a Al Pacino (estreno del film Tipos legales)

Curiosidades sobre la gira de 2013:

El concierto en Madrid a precios reducidos formaba parte de una sorpresa que el grupo tenía preparada para España y que se anunció en fechas próximas al lanzamiento de su último álbum en nuestro país.

La última vez que Bon Jovi tocó en el estadio Vicente Calderón fue en 1996, hace 17 años, durante la gira These days Tour.

La banda anuncia el título de cada canción antes de interpretarla en deferencia a los fans más jóvenes de la banda, menos familiarizados con sus clásicos.

Jon Bon Jovi es el que decide qué canciones extra se cantan en cada show. El grupo tiene ensayada previamente una serie de temas alternativos entre los que el cantante finalmente selecciona varios de forma improvisada durante los conciertos.

Según el Billboard americano, Bon Jovi es el único grupo -junto a The Rolling Stones y The Grateful Dead- que ha alcanzado el número uno en el ranking de recaudación de una gira musical dos veces no consecutivas en un período tres años (2008 y 2010). Según datos de Boxscore, la recaudación de la última gira mundial de Bon Jovi, The CircleTour (2010-2011), les colocó en la séptima posición de la lista de giras más rentables de la historia.


Universo Almodóvar

Récord de taquilla y de espectadores en el estreno de Los amantes pasajeros, la última comedia de Pedro Almodóvar

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Elenco de Los amantes pasajeros

El elenco de actores de “Los amantes pasajeros”. Fuente: Frikarte (Licencia CC)

La extensa e intensa promoción de la última película del director manchego parece haber dado sus frutos en el primer fin de semana de exhibición de Los amantes pasajeros, una comedia coral que pretende retornar a los inicios del universo Almodóvar. Una recaudación de casi dos millones de euros y 255.000 espectadores en solo tres días son cifras envidiables para cualquier productor de cine español en los tiempos que corren. Los amantes pasajeros ha alcanzado el mejor registro de la filmografía de Pedro Almodóvar en cuanto a récord de taquilla se refiere, tan solo superado por Volver (2006), posiblemente su éxito más aclamado por crítica y público hasta la fecha.

En esta ocasión, no parece haber habido unanimidad entre la opinión del público y la de los críticos especializados. Es posible que la expectación creada por el propio cineasta desde que inició el rodaje de la película en julio del pasado año y la extraordinaria campaña de marketing llevada a cabo hayan pesado considerablemente en la decisión del público de acudir masivamente a los cines este fin de semana. Hemos visto y oído a “Peedro” y  a su omnipresente troupe, -ya sea juntos o  por separado-, en radios, televisiones, revistas y redes sociales hasta la extenuación en un ritmo in crescendo a medida que se acercaba el día del estreno, el 8 de marzo, fecha fetiche para dar a conocer sus películas al gran público. La promoción del film tuvo como colofón un flashmob (reunión organizada de una multitud) el pasado sábado en la madrileña plaza de Callao. Cientos de personas acudieron a la cita con el aclamado cineasta que saludó a los fans que se habían congregado y no dudó en grabar el momento de la coreografía que se marcaron los asistentes al ritmo de la canción de The Pointer Sisters, “I´m so excited”, leit motiv del film.

Pedro Almodóvar en la plaza de Callao

Pedro Almodóvar graba a los asistentes al flashmob celebrado en la Plaza de Callao con motivo del estreno de “Los amantes pasajeros”. Autora: Samia Benaissa Pedriza

Flashmob "Los amantes pasajeros" Callao

Flashmob de “Los amantes pasajeros” organizado por El Deseo, la productora de los hermanos Almodóvar, y la emisora de radio Los 40 Principales: Autora: Samia Benaissa Pedriza

La película en sí

Según cuenta Almodóvar, Los amantes pasajeros pretendía ser una vuelta a la comedia almodovariana de los años 1980. En declaraciones recogidas por el diario El País, el director confesaba que sentía la necesidad de poner a prueba su capacidad para hacer comedia:

“Me ha divertido mucho el hecho de comprobar que funcionaba igual que antes. Me he encontrado igual de ligero en cuanto a la comedia y el humor que hace 30 años. No he tenido la sensación de que había pasado el tiempo, excepto en una cosa. Si hubiera sido más joven, hubiera dejado más cosas y ahora he ido puliendo todo, con la obsesión de que la película fuera corta, de que no superara los 90 minutos. No he cedido al deseo de los actores que querían que dejáramos todo”.

La última vez que el director manchego dirigió una comedia fue en el año 1993 con Kika. Y de eso han pasado ya veinte años. En Los amantes pasajeros el tono de comedia se intuye desde la aparición de los primeros títulos y se deja sentir a través de una estética luminosa y colorista a cargo del diseñador gráfico Javier Mariscal que trazó la identidad corporativa de la falsa compañía aérea en la que vuelan los pasajeros (todo muy rojo coral, blanco y azul, incluido el vestuario de los actores y el de la tripulación, diseñado por Davidelfin). La imaginería de La Mancha, otra constante en las películas cómicas de Almodóvar, se aprecia aquí solo en pequeños detalles como los abanicos que forman parte de ese altar santero portátil al que le reza Carlos Areces o el mandil de Carmen Machi debajo de un traje de chaqueta de vecina de barrio chic.

Sin embargo, la última película de Almodóvar es una comedia un tanto dudosa, porque consigue hacer reír pero solo a ratos. Quizá el fallo de este film resida en el hilo argumental, más que en el guion. Lo que ocurre es que en Los amantes pasajeros hay momentos de inexplicable desconexión. En ocasiones uno no sabe muy bien si está viendo una sucesión de sketches pretendidamente humorísticos o un largometraje de cine. Algunos diálogos -vulgares o escatológicos- quedan fuera de contexto y las escenas de crítica social aparecen introducidas con calzador. Todo ello rompe innecesariamente el ritmo de la acción y termina por descolocar al espectador.

Lo mejor del film es sin duda el trío de azafatos gays formado por Javier Cámara, Raúl Arévalo y Carlos Areces. Javier Cámara, convertido ya en “chico Almodóvar”, mejora en cada película, aunque aquí cede algo de protagonismo a sus compañeros de tripulación que constituyen todo un descubrimiento en este registro. Es más que probable que volvamos a ver a estos dos intérpretes en las próximas películas de Almodóvar porque son auténtica carne de cañón cómica. Almodóvar ha incluido con gran acierto a Carlos Areces, un actor que pertenece a la última hornada de humoristas que han ido surgiendo en los últimos tiempos en España y que han incorporado con gran éxito la idiosincrasia manchega del absurdo al humor contemporáneo. El  puritanismo de su personaje (“he rezado para que os alejéis de las drogas, el alcohol y los cuartos oscuros”)  y su imagen de niño de Primera Comunión son memorables y sin duda, el actor constituye una de las nuevas incorporaciones más celebradas al reparto de Almodóvar.

Escena del rodaje de "Los amantes pasajeros"

Momento del rodaje con la tripulación. Copyright: El Deseo (Imagen autorizada para su uso web)

En momentos puntuales la película recuerda algo a las comedias corales disparatadas de los años 1970 y 1980, como Los locos del Canonball (1981), o Un cadáver a los postres (1976), pero también se acerca peligrosamente a otras más casposas como Aterriza como puedas (1980). En este tipo de obras es fácil caer en la caricatura y en la última película de Almodóvar se raya peligrosamente la parodia. A pesar de ello la película se deja ver. Cumple satisfactoriamente su función básica que es hacer pasar un buen rato al espectador. Si comparamos esta película con las comedias de Almodóvar de los años 1980 se advierte que técnicamente es una película mucho más depurada en la que se puede apreciar la evolución artística del director. La experiencia es un grado y en esta película se nota en casi todo. Quizá esperábamos algo más de Almodóvar porque el listón de sus últimas películas ha ido subiendo exponencialmente. Pero en conjunto la película está bien dirigida -a pesar de las dificultades del rodaje-, el guion alcanza su máxima efectividad cuando mezcla el drama con el humor, los actores no caen en la sobreactuación y la música es todo un acierto, como viene siendo habitual en las obras de Almodóvar. En definitiva se trata de una comedia ligera que se integra bien dentro del complejo universo Almodóvar.

+info:

Web oficial de la película: diario del director, tráiler, clips y fotos oficiales

Página oficial en Facebook: entrevistas con los actores, eventos promocionales de la película

Algunas curiosidades:

-La película fue difícil de rodar por la complicación de grabar en espacios tan pequeños como el de un Airbus 340 prefabricado y sin aire acondicionado en pleno verano, que debía ser apagado debido al ruido que ocasionaba en la grabación.

-Agustín Almodóvar, productor de la película siempre hace un cameo en las películas de su hermano Pedro. En esta ocasión interpreta el papel del controlador aéreo responsable de guiar el aterrizaje de emergencia del avión pilotado por Antonio de la Torre y Hugo Silva.

-Antonio Banderas y Penélope Cruz, habituales en las películas de Almodóvar, aparecen actuando juntos por primera vez en el cine.


Premios Goya 2013

La celebración del reconocimiento y la reivindicación

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Estatuilla de los premios Goya

Estatuilla de los premios Goya. Autor: Alejandro M.P. (Licencia CC)

La 27ª edición de los Premios Goya ha sido al mismo tiempo la del reconocimiento y la reivindicación. Reconocimiento a los grandes actores españoles -Goya de Honor a Concha Velasco que recibe el único galardón de la Academia de Cine en toda su carrera, Goya al mejor actor protagonista a José Sacristán que ha obtenido su primera nominación a los 75 años de edad, y Goya a la mejor actriz principal a Maribel Verdú, nueve veces nominada y tan solo dos premiada-. Y reivindicación, mucha reivindicación. La crítica social se intuía desde días antes de la celebración de la gala que prometía un show “calentito” para los representantes institucionales. La presentadora y humorista Eva Hache no dejó títere con cabeza, ni tampoco los premiados de esta edición que aprovecharon la ocasión para denunciar el desgobierno de la sociedad española en general  y las miserias de la industria del cine español en particular.

Lo cierto es que la edición de los Premios Goya 2013 se ha caracterizado por una serie de anécdotas curiosas y un error garrafal. La confusión de los presentadores Adriana Ugarte y Carlos Santos al nombrar a los ganadores de la mejor canción original pasará sin duda a los anales de los premios Goya.  Tampoco olvidará Juan Antonio Bayona el momento en que recogió el premio al mejor director por Lo imposible cuando se lesionó el gemelo de su pierna derecha al tropezar con los escalones del escenario. Una rotura fibrilar que le llevó directo al hospital.

La gran ganadora de la noche fue Blancanieves, una película muda en blanco y negro que se llevó 10 estatuillas de 18 nominaciones, incluyendo el galardón a la mejor película, mejor actriz protagonista y actriz de reparto para Macarena García.  Algunos podrían pensar que tras el éxito de The Artist en la pasada edición de los Oscar la película de Pablo Berger no deja de ser una mera copia local, desprovista de originalidad. Pero la realidad es que el director vasco ideó su guion en el año 2005 cuando todavía no se había gestado The artist. Los problemas de financiación retrasaron la producción española que vio como la película del francés Michel Hazanavicius se le adelantaba en el festival de Cannes de 2011. Otro tanto le sucedió a Alejando Amenábar con su película de terror Los otros y El sexto sentido de Night Shyamalan.

La alfombra roja

Como decía el actor Javier Bardem en la alfombra roja el pasado 17 de febrero, ha habido tanto cambio de escenario que es imposible encariñarse con un lugar concreto. Ciertamente, a los premios más relevantes del cine español les falta algo de solera, o quizá más bien de tradición. Los Premios Anuales de la Academia “Goya” comenzaron a celebrarse en el año 1987 en el teatro Lope de Vega de Madrid. Durante varios años congregaron a lo mejor del sector cinematográfico español en el Palacio Municipal de Congresos situado en el Campo de las Naciones de Madrid, aunque L´Auditori de Barcelona acogió por primera vez una gala de la Academia en el año 2000 y la gala del 25 aniversario de los Goya tuvo lugar en el Teatro Real de Madrid. La edición de 2013 es la primera que se organiza en el Centro de Congresos Príncipe Felipe de Madrid al haberse producido el cierre temporal de su sede habitual por motivos de seguridad.

La 27ª edición de los premios Goya ha significado una vuelta a la tradición de la alfombra roja. Cualquier evento mediático que se precie no puede prescindir de su correspondiente tapete carmesí. En los Goya ha sido así hasta el año 2007, cuando los patrocinadores de la gala decidieron que el color verde ayudaría a significar estos premios. Pero la iniciativa no duró mucho ya que en 2012 se recuperó su color original.

Cuando se habla de alfombra roja es inevitable pensar en desfiles de estrellas. La moda nacional, pero sobre todo internacional, ha estado muy presente este año. En los Goya de 2013 ha habido adornos para todos los gustos, con un denominador común: el “total black”. Las artistas más consagradas apostaron por este look que sublima la elegancia -correcta aunque algo embutida Belén Rueda, de Carolina Herrera, magníficas Ángela Molina y Aitana Sánchez Gijón, ambas de Lorenzo Caprile- o no -indescriptible el modelo de Ana Milán, vestida por Vicky Martín Berrocal-.

Los más glamurosos de la noche fueron los actores Javier Bardem -impecable- y José Coronado, un clásico.  Muy sobrios en esmoquin posaron los intérpretes más jóvenes Quim Gutiérrez, de Dolce y Gabbana, Álex González y Miguel Ángel Silvestre, de Armani y Jan Cornet, de Dior.  Los que rompieron la imposición del traje oscuro fueron el humorista José Corbacho con americana de terciopelo morado, los actores Paco León con chaqueta azul marino, marcando tendencia, y Luis Fernández, de gris. El compositor Alfonso de Vilallonga, ganador del premio a la mejor música original por Blancanieves, puso la nota de color con un traje sin corbata verde metalizado.

Aciertos de la gala: la desinhibición, la crítica y la libertad de expresión, el reconocimiento artístico a Concha Velasco y José Sacristán, Eva Hache luciendo vestuario para promocionar la “marca España”.

Desaciertos: la confusión de Adriana Ugarte y Carlos Santos, la ausencia de actuaciones musicales, los soporíferos agradecimientos de los ganadores a sus familiares, amigos de la infancia y ositos de peluche.

+info:

Premios Goya 2013. Relación de premiados por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España

Moda. Fotogalería de asistentes a la Gala de los Premios Goya 2013

Leer artículo relacionado: Entrevista a los ganadores franceses de los Premios Goya 2013


Cosas que hacer en 15 minutos

Moderne Farbkoncepte. Albert Oehlen.

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Albert-Oehlen-Sin-titulo-1998

Albert Oehlen. “Sin título” (En el país de los motivos ya no hay luz), 1998. Fuente: abc.es Loff.it (Licencia CC)

Los cuadros de Albert Oehlen no se contemplan. Se miran, se perciben, se imprimen en la retina. Se pasan revista. Fugazmente. Casi con prisa. No es Oehlen un pintor reposado, ni en los trazos, ni en la composición visual.  De hecho, es un artista perfecto para los tiempos que corren: si te detienes ante uno de sus cuadros tienes la impresión de que el tiempo avanza, de que una fuerza te impulsa a ir más deprisa, y casi te sientes culpable de que tu cerebro esté invirtiendo demasiado tiempo -segundos en realidad- en intentar descifrar las claves de unas formas prácticamente imposibles de relacionar con una idea o contexto conocido. Pero si logras alcanzar esa sensación habrás comprendido el significado de la “autonomía de la pintura”, una noción ideada por el propio Oehlen a la que el artista se refería en una entrevista concedida a ArtForum en el año 1994:

“Por autonomía entiendo algo muy simple. Parece que hoy día la pintura no puede ocurrir sin una razón. Ha dejado de ser una forma “automática” o reflexiva de hacer arte. Cuando leo críticas de arte me irritan las razones tan ridículas que la gente suele encontrar para justificar un cuadro. Muchos pintores son esclavos de sus proyectos, buscan motivos como “cambiar las costumbres visuales” o “romper las reglas de la percepción”,  innovar en el uso de una técnica concreta, en el trazado o  en los principios estéticos. Justificaciones de ese tipo. Por “autonomía” entiendo actuar sin tener que caer en esas actitudes tan absurdas.”

Electrodom. Albert Oehlen. Óleo y papel sobre lienzo.

Albert Oehlen. “Electrodom”. Óleo y papel sobre lienzo. Fuente: Wylio (Licencia CC)

La muestra -reducida- de la última etapa artística de Oehlen que se expone en La Casa Encendida abarca cuadros desde principios de la década de 1990 hasta la actualidad. Se trata de un conjunto heterogéneo de pinturas, dibujos y collages que destacan por el uso del color, pero sobre todo por la combinación de técnicas y estilos contrapuestos que mezclan la abstracción, el expresionismo, el arte figurativo, el surrealismo y el Pop art -llamativo un collage con la imagen promocional de unos filetes de hígado ofertados por un conocido supermercado español- (Oehlen vive a caballo entre Alemania, Suiza y España).

Albert-Oehlen-Despues-1995

Albert Oehlen. “Después”, 1995. Fuente: abc.es Loff.it (Licencia CC)

El recorrido por esta selección de pinturas y dibujos se completa en un escaso cuarto de hora. Al término de la exposición el espectador se queda con ganas de ver algo más, quizá alguna obra anterior a los años 1990 perteneciente a la época figurativa de Oehlen que permitiese poner en contexto el conjunto expuesto al público en esta ocasión. De cualquier modo es de celebrar la inclusión en la muestra de la producción más reciente del pintor: los dibujos-pinturas al carboncillo ejecutados en 2012, sorprendentes por sus extraordinarias dimensiones (Ohne Title: 200 x 270 cm) o las composiciones inspiradas en el arte digital (Dj Techno, 2001).

Recomendación: para los seguidores de Oehlen y los amantes de las vanguardias

+ info:

Biografía Albert Oehlen (Krefeld, Alemania, 1954).

Exposición Moderne Farbkoncepte. (Conceptos modernos del color). Podcast: entrevista con Albert Oehlen (audio).

La Casa Encendida. Ronda de Valencia, 2. Madrid. Del 1 de febrero al 5 de mayo 2013. Horario: de 10:00 a 21:45 horas. Entrada libre

Saatchi Gallery. Reino Unido. Monográfico Albert Oehlen.

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