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Exposición Mitos del siglo XX. Cecil Beaton

16 Ago

Últimos días. Hasta el 19 de agosto 2018

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Exposición “Mitos del siglo XX” en la Fundación Canal. Retrato de la poeta y escritora Edith Sitwell por Cecil Beaton (1962).

Exposición “Mitos del siglo XX” en la Fundación Canal. Retrato de la poeta y escritora Edith Sitwell por Cecil Beaton (1962). Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Cecil Beaton fue la historia de una ambición. No rubia, como Marilyn Monroe, a quien tuvo oportunidad de retratar, sino de un elegante blanco y negro, como el de sus reconocidas fotografías. Hijo de la clase media británica de los años veinte, logró ascender y convertirse en el retratista oficial de la reina Isabel II de Inglaterra. Suyas son las instantáneas de la coronación de la monarca más longeva de la historia o las primeras fotografías del recién nacido príncipe Charles presentado al mundo por su soberana madre.

La primera exposición retrospectiva de Cecil Beaton en España reúne 116 retratos seleccionados de celebridades del siglo XX. Intelectuales, políticos y sobre todo personalidades del arte y de la cultura frecuentados por el autor, quien además de fotógrafo fue un reputado director de escena y diseñador de vestuario en distintas producciones teatrales y películas de Hollywood.

Marilyn Monroe en su suite del Hotel Ambassador, en Nueva York (1956).

Marilyn Monroe en su suite del Hotel Ambassador, en Nueva York (1956). El fotógrafo tuvo que esperar a la actriz durante más de una hora, algo habitual en ella. Copyright: The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s.

Audrey Hepburn en el plató de “My Fair Lady” (1963), película cuyos decorados y vestuario fueron diseñados por Cecil Beaton. La película ganó dos Oscars a la mejor dirección artística y diseño de vestuario.

Audrey Hepburn en el plató de “My Fair Lady” (1963), cuyos decorados y vestuario fueron diseñados por Cecil Beaton. Copyright: The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s.

La actriz y cantante Barbra Streisand fotografiada por Cecil Beaton en 1969 en el rodaje de “Vuelve a mi lado”. Beaton también diseñó el vestuario de la película.

La actriz y cantante Barbra Streisand fotografiada por Cecil Beaton en 1969 en el rodaje de “Vuelve a mi lado”. Beaton también diseñó el vestuario de la película. Copyright: The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s.

La composición fotográfica en Cecil Beaton merece un calificativo aparte. Pero no son solo los decorados o el contexto lo que más llama la atención en sus retratos sino los juegos visuales, a menudo sostenidos mediante el uso de espejos, que no persiguen el caos sino el orden y la perfecta simetría.

Montaje fotográfico de Fred Astaire y su hermana Adele (1930).

Montaje fotográfico de Fred Astaire y su hermana Adele (1930). Copyright: The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s.

El escritor André Malraux retratado por Cecil Beaton durante su etapa como ministro de Información de Francia (1946).

El escritor André Malraux retratado por Cecil Beaton durante su etapa como ministro de Información de Francia (1946). Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El periodista y escritor Tom Wolfe fotografiado por Beaton en 1969.

El periodista y escritor Tom Wolfe fotografiado por Beaton en 1969. Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La visión de Beaton siempre fue más esteta que vanguardista. Y sin duda, disfrutaba más plasmando la belleza formal y clásica de los años cuarenta y cincuenta que la posmodernidad y el boho-chic de los años setenta.

La actriz y sex symbol Mae West posando frente al objetivo de Cecil Beaton en su casa de Los Ángeles (1970).

La actriz y sex symbol Mae West posando frente al objetivo de Cecil Beaton en su casa de Los Ángeles (1970). Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Andy Warhol fotografiado por Beaton junto a sus acompañantes, los “Warhol Superstars” (1969). Al finalizar la sesión, el artista neoyorquino le regaló al fotógrafo una serigrafía de Marilyn Monroe.

Andy Warhol fotografiado por Beaton junto a sus acompañantes, los “Warhol Superstars” (1969). Al finalizar la sesión, el artista neoyorquino le regaló al fotógrafo una serigrafía de Marilyn Monroe. Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Universo Rolling Stone. Imagen de Anita Pallenberg y Brian Jones tomada por Cecil Beaton en Marrakesh. A ella la describió en estos términos: “sucia cara blanca, sucios ojos ennegrecidos, sucio pelo amarillo pollo y alhajas de salvaje”.

Universo Rolling Stone. Imagen de Anita Pallenberg y Brian Jones tomada por Cecil Beaton en Marrakesh. A ella la describió en estos términos: “sucia cara blanca, sucios ojos ennegrecidos, sucio pelo amarillo pollo y alhajas de salvaje”. Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El reinado de Cecil Beaton se alargó durante cuatro décadas (desde los años treinta hasta finales de los sesenta). Su percepción de la realidad fue cambiando en función de sus vivencias y a menudo fue claramente subjetiva. Hedonista en los primeros años e influida por una juventud disoluta, su visión del siglo XX se oscureció durante los años de la segunda guerra mundial para volver a brillar en las décadas más prósperas de la sociedad de consumo.

Salvador Dalí y su musa, Gala, en 1936. La composición recrea una obra del pintor, “Pareja con las cabezas llenas de nubes”.

Salvador Dalí y su musa, Gala, en 1936. La composición recrea una obra del pintor, “Pareja con las cabezas llenas de nubes”. Copyright: The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s.

El escritor Aldous Huxley, autor de la novela distópica “Un mundo feliz”, según Cecil Beaton (1936).

El escritor Aldous Huxley, autor de la novela distópica “Un mundo feliz”, (1936). Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El pintor Pablo Picasso fotografiado en 1944 en su estudio, tras la liberación de París, al final de la Segunda Guerra Mundial.

El pintor Pablo Picasso fotografiado en 1944 en su estudio, tras la liberación de París, al final de la Segunda Guerra Mundial. Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“The Rat Pack” (Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. y Dean Martin) posando ante Cecil Beaton en 1964.

“The Rat Pack” (Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. y Dean Martin) posando ante Cecil Beaton en 1964. Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Los años setenta fueron los últimos que pasaron por el objetivo de Cecil Beaton, una década protagonizada por personalidades emergentes que poco tenían que ver con el glamour de Hollywood y la época dorada del cine. Tras sufrir un derrame cerebral que lo dejó paralizado, Beaton dejó caer el telón el 18 de enero de 1980. Sus fotografías ya habían comenzado a subastarse en Sotheby´s durante los últimos años de su vida.

+ info:

→Exposición “Mitos del siglo XX”. Cecil Beaton. Sección oficial de PhotoEspaña 2018. Fundación Canal. C/ Mateo Inurria, 2. Madrid. Hasta el 19 de agosto. Entrada libre. Horario: Lunes a domingo de 11:00 a 20:00. Miércoles: 11:00 a 15:00.

Cecil Beaton. autoretrato

Cecil Beaton. Autoretrato. Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El británico Cecil Beaton (1904-1980) se inició como retratista de la mano de su niñera, aficionada a la fotografía. A pesar de no tener estudios, su talento con la cámara pronto le permitió darse a conocer en la meca del cine. Fue ilustrador, fotógrafo de prensa y diseñador de arte. Beaton ganó dos premios de la academia de Hollywood al mejor vestuario por las películas Gigi (1958) y My Fair Lady (1964) y otro más a la mejor dirección artística por esta última. También recibió cuatro premios Tony por su trabajo en distintas producciones teatrales de Broadway (Contradanza, en 1955, My Fair Lady, en 1957, Saratoga, en 1960 y Coco, en 1970).

Exposición. Stephen Shore o el espíritu de la contradicción

19 Nov

Últimos días. Hasta el 23 de noviembre.

Autora: Samia Benaissa Pedriza

“U.S. 97, Sur de Klamath Falls, Oregón (1973)”. Stephen Shore.

“U.S. 97, Sur de Klamath Falls, Oregón (21 de Julio de 1973)”. Stephen Shore. Fuente: http://www.ruralc.com (Licencia CC).

Stephen Shore es un rebelde, le gusta nadar a contracorriente en la marea de tendencias y modas instauradas desde que la fotografía se convirtió en arte, allá mediados los setenta. Aunque el carácter alternativo de Shore se manifestó bastante tiempo atrás. La Fundación Mapfre ofrece la primera retrospectiva del artista en España con una muestra de 300 obras expuestas cronológicamente desde los años sesenta hasta la actualidad. El recorrido es extenso e incluye tanto la producción más reconocida de Shore como fotografías inéditas.

La rebeldía de Shore podría también interpretarse como exceso de creatividad. A los nueve años descubrió tempranamente su vocación y con solo 14 catorce logró que el MOMA (Museo de Arte moderno de Nueva York) le comprase tres fotografías. Entre 1965 y 1967 trabajó para la Factory de Andy Warhol. Y es posible que fuese allí donde encontró la inspiración para sus primeras series fotográficas. “Me atraen las variaciones sobre un mismo tema” afirma Shore, que en su día también fue técnico de iluminación de los conciertos de The Velvet Underground.

La obra más reconocida de Stephen Shore American Surfaces (1971-1972) y Uncommon Places (1973-1981) ocupa un lugar central en la exposición. Shore sorprendió a los puristas con estas series de imágenes de tipo amateur, de apariencia común y corriente sobre objetos y espacios de la vida cotidiana estadounidense. La  “Snapshotness”, término inventado por Shore para referirse a esas tomas fotográficas, no obtuvo buenas críticas en los setenta. En aquella época Shore hacía justo lo contrario que los demás fotógrafos, mucho más preocupados por reivindicar la fotografía artística. Utilizaba cámaras de 35 mm como todos, pero también cámaras de gran formato para lograr fotografías en color que, por su dificultad, le obligaban a hacer una sola toma.

“Beverly Boulevard y La Brea Avenue, Los Angeles, 1975”. Stephen Shore.

“Beverly Boulevard y La Brea Avenue, Los Angeles, 21 de junio de 1975”. Stephen Shore. Fuente: http://www.futuropasado.com (Licencia CC).

“Sunset Drive In, West 9th Avenue, Amarillo, Texas, 1974”. Stephen Shore.

“Sunset Drive In, West 9th Avenue, Amarillo, Texas, 1974”. Stephen Shore. Fuente: http://www.ruralc.com (Licencia CC).

Posteriormente en la serie Winslow, Arizona, realizada ya con cámaras digitales, Shore decidió que la comodidad no le motivaba y  que seguiría poniéndose a prueba haciendo una sola toma para capturar imágenes. Una actitud tan genial como la reflejada en las tomas únicas de las películas de Woody Allen.

Para elaborar American Surfaces  viajó por Estados Unidos durante 18 meses. “A los dos días de empezar el viaje me di cuenta de que le estaba haciendo fotos a lo que comía, a las camas en las que dormía. Estaba haciendo un diario”. Algo quizá no tan alejado de las fotografías de la gente común colgadas a diario en las redes sociales, pero con 40 años de antelación.

“Habitación 125, Westbank Motel, Idaho Falls, Idaho (18 de julio de 1973)”. “Uncommon Places”. Stephen Shore.

“Habitación 125, Westbank Motel, Idaho Falls, Idaho (18 de julio de 1973)”. Pertenece a la serie “Uncommon Places”. Stephen Shore. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

“Carretera Federal 89, Arizona, junio de 1972” Stephen Shore. “American Surfaces”.

“Carretera Federal 89, Arizona, junio de 1972” Stephen Shore. De la serie “American Surfaces”. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

Uncommon Places, publicada como monografía en 1982 se convirtió en el libro de cabecera sobre el color de los fotógrafos profesionales. Shore utilizaba cámaras Leica y Nikon. En la colección de postales Greetings from Amarillo, Tall in Texas (1971) mostró diez imágenes sobre lugares desconocidos de la ciudad de Amarillo. En Florida fotografió una icónica imagen acuática (Ginger Shore Causeway Inn, Tampa, Florida, 1977) y en Road Trip Journal  capturó, en sus numerosos viajes por la geografía estadounidense, múltiples espacios y objetos aparentemente irrelevantes (tickets, facturas, neveras, cuartos de baño, habitaciones de hotel, etc.). Algunas composiciones recuerdan inevitablemente a los cuadros del pintor Edward Hopper. Pura imaginería pop.

“Ginger Shore, Causeway Inn, Tampa, Florida” (Stephen Shore, 1977). “Uncommon Places”.

“Ginger Shore, Causeway Inn, Tampa, Florida” (Stephen Shore, 1977). Pertenece a la serie “Uncommon Places”. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

“Greetings from Amarillo” (Stephen Shore, 1971).

“Greetings from Amarillo” (Stephen Shore, 1971). Fuente: www. pasadofuturo.com (Licencia CC).

En 1980 el artista se fue a vivir a Montana y abandonó las representaciones de paisajes urbanos para dedicarse a fotografiar espacios naturales y rurales (serie de Essex County). Shore se marcó el reto de lograr perspectivas que ya no se podían lograr con las formas arquitectónicas de la ciudad.  Por el contrario, Shore la busca ahora en elementos naturales (rocas, acantilados, carreteras, líneas del horizonte, etc.).

Paisajes rurales de Stephen Shore en la Fundación Mapfre de Madrid.

Paisajes rurales de Stephen Shore en la Fundación Mapfre de Madrid. Fuente: http://www.ruralc.com (Licencia CC).

En 1990, de nuevo a contracorriente de la moda vigente hace dos décadas, decidió fotografiar solo en blanco y negro durante un plazo de diez años.  Y Shore cumplió su promesa, precisamente él  que había sido un maestro del color. De vuelta en Nueva York  fotografío algunas panorámicas de la ciudad en la serie New York City  (2000-2002) aunque, una vez más, lo hizo a su modo, con una cámara de placas como técnica alternativa.

Panorámicas de Nueva York en la Fundación Mapfre. Stephen Shore.

Panorámicas de Nueva York en la Fundación Mapfre. Stephen Shore. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

“Nueva York, NY, 2000-2002”. Stephen Shore.

“Nueva York, NY, 2000-2002”. Stephen Shore. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

Ya en pleno siglo XXI Shore dedicó una serie, Ucrania (2012-2013), a los judíos ucranios refugiados en el Este tras el Holocausto. Una vez más el artista se centró en los objetos en lugar de en los sujetos. “Era la primera vez que me enfrentaba a una temática con tanta carga emocional. El problema era hacer fotografías que comunicaran ese nivel emocional pero que no lo explotasen“. Como en el pasado, ni dramas ni sentimentalismos que pudieran desprenderse de sus fotografías.

Fotografía de la serie “Ucrania” (2012-2013). Stephen Shore.

Fotografía de la serie “Ucrania” (2012-2013). Stephen Shore. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

En la actualidad, Stephen Shore está inmerso en un proyecto fotográfico en Instagram. Algo que considera coherente con su trayectoria, porque “si quitas los 30 años utilizando la 8×10, siempre me han atraído las formas populares de comunicación“. Y Shore afirma: “no quiero seguir creando una obra sin plantearme otro desafío. Hay una parte de mí que cuestiona las tendencias y los convencionalismos”. Genio y figura.

Stephen Shore en Madrid.

Stephen Shore en la presentación de su retrospectiva en la Fundación Mapfre. Fuente: http://www.ruralc.com (Licencia CC).

+ info:

Retrospectiva de Stephen Shore en la Fundación Mapfre. C/ Bárbara de Braganza 13. Madrid. Hasta el 23 de noviembre. Horario: lunes, de 14:00 a 20:00. Martes a sábado: de 10:00 a 20:00. Domingo y festivos: de 11:00 a 19:00. Entrada libre.

Visita virtual de la exposición Stephen Shore en la Fundación Mapfre.

Exposición “Mitos del Pop”. Cuando Marilyn bebía Coca Cola leyendo cómics de Mickey Mouse

15 Jun

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Collage de la exposición "Mitos del Pop".

Collage editado a partir de imágenes de la exposición “Mitos del Pop” (“Coca Cola (Tutto)”, 1972, de Mario Schifano, “Balancín rojo”, 1968-1969, de Öyvind Fahlström y “EAT eléctrico”, 1964-2007, de Robert Indiana. Fuentes: http://www.loffit.abc.es y http://www.eldiario.es. Licencia CC). Autora: Samia Benaissa Pedriza.

Al entrar en la exposición Mitos del Pop en el Museo Thyssen-Bornemizsa de Madrid uno tiene la impresión de estar pisando el umbral de una “Pop up store”. Sí, esas tiendas que surgen como hongos donde menos te lo esperas con una variedad de propuestas de bienes consumibles, populares y accesibles a todo tipo de público. En esta enésima revisión del Pop Art -aunque la primera en importancia en España desde el año 1992-, el visitante-consumidor encuentra de todo: un Warhol por aquí, un Lichtenstein por allá, un Hamilton en el hall o un Hockney en un couloir de pasada. No falta nada porque todos los grandes creadores que dieron alas a esta nueva forma de arte a finales de los años cincuenta están representados en las 104 obras, esculturas e instalaciones que configuran la muestra del museo Thyssen-Bornemisza.

Collage. Richard Hamilton.

“¿Qué es lo que hizo que los hogares de ayer fueran tan diferentes y atractivos?”. Richard Hamilton. Grabado de 1992 de un collage de 1959. Es la primera vez que la palabra “Pop” aparece en una creación artística. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

Mitos del Pop. Roy Lichtenstein.

“Look Mickey”, 1961 y “Mujer en el baño”, 1963. Roy Lichtenstein. Fuentes: http://www.eldiario.es y http://www.loffit.abc.es (Licencia CC).

Leer crónica completa de la exposición “Mitos del Pop”.

Homenaje a Lou Reed. Adiós al “animal del rock and roll”

28 Oct

Autora: Samia Benaissa Pedriza

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El artista neoyorquino Lou Reed. Fuente: http://www.cronicanorte.es (Licencia CC)

El 27 de octubre de 2013 fallecía en Long Island (N.Y.) a los 71 años de edad, Lou Reed, cofundador de la mítica Velvet Underground y leyenda viva del rock alternativo, del punk y del glam de los últimos cincuenta años. Reed, que recibió un trasplante de hígado el pasado mes de mayo, deja huérfanos a sus seguidores de todo el mundo. Su último trabajo fue el álbum Lulu (2011), una recopilación de temas basados en la obra del dramaturgo alemán Frank Wedekind, editado en colaboración con la banda de hard rock, Metallica.

Ver videohomenaje a Lou Reed.