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Exposición Mitos del siglo XX. Cecil Beaton

16 Ago

Últimos días. Hasta el 19 de agosto 2018

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Exposición “Mitos del siglo XX” en la Fundación Canal. Retrato de la poeta y escritora Edith Sitwell por Cecil Beaton (1962).

Exposición “Mitos del siglo XX” en la Fundación Canal. Retrato de la poeta y escritora Edith Sitwell por Cecil Beaton (1962). Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Cecil Beaton fue la historia de una ambición. No rubia, como Marilyn Monroe, a quien tuvo oportunidad de retratar, sino de un elegante blanco y negro, como el de sus reconocidas fotografías. Hijo de la clase media británica de los años veinte, logró ascender y convertirse en el retratista oficial de la reina Isabel II de Inglaterra. Suyas son las instantáneas de la coronación de la monarca más longeva de la historia o las primeras fotografías del recién nacido príncipe Charles presentado al mundo por su soberana madre.

La primera exposición retrospectiva de Cecil Beaton en España reúne 116 retratos seleccionados de celebridades del siglo XX. Intelectuales, políticos y sobre todo personalidades del arte y de la cultura frecuentados por el autor, quien además de fotógrafo fue un reputado director de escena y diseñador de vestuario en distintas producciones teatrales y películas de Hollywood.

Marilyn Monroe en su suite del Hotel Ambassador, en Nueva York (1956).

Marilyn Monroe en su suite del Hotel Ambassador, en Nueva York (1956). El fotógrafo tuvo que esperar a la actriz durante más de una hora, algo habitual en ella. Copyright: The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s.

Audrey Hepburn en el plató de “My Fair Lady” (1963), película cuyos decorados y vestuario fueron diseñados por Cecil Beaton. La película ganó dos Oscars a la mejor dirección artística y diseño de vestuario.

Audrey Hepburn en el plató de “My Fair Lady” (1963), cuyos decorados y vestuario fueron diseñados por Cecil Beaton. Copyright: The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s.

La actriz y cantante Barbra Streisand fotografiada por Cecil Beaton en 1969 en el rodaje de “Vuelve a mi lado”. Beaton también diseñó el vestuario de la película.

La actriz y cantante Barbra Streisand fotografiada por Cecil Beaton en 1969 en el rodaje de “Vuelve a mi lado”. Beaton también diseñó el vestuario de la película. Copyright: The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s.

La composición fotográfica en Cecil Beaton merece un calificativo aparte. Pero no son solo los decorados o el contexto lo que más llama la atención en sus retratos sino los juegos visuales, a menudo sostenidos mediante el uso de espejos, que no persiguen el caos sino el orden y la perfecta simetría.

Montaje fotográfico de Fred Astaire y su hermana Adele (1930).

Montaje fotográfico de Fred Astaire y su hermana Adele (1930). Copyright: The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s.

El escritor André Malraux retratado por Cecil Beaton durante su etapa como ministro de Información de Francia (1946).

El escritor André Malraux retratado por Cecil Beaton durante su etapa como ministro de Información de Francia (1946). Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El periodista y escritor Tom Wolfe fotografiado por Beaton en 1969.

El periodista y escritor Tom Wolfe fotografiado por Beaton en 1969. Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

La visión de Beaton siempre fue más esteta que vanguardista. Y sin duda, disfrutaba más plasmando la belleza formal y clásica de los años cuarenta y cincuenta que la posmodernidad y el boho-chic de los años setenta.

La actriz y sex symbol Mae West posando frente al objetivo de Cecil Beaton en su casa de Los Ángeles (1970).

La actriz y sex symbol Mae West posando frente al objetivo de Cecil Beaton en su casa de Los Ángeles (1970). Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Andy Warhol fotografiado por Beaton junto a sus acompañantes, los “Warhol Superstars” (1969). Al finalizar la sesión, el artista neoyorquino le regaló al fotógrafo una serigrafía de Marilyn Monroe.

Andy Warhol fotografiado por Beaton junto a sus acompañantes, los “Warhol Superstars” (1969). Al finalizar la sesión, el artista neoyorquino le regaló al fotógrafo una serigrafía de Marilyn Monroe. Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Universo Rolling Stone. Imagen de Anita Pallenberg y Brian Jones tomada por Cecil Beaton en Marrakesh. A ella la describió en estos términos: “sucia cara blanca, sucios ojos ennegrecidos, sucio pelo amarillo pollo y alhajas de salvaje”.

Universo Rolling Stone. Imagen de Anita Pallenberg y Brian Jones tomada por Cecil Beaton en Marrakesh. A ella la describió en estos términos: “sucia cara blanca, sucios ojos ennegrecidos, sucio pelo amarillo pollo y alhajas de salvaje”. Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El reinado de Cecil Beaton se alargó durante cuatro décadas (desde los años treinta hasta finales de los sesenta). Su percepción de la realidad fue cambiando en función de sus vivencias y a menudo fue claramente subjetiva. Hedonista en los primeros años e influida por una juventud disoluta, su visión del siglo XX se oscureció durante los años de la segunda guerra mundial para volver a brillar en las décadas más prósperas de la sociedad de consumo.

Salvador Dalí y su musa, Gala, en 1936. La composición recrea una obra del pintor, “Pareja con las cabezas llenas de nubes”.

Salvador Dalí y su musa, Gala, en 1936. La composición recrea una obra del pintor, “Pareja con las cabezas llenas de nubes”. Copyright: The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby’s.

El escritor Aldous Huxley, autor de la novela distópica “Un mundo feliz”, según Cecil Beaton (1936).

El escritor Aldous Huxley, autor de la novela distópica “Un mundo feliz”, (1936). Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El pintor Pablo Picasso fotografiado en 1944 en su estudio, tras la liberación de París, al final de la Segunda Guerra Mundial.

El pintor Pablo Picasso fotografiado en 1944 en su estudio, tras la liberación de París, al final de la Segunda Guerra Mundial. Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

“The Rat Pack” (Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. y Dean Martin) posando ante Cecil Beaton en 1964.

“The Rat Pack” (Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. y Dean Martin) posando ante Cecil Beaton en 1964. Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

Los años setenta fueron los últimos que pasaron por el objetivo de Cecil Beaton, una década protagonizada por personalidades emergentes que poco tenían que ver con el glamour de Hollywood y la época dorada del cine. Tras sufrir un derrame cerebral que lo dejó paralizado, Beaton dejó caer el telón el 18 de enero de 1980. Sus fotografías ya habían comenzado a subastarse en Sotheby´s durante los últimos años de su vida.

+ info:

→Exposición “Mitos del siglo XX”. Cecil Beaton. Sección oficial de PhotoEspaña 2018. Fundación Canal. C/ Mateo Inurria, 2. Madrid. Hasta el 19 de agosto. Entrada libre. Horario: Lunes a domingo de 11:00 a 20:00. Miércoles: 11:00 a 15:00.

Cecil Beaton. autoretrato

Cecil Beaton. Autoretrato. Copyright: Fundación Canal. Fuente: Samia Benaissa Pedriza.

El británico Cecil Beaton (1904-1980) se inició como retratista de la mano de su niñera, aficionada a la fotografía. A pesar de no tener estudios, su talento con la cámara pronto le permitió darse a conocer en la meca del cine. Fue ilustrador, fotógrafo de prensa y diseñador de arte. Beaton ganó dos premios de la academia de Hollywood al mejor vestuario por las películas Gigi (1958) y My Fair Lady (1964) y otro más a la mejor dirección artística por esta última. También recibió cuatro premios Tony por su trabajo en distintas producciones teatrales de Broadway (Contradanza, en 1955, My Fair Lady, en 1957, Saratoga, en 1960 y Coco, en 1970).

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Exposición. Tras los pasos de Inge Morath

18 Sep

Últimos días

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Paisaje cerca de Viena. Inge Morath

El Danubio y sus gentes fotografiados por Inge Morath. “Paisaje cerca de Viena”, 1958. Fuente: Fundación Telefónica (prensa).

Dicen que tras un gran hombre siempre se esconde una gran mujer. En el caso de Inge Morath además puede decirse que ocurrió de forma literal, porque la fotógrafa estadounidense de origen austríaco conoció al gran Arthur Miller tras el visor de una lente fotográfica, durante el rodaje de Vidas Rebeldes en 1960. El célebre dramaturgo estaba casado por entonces con la rutilante Marilyn Monroe, aunque el matrimonio ya hacía aguas por todas partes. Morath y Miller se casaron en 1962, cuando el autor de Muerte de un viajante ya era una figura internacional de las letras. A pesar de ello, la figura de su esposa no se vio ensombrecida. No en vano Inge Morath había sido la primera mujer en formar parte de la reconocida agencia Magnum. Su talento se desarrolló a lo largo de cinco fructíferas décadas, hasta su fallecimiento en el año 2002.

Desde entonces la fundación que lleva su nombre gestiona el premio Inge Morath concedido a las fotógrafas más destacadas menores de treinta años. Ahora, un proyecto encabezado por Olivia Arthur, Claire Martin, Emily Schiffer y la española Lurdes R. Basolí ha querido rendir homenaje a la obra de Inge Morath. Ocho fotógrafas ganadoras en distintas ediciones del galardón que concede la agencia Magnum, se reunieron en 2014 en un viaje por carretera para recrear el tránsito que llevó a cabo Morath por el Danubio a lo largo de los años.

En la exposición de la Fundación Telefónica comparten espacio icónicas instantáneas de Morath junto a una serie ecléctica de trabajos de Kathryn Cook, Jessica Dimmock, Claudia Guadarrama, Ami Vitale y las propias Olivia Arthur, Lurdes R. Basolí, Claire Martin y Emily Schiffer.

Carrying History. Schiffer.

Dos fotografías de la serie “Carrying history” (2014) por Emily Schiffer. Fuente: Fundación Telefónica (prensa).

In and out of love. Arthur

“In and out of love” (2014) de Olivia Arthur. Fuente: Fundación Telefónica (prensa).

Cada una de las jóvenes fotógrafas ofrece su particular visión del Danubio, desde su nacimiento en la Selva negra alemana hasta su desembocadura en el Mar Negro en Rumanía.

Danubio. Guadarrama.

Instantánea de Claudia Guadarrama (2014). Autora de la fotografía tomada en la Fundación Telefónica: Samia Benaissa Pedriza.

→Documental Diario de un viaje: un homenaje a Inge Morath. Fuente: Fundación Telefónica. Duración: 25:29 minutos.

Algunas profesionales trataron de buscar las mismas fuentes de inspiración que Inge Morath. Otras dejaron fluir su imaginación, huyendo de las ideas preconcebidas sobre el concepto de río. Y otras simplemente dieron satisfacción a los deseos de sus hijos pequeños y se embarcaron en una aventura nocturna y fantástica por las corrientes que atraviesan los bosques de la Selva negra. Aunque sí se consensuó un denominador común en las imágenes tomadas por cada una de las ocho fotógrafas: el humanismo que se desprendía de las imágenes captadas por el objetivo de Inge Morath.

Morath. Martin

Niños jugando en el Danubio fotografiados por Inge Morath. Yugoslavia. Smederevo, 1958. Créditos: Inge Morath Foundation/Magnum Photos. A la dcha., “River Boys”, 2014 de Claire Martin. Fuentes: Fundación Telefónica (prensa).

Black Forest. Cook.

Serie “Black Forest” (2014) de Kathryn Cook. La autora persiguió a las hadas que viven en los árboles como le prometió a su hija Luna. Se entrañó en la Selva negra para experimentar con el flash en condiciones de baja luminosidad. Autora de las fotografías tomadas en la Fundación Telefónica: Samia Benaissa Pedriza.

El viaje de Inge Morath por el Danubio comenzó cuando la fotógrafa contaba poco más de treinta años de edad y finalizó en 1995 cuando la caída del Telón de acero le permitió acceder a los países de la Europa del Este que habían quedado aislados por la Guerra Fría. Morath se centró no tanto en ilustrar imágenes acuáticas o de naturaleza exuberante, sino en mostrar escenas de la vida cotidiana de la gente común. Se trata de instantáneas de un viaje interrumpido y constituido a lo largo de las décadas que ofrece al espectador una impagable visión histórica y sociológica del centro de Europa desde una perspectiva plural, subjetiva y atemporal. Las imágenes de la realidad capturadas en 2014 por sus discípulas completan el cuadro general y cierran el círculo del tiempo.

Cementerio de los sin nombre. Morath

“Cementerio de los sin nombre”. Austria, 1959. Por Inge Morath. Autora de la fotografía tomada en la Fundación Telefónica: Samia Benaissa Pedriza.

Día festivo. Morath

Escenas cotidianas a orillas del Danubio: día festivo. Por Inge Morath. Autora de las fotografías tomadas en la Fundación Telefónica: Samia Benaissa Pedriza.

+ info:

La exposición Tras los pasos de Inge Morath está abierta al público hasta el 02 de octubre de 2016 en la Fundación Telefónica (c/ Fuencarral, 3. Madrid). Horario: martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas. Entrada libre.

La muestra, organizada en el marco de PHotoEspaña 2016, reúne a más de 150 fotografías, entre ellas, 60 copias originales de Inge Morath pertenecientes a la Fotohof Gallerie.

Autoretrato. Inge Morath.

Autoretrato de Inge Morath tomado en la década de los noventa. Fuente: Internet.

Inge Morath: Ingeborg Morath (1923-2002) se inició como periodista en Viena aunque acabó siendo directora de fotografía en películas de Hollywood en la década de 1950. Su director fetiche John Huston le dio la oportunidad de conocer a su futuro esposo, Arthur Miller, durante el rodaje de Vidas Rebeldes (1960). En las décadas de 1960 y 1970 Morath inició su serie de viajes por la antigua URSS, China, Estados Unidos y Europa.

Fue también apreciada como retratista, tanto de personajes célebres como de personas anónimas que fomentaban su inspiración. Su faceta menos conocida fue la de traductora de las obras de su marido y escritora de diarios de fotografía. En el último año de su vida, ya enferma de cáncer, Inge Morath volvió a la tierra de sus antepasados en la frontera con Eslovenia en un proyecto conjunto con la directora Regina Strassegger.

Exposición. Stephen Shore o el espíritu de la contradicción

19 Nov

Últimos días. Hasta el 23 de noviembre.

Autora: Samia Benaissa Pedriza

“U.S. 97, Sur de Klamath Falls, Oregón (1973)”. Stephen Shore.

“U.S. 97, Sur de Klamath Falls, Oregón (21 de Julio de 1973)”. Stephen Shore. Fuente: http://www.ruralc.com (Licencia CC).

Stephen Shore es un rebelde, le gusta nadar a contracorriente en la marea de tendencias y modas instauradas desde que la fotografía se convirtió en arte, allá mediados los setenta. Aunque el carácter alternativo de Shore se manifestó bastante tiempo atrás. La Fundación Mapfre ofrece la primera retrospectiva del artista en España con una muestra de 300 obras expuestas cronológicamente desde los años sesenta hasta la actualidad. El recorrido es extenso e incluye tanto la producción más reconocida de Shore como fotografías inéditas.

La rebeldía de Shore podría también interpretarse como exceso de creatividad. A los nueve años descubrió tempranamente su vocación y con solo 14 catorce logró que el MOMA (Museo de Arte moderno de Nueva York) le comprase tres fotografías. Entre 1965 y 1967 trabajó para la Factory de Andy Warhol. Y es posible que fuese allí donde encontró la inspiración para sus primeras series fotográficas. “Me atraen las variaciones sobre un mismo tema” afirma Shore, que en su día también fue técnico de iluminación de los conciertos de The Velvet Underground.

La obra más reconocida de Stephen Shore American Surfaces (1971-1972) y Uncommon Places (1973-1981) ocupa un lugar central en la exposición. Shore sorprendió a los puristas con estas series de imágenes de tipo amateur, de apariencia común y corriente sobre objetos y espacios de la vida cotidiana estadounidense. La  “Snapshotness”, término inventado por Shore para referirse a esas tomas fotográficas, no obtuvo buenas críticas en los setenta. En aquella época Shore hacía justo lo contrario que los demás fotógrafos, mucho más preocupados por reivindicar la fotografía artística. Utilizaba cámaras de 35 mm como todos, pero también cámaras de gran formato para lograr fotografías en color que, por su dificultad, le obligaban a hacer una sola toma.

“Beverly Boulevard y La Brea Avenue, Los Angeles, 1975”. Stephen Shore.

“Beverly Boulevard y La Brea Avenue, Los Angeles, 21 de junio de 1975”. Stephen Shore. Fuente: http://www.futuropasado.com (Licencia CC).

“Sunset Drive In, West 9th Avenue, Amarillo, Texas, 1974”. Stephen Shore.

“Sunset Drive In, West 9th Avenue, Amarillo, Texas, 1974”. Stephen Shore. Fuente: http://www.ruralc.com (Licencia CC).

Posteriormente en la serie Winslow, Arizona, realizada ya con cámaras digitales, Shore decidió que la comodidad no le motivaba y  que seguiría poniéndose a prueba haciendo una sola toma para capturar imágenes. Una actitud tan genial como la reflejada en las tomas únicas de las películas de Woody Allen.

Para elaborar American Surfaces  viajó por Estados Unidos durante 18 meses. “A los dos días de empezar el viaje me di cuenta de que le estaba haciendo fotos a lo que comía, a las camas en las que dormía. Estaba haciendo un diario”. Algo quizá no tan alejado de las fotografías de la gente común colgadas a diario en las redes sociales, pero con 40 años de antelación.

“Habitación 125, Westbank Motel, Idaho Falls, Idaho (18 de julio de 1973)”. “Uncommon Places”. Stephen Shore.

“Habitación 125, Westbank Motel, Idaho Falls, Idaho (18 de julio de 1973)”. Pertenece a la serie “Uncommon Places”. Stephen Shore. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

“Carretera Federal 89, Arizona, junio de 1972” Stephen Shore. “American Surfaces”.

“Carretera Federal 89, Arizona, junio de 1972” Stephen Shore. De la serie “American Surfaces”. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

Uncommon Places, publicada como monografía en 1982 se convirtió en el libro de cabecera sobre el color de los fotógrafos profesionales. Shore utilizaba cámaras Leica y Nikon. En la colección de postales Greetings from Amarillo, Tall in Texas (1971) mostró diez imágenes sobre lugares desconocidos de la ciudad de Amarillo. En Florida fotografió una icónica imagen acuática (Ginger Shore Causeway Inn, Tampa, Florida, 1977) y en Road Trip Journal  capturó, en sus numerosos viajes por la geografía estadounidense, múltiples espacios y objetos aparentemente irrelevantes (tickets, facturas, neveras, cuartos de baño, habitaciones de hotel, etc.). Algunas composiciones recuerdan inevitablemente a los cuadros del pintor Edward Hopper. Pura imaginería pop.

“Ginger Shore, Causeway Inn, Tampa, Florida” (Stephen Shore, 1977). “Uncommon Places”.

“Ginger Shore, Causeway Inn, Tampa, Florida” (Stephen Shore, 1977). Pertenece a la serie “Uncommon Places”. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

“Greetings from Amarillo” (Stephen Shore, 1971).

“Greetings from Amarillo” (Stephen Shore, 1971). Fuente: www. pasadofuturo.com (Licencia CC).

En 1980 el artista se fue a vivir a Montana y abandonó las representaciones de paisajes urbanos para dedicarse a fotografiar espacios naturales y rurales (serie de Essex County). Shore se marcó el reto de lograr perspectivas que ya no se podían lograr con las formas arquitectónicas de la ciudad.  Por el contrario, Shore la busca ahora en elementos naturales (rocas, acantilados, carreteras, líneas del horizonte, etc.).

Paisajes rurales de Stephen Shore en la Fundación Mapfre de Madrid.

Paisajes rurales de Stephen Shore en la Fundación Mapfre de Madrid. Fuente: http://www.ruralc.com (Licencia CC).

En 1990, de nuevo a contracorriente de la moda vigente hace dos décadas, decidió fotografiar solo en blanco y negro durante un plazo de diez años.  Y Shore cumplió su promesa, precisamente él  que había sido un maestro del color. De vuelta en Nueva York  fotografío algunas panorámicas de la ciudad en la serie New York City  (2000-2002) aunque, una vez más, lo hizo a su modo, con una cámara de placas como técnica alternativa.

Panorámicas de Nueva York en la Fundación Mapfre. Stephen Shore.

Panorámicas de Nueva York en la Fundación Mapfre. Stephen Shore. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

“Nueva York, NY, 2000-2002”. Stephen Shore.

“Nueva York, NY, 2000-2002”. Stephen Shore. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

Ya en pleno siglo XXI Shore dedicó una serie, Ucrania (2012-2013), a los judíos ucranios refugiados en el Este tras el Holocausto. Una vez más el artista se centró en los objetos en lugar de en los sujetos. “Era la primera vez que me enfrentaba a una temática con tanta carga emocional. El problema era hacer fotografías que comunicaran ese nivel emocional pero que no lo explotasen“. Como en el pasado, ni dramas ni sentimentalismos que pudieran desprenderse de sus fotografías.

Fotografía de la serie “Ucrania” (2012-2013). Stephen Shore.

Fotografía de la serie “Ucrania” (2012-2013). Stephen Shore. Fuente: http://www.eldiario.es (Licencia CC).

En la actualidad, Stephen Shore está inmerso en un proyecto fotográfico en Instagram. Algo que considera coherente con su trayectoria, porque “si quitas los 30 años utilizando la 8×10, siempre me han atraído las formas populares de comunicación“. Y Shore afirma: “no quiero seguir creando una obra sin plantearme otro desafío. Hay una parte de mí que cuestiona las tendencias y los convencionalismos”. Genio y figura.

Stephen Shore en Madrid.

Stephen Shore en la presentación de su retrospectiva en la Fundación Mapfre. Fuente: http://www.ruralc.com (Licencia CC).

+ info:

Retrospectiva de Stephen Shore en la Fundación Mapfre. C/ Bárbara de Braganza 13. Madrid. Hasta el 23 de noviembre. Horario: lunes, de 14:00 a 20:00. Martes a sábado: de 10:00 a 20:00. Domingo y festivos: de 11:00 a 19:00. Entrada libre.

Visita virtual de la exposición Stephen Shore en la Fundación Mapfre.

Pillados in fraganti (o no tanto). Terry O´Neill fotografía a los famosos

5 Ene

Terry O´Neill. El rostro de las leyendas. Últimos días en el Espacio Fundación Telefónica.

Autora: Samia Benaissa Pedriza

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Clint Eastwood en Arizona durante el rodaje del western “Joe Kidd” en 1972. Autor: Terry O´Neill. Autora fotografía EFT: Samia Benaissa Pedriza.

Las fotos de Terry O´Neill parecen muy fáciles de hacer. Cualquiera diría que tan solo se trata de enfocar y apretar el botón. Una sola toma basta para captar el instante, el momento histórico, el segundo en que una vivencia se congela para siempre y pasa a la posteridad en el universo de las estrellas rutilantes del cine, de la música o del deporte. Porque Terry O´Neill se convirtió sin casi desearlo en el fotógrafo de las celebridades de las décadas de 1960, 1970 y 1980. Una fotografía prácticamente fortuita de un desconocido dormido en el aeropuerto londinense de Heathrow que resultó ser el Secretario de Estado de Asuntos Exteriores británico le catapultó a la fama. El resto es literalmente historia: la primera fotografía de los Beatles publicada en la portada de un diario -que se agotó nada más salir a la calle en 1963-, la primera foto con teleobjetivo robada de un alto cargo de la CIA (un asesor de Robert Redford durante el rodaje de Los tres días del Cóndor), la instantánea de Marlene Dietrich durante su último concierto europeo en 1975 o los últimos retratos oficiales de Nelson Mandela tomados durante su noventa cumpleaños en 2008.

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Annie Leibovitz recibe el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 2013

26 Oct

“Me siento orgullosa de ser fotógrafa”

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Annie_Leibovitz

La fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz, Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 2013. Autor: Robert Scroble (Licencia CC).

La fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz recogió el premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 2013 en medio de la ovación unánime del público congregado en el teatro Campoamor de Oviedo, sede habitual de la entrega de los premios de la fundación Príncipe de Asturias. Los premios son los galardones más importantes concedidos anualmente por la sociedad española a las personalidades internacionales más destacadas del mundo de la cultura, la comunicación, la ciencia y el deporte.

Por todos es conocida la extraordinaria producción de Annie Leibovitz en publicaciones internacionales de la talla de Rolling Stone, Vanity Fair o Vogue, así como sus colaboraciones estelares en distintas campañas de publicidad. Aunque si por algo Annie Leibovitz ha destacado en el mundo de la fotografía ha sido por su trabajo como retratista. En su discurso de agradecimiento en los premios Príncipe de Asturias, Leibovitz confesó que fue reportera gráfica en un primer momento pero que “de repente me vi haciendo retratos.” Leibovitz manifestó que “el retrato me dio la libertad de poder tomar partido, de tener una opinión y de poder seguir contando historias”. Algo que la fotógrafa agradeció particularmente a la revista musical Rolling Stone, en la que comenzó su carrera en los años 1970 y que fue la primera publicación que la tomó en cuenta, “tanto como podía serlo una chica” en aquella época y profesión. Allí fue donde Leibovitz tuvo la oportunidad de regalar al mundo las últimas e inmortales instantáneas de John Lennon y Yoko Ono momentos antes de que el exbeatle fuera asesinado a las puertas de su apartamento en Nueva York el 8 de diciembre de 1980.

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Cuerpos oprimidos y liberados

9 Jun

Exposición “Escrito sobre el cuerpo”. Shirin Neshat. PhotoEspaña 2013.

Autora: Samia Benaissa Pedriza

Retratos de la serie “Tooba” (2002). Shirin Neshat

Tríptico de la serie “Tooba” (2002). Shirin Neshat. Autor: Espacio Fundación Telefónica (Imagen cedida para su uso en este blog)

Una muestra de la producción más reciente de la fotógrafa iraní Shirin Neshat se expone desde el 6 de junio de 2013 en el Espacio Fundación Telefónica en Madrid. La exposición se enmarca dentro de una nueva edición de PhotoEspaña dedicada en esta ocasión al cuerpo humano.

Las fotografías y video proyecciones que se exhiben al público muestran veinte fotografías y dos cortometrajes producidos por la propia creadora que abordan el tema de la opresión física, emocional y artística. Las fotografías pertenecen a distintas series que representan cuerpos humanos enfrentados a dramas sociales y conflictos personales o religiosos.

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